Arte de resiliencia

Art Resilience es un movimiento artístico creado en 2014, con sede en el Bateau-Lavoir, en Montmartre, París. Francia. La resiliencia es, originalmente, un término utilizado en física que caracteriza la capacidad de un material sometido a un impacto para recuperar su estado inicial. Es la capacidad de absorber las perturbaciones, cambiarlas, reorganizarse, aprender de las perturbaciones y mantener siempre la misma estructura básica, tener siempre la misma identidad. En el arte, la resiliencia es la capacidad de una obra de arte para preservar su particularidad a través de la estética a pesar de la creciente subjetivización.

El movimiento Art Resilience fue creado en 2014 por Ksenia Milicevic, junto con ocho miembros fundadores, a saber, John Botica (Nueva Zelanda), Gregorio Cuartas (Colombia), Christelle Larson (Francia), Gérard Lartigue (México), Victor Molev (Canadá), Miguel Betancourt (Ecuador), Senol Sak (Turquía) y Christopher Stone (Inglaterra) en París, Francia. Es un grupo de artistas para quienes el arte no es el resultado de un gesto aleatorio, ni una forma simplemente dramática para el entretenimiento del público. Estos son artistas que forman parte de lo contemporáneo, pero con el objetivo basado en la estética, manteniendo así la capacidad del arte de vincular al hombre con el mundo. Milicevic utiliza el término «resiliencia» para referirse a un término utilizado originalmente en física para caracterizar la capacidad de un material de impacto de regresar a su estado original y salvar su identidad. La resiliencia es, en el arte, la capacidad de la obra de preservar sus características a través de la estética, a pesar de la fuerte subjetividad en el arte contemporáneo. El movimiento artístico Art Resilience no es formal por naturaleza, solo busca redefinir la noción de arte.

Concepto
Cuando todo se ha vuelto tan fluido, solo la belleza puede darle al hombre un punto de referencia y garantizarle un cierto equilibrio. Al desterrar la belleza del arte, los artistas la han sometido a la violencia, la vulgaridad, la fealdad, el vacío. Y, sin embargo, para que el arte conserve su capacidad de ubicarnos en un espacio fuera del tiempo, abstraernos de nosotros mismos e incluirnos en un todo, creando en nosotros la experiencia misma de la vida, que es la primera función del arte, la La belleza es difícil de descartar. La belleza es inmutable y constante.

El hombre, a través de su sensibilidad, percibe la belleza a la que se adhiere a través de lo inteligible, ya que existe una conexión entre la estructura de la belleza, el cerebro humano (así como el de algunos animales, y no sabemos nada de plantas) y el mundo.

El principio de constancia conecta el arte y el universo. El arte es tanto un concepto abstracto como una realidad concreta. Es su forma matemática lo que le da el carácter de perfección. Como concepto abstracto, es inmutable, pero como realidad concreta, se desarrolla infinitamente.

La belleza, a través de lo que es constante, inmutable, a través de la estructura perfecta de un «teorema matemático» llama a la eternidad.

La belleza que más poderosamente conecta al hombre con el mundo y la eternidad es la belleza en el arte. Siendo el arte la expresión de la conciencia de la existencia, la belleza es su base.

Manifiesto del arte de la resiliencia
La definición del arte es posible
La belleza es objetiva y es la base natural del arte.
La expresión formal debe ser libre, pero basada en la estética que garantiza la calidad.
El artista debe ser consciente y responsable de sus acciones.
El arte da forma al individuo y a la comunidad.

Arte de la ciencia
La búsqueda de la belleza ha sido parte de la tradición de la física a lo largo de su historia. Y en este sentido, la relatividad general es la culminación de un conjunto específico de preocupaciones estéticas. Simetría, armonía, un sentido de unidad e integridad, estos son algunos de los ideales formales de relatividad general. Donde la teoría cuántica es una combinación de jazz, la relatividad general es un vals majestuoso.

Puede que no sea el deber de los científicos encantar nuestro panorama conceptual, pero ese es uno de los objetivos que la ciencia puede lograr; y ninguna idea científica ha sido más cautivadora que la de Einstein. En esencia, la teoría nos da una nueva comprensión de la gravedad, una que es sobrenaturalmente extraña. Según la relatividad general, los planetas y las estrellas se sientan dentro o dentro de una especie de tejido cósmico, el espacio-tiempo, que a menudo se ilustra mediante una analogía con un trampolín.

Aplicando el concepto de espacio-tiempo a todo el cosmos, y teniendo en cuenta el efecto gravitacional de todas las estrellas y galaxias dentro de él, los físicos pueden usar las ecuaciones de Einstein para determinar la estructura del universo mismo. Nos da un plano de nuestra arquitectura cósmica.

En un momento en que hay un deseo creciente de unir los mundos del arte y la ciencia, los saltos creativos aquí son impulsados ​​tanto por la especulación lúdica como por los poderes lúdicos de la lógica. La razón y la imaginación se combinan para sintetizar un todo que ninguno de los dos podría lograr.

