La música mínima es una forma de música artística que emplea materiales musicales limitados o mínimos. En la tradición de la música de arte occidental, a los compositores estadounidenses La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich y Philip Glass se les atribuye ser uno de los primeros en desarrollar técnicas de composición que explotan un enfoque mínimo. Se originó en la escena Downtown de Nueva York de la década de 1960 y se vio inicialmente como una forma de música experimental llamada New York Hypnotic School. Como estética, está marcada por una concepción no narrativa, no teleológica y no representativa de un trabajo en progreso, y representa un nuevo enfoque de la actividad de escuchar música centrándose en los procesos internos de la música, que carecen de objetivos o movimiento hacia esos objetivos. Las características más destacadas de la técnica incluyen armonía de consonantes, pulso constante (si no son drones inmóviles), estasis o transformación gradual, y con frecuencia la reiteración de frases musicales o unidades más pequeñas como figuras, motivos y células. Puede incluir características tales como el proceso aditivo y el cambio de fase que conduce a lo que se ha denominado música de fase. Las composiciones mínimas que dependen en gran medida de técnicas de proceso que siguen reglas estrictas generalmente se describen utilizando el término música de proceso.

Originalmente, el movimiento involucró a docenas de compositores, aunque solo cinco (Young, Riley, Reich, Glass y más tarde John Adams) surgieron para asociarse públicamente con la música minimal estadounidense. En Europa, la música de Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Howard Skempton, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt y John Tavener exhibe rasgos minimalistas.

No está claro dónde se origina el término música mínima. Steve Reich ha sugerido que es atribuible a Michael Nyman, una afirmación que dos académicos, Jonathan Bernard y Dan Warburton, también han hecho por escrito. Philip Glass cree que Tom Johnson acuñó la frase.

Caracterización
La caracterización exacta de este estilo de música es tan difícil como una demarcación contra un post-minimalismo debido a la gran variedad estilística. Hay una serie de características estilísticas:

estructuras repetitivas que surgen, entre otras cosas, a través de la yuxtaposición y repetición constante de las células o «patrones» motívicos (melódicos, rítmicos o armónicos) más pequeños
armonía estable, lenguaje musical tonal con muchas consonancias
Procesos aditivos y sustractivos: al agregar o eliminar notas individuales de las células motívicas, se cambian en su estructura rítmica.
Cambios de fase, superposiciones, cambio de énfasis de las células motívicas en diferentes voces crean una alfombra sonora
Continuidad y evitar la acumulación de estrés.
El color y la densidad del tono cambian poco.
Da la impresión de escuchar fragmentos de un continuo musical permanente.
Concepto de tiempo ampliado: nuevas dimensiones en la duración de las piezas: desde unos pocos segundos o minutos hasta horas, días, semanas
función positiva del olvido
En comparación con la música de arte, la Música mínima tiene una complejidad armónica bastante baja: la Música mínima por lo general se mueve en el contexto de una tonalidad modal y usa disonancias solo con moderación. El elemento rítmico (a menudo polirrítmico) se enfatiza fuertemente en Música mínima, es altamente repetitivo: un patrón básico simple (Patrón) se repite durante periodos de tiempo largos con solo variaciones ligeras, a menudo apenas perceptibles, la pieza resulta de la simple yuxtaposición de las variaciones Si un patrón se juega a velocidades ligeramente diferentes al mismo tiempo, se produce el efecto del cambio de fase (phasing).

Minimal Music ha ganado considerable popularidad como música contemporánea fuera de la música pop (con la que hay algunas interacciones), aunque no necesariamente en la audiencia de la música clásica tradicional.

Breve historia
La palabra «mínimo» fue utilizada por primera vez en relación con la música en 1968 por Michael Nyman, quien «dedujo una receta para el exitoso ‘minimal-music’ del entretenimiento presentado por Charlotte Moorman y Nam June Paik en el ICA», que incluyó una actuación de Springen de Henning Christiansen y varias piezas de arte de performance no identificadas. Nyman más tarde amplió su definición de música mínima en su libro de 1974 Experimental Music: Cage and Beyond. Tom Johnson, uno de los pocos compositores que se autoidentifica como minimalista, también afirma haber sido el primero en utilizar la palabra como nuevo crítico de música para The Village Voice. Él describe el «minimalismo»:

