El arte en miniatura o la pintura en miniatura en poco es un género que se centra en el arte (especialmente la pintura, el grabado y la escultura) con una larga historia que se remonta a los escribas de la época medieval. Las sociedades de arte en miniatura, como la Federación Mundial de Miniaturistas (WFM), brindan definiciones aplicables del término. Una definición que se usa con frecuencia es que una pieza de arte en miniatura se puede sostener en la palma de la mano, o que cubre menos de 25 pulgadas cuadradas o 100 cm². Los sujetos se representan en 1/6 del tamaño real, y en todas las pinturas debe mantenerse el espíritu de miniaturización.
El arte en miniatura (arte en miniatura) es un género de arte en pequeña escala que incluye pintura, grabados, esculturas y más. La Asociación de Bellas Artes, la Federación Mundial de Miniaturistas (WFM) La definición es diferente, pero muchas organizaciones requieren que la obra de arte no sea mayor de 100 centímetros cuadrados. El encanto de una obra de arte es que se puede sostener en la palma de tu mano.
El arte en miniatura es una pequeña ilustración utilizada para decorar un manuscrito iluminado antiguo o medieval; las ilustraciones simples de los primeros códices han sido miniaturizados o delineados con ese pigmento. La escala generalmente pequeña de las imágenes medievales ha llevado en segundo lugar a una confusión etimológica del término con minuciosidad y a su aplicación a pequeñas pinturas, especialmente miniaturas de retratos, que sin embargo crecieron de la misma tradición y al menos inicialmente usaron técnicas similares.
Además de las tradiciones occidental y bizantina, existe otro grupo de tradiciones asiáticas, que en general es más ilustrativo por naturaleza, y desde los orígenes de la decoración de libros manuscritos también se desarrolló en pequeñas pinturas de una sola hoja para guardarlas en álbumes, que también se llaman miniaturas. , como los equivalentes occidentales en acuarela y otros medios no lo son. Estos incluyen miniaturas persas, y su Mughal, otomano y otros vástagos indios.
El arte en miniatura se ha fabricado durante más de 1000 años y es apreciado por los coleccionistas. La Casa Blanca de EE. UU., El Museo de Arte Americano Smithsonian, el Castillo Astolat Dollhouse y museos de todo el mundo tienen colecciones de pinturas en miniatura, dibujos, grabados y grabados originales y esculturas.
La pintura en miniatura significa literalmente pinturas en miniatura. La palabra miniatura proviene de la palabra latina miniāre (para colorear rojo), que significa rojo metal bermellón. En la Edad Media, los libros fueron impresos con bermellón rojo dulce de Europa, y de esta manera, el libro escrito a mano o orinal transmitido en forma de una pintura en miniatura que se hizo en forma de una figura monocromática. Se pintaron muchas famosas miniaturas del período mogol del año indio.
Historia del arte en miniatura:
Siglos III-VI:
Las primeras miniaturas existentes son una serie de dibujos coloreados o miniaturas recortadas de la Ilíada ambrosiana, un manuscrito ilustrado de la Ilíada del siglo III. Son similares en estilo y tratamiento con el arte pictórico del período clásico romano posterior. En estas imágenes hay una considerable variedad en la calidad del dibujo, pero hay muchos ejemplos notables de dibujo de figuras finas, bastante clásico en el sentimiento, que muestra que el arte anterior todavía ejerció su influencia. Tales indicaciones, también, del paisaje como se encuentran son del tipo clásico, no convencional en el sentido del convencionalismo medieval, pero aún intentando seguir a la naturaleza, aunque sea de manera imperfecta; al igual que en el Pompeya y otros frescos de la época romana.
De mayor valor desde un punto de vista artístico son las miniaturas del manuscrito vaticano de Virgilio, conocido como Vergilius Vaticanus, de principios del siglo V. Están en una condición más perfecta y en una escala mayor que los fragmentos Ambrosianos, y por lo tanto ofrecen una mejor oportunidad para examinar el método y la técnica. El dibujo es bastante clásico en estilo, y la idea es transmitir que las miniaturas son copias directas de una serie más antigua. Los colores son opacos: de hecho, en todas las miniaturas de los primeros manuscritos, el empleo del color del cuerpo era universal. El método seguido al ubicar las diferentes escenas en la página es altamente instructivo de la práctica seguida, como podemos suponer, por los artistas de los primeros siglos. Parece que el fondo de la escena se pintó por completo, cubriendo toda la superficie de la página; luego, sobre este fondo se pintaron las figuras y objetos más grandes; y sobre estos nuevamente los detalles más pequeños frente a ellos fueron superpuestos. (Algoritmo del pintor.) De nuevo, con el fin de asegurar algo como la perspectiva, se adoptó una disposición de zonas horizontales, las superiores contenían figuras en una escala menor que las de abajo.
