El minimalismo describe movimientos en diversas formas de arte y diseño, especialmente arte visual y música, donde el trabajo se propone exponer la esencia, los elementos esenciales o la identidad de un sujeto mediante la eliminación de todas las formas, características o conceptos no esenciales. Como movimiento específico en las artes se identifica con los desarrollos en el arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, más fuertemente con las artes visuales estadounidenses en la década de 1960 y principios de 1970. Destacados artistas asociados con este movimiento incluyen a Ad Reinhardt, Tony Smith, Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Larry Bell, Anne Truitt, Yves Klein y Frank Stella. Los propios artistas a veces han reaccionado contra la etiqueta debido a la implicación negativa de que el trabajo sea simplista. El minimalismo a menudo se interpreta como una reacción contra el expresionismo abstracto y un puente hacia las prácticas de arte posminimal.
Arte minimalista, minimalismo en el arte visual
El minimalismo en el arte visual, generalmente referido como «arte minimalista», arte literalista y arte ABC surgió en Nueva York a principios de los años sesenta. Inicialmente, el arte minimalista apareció en Nueva York en los años 60 a medida que los artistas nuevos y antiguos se movían hacia la abstracción geométrica; explorando a través de la pintura en los casos de Frank Stella, Kenneth Noland, Al Held, Ellsworth Kelly, Robert Ryman y otros; y escultura en las obras de varios artistas, entre ellos David Smith, Anthony Caro, Tony Smith, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd y otros. La escultura de Judd se exhibió en 1964 en la Galería Verde de Manhattan como las primeras obras de luz fluorescente de Flavin, mientras que otras galerías líderes de Manhattan como la Galería Leo Castelli y la Galería Pace también comenzaron a exhibir artistas centrados en la abstracción geométrica. Además, hubo dos exposiciones de museos seminales e influyentes: Estructuras primarias: esculturas estadounidenses y británicas jóvenes, que se exhibieron del 27 de abril al 12 de junio de 1966 en el Museo Judío de Nueva York, organizadas por el curador de pintura y escultura del museo, Kynaston McShine y Sistémica de pintura, en el Solomon R. Guggenheim Museum comisariada por Lawrence Alloway también en 1966 que mostró la abstracción geométrica en el mundo del arte estadounidense a través de lienzo en forma, Color Field y pintura de borde duro. A raíz de esas exposiciones y algunas otras surgió el movimiento artístico llamado arte minimalista.
Historia
Jean Metzinger, siguiendo el Succès de scandale creado a partir del espectáculo cubista en el Salon des Indépendants de 1911, en una entrevista con Cyril Berger, publicada en Paris-Journal el 29 de mayo de 1911, declaró:
Los cubistas solo hemos cumplido con nuestro deber al crear un nuevo ritmo para el beneficio de la humanidad. Otros vendrán después de nosotros que harán lo mismo. ¿Qué van a encontrar? Ese es el tremendo secreto del futuro. Quién sabe si algún día, un gran pintor, mirando con desprecio el juego a menudo brutal de los supuestos coloristas y llevando los siete colores a la unidad blanca primordial que los abarca a todos, no exhibirá lienzos completamente blancos, sin nada, absolutamente nada sobre ellos . (Jean Metzinger, 29 de mayo de 1911)
La audaz predicción de Metzinger (entonces) de que los artistas llevaran la abstracción a su conclusión lógica abandonando totalmente el tema de la representación y volviendo a lo que Metzinger llama la «unidad blanca primordial», un «lienzo completamente blanco» se realizaría dos años más tarde. El escritor de un manifiesto satírico, posiblemente Francis Picabia, en una publicación titulada Evolución del arte: Vers l’amorphisme, en Les Hommes du Jour (3 de mayo de 1913), puede haber tenido en mente la visión de Metzinger cuando el autor justificó el blanco del amorfismo. lienzos al decir que ‘la luz es suficiente para nosotros’. Con perspectiva, escribe el historiador de arte Jeffery S. Weiss, «Vers Amorphisme puede ser un galimatías, pero también fue un lenguaje fundamental para anticipar las implicaciones reductivistas extremas de la no objetividad».
