Salas del siglo XIX, Segundo sector, Galería nacional de arte moderno y contemporáneo en Roma.

La exposición «The great Time is Out of Joint», que completó un extenso proceso de transformación, reorganización y reorganización de sus colecciones, marcó la apertura de un nuevo capítulo en la historia de la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo. La exposición, que todavía está abierta al público, ha sufrido una serie de transformaciones a lo largo del tiempo (variantes, adiciones y reemplazos de obras) que, al modificar la morfología de la exposición, han sacado a la luz un proyecto concebido desde el origen en modulación continua En el lanzamiento inminente de la publicación dedicada a Time is Out of Joint (que establece el fértil trabajo de transformar el espacio y la colección mediante la exposición del mismo nombre después del golpe), se reabre el nuevo proyecto Joint is Out of Time.

Difundidos en varias salas de la Galería, las obras de Elenana Damiani, Fernanda Fragateiro, Francesco Gennari, Roni Horn, Giulio Paolini, Jan Vercruysse están incrustadas en el bosquejo preexistente que describe la aparición de una constelación sin precedentes cuyo diseño parece capaz de inscribirse en El corpus del tiempo está fuera de la articulación. El objetivo del nuevo proyecto, llevado a cabo en un diálogo cercano con los artistas invitados, es construir una ‘exposición’ en lo legible ya construido como una especie de variación en el curso del trabajo y capaz de encajar en un contexto y hacerlo ‘ resonar ‘, agregando tonos y tonos diferentes y complementarios. De ahí la peculiaridad de un formato de exhibición que paradójicamente saca su mérito de fusionarse con el diseño que lo alberga.

La operación compleja que conecta el tiempo está fuera de conjunto con el conjunto está fuera de tiempo, subrayado explícitamente por la inversión de los términos expresados ​​en el título, tiende (a través de una especie de doble enlace) a establecer una relación disyuntiva entre dos proyectos que hicieron que las debidas proporciones se configuran como momentos autónomos pero indisociables de un solo proceso: dos momentos simultáneos de una operación dirigida a sacar, al mismo tiempo, a un lado la reserva del futuro custodiada por la prestigiosa colección de la Galería y, en el otro, el profundo impacto de la memoria de la historia del arte que anima las nuevas obras en exhibición.

Gracias a la colaboración con la Academia de Bellas Artes de Roma, un proyecto de mediación cultural verá a los estudiantes presentes en los espacios de exhibición de la galería, involucrados en ofrecer al público visitas guiadas e información sobre la exposición durante la duración del Joint in Out of Time.

Sala 8
Cuarto de jardinero
La sala está dedicada a artistas impresionistas y a aquellos pintores que se pueden encerrar con el nombre de la Escuela de París, por lo que también incluye a los italianos que, a finales de siglo, se mudaron a París, ahora considerada la capital mundial del arte.

El impresionismo se basa en la posibilidad de hacer, a través del color, las impresiones de la realidad, con preferencia por el paisaje; Por esta razón, prefieren pintar al aire libre, fijando en el lienzo las impresiones suscitadas por la realidad de las luces y los colores, con pinceladas rápidas sin seguir un diseño preestablecido y previamente dibujado.

La fecha de nacimiento es el 15 de abril de 1874, cuando Monet, Renoir, Sisley, Degas, Morisot y otros exhiben por el fotógrafo Nadar. Eran pinturas en plein air ejecutadas a lo largo de las orillas del Sena, ayudadas por los avances en la química que habían producido las pinturas al óleo en tubos, fáciles de usar fuera del taller. La exposición fue un fracaso total de la crítica. Impresionismo fue el término creado por un crítico frente a la pintura de Claude Monet: «Impresión: soleil levant», para resaltar sus defectos, su desorden compositivo.

Tradicionalmente, el artista que inicia es Claude Monet, mientras que el que concluye su experiencia abriendo nuevas vías es Paul Cézanne. Esta sala alberga las tres pinturas en el centro de un robo sensacional que ocurrió en la Galería en mayo de 1998: en la noche del 19, «Il Gardener» y «L’Arlesiana» de Vincent van Gogh y «Le Cabanon de Jourdan» fueron robados Paul Cézanne. La historia del robo se describe en detalle en el libro «10 pm, robo en la galería», firmado por Francesco Pellegrino y con la introducción de Walter Veltroni.

Sala 9
Salón de Giordano Bruno
La sala abre la parte de la galería dedicada a la segunda mitad del siglo XIX, o más bien a las obras creadas después de 1883, año en que se estableció el museo.