Estaba reservado para la escuela bizantina separarse más decididamente de la presentación natural de las cosas y desarrollar convenciones artísticas. Sin embargo, en los mejores ejemplos tempranos de esta escuela, el sentimiento clásico aún persiste, como lo atestiguan las reliquias de las miniaturas de Cotton Genesis y la mejor de las miniaturas de los Dioscurides de Viena; y en las miniaturas de los manuscritos bizantinos posteriores, que fueron copiados de ejemplos anteriores, la reproducción de los modelos es fiel. Pero al comparar las miniaturas de la escuela bizantina en general con sus predecesores clásicos, uno tiene la sensación de haber pasado del aire libre al claustro. Bajo la restricción de la dominación eclesiástica, el arte bizantino se hizo cada vez más estereotipado y convencional. Se tiende a pintar los matices de la carne en tonos marrones, a alargar y adelgazar las extremidades, y a endurecer la marcha. Marrones, azules grises y tintes neutrales están a favor. Aquí encontramos primero el tratamiento técnico de la pintura de carne que luego se convirtió en la práctica especial de los miniaturistas italianos, a saber, la imposición de los tintes de carne reales sobre un terreno de color verde oliva, oliva u otro tono oscuro. El paisaje, tal como era, pronto se volvió bastante convencional, dando el ejemplo de esa ausencia notable de la verdadera representación de la naturaleza, que es un atributo tan llamativo de las miniaturas de la Edad Media.
Y, sin embargo, mientras que el tratamiento ascético de las miniaturas se obtuvo con tanta fuerza en el arte bizantino, al mismo tiempo el sentido oriental de esplendor se muestra en la brillantez de gran parte de la coloración y en el empleo pródigo del oro. En las miniaturas de manuscritos bizantinos se ven por primera vez esos fondos de oro brillante que luego aparecen en tal profusión en las producciones de todas las escuelas occidentales de pintura.
La influencia del arte bizantino en la de la Italia medieval es obvia. Los primeros mosaicos en las iglesias de Italia, como los de Rávena y Venecia, también ofrecen ejemplos de la influencia bizantina dominante. Pero la temprana Edad Media proporciona pocos hitos para guiar al estudiante; y es solo cuando emerge en el siglo XII, con sus frescos y miniaturas que todavía llevan la impronta de la tradición bizantina, que puede estar satisfecho de que la conexión siempre ha existido durante los siglos intermedios.
Siglos VIII-XII:
Este texto profusamente decorado que abre el Evangelio de Juan en el Libro de Kells, de principios del siglo IX, muestra el estilo de iluminación insular: decorativo y no ilustrativo.
En las escuelas nativas de iluminación de Europa occidental, la decoración fue el principal motivo. En los manuscritos del período merovingio, en la escuela que conectaba a Frankland y el norte de Italia, y que se conoce como lombardo o franco-lombardo, en los manuscritos de España, en las producciones del arte insular de las Islas Británicas, figura-dibujo apenas se conocía, sirviendo más bien como una característica de la decoración que como una representación de la forma humana.
La escuela anglosajona, desarrollada especialmente en Canterbury y Winchester, que probablemente derivó su característico dibujo a mano libre de modelos romanos clásicos, apenas influenciado por el elemento bizantino. Las más altas calidades de las miniaturas de los siglos X y XI de esta escuela se encuentran en el fino dibujo esquemático, que tuvo una influencia duradera en la miniatura inglesa de los siglos posteriores. Pero la escuela anglosajona del sur más bien se distingue de la línea general de desarrollo de la miniatura medieval occidental.