La idea del minimalismo es mucho más grande de lo que mucha gente cree. Incluye, por definición, cualquier música que trabaje con materiales limitados o mínimos: piezas que usan solo unas pocas notas, piezas que usan solo unas pocas palabras de texto o piezas escritas para instrumentos muy limitados, como címbalos antiguos, ruedas de bicicleta, etc. o vasos de whisky. Incluye piezas que sostienen un ruido electrónico básico durante mucho tiempo. Incluye piezas hechas exclusivamente de grabaciones de ríos y arroyos. Incluye piezas que se mueven en círculos infinitos. Incluye piezas que configuran una pared inmóvil de sonido de saxofón. Incluye piezas que tardan mucho tiempo en pasar gradualmente de un tipo de música a otro. Incluye piezas que permiten todos los lanzamientos posibles, siempre que caigan entre C y D. Incluye piezas que disminuyen el tempo hasta dos o tres notas por minuto.

Ya en 1965, la historiadora del arte Barbara Rose había llamado a La Monte Young’s Dream Music, la característicamente suave dinámica de Morton Feldman, y varios compositores innominados «todos, en mayor o menor grado, en deuda con John Cage» como ejemplos de «arte minimalista», pero no utilizó específicamente la expresión «música mínima».

Los compositores minimalistas más destacados son John Adams, Louis Andriessen, Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley y La Monte Young. Otros que han sido asociados con este enfoque compositivo incluyen a Michael Nyman, Howard Skempton, John White, Dave Smith y Michael Parsons. Entre los compositores afroamericanos, la estética minimalista fue adoptada por figuras como el músico de jazz John Lewis y el artista multidisciplinario Julius Eastman.

Las primeras composiciones de Glass y Reich son un tanto austeras, con pequeños adornos en el tema principal. Estas son obras para pequeños conjuntos instrumentales, de los cuales los compositores a menudo eran miembros. En el caso de Glass, estos conjuntos comprenden órganos, vientos, particularmente saxofones, y vocalistas, mientras que los trabajos de Reich tienen más énfasis en instrumentos de mazo y percusión. La mayoría de las obras de Adams están escritas para instrumentación clásica más tradicional, incluyendo orquesta completa, cuarteto de cuerda y piano solo.

La música de Reich and Glass se basó en el patrocinio temprano de galerías de arte y museos, junto con minimalistas de arte visual como Robert Morris (en el caso de Glass) y Richard Serra, Bruce Nauman y el cineasta Michael Snow (como artistas intérpretes o ejecutantes). caso).

Desarrollo temprano
La música de Moondog de los años 1940 y 1950, que se basaba en el contrapunto que se desarrollaba estáticamente sobre pulsos estables en firmas de tiempo a menudo inusuales, influyó tanto en Philip Glass como en Steve Reich. Glass ha escrito que él y Reich tomaron el trabajo de Moondog «muy en serio, lo entendieron y lo apreciaron mucho más de lo que estábamos expuestos en Juilliard».

Una de las primeras composiciones minimalistas fue November de Dennis Johnson, escrita en 1959. Una obra para piano solo que duró alrededor de seis horas, demostró muchas características que se asociarían con el minimalismo, como la tonalidad diatónica, la repetición de frases, el proceso aditivo. y duración La Monte Young acredita esta pieza como la inspiración para su propia obra magna, The Well-Tuned Piano.

En 1960, Terry Riley escribió un cuarteto de cuerdas en doblaje puro, sin inflexión. [Aclaración necesaria] En 1963, Riley realizó dos trabajos electrónicos utilizando retardo de cinta, Mescalin Mix y The Gift, que inyectaron la idea de la repetición en el minimalismo. En 1964, Riley’s In C hizo persuasivamente atractivas texturas a partir de la interpretación en capas de frases melódicas repetidas. El trabajo se califica para cualquier grupo de instrumentos y / o voces. En 1965 y 1966, Steve Reich produjo tres obras: It’s Gonna Rain y Come Out para cinta, y Piano Phase para artistas en vivo, que introdujeron la idea del cambio de fase o permiten reproducir dos frases idénticas o muestras de sonido a velocidades ligeramente diferentes. lentamente van fuera de fase el uno con el otro. Comenzando en 1968 con 1 + 1, Philip Glass escribió una serie de trabajos que incorporaron el proceso aditivo (forma basada en secuencias como 1, 1 2, 1 2 3, 1 2 3 4) en el repertorio de técnicas minimalistas; estos trabajos incluyeron Two Pages, Music in Fifths, Music in Contrary Motion y otros. Glass fue influenciado por Ravi Shankar y la música india desde el momento en que se le asignó una transcripción de partitura de música de Ravi Shankar en notación occidental. Se dio cuenta de que en Occidente el tiempo se divide como una rebanada de pan; Las culturas india y de otro tipo toman unidades pequeñas y las unen.