La pintura monocromática se inició en la primera exposición de arte Incoherente en 1882 en París, con una pintura negra del poeta Paul Bilhaud titulada «Combate de Nègres dans un tunnel» (Los negros luchan en un túnel). En las exposiciones subsiguientes de las Artes Incoherentes (también en la década de 1880) el escritor Alphonse Allais propuso otras siete pinturas monocromáticas, como «Première communion de jeunes filles chlorotiques par un temps de neige» («Primera comunión de niñas anémicas en la nieve» «, blanco), o» Récolte de la tomate par des cardinaux apoplectiques au bord de la Mer Rouge «(» Tomate cosechado por los cardenales apopléjicos en la orilla del Mar Rojo «, rojo). Sin embargo, este tipo de actividad guarda más similitudes con el Dada del siglo XX o Neo-Dada, y particularmente con las obras del grupo Fluxus de la década de 1960, que con la pintura monocromática del siglo XX desde Malévich.
En un sentido amplio y general, se encuentran las raíces europeas del minimalismo en las abstracciones geométricas de los pintores asociados con la Bauhaus, en las obras de Kazimir Malevich, Piet Mondrian y otros artistas asociados con el movimiento De Stijl y el movimiento constructivista ruso, y en el trabajo del escultor rumano Constantin Brâncuşi. El arte minimalista también está inspirado en parte por las pinturas de Barnett Newman, Ad Reinhardt, Josef Albers y las obras de artistas tan diversos como Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Giorgio Morandi y otros. El minimalismo también fue una reacción contra la subjetividad pictórica del expresionismo abstracto que había sido dominante en la Escuela de Nueva York durante los años cuarenta y cincuenta.
La amplia gama de posibilidades (incluida la imposibilidad) de la interpretación de pinturas monocromáticas es posiblemente la razón por la que el monocromo es tan atractivo para tantos artistas, críticos y escritores. Aunque el monocromo nunca se ha convertido en dominante y pocos artistas se han comprometido exclusivamente a él, nunca se ha ido. Reaparece como un espectro que frecuenta el alto modernismo, o como un símbolo de él, que aparece en tiempos de trastornos estéticos y sociopolíticos.
Pintura minimalista
Los pintores minimalistas están inspirados en dos grandes figuras tutelares: Malevich y Ad Reinhardt. El primero, primero, es un gran representante del suprematismo, un movimiento nacido en Rusia en 1915 que promueve la pintura «pura» y abstracta. Malevich dice que la pintura debe liberarse de cualquier representación simbólica o figurativa y volverse no subjetiva. Creó la famosa Plaza Negra sobre fondo blanco en 1915, que hizo un barrido limpio de la antigua tradición pictórica heredada del Renacimiento y declaró su muerte. En esta línea, Ad Reinhardt hizo durante toda la década de 1960 y hasta su muerte, pinturas monocromáticas en serie que hacen que la vacuidad y la nada prevalezcan.
Trabajando en una redefinición del arte y la pintura en particular, Frank Stella continúa el ímpetu de Ad Reinhardt al avanzar hacia la abstracción geométrica. Crea objetos de cuadro con formas de marco originales, mostrando líneas rectas, concéntricas o diagonales, regulares y homogéneas, que deben más al ancho del pincel que a la mano del artista. Rechaza la interpretación en el arte: lo que él quiere es despersonalizar la obra de arte para terminar con las figuras de genio torturadas al ego sobredimensionado con Jackson Pollock. «Mi pintura se basa en el hecho de que solo hay lo que se puede ver allí», dice Stella.
Los pintores minimalistas quieren limitar cualquier rastro de factura pictórica o intervención de la mano del pintor. Además, las obras minimalistas generalmente consisten en dos o tres colores y formas básicas: redondas, cuadradas, rectas, etc. La simplicidad es primordial y no hay representación subjetiva detrás del minimalismo; está desprovisto de cualquier simbolismo e intenta jugar solo en formas y colores evitando la emoción en el sentido literal del término: un arte carente de sentimientos.