Bajo los monarcas carolingios se desarrolló una escuela de pintura derivada de modelos clásicos, principalmente de tipo bizantino. En esta escuela, que debió su origen al estímulo de Carlomagno, se ve que la miniatura aparece en dos formas. En primer lugar, está la miniatura verdaderamente convencional siguiendo el modelo bizantino, los temas son generalmente los retratos de los Cuatro Evangelistas, o los retratos de los emperadores mismos: las figuras formales; las páginas brillantemente coloreadas y doradas, generalmente ubicadas en entornos arquitectónicos de tipo fijo, y desprovistas de paisaje en el verdadero sentido de la palabra. Acompañado como estaba de profusa decoración en el borde y en la inicial, estableció el patrón para las posteriores escuelas continentales de Occidente. Por otro lado, también está la miniatura en la que hay un intento de ilustración, como, por ejemplo, la representación de escenas de la Biblia. Aquí hay más libertad; y rastreamos el estilo clásico que copia los modelos romanos, a diferencia de los bizantinos.
La influencia que la escuela carolingia ejerció sobre las miniaturas de los artistas anglosajones del sur se muestra en el uso extendido del color del cuerpo y en el empleo más elaborado del oro en la decoración. Un manuscrito como el Benedictional de St. Æthelwold, obispo de Winchester, 963 a 984, con su serie de miniaturas dibujadas en el estilo nativo pero pintadas en pigmentos opacos, exhibe la influencia del arte extranjero. Pero el dibujo real permaneció esencialmente nacional, marcado por su propio tratamiento de la figura humana y por la disposición de la cortina con pliegues aleteantes. El estilo fue refinado, tendiendo a la exageración y la desproporción de las extremidades. Con la conquista normanda, esta notable escuela nativa murió.
Con el despertar del arte en el siglo XII, la decoración de los manuscritos recibió un fuerte impulso. Los artistas de la época sobresalieron en la frontera y la inicial, pero en la miniatura también hubo un dibujo vigoroso, con líneas arrolladoras y un estudio cuidadoso de las cortinas. Los artistas se hicieron más practicados en el dibujo de figuras, y aunque todavía existía la tendencia a repetir los mismos temas de la misma manera convencional, el esfuerzo individual produjo en este siglo muchas miniaturas de carácter muy noble.
La conquista normanda había llevado a Inglaterra directamente al seno del arte continental; y ahora comenzó esa agrupación de las escuelas francesa, inglesa y flamenca, que, impulsada por el comercio creciente y movida por impulsos comunes, dio como resultado las magníficas producciones de los iluminadores del noroeste de Europa a partir de la última parte del siglo XII en adelante. .
Pero del paisaje natural no hay nada, a menos que las rocas y los árboles de un carácter estereotipado puedan ser considerados así. De ahí que el trasfondo de la miniatura del siglo XII e inmediatamente posterior se convirtiera en el campo de decoración para arrojar con mayor relieve las figuras de la escena. Y así surgió la práctica de llenar todo el espacio con una lámina de oro, a menudo bruñida: un brillante método de ornamentación que ya hemos visto en la escuela bizantina. También tenemos que notar el tratamiento convencional de las figuras sagradas, que continúan en adelante, desde un sentido de veneración, para vestirse con las túnicas tradicionales de los primeros siglos, mientras que las otras figuras de la escena usan el atuendo ordinario de la época.
Siglos XIII-XV:
Entrando en el siglo XIII, llegamos al período en el que se puede decir que la miniatura justifica la etimología falsa moderna que ha conectado el título con minuciosidad. El estilo amplio y audaz del siglo XII da lugar a lo preciso y minucioso. Los libros en general intercambiaban su forma del folio grande al octavo y tamaños más pequeños. Hubo una mayor demanda de libros; y la vitela estaba limitada en cantidad y tenía que ir más allá. La caligrafía se hizo más pequeña y perdió la redondez del siglo XII. Las contracciones y abreviaturas en los textos aumentaron en gran medida en número. En todas partes hay un esfuerzo por ahorrar espacio. Y así con la miniatura. Las figuras eran pequeñas, con movimientos delicados en las características y con cuerpos y extremidades esbeltos y pulcros. Los fondos resplandecen con color y oro bruñido; y abundan los delicados patrones de pañal de oro y color alternativos. Con frecuencia, y especialmente en manuscritos en inglés, los dibujos están meramente teñidos o lavados con colores transparentes. En este siglo, también, la miniatura invade la inicial. Mientras que en los primeros períodos, los pergaminos de flores audaces son la moda, ahora se introduce una pequeña escena en los espacios en blanco de la carta.