Estilo
Según Richard E. Rodda, «la música ‘minimalista’ se basa en la repetición de acordes comunes que cambian lentamente [acordes que son diatónicos a más de una tecla, o tríadas, ya sea mayor, mayor y menor-vea: tono común ] en ritmos constantes, a menudo superpuestos con una melodía lírica en frases largas y arqueadas … utiliza patrones melódicos repetitivos, armonías de consonantes, ritmos motrices y un esfuerzo deliberado por la belleza auditiva «. Timothy Johnson sostiene que, como estilo, la música mínima es principalmente continua en forma, sin secciones disyuntas. Una consecuencia directa de esto es una textura ininterrumpida formada por patrones y pulsos rítmicos interconectados. Además, está marcado por el uso de timbres brillantes y de una manera enérgica. Sus sonoridades armónicas son distintivamente simples, generalmente diatónicas, a menudo consisten en tríadas familiares y séptimos acordes, y se presentan en un ritmo armónico lento. Sin embargo, Johnson no está de acuerdo con Rodda al encontrar que la característica más distintiva de la música mínima es la ausencia completa de líneas melódicas extendidas. En cambio, solo hay segmentos melódicos breves, que introducen la organización, la combinación y las características individuales de los patrones rítmicos cortos y repetitivos en primer plano.

En la música popular
La música mínima ha tenido cierta influencia en los desarrollos de la música popular. El acto de rock experimental The Velvet Underground tuvo una conexión con la escena del centro de la ciudad de Nueva York de la cual surgió la música minimal, enraizada en la estrecha relación de trabajo de John Cale y La Monte Young, este último influyendo en el trabajo de Cale con la banda. El álbum de Terry Riley, A Rainbow in Curved Air (1969), fue lanzado durante la era de la psicodelia y el poder de las flores, convirtiéndose en la primera obra minimalista en tener un éxito cruzado, atrayendo al público de rock y jazz. El teórico de la música Daniel Harrison acuñó Smiley Smile (1967) de Beach Boys una obra experimental de «roca protominimal», elaborando: «[El álbum] casi puede considerarse una obra de arte en la tradición clásica occidental, y sus innovaciones en el el lenguaje musical del rock se puede comparar con aquellos que introdujeron las técnicas atonales y otras técnicas no tradicionales en esa tradición clásica «. El desarrollo de géneros específicos de rock experimental como krautrock, space rock (de la década de 1980), noise rock y post-rock estuvo influenciado por música mínima.

Sherburne (2006) ha sugerido que las similitudes notorias entre las formas mínimas de la música electrónica de baile y la música mínima estadounidense podrían ser fácilmente accidentales. Gran parte de la tecnología musical utilizada en la música de baile se ha diseñado tradicionalmente para adaptarse a los métodos de composición basados ​​en bucles, lo que puede explicar por qué ciertas características estilísticas de estilos como el techno minimal suenan de forma similar a la música artística mínima. Un grupo que claramente tenía conocimiento de la tradición mínima estadounidense es el acto ambiental británico The Orb. Su producción de 1990 «Little Fluffy Clouds» presenta una muestra del trabajo de Steve Reich Electric Counterpoint (1987). Un reconocimiento adicional de la posible influencia de Steve Reich en la música dance electrónica llegó con el lanzamiento en 1999 del álbum tributo Reich Remixed, que presentaba reinterpretaciones de artistas como DJ Spooky, Mantronik, Ken Ishii y Coldcut, entre otros.

Serialismo
Sorprendentemente, Anton Webern, un alumno de Arnold Schoenberg y miembro de la Segunda Escuela de Viena, también influye en el movimiento minimalista. En particular en La Monte Young, que cita las secciones estáticas de Six Bagatelles para String Quartet (1913) y Symphony, op. (1928) como las obras que han ayudado fuertemente a hacer la transición del serialismo y el minimalismo. El hecho de que Webern también sea una gran influencia en el post-serialismo que se desarrolla al mismo tiempo en Europa, pero con concepciones musicales radicalmente diferentes, a veces es identificado como «paradójico» por los musicólogos.