El salón quiere celebrar la épica del Risorgimento con las grandes pinturas de Fattori y Cammarano de las batallas encargadas por el joven estado unitario y con el lienzo sobre Dogali, habla sobre las ambiciones coloniales de Italia de la época, mientras que con los emigrantes de pintura. por Adolfo Tommasi, los artistas también enfrentan los nuevos problemas sociales que surgen en esos años. En el centro, el elenco de la estatua de Giordano Bruno de Ettore Ferrari quiere rendir homenaje al componente más radical de nuestro Risorgimento.

Sala 10
Habitación de la madre
La sala está dedicada a los toscanos, en el período posterior al de los Macchiaioli. Toma su nombre de la estatua colocada en el centro, obra de un artista teórico del movimiento que acabamos de mencionar.

Sala 11
Sala de votación
La sala toma su nombre del gran lienzo de: Francesco Paolo Michetti, The Vow, 1883.

Representa la fiesta de San Pantaleone, patrón de Miglianico (en Abruzos), construida entre 1881 y 1883, se convirtió en la gran atracción de la Exposición Internacional de Roma en 1887, lo que suscitó un animado debate, especialmente por el realismo crudo, muy distante de su asignaturas anteriores. El lienzo representa una expresión original del movimiento realista que, en esos años, también se manifestó en el campo literario con I Malavoglia di Verga (1881).

Francesco Paolo Michetti (Tocco Causaria, Pescara 1851 – Francavilla al Mare, Chieti 1929) se formó en Nápoles en la Academia con Morelli y Filippo Palizzi que lo alentaron a trabajar desde la vida en Abruzos. Conoció a D’Annunzio y estudió en profundidad el medio ambiente y las costumbres de Abruzzo. Alguna vez un tema de desproporcionado entusiasmo, el trabajo de Michetti pronto volvió a los límites marcados por el descriptivismo exuberante y superficial. De Encyclopaedia dell’Arte, 2002 Garzanti.
Cuando en 1915 las colecciones de la Galería fueron transportadas al edificio viale delle Belle Arti, una comisión formada por Michetti, Bistolfi y Ojetti lo ordenó por regiones. De: Bucarelli, The Gallery of Modern Art, 1973 State Printing Institute

Sala 12
Habitación veneciana
La sala se llama así porque está dedicada a los pintores venecianos que están influenciados por la tradición de la escuela veneciana, caracterizada por el brillo de las pinturas, como lo fueron los artistas más representativos de esa escuela en Tiziano y Tintoretto. Quizás el artista más importante de esta pintura en el siglo XIX es Giacomo Favretto (Venecia 1842-1917), se dedicó a la pintura de paisajes siguiendo la poética de los Macchiaioli, siguiendo la de Costa y los pintores napolitanos. De vuelta en Venecia, logró reunir las nuevas adquisiciones pictóricas en la recuperación de la tradición del paisaje veneciano del siglo XVIII, con un lenguaje de refinamiento sensible que no excluía una transcripción naturalista clara. Entre sus obras más famosas: «Mattino alla Giudecca» 1892, Trieste, Museo Revoltella.

Sala 13
Salón de Stanga
La sala está dedicada a los pintores del norte de Italia en el período relacionado con el final del siglo XIX. La sala toma su nombre del trabajo más grande colocado en el centro:

Giovanni Segantini, Alla stanga, 1886. La pintura se encuentra en un valle alpino, las estribaciones de Valsassina, Brianza. En primer plano, un grupo de bueyes atados a la stanga en la noche, cuando las sombras se hacen más largas, la distancia a las montañas cubiertas de nieve. Los hombres y los animales viven inmersos en la naturaleza, una gran sensación de paz brilla a través de esta imagen.

Giovanni Segantini (Arco, Trento 1858 – Schafberg, Grigioni 1899) es el más famoso de los divisionistas. «Reconcilió los principios teóricos del movimiento con una visión nueva e intensa de la naturaleza, especialmente del paisaje alpino. La imagen es anterior a la adopción del divisionismo» (de: Palma Bucarelli, The National Gallery of Modern Art, 1973 State Polygraphic Institute , p. 40). Después de una infancia problemática, después de abandonar la escuela de reforma de Milán, asistió a la Academia Brera (1857-79) donde asimiló la experiencia del naturalismo lombardo. Se retiró a Pusiano en Brianza profundizando su investigación en la dirección naturalista. Luego se mudó a Savorgnino en los Grisones y comenzó a seguir la técnica del divisionismo (para una definición de este movimiento, ver la sala Previati). De: Enciclopedia del arte,

Sala 14
Habitación Previati
La sala está dedicada a Gaetano Previati después de la muerte de Segantini, se convirtió en el campeón del divisionismo en Italia. La división es una tendencia artística en Italia en la penúltima década del siglo XIX y activa hasta 1915 más o menos. Los pintores divisionistas se impusieron al público y a la crítica a partir de la primera Trienal de 1891. El divisionismo es precedido en Francia por el puntillismo de Georges Seurat y Paul Signac, quienes adoptaron el principio de descomposición del color con un rigor desconocido para los italianos.