Para comparar el trabajo de las tres escuelas, el dibujo de la miniatura inglesa, en el mejor de los casos, es quizás el más elegante; el francés es el más limpio y el más preciso; el flamenco, incluido el de Alemania occidental, es menos refinado y tiene líneas más duras y fuertes. En cuanto a los colores, el artista inglés afecta a los tintes bastante más claros que los de las otras escuelas: se observa una parcialidad por verde claro, por gris azulado y por lago. El artista francés amaba los tonos más profundos, especialmente los ultramarinos. El Fleming y el alemán pintaban, por regla general, en colores menos puros e inclinados a la pesadez. Una característica notable en los manuscritos franceses es el oro rojo o de tono cobrizo usado en sus iluminaciones, en fuerte contraste con el metal más claro de Inglaterra y los Países Bajos.
Es notable cómo el arte de la miniatura a lo largo del siglo XIII mantiene su alta calidad tanto en dibujo como en color sin ningún cambio muy llamativo. A lo largo del siglo la Biblia y el Salterio estuvieron a favor; y, naturalmente, los mismos temas y las mismas escenas recorrieron el período y fueron repetidos por el artista tras otro; y el carácter mismo de esos libros sagrados tendería a frenar la innovación. Pero hacia el final del período tales obras seculares como los romances estaban creciendo en popularidad, y ofrecían un campo más amplio para la invención del artista ilustrador. Por lo tanto, con la apertura del siglo XIV, sobreviene un cambio de estilo palpable. Pasamos a líneas más fluidas; no a los audaces trazos y curvas del siglo XII, sino a un estilo grácil, delicado y flexible que produjo las hermosas figuras oscilantes de la época. De hecho, la miniatura ahora comienza a liberarse del papel de miembro integral del esquema decorativo de iluminación y a desarrollarse en la imagen, dependiendo de su propio mérito artístico para el puesto que ocupará en el futuro. Esto se muestra por el lugar más prominente que asume ahora la miniatura, y por su creciente independencia del borde decorativo e inicial.
Pero, al mismo tiempo, mientras la miniatura del siglo XIV intenta por lo tanto disociarse del resto de los detalles iluminados del manuscrito, en sí mismo florece en decoración. Además de la mayor elasticidad de la figura dibujada, hay un desarrollo paralelo en los diseños de los fondos. Los pañales se vuelven más elaborados y más brillantes; la belleza del oro bruñido se ve reforzada por los patrones punteados con los que se trabaja frecuentemente; las marquesinas góticas y otras características arquitectónicas que se convirtió en la práctica de introducir naturalmente siguieron el desarrollo de la arquitectura de la época. En una palabra, la gran expansión del sentimiento artístico en la decoración del mejor tipo, que es tan prominente en la obra superior del siglo XIV, es igualmente conspicua en la miniatura iluminada.
En la primera parte del siglo, el dibujo en inglés es muy elegante, las figuras dobladas con un movimiento ondulante que, si no fuera tan simple, sería una afectación. Tanto en las muestras de contorno, lavadas con color transparente, y en el pleno. ejemplos pintados, el mejor trabajo en inglés de esta época es insuperable. El arte francés aún mantiene su precisión pulcra, los colores más vívidos que los de Inglaterra y los rostros delicadamente indicados sin mucho modelado. Las producciones de los Países Bajos, que siguen manteniendo el estilo de dibujo más pesado, aparecen gruesas al lado de las obras de las otras escuelas. Tampoco el arte en miniatura alemán de este período tiene una alta posición, siendo generalmente mecánico y de carácter rústico. A medida que el tiempo avanza, la miniatura francesa casi monopoliza el campo, sobresaliendo en el brillo de la coloración, pero perdiendo gran parte de su pureza de dibujo, aunque la norma general sigue siendo alta. La escuela de inglés retrocede gradualmente y, debido sin duda a las causas políticas y las guerras con Francia, parece que no produjo ningún trabajo de mucho valor. Solo a fines del siglo XIV hay un resurgimiento.