Minimalismo en escultura
Los artistas minimalistas usan estructuras simples y elementales, hechas de materiales simples y a menudo dejados en bruto (cobre pulido, acero) y formas limpias, formadas por elementos debajo de los cuales la forma misma se disuelve: pavimento hecho de tejas de metal (Carl Andre), doblado o láminas de metal enrolladas (Richard Serra), repetición de formas / volúmenes similares (Donald Judd), pedazos de fieltro lacerados y deformados por la acción de la gravedad sola (Robert Morris), composiciones lineales en tubos de neón blanco o coloreado (Dan Flavin) , las barras huecas de sección cuadrada forjadas en curvas y contra curvas (Albert Hirsch) son ejemplos característicos de obras minimalistas. La elección de volúmenes geométricos simples debe ser aprehendida inmediatamente por lo que son (sin artificio). Los colores, los materiales individuales permiten producir objetos que no tienen historia emocional y, por lo tanto, el contenido de la escultura no es otro que la escultura misma, es una representación mínima porque está limitada a lo esencial.
Además, el minimalismo aboga por una fusión de géneros artísticos. Por ejemplo, el Paseo de Richard Serra en el Grand Palais en 2008 invitó al espectador, como su título indica, a moverse alrededor del edificio alrededor de las cinco placas de acero. Estos paseos fueron «puntuados» por la música, especialmente la de Philip Glass como señala Olivier Mongin en la revista Esprit.
Minimalismo en la música
La música minimalista es una corriente de música contemporánea que apareció en la década de 1960 en los Estados Unidos. Sus representantes más famosos son: Steve Reich, Michael Nyman, John Adams, Philip Glass, Terry Riley, The Monte Young, Arvo Pärt … El término minimalista generalmente no se considera adecuado para esta música, que también se llama «Repetitive». porque se basa en parte en un principio de repetición. Ella tiene varias influencias, el serialismo, la vanguardia musical estadounidense en torno a John Cage, así como el jazz y la música no occidental.
El término música minimalista abarca un amplio espectro de estilos, y a veces se confunde con la música posmoderna. Las primeras obras minimalistas en realidad usan un material bastante escaso, con el uso de drones en La Monte Young, o técnicas de repetición, por cambio de fase en Steve Reich, o por adición / sustracción de motivos en Philip Glass. Los trabajos posteriores, sin embargo, se apartan cada vez más de un uso «mínimo» de material musical, especialmente en John Adams.
Minimalismo en el diseño
El diseño minimalista actual se ajusta al enfoque adoptado a principios del siglo xx por la Bauhaus; especialmente por arquitectos y diseñadores como Ludwig Mies van der Rohe y Marcel Breuer. Algunas creaciones anteriores a la guerra, como la silla Zig-zag de Gerrit Rietveld, también pueden describirse como «mínimas».
El trabajo de escultores como Frank Stella o Donald Judd ha influido en diseñadores como Shiro Kuramata. Donald Judd también diseñó muebles.
Entre los diseñadores que pueden describirse como minimalistas se encuentran: Jasper Morrison, Jean-Marie Massaud, Ronan y Erwan Bouroullec o Shiro Kuramata con sus creaciones casi inmateriales.
Renacimiento monocromático
En Francia, entre 1947 y 1948, Yves Klein concibió su Monotone Symphony (1949, formalmente The Monotone-Silence Symphony) que consistía en un único acorde sostenido de 20 minutos seguido de un silencio de 20 minutos, un precedente de la música de drones de La Monte Young. y 4’33 «de John Cage. Aunque Klein había pintado monocromos ya en 1949, y realizó la primera exposición privada de esta obra en 1950, su primera muestra pública fue la publicación del libro del artista Yves: Peintures en noviembre de 1954.
El artista y crítico Thomas Lawson señaló en su ensayo de 1981 «Last Exit: Painting» Artforum, octubre: 40-47, que el minimalismo no rechazó las afirmaciones de Clement Greenberg sobre la reducción de la pintura modernista a la superficie y los materiales, sino que tomó sus afirmaciones literalmente. Según Lawson, el minimalismo fue el resultado, aunque el término «minimalismo» no fue generalmente aceptado por los artistas asociados con él, y muchos profesionales del arte designados por críticos como minimalistas no lo identificaron como un movimiento como tal. También tomando como excepción a este reclamo fue el propio Clement Greenberg; en su postdata de 1978 a su ensayo Pintura modernista, renegó de esta interpretación incorrecta de lo que dijo; Greenberg escribió:
Ha habido algunas construcciones adicionales de lo que escribí que se convierten en ridiculeces: que considero la llanura y el encerramiento de la llanura no solo como las condiciones limitantes del arte pictórico, sino como criterios de calidad estética en el arte pictórico; que cuanto más avance una obra en la autodefinición de un arte, mejor será el trabajo. El filósofo o el historiador de arte que puede imaginarme a mí, o a cualquier otra persona, que llegue a los juicios estéticos de esta manera, sorprende mucho más por sí mismo que por mi artículo.
