El orfismo o cubismo órfico, un término acuñado por el poeta francés Guillaume Apollinaire en 1912, fue una rama del cubismo que se centró en la abstracción pura y los colores brillantes, influenciados por el fauvismo, los escritos teóricos de Paul Signac, Charles Henry y el químico del tinte Eugène Chevreul . Este movimiento, percibido como clave en la transición del cubismo al arte abstracto, fue iniciado por František Kupka, Robert Delaunay y Sonia Delaunay, quienes relanzaron el uso del color durante la fase monocromática del cubismo. El significado del término Orfismo fue esquivo cuando apareció por primera vez y permanece hasta cierto punto vago.

Historia
Los Orphists estaban enraizados en el cubismo pero se movieron hacia una abstracción lírica pura, viendo la pintura como la unión de una sensación de colores puros. Más preocupado por la expresión e importancia de la sensación, este movimiento comenzó con sujetos reconocibles, pero fue rápidamente absorbido por estructuras cada vez más abstractas. El orfismo pretendía prescindir de un tema reconocible y confiar en la forma y el color para comunicar el significado. El movimiento también tuvo como objetivo expresar los ideales del simultanismo: la existencia de una infinidad de estados de ser interrelacionados.

La descomposición de la luz espectral expresada en la teoría del color neoimpresionista de Paul Signac y Charles Henry desempeñó un papel importante en la formulación del orfismo. Robert Delaunay, Albert Gleizes y Gino Severini, todos conocían a Henry personalmente. Charles Henry, un matemático, inventor, esteticista y amigo íntimo de los escritores simbolistas Félix Fénéon y Gustave Kahn, conoció a Seurat, Signac y Pissarro durante la última exposición impresionista en 1886. Henry daría el paso final para llevar la teoría de la asociación emocional al mundo de la sensación artística: algo que influiría enormemente en los neoimpresionistas. Henry y Seurat estaban de acuerdo en que los elementos básicos del arte -la línea, la partícula de color, como las palabras- podían tratarse de manera autónoma, cada uno poseía un valor abstracto independiente el uno del otro, de ser así elegía al artista. «Seurat sabe bien», escribió Fénéton en 1889, «que la línea, independientemente de su papel topográfico, posee un valor abstracto evaluable», además, por supuesto, de las partículas de color y la relación de ambas con la emoción del observador. La teoría subyacente detrás de Neo-Impressionsim tendría un efecto duradero en las obras producidas en los próximos años por personas como Robert Delaunay. De hecho, los neoimpresionistas habían logrado establecer una base científica objetiva para su pintura en el dominio del color. Los cubistas debían hacerlo tanto en el dominio de la forma como en la dinámica, y los Orphists también lo harían con el color.

Los simbolistas habían usado la palabra orphique en relación con el mito griego de Orfeo, a quien percibían como el artista ideal. Apollinaire había escrito una colección de cuartetas en 1907 titulada Bestiaire ou cortège d’Orphée (París, 1911), dentro de la cual Orfeo era simbolizado como poeta y artista. Tanto para Apollinaire como para los simbolistas que le precedieron, Orfeo se asoció con el misticismo, algo que inspiraría esfuerzos artísticos. La voz de luz que Apollinaire mencionó en sus poemas fue una metáfora de las experiencias internas. Aunque no está completamente articulado en sus poemas, la voz de la luz se identifica como una línea que podría ser coloreada y convertirse en una pintura. La metáfora órfica representó así el poder del artista para crear nuevas estructuras y armonías de color, en un innovador proceso creativo que se combinó para formar una experiencia sensual.

Apollinaire
El término Orphism fue acuñado por el poeta y crítico de arte Guillaume Apollinaire en el Salon de la Section d’Or en 1912, refiriéndose a las obras de František Kupka. Durante su conferencia en la exposición de Section d’Or, Apollinaire presentó tres de las obras abstractas de Kupka como ejemplos perfectos de la pintura pura, tan antifigurativa como la música.

En Les Peintres Cubistes, Méditations Esthétiques (1913) Apollinaire describió el orfismo como «el arte de pintar nuevas totalidades con elementos que el artista no toma de la realidad visual, sino que crea completamente por sí mismo. […] Las obras de un pintor órfico deben transmitir un placer estético sin problemas, pero al mismo tiempo una estructura significativa y significado sublime. Según Apollinaire, el orfismo representaba un movimiento hacia una forma de arte completamente nueva, al igual que la música era para la literatura. Los pintores de Orphic citaban analogías con la música en sus títulos; ejemplo, Kupka’s Amorpha: Fugue in Two Colours (1912) y la composición abstracta de Francis Picabia Dance at the Source (1912) y Wassily Kandinsky’s Über das Geistige in der Kunst (1912). Los detallados ensayos teóricos de Kandinsky describen las correlaciones entre el color y el sonido. Delaunay, también preocupado por las relaciones entre el color y la música, destacó la pureza e independencia del color, y exhibió con éxito con el B Laue Reiter por invitación de Kandinsky. Fernand Léger y Marcel Duchamp, que tendían a la abstracción, también fueron incluidos como orphistas en los escritos de Apollinaire.

Apollinaire se quedó con los Delaunay durante el invierno de 1912, convirtiéndose en amigos cercanos y elaborando muchas ideas. Apollinaire escribió varios textos discutiendo su trabajo para promover el concepto de Orphism. En marzo de 1913, el orfismo fue exhibido al público en el Salon des Indépendants. En su reseña del Salón publicada en L’Intransigeant (25 de marzo de 1913), Apollinaire escribió que «combina pintores de personajes totalmente diferentes, todos los cuales han logrado una visión más internalizada, más popular y más poética del universo y del vida’. Y en Montjoie (29 de marzo de 1913), Apollinaire abogó por la abolición del cubismo en favor del orfismo: «Si el cubismo está muerto, viva el cubismo». ¡El reino de Orfeo está cerca!