Este renacimiento se ha atribuido a una conexión con la floreciente escuela de Praga, una escuela que en el esquema de colorear sugiere una influencia sureña que siguió al matrimonio de Ricardo II con Ana de Bohemia en 1382. El nuevo estilo de la pintura en miniatura inglesa se distingue por riqueza de color y modelado cuidadoso de las caras, que se compara favorablemente con el tratamiento más ligero de los artistas franceses contemporáneos. La atención similar a las características también marca la escuela flamenca norteña o holandesa en este período y en el comienzo del siglo XV; y, por lo tanto, puede considerarse como un atributo del arte germánico a diferencia del estilo francés.
Sin embargo, la promesa del nuevo desarrollo en la pintura en miniatura en inglés no se cumplió. En el primer cuarto del siglo 15, se produjeron ejemplos de gran mérito, pero en un punto muerto en el dibujo y encadenado por la convención medieval. El arte nativo prácticamente llegó a su fin a mediados de siglo, justo cuando la mejor apreciación de la naturaleza estaba rompiendo la vieja representación convencional del paisaje en el arte europeo, y estaba transformando la miniatura en una imagen moderna. Cualquier pintura en miniatura que se produjera en Inglaterra después de esa época iba a ser obra de artistas extranjeros o de artistas que imitaran un estilo extranjero. La condición del país durante la Guerra de las Rosas explica suficientemente el abandono del arte. Por lo tanto, la historia de la miniatura en el siglo XV debe buscarse en los manuscritos de las escuelas continentales.
Primero tenemos que considerar el norte de Francia y los Países Bajos. A medida que pasa del 14 y entra en el siglo 15, la miniatura de ambas escuelas comienza a exhibir una mayor libertad en la composición; y hay una tendencia adicional a apuntar más bien al efecto general por la coloración que a la pulcritud en el dibujo. Esto fue alentado por el campo más amplio abierto al miniaturista. Se ilustraron libros de todo tipo, y los libros sagrados, Biblias y salterios y libros litúrgicos, ya no eran los principales, si no los únicos, manuscritos que se iluminaban. Y, sin embargo, había una clase de manuscrito que alcanzó la mayor prominencia y que al mismo tiempo era litúrgica. Este era el Horae, o Libro de horas, libros devocionales para uso individual, que se multiplicaron en grandes cantidades y contenían algunos de los mejores trabajos de los miniaturistas. La decoración de estos pequeños volúmenes escapó en gran medida de las restricciones convencionales que su carácter religioso podría haber impuesto. Además, la demanda de manuscritos iluminados ya había establecido un comercio regular; y su producción no estaba confinada, como antiguamente, al claustro. Entre los artistas manuscritos iluminados seculares destacan el Maestro Honoré de la escuela Paraisan.
A principios de siglo, el viejo tratamiento convencional del paisaje aún se mantenía en pie; ni tampoco el fondo dopelado y dorado dejó de usarse. De hecho, en algunos de los mejores ejemplares franceses de la época, los patrones del pañal son más brillantes que nunca. Pero el paisaje natural en el segundo cuarto de siglo se afirma más decididamente, aunque con fallas en perspectiva. No fue hasta que surgió otra generación que hubo una verdadera apreciación del horizonte y del efecto atmosférico.
Las miniaturas de las escuelas francesas y flamencas corren bastante paralelas durante un tiempo, pero a partir de mediados de siglo las características nacionales se vuelven más marcadas y divergentes. La miniatura francesa comenzó a deteriorarse, aunque algunos ejemplos muy buenos fueron producidos por los artistas más dotados de la escuela. El dibujo de la figura era más descuidado, y la pintura tendía a la dureza sin profundidad, que el artista se esforzó por aliviar con un exceso de sombreado dorado.
La escuela flamenca en la última parte del siglo XV alcanzó su máxima excelencia. La miniatura flamenca afectó a la extrema suavidad y profundidad de color; también un cuidado cada vez mayor en el tratamiento de los detalles, de las cortinas, de la expresión de las características: el tipo flamenco del rostro de la Virgen, por ejemplo, con su frente alta y llena, nunca puede confundirse. En las mejores miniaturas flamencas de la época, el artista logra presentar una maravillosa suavidad y brillo de color; tampoco cesó el alto estándar con el siglo XV, ya que aún quedan muchos ejemplares excelentes para atestiguar el favor que se mantuvo durante algunas décadas más.