En contraste con los Expresionistas abstractos más subjetivos de la década anterior, con las excepciones de Barnett Newman y Ad Reinhardt; los minimalistas también fueron influenciados por los compositores John Cage y LaMonte Young, el poeta William Carlos Williams y el arquitecto paisajista Frederick Law Olmsted. Expresaron muy explícitamente que su arte no se basaba en la autoexpresión, a diferencia de la filosofía más subjetiva de la década anterior sobre que el arte era «objetivo». En general, las características del minimalismo incluían formas geométricas, a menudo cúbicas, purgadas de mucha metáfora, igualdad de partes, repetición, superficies neutrales y materiales industriales.
Robert Morris, un influyente teórico y artista, escribió un ensayo de tres partes, «Notes on Sculpture 1-3», originalmente publicado en tres números de Artforum en 1966. En estos ensayos, Morris intentó definir un marco conceptual y elementos formales para sí mismo. y uno que abarcaría las prácticas de sus contemporáneos. Estos ensayos prestaron gran atención a la idea de la gestalt – «partes … unidas de tal manera que crean una resistencia máxima a la separación perceptual». Más tarde, Morris describió un arte representado por una «diseminación lateral marcada y sin unidades regularizadas o intervalos simétricos …» en «Notas sobre la escultura: más allá de los objetos», publicado originalmente en Artforum, 1969, que continúa diciendo que «la indeterminación de la disposición de las partes» es un aspecto literal de la existencia física de la cosa «. El cambio general en la teoría del cual este ensayo es una expresión sugiere las transiciones hacia lo que más tarde se denominaría postminimalismo. Uno de los primeros artistas asociados específicamente con el minimalismo fue el pintor Frank Stella, cuyas primeras pinturas «a rayas» se incluyeron en el programa de 1959, Americans, organizado por Dorothy Miller en el Museum of Modern Art de Nueva York.
El ancho de las rayas en las pinturas a rayas de Frank Stellas estaba determinado por las dimensiones de la madera utilizada para las camillas, visible como la profundidad de la pintura cuando se mira desde un lado, utilizada para construir el chasis de apoyo sobre el que se estiró la lona. Las decisiones sobre las estructuras en la superficie frontal del lienzo, por lo tanto, no eran del todo subjetivas, sino que estaban condicionadas por una característica «dada» de la construcción física del soporte. En el catálogo del espectáculo, Carl Andre señaló: «El arte excluye lo innecesario. Frank Stella ha descubierto que es necesario pintar rayas. No hay nada más en su pintura». Estas obras reductivas contrastaban agudamente con las pinturas cargadas de energía y aparentemente altamente subjetivas y emocionalmente cargadas de Willem de Kooning o Franz Kline y, en términos de precedentes entre la generación previa de expresionistas abstractos, se inclinaban más hacia lo menos gestual, a menudo sombrío. , pinturas de campo de color de Barnett Newman y Mark Rothko. Aunque Stella recibió atención inmediata del espectáculo del MoMA, artistas como Kenneth Noland, Gene Davis, Robert Motherwell y Robert Ryman también comenzaron a explorar formatos de rayas, monocromáticos y de bordes duros desde finales de los años 50 hasta la década de 1960.