Segantini, Previati y Morbelli asociaron un componente sentimental a una imagen naturalista que se traduce en una estructura filamentosa de la pincelada (Previati), o material (Segantini) o claroscuro (Morbelli). El positivismo influyó en esta tendencia artística. El positivismo fue un movimiento filosófico europeo de finales del siglo XIX que le debía mucho al francés Auguste Comte el nombre y la exposición teórica. Se opuso al ideal romántico con la positividad de un método basado en hechos científicos y un concepto de filosofía como síntesis de las ciencias.

Sala 15
Veranda Sartorio
Originalmente, la habitación era una veranda abierta al jardín que da a Via Aldrovandi, posteriormente se decidió cerrarla con grandes ventanales para aumentar el espacio de exhibición. En la veranda, Sartorio simboliza obras sobre lienzo de la escuela romana de finales de siglo con Sartorio, De Carolis, Nino Costa y otros.

Vestíbulo Eva
También en esta sala pequeña pero luminosa, se encuentran los paneles de Paolo Gaidano (ver la galería Sartorio).

La sala está dedicada a la escultura de finales del siglo XIX, que no muestra originalidad particular ni elementos innovadores. En el centro de la sala está la escultura:

Portal del renacimiento
En la sala pequeña y luminosa, están los paneles de Paolo Gaidano, de los cuales se decía en la galería Sartorio, en el centro, la escultura de bronce: Ettore Ximenes, Renacimiento, 1895.

Representa a una mujer joven, Spring, vista de acuerdo con los cánones de Miguel Ángel. Ejemplo de lo más típico del estilo floral o de la libertad, la obra del escultor e ilustrador de Palermo vivió principalmente en Roma (1855 – 1926). En 1880 expuso con éxito el modelo para Ciceruacchio (más tarde hecho de bronce y colocado en el paseo marítimo de Ripetta), al año siguiente en París fue apreciado por su «Nanà». Hizo la cuadriga de bronce en el Palacio de Justicia de Roma. La cabaña Ximenes en Piazza Galeno en Roma fue construida para sí mismo en el estilo de libertad más típico.

Galería nacional de arte moderno y contemporáneo en Roma.
La Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo, también conocida como La Galleria Nazionale, es una galería de arte en Roma, Italia. Fue fundada en 1883 por iniciativa del entonces Ministro Guido Baccelli y se dedica al arte moderno y contemporáneo.

Alberga la colección más completa dedicada al arte italiano y extranjero desde el siglo XIX hasta nuestros días. Entre las pinturas, dibujos, esculturas e instalaciones, las casi 20,000 obras en la colección son una expresión de las principales corrientes artísticas de los últimos dos siglos, desde el neoclasicismo hasta el impresionismo, desde el divisionismo hasta las vanguardias históricas de principios del siglo XX, desde futurismo y surrealismo, al núcleo más notable de obras de arte italiano entre las décadas de 1920 y 1940, desde el movimiento del siglo XX hasta la llamada escuela romana.

La Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo conserva la colección completa de arte internacional e italiano del siglo XIX al XXI, compuesta por 20.000 obras de arte, que incluyen pinturas, dibujos, esculturas e instalaciones, y representa los principales movimientos artísticos de los últimos dos siglos. . Del neoclasicismo al impresionismo, el divisionismo y las vanguardias históricas de principios del siglo XX, el futurismo, el surrealismo, el grupo más notable de obras de los años 20 a los 40, del movimiento del Novecento a la llamada Scuola Romana, del pop Art to Arte Povera, arte contemporáneo y artistas de nuestro tiempo, y más, están representados y exhibidos en la colección y el espacio de La Galleria Nazionale.

El nuevo diseño de la galería se inauguró en octubre de 2016, basado en un proyecto original que, al reducir el número de obras en exhibición, introduce la clave de lectura no cronológica de la exposición principal «El tiempo se ha salido de la articulación». Además del nuevo diseño de las habitaciones, se redefine el área de acceso a los servicios, llamada «área de bienvenida», la biblioteca y la Sala delle Colonne. Mientras conserva el nombre institucional de la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo, la galería adquiere un nuevo nombre en su comunicación, «La Galería Nacional».