El salón Herbst (Erster Deutscher Herbstsalon, Berlín) de 1913, organizado por Herwarth Walden de Der Sturm, exhibió muchas obras de Robert y Sonia Delaunay, L’Oiseau bleu de Jean Metzinger (1913, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París) , Albert Gleizes ‘Les Joueurs de football (1912-13, National Gallery of Art), pinturas de Picabia y Léger, junto con varias pinturas futuristas. Esta exposición marcó un punto de inflexión en la relación de Apollinaire con R. Delaunay (lo que enfriaría marcadamente), después de algunas observaciones en una discusión con Umberto Boccioni sobre la ambigüedad del término «simultaneidad». Esta sería la última vez que Apollinaire usó el término Orphism en sus análisis críticos del arte; mientras volvía su atención hacia Picabia y Alexander Archipenko, pero sobre todo hacia los futuristas.

Los Delaunay
Sonia Terk Delaunay y Robert Delaunay, un dúo de esposos, se convertirían en los principales protagonistas del movimiento órfico, Robert Delaunay también estudió diferentes estilos de pintura, como el arte abstracto. En sus obras anteriores, sus estilos se centraron en los colores fauvistas con diversos grados de abstracción; particularmente evidente en Sonia’s Finnish Girl (1907) y Robert’s Paysage au disque (1906). La pintura anterior depende en gran medida de colores brillantes y suaves transiciones entre las formas, mientras que la última se basa en color y pinceladas similares a mosaicos pintados bajo la influencia de Jean Metzinger, también un neoimpresionista (con componentes altamente divisionistas y fauves) en el momento.

Sus obras se volvieron cada vez más identificables por el contraste «simultáneo» de colores y la tendencia a la no representación. En la serie de la Torre Eiffel de Robert, el sujeto se retrata como si se viera desde varios puntos de vista a la vez; empleando el concepto de ‘perspectiva móvil’ desarrollado por su amigo cercano Metzinger. Pronto, en lugar de usar tonos apagados como los cubistas, pintaría con colores vivos y audaces yuxtapuestos uno al lado del otro (un concepto derivado de la teoría del color neoimpresionista). A menudo retrataba la torre con rojos y rosas con colores más fríos en todas partes. Mientras más pintó Robert la torre, más abstracta, fragmentada y colorida se volvió.

En 1913, los Delaunay mostraron sus obras en el Salon des Indépendants y el Herbst Salon, este último fue el primer Salón de Orphist, que también acogió obras de Picabia, Metzinger, Gleizes, Léger y pintores futuristas. A diferencia de otros asociados con el orfismo, los Delaunay volverían a este estilo a lo largo de sus vidas.

Eugène Chevreul
Una de las mayores influencias de Robert, además de su esposa, fue el químico Eugène Chevreul. Más famoso por descubrir la margarina, Chevreul profundizó en la química del tinte, así como en la estética del contraste simultáneo de colores. Tenía tres ideas principales para sus teorías del color: «cuando los colores complementarios se yuxtaponen, cada uno parece ser más intenso que cuando se ve de forma aislada» y «si hay una diferencia perceptible en el valor de la luz oscura entre los dos colores, entonces el más oscuro parecerá ser aún más oscuro «y también que» todos los colores presentes en el campo de visión al mismo tiempo se modifican mutuamente de manera específica «. Chevreul influyó en muchos artistas porque entendió científicamente lo que muchos artistas expresaron instintivamente.

Después de 1913
Incluso después de que Apollinaire se separó de Delaunays y el orfismo había perdido su novedad como una nueva forma de arte, los Delaunay continuaron pintando en su estilo personal compartido. Puede que no siempre hayan llamado Orphic a su trabajo, pero la estética y las teorías eran las mismas. Robert continuó pintando mientras Sonia profundizaba en otros medios, incluidos el diseño de moda, interior y textil, todo dentro del ámbito del orfismo.

Legado
El orfismo como movimiento fue efímero, esencialmente llegando a su fin antes de la Primera Guerra Mundial. A pesar del uso del término, los trabajos categorizados como Orphism eran tan diferentes que desafían los intentos de colocarlos en una sola categoría. Los artistas a los que intermitentemente se hace referencia como Orphists por Apollinaire, como Léger, Picabia, Duchamp y Picasso, crearon independientemente nuevas categorías que difícilmente podrían clasificarse como órficas. El término Orphism más obviamente abrazó las pinturas de František Kupka, Robert Delaunay y Sonia Delaunay, si se limita a las implicaciones impuestas por el color, la luz y la expresión de composiciones no representacionales. Incluso Robert Delaunay pensó que esta descripción tergiversaba sus intenciones, aunque su clasificación temporal como Orphic había resultado exitosa. Los pintores estadounidenses Patrick Henry Bruce y Arthur Burdett Frost, dos de los alumnos de Delaunay, se esforzaron por crear una forma de arte similar alrededor de 1912. Los sincrónicos Morgan Russell y Stanton Macdonald-Wright escribieron sus propios manifiestos en un intento de distanciarse del orfismo de Robert Delaunay, pero su arte a veces parecía inevitablemente órfico. Esencialmente, una subcategoría estilística del arte abstracto creado por Apollinaire, el orfismo era un término elusivo del cual los artistas incluidos dentro de su alcance persistían en apartarse.