En las observaciones anteriores, lo que se ha dicho con respecto al tratamiento cuidadoso de los detalles se aplica aún más a las miniaturas ejecutadas en grisaille, en las que la falta de color invitaba a acentuar aún más ese tratamiento. Esto es quizás más observable en las miniaturas de grisaille del norte de Flandes, que a menudo sugieren, particularmente en las fuertes líneas angulares de las cortinas, una conexión con el arte del grabador de madera.
La miniatura flamenca, sin embargo, no tenía el favor de Europa occidental sin un rival. Ese rival había surgido en el sur, y había llegado a la perfección al mismo tiempo que la miniatura de los Países Bajos en el siglo XV. Esta fue la miniatura italiana, que pasó por las mismas etapas que las miniaturas de Inglaterra y Francia y los Países Bajos. La intercomunicación entre los países de Europa estaba demasiado bien establecida para que el caso no fuera así. En los manuscritos italianos del tipo normal, la influencia del arte bizantino es muy evidente durante los siglos XIII y XIV. El viejo sistema de pintar la carne se tiñe de verde oliva o de algún pigmento similar, que queda expuesto en las líneas de los rasgos, obteniendo así una tez morena, continuó practicándose en una forma más o menos modificada en el siglo XV. Como regla general, los pigmentos utilizados son más opacos que los empleados en las escuelas del norte; y el artista confió más en el color solo para obtener el efecto deseado que en la mezcla de color y oro que dio resultados tan brillantes en los patrones de pañal de Francia. El vívido escarlata de los miniaturistas italianos es peculiarmente suyo. El dibujo de la figura es menos realista que el arte contemporáneo de los manuscritos en inglés y francés, la forma humana a menudo es gruesa. En general, la miniatura italiana, antes de su gran expansión en el siglo XIV, está muy por detrás de las miniaturas del norte. Pero con el siglo XV, bajo la influencia del Renacimiento, avanzó hacia el frente
El estilo italiano fue seguido en los manuscritos de Provenza en los siglos XIV y XV. Tuvo su efecto, también, en la escuela del norte de Francia, por lo que también se vio influido. En los manuscritos del sur de Alemania también está en evidencia. Pero los principios que se han revisado como guías del desarrollo de la miniatura en las escuelas más importantes se aplican por igual a todos. Al igual que la miniatura de la escuela flamenca, la miniatura italiana todavía funcionaba hasta cierto punto con éxito, bajo patrocinio especial, incluso en el siglo XVI; pero con el rápido desplazamiento del manuscrito por el libro impreso, la ocupación del miniaturista llegó a su fin.
Persia
Reza Abbasi (1565-1635), considerado uno de los pintores persas más famosos de todos los tiempos, especializado en la miniatura persa, con una preferencia por los temas naturalistas. Hoy sus obras sobrevivientes se pueden encontrar en muchos de los principales museos del mundo occidental, como el Smithsonian, el Louvre y el Museo Metropolitano de Arte.
Miniaturas de Mughal
La pintura de Mughal se desarrolló durante el período del Imperio mogol (siglos XVI-XVIII) y generalmente se limitaba a miniaturas, ya sea como ilustraciones de libros o como obras únicas para guardar en álbumes. Surgió de la tradición de la pintura en miniatura persa introducida en la India por Mir Sayyid Ali y Abd al-Samad a mediados del siglo XVI. Pronto se alejó de sus orígenes safávidas; con la influencia de artistas hindúes, los colores se volvieron más brillantes y las composiciones más naturalistas. El tema fue predominantemente secular, consistiendo principalmente en ilustraciones de obras de literatura o historia, retratos de miembros de la corte y estudios de la naturaleza. En su apogeo, el estilo de pintura de Mughal representaba un elegante matrimonio de arte persa, europeo e hindi.
Exposiciones de arte en miniatura:
Para artistas contemporáneos y coleccionistas interesados en visitar o participar en espectáculos de arte en miniatura, hay varias exposiciones de este tipo. Aquí hay una lista de espectáculos en miniatura seleccionados que son representativos de las bellas artes en miniatura que se muestran en todo el mundo hoy en día:
Exposición anual anual de la Miniature Art Society of Florida cada enero en Dunedin, FL, EE. UU. (Las presentaciones deben tener menos de 25 pulgadas cuadradas para las pinturas, menos de 8 pulgadas en cualquier dimensión para las esculturas y crearse con atención a los detalles. Hay algunas excepciones para sujetos muy pequeños, pero en general los elementos representados deben ser menores de 1/6 de su tamaño original).