La avant-garde estadounidense
John Cage tiene una gran influencia en los años de nacimiento del minimalismo. El compositor más importante de la música de vanguardia y experimental en los Estados Unidos, sus ideas tienen repercusiones, directa o indirectamente, en el trabajo de los minimalistas. Algunas piezas de Cage pueden parecer relacionadas con el minimalismo, incluidas sus primeras composiciones, o el famoso 4’33 «que data de 1952, la composición más minimalista, ya que está compuesto solo por el silencio. Cage es, sin embargo, muy crítico con el minimalismo, y su preferido técnica es la indeterminación (o no intencionalidad), es decir, el uso de la aleatoriedad. En las obras o en el proceso de la composición en sí, será fuertemente rechazado por el minimalista.

Música no occidental
En los años cincuenta y sesenta, Europa occidental y Estados Unidos descubrieron la música no occidental. Esta música generalmente basada en modos tendrá una influencia en todos los compositores minimalistas.

Viviendo en la costa oeste, La Monte Young descubrió la música india en 1957 en el campus de UCLA. Él cita a Ali Akbar Khan (sarod) y Chatur Lal (tabla) como particularmente destacados. La música india tendrá una influencia decisiva en Young, especialmente el descubrimiento de tampoura, que aprende con Pandit Prân Nath. El papel del abejorro tampoura fascina a Young y empuja su interés hacia los sonidos de larga duración. Young también reconoce la influencia de la música japonesa y, en particular, thegagaku. Esta influencia se ejerce en la obra considerada como la partida de nacimiento del minimalismo, Trio for Strings (1958).

Terry Riley descubre la música no occidental durante su estancia en Europa, especialmente la música marroquí y la música india, a través de La Monte Young. También colabora con Prân Nath para el álbum Music from Mills (1986).

Jazz
El jazz es de gran importancia para el minimalista. Todos reconocen la influencia, y en particular el jazz modal de John Coltrane, el free jazz y Ornette Coleman.

La improvisación es fundamental para Terry Riley, como con La Monte Young. Este último es un saxofonista y tiene experiencia en el jazz como instrumentista, practicado principalmente durante sus años de escuela secundaria y universidad. En Los Ángeles, tocó en grandes grupos y en pequeños grupos, especialmente con Eric Dolphy, Don Cherry y Billy Higgins, y planeó dedicarse al jazz. La influencia del jazz es claramente visible en sus obras, especialmente en su sopranino saxofón o en su interés por las formas de improvisación. Riley es un pianista, estudió el tiempo de ragtime con Wally Rose y se gana la vida estudiando en la universidad y durante su estancia en Francia. Riley también está impresionado con John Coltrane, que inspiró, entre otros, a aprender el saxofón soprano.

Para Steve Reich, el jazz también es una gran influencia. Reich es baterista y ha tocado en grupos de jazz en High School y Cornell University. Estaba muy influenciado por John Coltrane, lo veía muy a menudo en un concierto, y cita los álbumes My Favourites Things y Africa / Brass como particularmente significativos. Para Reich, es impensable que su música haya sido posible sin el jazz, especialmente el ritmo, la flexibilidad y el sentido melódico del jazz, que parece ser una influencia fundamental.

A diferencia de sus colegas, Philip Glass, formación musical exclusivamente más clásica, no vio el jazz como una de sus influencias, aunque reconoce haber estado fascinado por el jazz libre de Ornette Coleman y John Coltrane.

Influencias y posición en la nueva música
Minimal Music incorpora influencias de la música asiática (especialmente india e indonesia, especialmente Gamelan) y africana (especialmente su polirrítmico), la escuela Notre Dame de los siglos XII / XIII. Siglo, (libre) jazz y ciertas formas de rock (rock psicodélico). En gran parte ignora las convenciones de la composición, como lo fueron en la cultura occidental (es decir, esencialmente europea) hasta el momento, especialmente las convenciones de los vanguardistas de la década de 1950 y principios de la de 1960, especialmente los de la música serial entonces dominante. Por lo tanto, a menudo se entiende como una antítesis del serialismo. A menudo es rechazado con vehemencia por representantes de esta dirección, aunque, por ejemplo, La Monte Young teóricamente se refiere a Arnold Schönberg y Anton Webern. A menudo también se caracteriza como música posmoderna. A partir de Minimal Music, el post-minimalismo se desarrolló en la década de 1970.