Factores de resiliencia en el arte
El arte sometido a diferentes concepciones del mundo, exprimido por las teorías historicistas, es reacio a responder a las expectativas con respecto a la posibilidad de una comunicación perfecta entre ciudadanos iguales a través de una comunidad de gustos, sumergida bajo el peso del anuncio de su próximo fin, aplastado Bajo la política, reducida a la descripción de lo social, desgarrada por los requisitos de la libertad del artista, moldeada en todo tipo de formas clasificadas histórica y geográficamente, fusionada en un todo por las teorías sobre la fusión del arte y la vida, sufrió , a lo largo de las décadas, interpretaciones, manipulaciones, apropiaciones, hasta el punto de que hemos olvidado la existencia misma de las obras de arte. Se han enterrado bajo todo tipo de imágenes y objetos, cuando no se niega su existencia como históricamente excedida o reducida a un simple elemento de comunicación entre personas. Y todavía…

Desde la premisa de que el arte es imposible de definir (Kierkegaard) y la identificación de la belleza con un gusto subjetivo simple, el arte pierde su especificidad y cualquier juicio sobre la calidad del trabajo se vuelve imposible. Lo bello se considera obsoleto y el juicio sobre la calidad del trabajo se reemplaza por otras consideraciones como la novedad, el mensaje, la acción … estos atributos pueden ser parte del trabajo, pero de ninguna manera pueden darle especificidad. Gradualmente, el trabajo en sí mismo eventualmente desaparece.

Las obras de arte se basaron en estructuras internas ordenadas armoniosamente, a tiempo al relacionarse con el pasado, al presente ajustándose a sus épocas, y extendiéndose hacia el futuro al fundarse en lo que es inmutable, la belleza. Así, las obras de arte adquieren la forma de la vida, lo que le da especificidad y cada nueva mirada se reactiva al infinito. En tales obras, los artistas y los espectadores se encuentran, y es a través de ellos que el hombre participa y es parte del mundo.

El período durante el cual una obra se inscribe se abolió, y los productos artísticos se volvieron efímeros. A través de la subjetividad, la producción solo se centra en la acción del artista, con el interés del objeto de arte solo en la intención significante del proyecto de los artistas. Y, sin embargo, el arte es precisamente lo que no tiene intencionalidad.

El espectador se ve reducido a participar en el juego, descifrar el discurso o distraerse. El espectador permanece fuera del trabajo. Por lo tanto, en los productos de arte contemporáneos, somos testigos de la desaparición de la obra de arte, ya que estos productos no se basan en ningún fundamento y no se distinguen de ninguna manera de ningún otro objeto. La iconoclasia moderna ha triunfado. Ser un iconoclasta es estar en contra del mundo. Estar en contra del mundo es estar en contra de la razón. Es estar en contra del hombre.

Exposiciones
La primera Feria Internacional de Arte de Resiliencia fue organizada en 2015 por Ksenia Milicevic en el Museo de Pintura Saint-Frajou, Saint-Frajou, Francia. 1er Premio: Anna Grazi, Córcega, Francia. 2do Premio: Uros Paternu, Ljubljana, Eslovenia, 3er Premio: Irena Grant, Tasmania, Australia, Premio del Jurado: Yaffah Kanfitine, Lomé, Togo.
2016, 2da Feria Internacional de Arte de Resiliencia. 1er Premio: Rosemary Meza-Desplas, Dallas, Estados Unidos. 2do Premio: Tanya Ziniewicz, Baltimore, Estados Unidos, 3er Premio: Melvyn Chuang, Taipei, Taiwán, Premio del Jurado: Mary Joyce, Edmonton, Canadá.
Participación de Ksenia Milicevic en el Congreso Euromediterráneo – Marsella: Resiliencia en el mundo vivo, bajo la presidencia de Boris Cyrulnik, 19-21 de mayo de 2016, Archivos departamentales de Bouches du Rhône. Intervención sobre resiliencia en el art.
2017, III Feria Internacional de Arte de Resiliencia. Países participantes: Brasil, Indonesia, Canadá, Estados Unidos, Pakistán, Suiza, Inglaterra, Australia, Sudáfrica, Túnez, Turquía, Francia. 1er Premio: Mayanne Mackay, Toulouse, Francia, 2do Premio: Mary Joyce, Edmonton, Canadá, Premio del Museo: Ipung Purnomo, Papua, Indonesia. Premio del jurado: Olivier Talon, L’Isle-sur-la-Sorgue, Francia con la obra «Winter Blues», colección privada.
2018, 4ta Feria Internacional de Arte de Resiliencia. Países participantes: Argentina, Australia, Canadá, Estados Unidos, Indonesia, Israel, Puerto Rico, Turquía, Francia. 1er Premio: Mary Joyce, Canadá. 2do Premio: Ana Erra, Argentina. Premio del jurado: Corinne Medina Saludo, Francia. Premio del museo: Allen Rush, Estados Unidos.

En 2018, resiliencia en el arte se presentó en el 4to Congreso Mundial sobre Resiliencia organizado por Resilio, Asociación Internacional para la promoción y difusión de investigaciones sobre resiliencia en colaboración con la Universidad Aix-Marseille en Marsella (Francia), del 27 al 30 de junio de 2018.
En 2019, Michelle Marder Kamhi, crítica de arte, se unió al movimiento de Resiliencia Artística.
2019, 5a Feria Internacional de Arte de Resiliencia. Países participantes: Canadá, Indonesia, Irán, Egipto, Francia, Italia, República Checa, Suiza, Turquía, Estados Unidos. 1er Premio: Mahmoud El-Kouriny, Egipto. 2do Premio: Héctor López, Suiza. Premio del jurado: Mary Nash, Estados Unidos. Premio del museo: Samaneh Riazati, Irán. Premio de Fotografía: Nicholas Luchenbill, Estados Unidos.

Miembros y asociados de Art Résilience
Corinne Medina-Saludo
Christopher stone
Gerard Lartigue
John Botica
Ksenia Milicevic
Michelle Marder Kamhi
Mary Joyce
Miguel Betancourt
Sandra Bromley
Senol Sak
Victor Molev