Debido a una tendencia en el arte minimalista a excluir lo pictórico, lo ilusionista y lo ficticio a favor de lo literal, hubo un movimiento que se alejaba de las preocupaciones pictóricas y escultóricas. Donald Judd había comenzado como pintor, y terminó como creador de objetos. Su ensayo seminal, «Objetos específicos» (publicado en Arts Yearbook, 1965), fue una piedra de toque de la teoría para la formación de la estética minimalista. En este ensayo, Judd encontró un punto de partida para un nuevo territorio para el arte estadounidense, y un rechazo simultáneo de valores artísticos europeos heredados residuales. Señaló la evidencia de este desarrollo en las obras de una serie de artistas activos en Nueva York en ese momento, incluidos Jasper Johns, Dan Flavin y Lee Bontecou. De importancia «preliminar» para Judd fue el trabajo de George Earl Ortman, quien había concretizado y destilado las formas pictóricas en geometrías contundentes, duras y filosóficamente cargadas. Estos Objetos Específicos habitaban un espacio que no era cómodamente clasificable como pintura o escultura. Que la identidad categórica de tales objetos estaba en cuestión, y que evitaban la asociación fácil con convenciones gastadas y demasiado familiares, era una parte de su valor para Judd.
Este movimiento fue muy criticado por los críticos e historiadores de arte formalistas modernistas. Algunos críticos pensaron que el arte minimalista representaba un malentendido de la dialéctica moderna de la pintura y la escultura, tal como la definió el crítico Clement Greenberg, posiblemente el crítico estadounidense dominante de la pintura en el período previo a la década de 1960. La crítica más notable del minimalismo fue producida por Michael Fried, un crítico formalista, que objetó el trabajo sobre la base de su «teatralidad». En Art and Objecthood (publicado en Artforum en junio de 1967) declaró que la obra de arte mínima, especialmente la escultura mínima, se basaba en un compromiso con la fisicalidad del espectador. Argumentó que una obra como la de Robert Morris transformó el acto de ver en un tipo de espectáculo en el que se descubría el artificio de la observación del acto y la participación del espectador en la obra. Fried vio este desplazamiento de la experiencia del espectador desde un compromiso estético dentro de un evento fuera de la obra de arte como un fracaso del arte minimalista. El ensayo de Fried fue cuestionado inmediatamente por el artista postminimalista y de la tierra Robert Smithson en una carta al editor en la edición de octubre de Artforum. Smithson declaró lo siguiente: «Lo que Fried teme más es la conciencia de lo que está haciendo, a saber, ser él mismo teatral».
Además de los ya mencionados Robert Morris, Frank Stella, Carl Andre, Robert Ryman y Donald Judd, otros artistas minimalistas incluyen: Robert Mangold, Larry Bell, Dan Flavin, Sol LeWitt, Ronald Bladen, Agnes Martin, Jo Baer, Paul Mogensen, Ronald. Davis, Charles Hinman, David Novros, Brice Marden, Blinky Palermo, John McCracken, Ad Reinhardt, Fred Sandback, Richard Serra, Tony Smith, Patricia Johanson y Anne Truitt.
Ad Reinhardt, en realidad un artista de la generación expresionista abstracta, pero cuyas pinturas reductivas, casi todas negras, parecían anticipar el minimalismo, tenía esto que decir sobre el valor de un enfoque reductivo del arte:
Cuantas más cosas, cuanto más ocupada sea la obra de arte, peor será. Mas es menos. Menos es más. El ojo es una amenaza para despejar la vista. La desnudez de uno mismo es obscena. El arte comienza con deshacerse de la naturaleza.
La observación de Reinhardt aborda y contradice directamente la consideración de Hans Hofmann por la naturaleza como fuente de sus propias pinturas expresionistas abstractas. En un famoso intercambio entre Hofmann y Jackson Pollock, contado por Lee Krasner en una entrevista con Dorothy Strickler (1964-11-02) para el Smithsonian Institution Archives of American Art. En palabras de Krasner,
«Cuando llevé a Hofmann a conocer a Pollock y ver su trabajo que era antes de mudarnos aquí, la reacción de Hofmann fue: una de las preguntas que le hizo a Jackson fue: ¿trabajas de la naturaleza? No había bodegones o modelos alrededor y Jackson la respuesta fue: soy naturaleza. Y la respuesta de Hofmann fue: Ah, pero si trabajas de memoria, te repetirás. A lo que Jackson no respondió en absoluto. El encuentro entre Pollock y Hofmann tuvo lugar en 1942.