Influencias en la música popcultural
Muchos de los productores actuales de minimal techno también están en la tradición de la música mínima.

El guitarrista Dylan Carlson transfirió las ideas de la tierra de la música minimal en el contexto de una banda de rock y así fundó el Drone Doom.

El movimiento minimalista
El movimiento minimalista apareció en la década de 1960 con los trabajos de La Monte Young y Terry Riley, considerados precursores. Steve Reich y Philip Glass ampliarán sus ideas y propondrán procesos de composición que resultarán muy exitosos.

Sin embargo, el minimalismo solo concierne a una parte de las obras de estos compositores, y consideramos que el minimalismo, como generalmente se define, termina a mediados de los años setenta. A partir de esta fecha, los compositores integran de hecho elementos musicales más ricos, más melodía y armonía, incluso contrapunto. La adición de estos elementos, sin decidir con su trabajo anterior, trae una evolución clara. A veces hablamos de post-minimalismo, especialmente para John Adams. Philip Glass dijo explícitamente que para él, el minimalismo termina en 1974 debido a su plena participación en el «teatro musical» de esa época.

Las personalidades, a veces llamadas «místicos minimalistas», como Arvo Pärt, que apareció a fines de la década de 1970, no son herederos directos de los repetidores estadounidenses, sino que también están incluidos bajo la bandera del postminismo o, más en general, de la postmodernidad.

Posminimalismo y postmodernismo
El postmodernismo musical es una actitud de rechazo contra el aislamiento y posterialismo hermético, los compositores postmodernos reclaman el mestizaje y la mezcla forma una técnica de collage, el préstamo y la cita. Cuando el post-serialismo fue para hacer una «borrón y cuenta nueva del pasado» en palabras de Pierre Boulez, el posmodernismo lo toma como referencia. Así, John Adams considera que su música no se alimenta de «… no solo minimalismo, sino de Alban Berg, Stravinsky, Rock’n Roll, música árabe, judía, etc.». Por su retorno a las formas melódicas y tonales, el uso de un lenguaje repetitivo, el recurso al collage y la cita, en todas estas características el minimalismo es la corriente más radical del posmodernismo en su ruptura con el post-serialismo.

Post-minimalismo también se refiere a los compositores minimalistas de la primera hora. Después de Drumming (1971), Reich agrega la instrumentación de sus piezas, y desarrolla sus métodos rítmicos y armónicos a una mayor complejidad. De la misma manera, Philip Glass comenzó a componer para «teatro musical» y ópera desde 1974, con preocupaciones que se alejaron del minimalismo, particularmente el uso de la armonía como para la ópera Einstein on the Beach (1976) que marca esta evolución. El minimalismo tan minimalista se destaca por ser menos radical y experimental.

El «minimalista místico»
Estos compositores a veces se agrupan y se asocian con el movimiento minimalista debido a su uso de ciertos principios de composición de este estilo (repetición, sonidos sostenidos, silencios, cierta simplicidad) y una influencia religiosa cristiana o espiritual abiertamente reivindicada en sus vidas y en sus composiciones. Alan Hovhaness a veces es visto como un precursor de esta tendencia, pero es principalmente el estonio Arvo Pärt, el polaco Henryk Górecki y el británico John Tavener, quienes generalmente están asociados con los «minimalistas místicos». En términos más generales, Giya Kancheli y Sofia Goubaïdoulina a veces también se mantienen en esta rama del minimalismo.

Las obras de Pärt y Górecki se caracterizan por el uso de la tonalidad, un material musical simple que a menudo se usa de manera repetitiva, y una composición influenciada por compositores medievales y el cantautor gregoriano. Ambos, fuertemente influenciados por la represión política y espiritual en su país bajo el régimen comunista, comenzaron a componer en la década de 1960 en un estilo neoclásico antes de recurrir al serialismo causando su censura a las autoridades. Pärt luego se convierte en una música de silencio y contemplación al componer Für Alina (1976), Fratres (1977) y Spiegel im Spiegel (1978), las obras fundadoras de este movimiento interno del minimalismo, que sentará las bases de un estilo específico que él llama tintinnabulum. Este estilo se caracteriza por el uso simultáneo de dos voces, un arpegio en una tríada tónica conocida como «tintinnabulante» y el otro basado en un bajo evolutivo diatónico. Su trabajo se dirige hacia la escritura casi exclusiva de la música sacra, la mayoría de las veces corales, desarrollando un «brillo de canciones». Górecki, por su parte, hace su transición entre la música en serie y el minimalismo sagrado en 1976, especialmente con la redacción de su Tercera Sinfonía, que tendrá un alto perfil unos años más tarde en Europa Occidental y los Estados Unidos y su reputación internacional.