Sphinx Springs Valley International Miniature and Small Works Art Show cada febrero, Willcox, AZ EE. UU. (Las pinturas deben tener menos de 20 pulgadas cuadradas y los objetos en ellas deben tener 1/6 de su tamaño original o menos).
Seaside Art Gallery Galería anual de bellas artes en miniatura cada mes de mayo, Nags Head, Carolina del Norte, EE. UU. (Las pinturas deben medir 42 pulgadas cuadradas o menos desde el exterior de los marcos. Las esculturas no pueden exceder las 6 pulgadas en cualquier dimensión. esta competencia.)
Espectáculo anual en miniatura con jurado internacional en la Parklane Gallery cada mes de mayo, Kirkland, WA, EE. UU. (Las presentaciones deben tener menos de 25 pulgadas cuadradas para pinturas, menos de 4 pulgadas en cualquier dimensión para esculturas y creadas con atención a los detalles. Hay algunas excepciones para sujetos muy pequeños, pero en general los elementos representados deben ser menores de 1/6 de su tamaño original).
El Arte de la Miniatura Anual Invitational Miniature Art Exhibition en The Snow Goose Gallery cada mes de mayo, Belén, PA, EE. UU. (Las entradas deben tener menos de 25 pulgadas cuadradas para pintar y crearse con atención a los detalles. Hay algunas excepciones para temas muy pequeños , pero en general, los elementos que se muestran deben tener un tamaño inferior a 1/6 de su tamaño original).
Heartland Art Guild Miniature Paintings & Sculptures Art Show cada mes de julio, Miami County Historical Museum en Paola, KS EE. UU. (Las presentaciones deben tener menos de 25 pulgadas cuadradas para pinturas, menos de 6 pulgadas en cualquier dimensión para esculturas y creadas con atención Los artículos representados deben ser más pequeños que 1/6 de su tamaño original.
Acceso anual a la exposición de arte Rockies, Aurora History Museum, cada octubre Aurora, CO EE. UU. (No se aplican las reglas en miniatura tradicionales. El único criterio es que las imágenes tengan 36 pulgadas cuadradas o menos).
Miniatures and More Invitational Show, Albuquerque Art Museum, cada octubre, Albuquerque, NM EE. UU. (Las pinturas están limitadas a un tamaño máximo de 324 pulgadas cuadradas (alto x ancho) o cualquier proporción de alto y ancho enmarcados que suman 36 pulgadas en total o más pequeño. Para la escultura, el límite de tamaño es de 15-20 pulgadas o menos en cualquier dimensión, altura, ancho o largo).
Salón de Arte Miniatura anual del Consejo de las Artes en el Capitol Theatre Center cada noviembre, Chambersburg, PA, EE. UU. (Las imágenes deben medir 24 pulgadas cuadradas o menos. Las esculturas no pueden exceder las 5 pulgadas en cualquier dimensión. La regla 1/6 no se aplica a esto competencia.)
Miniatura de pintores Escultores Gravers Society of Washington DC Exposición anual en miniatura cada noviembre, Bethesda, MD EE. UU. (Las imágenes deben medir 25 pulgadas cuadradas o menos. Las esculturas no pueden exceder las 6 pulgadas en cualquier dimensión. Las inscripciones deben cumplir con el «espíritu de la miniatura» que incluye atención a los detalles y la regla 1/6 para objetos que no son demasiado pequeños para representar a 1/6 de su tamaño).
Exposición Anual de Arte en Miniatura de América del Norte en la Galería de Arte de Fells Point, Baltimore, MD, EE. UU. (Las imágenes deben medir 24 pulgadas cuadradas o menos. Las esculturas no pueden exceder las 8 pulgadas en cualquier dimensión. Las entradas deben cumplir con el «espíritu de la miniatura» que incluye atención a los detalles y la regla 1/6 para objetos que no son demasiado pequeños para representar a 1/6 de su tamaño).