Descripción musical
El conjunto de obras clasificadas como música minimalista está lejos de tener una unidad de estilo o tener características musicales bastante idénticas. Aunque una clasificación es siempre reductiva, generalmente se acepta que la estética de la música minimalista se basa en tres características:

un retorno a una armonía «consonante» (incluso tonal, o modal en algunas obras);
la repetición de oraciones, figuras o celdas musicales con o sin pequeñas variaciones graduales;
un latido regular del corazón.
Esto, sin embargo, incluye trabajos con perfiles muy diferentes y el uso de diferentes técnicas musicales. Del mismo modo, las obras de los llamados compositores minimalistas no pueden considerarse minimalistas, especialmente las últimas obras de Steve Reich y Philip Glass, o las primeras piezas (a menudo no musicales) de La Monte Young.

Entre la teoría y la intuición
Los pioneros del minimalismo Monte Young y Terry Riley experimentan con una variedad de técnicas de composición. El Monte Young produce en particular una amplia variedad de obras: piezas inspiradas en el serialismo y Webern, piezas conceptuales cercanas a John Cage, grupos de improvisación inspirados en la música y el jazz indios, piezas basadas en su investigación formal sobre los rangos naturales. Terry Riley es mucho más empírico, experimenta con cintas y usa mucho la improvisación.

Características musicales

Ritmo
Una gran preocupación entre los minimalistas es el ritmo. La mayoría de las composiciones tienen pulsaciones regulares, y se construyen por enredo de unidades rítmicas básicas. Estas consideraciones rítmicas son particularmente notables en Steve Reich y se realizan a través de la técnica del cambio de fase. Drumming (1971) marca la culminación de la fascinación de Reich por el ritmo, expresada por phasing. En Philip Glass, el trabajo sobre el ritmo está presente desde sus primeras piezas minimalistas utilizando su proceso aditivo de composición, especialmente en el 1 + 1 (1968).

El ritmo es el primer elemento sistemáticamente analizado por el minimalista, antes de la futura reintegración de la armonía y la melodía.

Armonía
Las primeras obras minimalistas son atonales, Young’s Trio for Strings (1958), Riley’s String Quartet (1960), aunque la evolución extremadamente lenta y la baja densidad de notas dan una ilusión de tono, suprimiendo casi cualquier movimiento. Incluso In C, que generalmente se considera como el trabajo del retorno a la tonalidad, no es estrictamente tonal, sino una composición atonal sin indicación de armadura, aunque la composición es en gran medida diatónica.

El abandono gradual de las cintas magnéticas en favor de los instrumentos acústicos favorece el desarrollo de la armonía. En Steve Reich, de Piano Phase, se establece un perfil tonal o modal al comienzo del trabajo, pero sigue siendo ambiguo. El proceso resultante de la eliminación del diatónico no se elige a priori, sino que la experiencia lo requiere.

Registro y dinámica
En Young y Riley, el bajo desempeña un papel de dron, inspirado en la música india. En Steve Reich, no hay graves, y las alturas en general pertenecen al registro del medio (Piano Phase no tiene una calificación por debajo de Mi 4, Phase Patterns por debajo de C 4). La falta de ambigüedades de productos bajos Reich busca mantener, sin saber definir con precisión. Del mismo modo, los minimalistas no usan una jugabilidad extensa en absoluto, que está muy presente en otros estilos de música contemporánea.

Los tonos generalmente varían muy poco, si es que lo hacen. El nivel de sonido suele ser muy alto, por ejemplo en algunas piezas de La Monte Young y Glass, donde percibimos la influencia del rock.

Ejecución
Escuchar de manera asequible, la música repetitiva parece falsamente fácil de realizar. Los procesos de desfase de Reich requieren una gran concentración de parte de los instrumentistas. De manera similar, Glass informa que varios directores llegaron a ensayos no preparados y se dieron cuenta demasiado tarde de la dificultad de sus puntajes 51. En ausencia de los puntajes del compositor, no siempre es fácil descifrarlo para los intérpretes, lo que requiere inventiva por la falta de información o su poca claridad.

Enlaces con artes visuales

Baile
La danza, que por naturaleza siempre ha estado estrechamente vinculada a las creaciones musicales de su tiempo, no escapa a la influencia de la música minimalista, especialmente en torno a la noción y el uso de la repetición. En cierto modo, el origen del impacto de la música minimalista en la danza se remonta a la colaboración de John Cage con la coreógrafa estadounidense Merce Cunningham a principios de la década de 1950, cuando comenzó la danza moderna. A través de él, Cunningham también conoció a Morton Feldman, que compuso para él la música de su innovadora coreografía como Melodie sin título para Merce Cunningham en 1968. Además, un grupo formado por las bailarinas Simone Forti, Yvonne Rainer, Trisha Brown y los compositores Terry Riley y La Monte Young formaron alrededor de Anna Halprin entre 1960 y 1962 para realizar actuaciones, incluida la Judson Church en Nueva York. Sin embargo, esta es Trisha Brown, que explora aún más el principio de la repetición y la acumulación sucesiva de movimientos coreográficos durante este período de la danza moderna. Meredith Monk, que también es bailarina, más tarde se une a este grupo donde puede combinar tanto su investigación musical como sus creaciones coreográficas en actuaciones orientadas hacia un movimiento más refinado y un cierto trance espiritual.

Artes plásticas
Los compositores minimalistas han mantenido una estrecha relación con los artistas, especialmente los del minimalista actual y el arte conceptual. Steve Reich y Philip Glass tuvieron muy buenas amistades con Richard Serra, Sol Le Witt, Bruce Nauman, Michael Snow o Nancy Graves. Reich escribe su ensayo Music as a Gradual Process (1968) que se incluirá en el catálogo de una importante exposición sobre minimalismo junto a sus amigos plásticos en el Whitney Museum en 1969 y durante el cual dará, con Glass, conciertos. Además, un trabajo como Pendulum Music de Reich, en el que Serra, Nauman y Snow participan como ejecutores, es más sobre el rendimiento que la música. Steve Reich reconoce una «posición común» entre los artistas y sus creaciones, caracterizada por la apariencia «geométrica y metafórica» ​​de su trabajo, pero sin influencias recíprocas directas. Él dice: «Estábamos nadando en la misma sopa». En 1977, algunos artistas participaron en una venta de sus obras para rescatar las deudas resultantes de la instalación de Einstein en la Playa del Vidrio. Finalmente, Glass fue asistente personal a tiempo completo de Richard Serra en 1969. Glass no establece un vínculo directo entre su trabajo como músico y las obras de sus amigos artistas.

Reconocimiento y popularidad
El minimalismo nació como una corriente experimental y se desarrolló fuera del mundo tradicional de la música clásica. Los primeros conciertos se dan principalmente en galerías de arte o museos, y deben ser organizados por los propios compositores. Son especialmente las grabaciones las que permitirán una amplia difusión de la música minimalista, incluyendo a Europa, donde la recepción es bastante buena. Además, es Europa la que proporcionará a sus primeros signos de reconocimiento minimalistas, con un comando del estado francés para Philip Glass, y un éxito discográfico con audición ilimitada para los amantes de la música contemporánea, con la colaboración de Steve Reich, para la etiqueta alemana. de la música contemporánea.

Crítica y análisis
Críticos extremadamente fuertes se han expresado hacia el minimalismo, principalmente de compositores o musicólogos cercanos a la vanguardia, o filósofos. El compositor estadounidense Elliott Carter ha expresado en repetidas ocasiones su fuerte rechazo del minimalismo y, en términos más generales, de la repetición en la música, considerada la muerte del compositor. Es particularmente una analogía con publicidad, no solicitado, intrusivo y repetido ad nauseum. El calificador fascista fue utilizado incluso explícitamente, así como la comparación del uso de la repetición como un método de lavado de cerebro como se practica en la publicidad o en los discursos de Hitler.

La crítica al minimalismo a veces se confunde con la del posmodernismo. El compositor vanguardista Brian Ferneyhough rechaza el postmodernismo, crítico y especialmente John Adams, en el que denunciaba una ausencia de ética relacionada con la no inclusión de la cultura musical.