La pintura escénica teatral incluye una gran variedad de disciplinas que abarcan prácticamente todo el ámbito de la pintura y las técnicas artesanales. Un pintor escénico experimentado (o artista escénico) tendrá habilidades en pintura de paisaje, pintura figurativa, trompe l’oeil y acabado falso, y será versátil en diferentes medios como el acrílico, el aceite y la pintura al temple. El pintor también podría lograr habilidades tridimensionales como esculpir, plastar y dorar.

El pintor escénico subordina sus habilidades al diseñador teatral. En algunos casos, los diseñadores pintan sus propios trabajos.

Las técnicas y los conocimientos especializados del pintor escénico reproducen una imagen a mayor escala a partir de la maqueta de un diseñador, tal vez acompañada de fotografías e investigaciones originales, y a veces con muestras de pintura y estilo.

Pintura escénica
La pintura escénica tradicionalmente ha sido mezclada por el pintor utilizando pigmento en polvo de color, un aglutinante y un medio. El aglutinante se adhiere al polvo a sí mismo y a la superficie sobre la que se aplica. El medio es más delgado y permite que la pintura se trabaje más fácilmente, desapareciendo a medida que se seca la pintura. Hoy es común usar marcas de pintura escénica ya preparada, o pigmento suspendido en un medio al cual se agregará una carpeta.

Orígenes e historia
La pintura teatral es probablemente tan antigua como el teatro europeo en sí, que fue construido en la antigua Grecia en el siglo sexto antes de Cristo. Chr.

Plinio el más joven y Vitruvio informaron en este momento de pinturas en los teatros y las arenas romanas.

En el Renacimiento, por ejemplo, en la etapa de perspectiva del Teatro Olímpico, se utilizaron decorados de escenario fijos y pintados en forma de marcos forrados de lino detrás de un escenario sin cambios arquitectónicos. En esta etapa, la forma uno utilizó el arte elevado de la representación en perspectiva de los artistas del Renacimiento, para engañar al espectador con la ilusión de un escenario escénico espacial. Aquí, los pasos de la etapa entre las etapas frontal y posterior se proporcionaron con telas pintadas en marcos de madera para completar el efecto espacial de una perspectiva para el espectador. Tanto en el Renacimiento como en la época del Barroco, los elementos decorativos antiguos fueron redescubiertos, elaboradamente diseñados y funcionalmente extendidos.

La perspectiva central preferida de la pintura desde el Renacimiento se incorporó al desarrollo rápido e imparable de la decoración escénica. Como resultado, Filippo Bunelleschi (1377-1446) también es llamado el pionero de la pintura teatral. El resultado fueron pinturas a gran escala, que de ninguna manera son inferiores a las pinturas al óleo contemporáneas en tecnología y perfección. El objetivo de esta perspectiva de punto de fuga central era la ilusión de un punto de fuga en el infinito, por ejemplo, utilizado a menudo para representar impresionantes cañones y superar su efecto.

Al comienzo del Barroco, Giovanni Battista Aleotti desarrolló escenas móviles al aire libre en 1606 para cambiar la decoración del escenario. Estos elementos decorativos rígidos fueron, por supuesto, pintados con representaciones escénicas, escénicas o arquitectónicas. También se utilizaron Telari para la transformación del diseño escénico, que fueron modelados con el antiguo Periakten. Estos prismas verticales de tres lados se podían sentir uno al lado del otro como una superficie homogénea, lo que lograba un cambio rápido y sin complicaciones del diseño del escenario.

Piezas de decoración pintadas
técnicas de pintura
Dado que el pintor teatral pinta una multitud de cortinas en el escenario, sus técnicas son tan variadas y específicas como los materiales y otros materiales que necesita para trabajar.

Durante mucho tiempo, y todavía, hubo y hay técnicas que no se dicen y que pertenecen a los secretos profesionales de los pintores teatrales y que son difíciles de aprender; En ese momento, la gente solía decir «tuvieron que ser robados con los ojos». Las técnicas que son bien conocidas son también las técnicas de pintura comúnmente utilizadas en el arte libre, como la pintura Alla-prima (pintada en una capa) y la técnica de esmalte (pintura multicapa). Este último se usa muy a menudo en la pintura teatral; No en vano, el pintor teatral pinta sus enormes «lienzos» en el suelo.

La técnica de acristalamiento implica medio diluido, por el cual incluso la capa más baja de pintura brilla hasta el final a través de capas adicionales aplicadas de pintura.

Tradicionalmente, esto se hace de la siguiente manera: el motivo, que más tarde adornará la perspectiva como una pintura, se dibuja primero con carbón, por medio de una barra de carbón (un trozo de carbón en la varilla larga) de pie sobre el sustrato de tela imprimada. El precursor de carbono se dibuja con un color diluido (a menudo un tono sepia o marrón); pero no solo los contornos, sino una gran elaboración. Aquí ya puede lograr una plasticidad de la pintura al acristalar las áreas que deben oscurecerse varias veces. Este proceso, que sirve para concretar su pre-dibujo y «sostener» la superficie de la pintura se llama sinterización. Acerca de la sinterización, los trabajos de pintura se glasearán, la sinterización aún se puede ver. Al final, las luces y la oscuridad se ponen un poco más opacas. En el transcurso de las pinturas a gran escala que se encuentran principalmente en los teatros de la ópera, es aconsejable fijar el pre-dibujo de carbón con un esmalte muy grande por medio de una pistola de pulverización. En esta tecnología de proceso, la textura granulosa de la impresión, que también se conserva en una pintura traslúcida posterior, se combina con un patrón de pulverización, si se trabaja con una pistola pulverizadora.

El pintor teatral es, además de su habilidad artística, también un pintor de imitación, de mármol, piedra, madera, óxido, pátina, etc. Para cada imitación hay varias técnicas y trucos; sobre esmalte de cerveza a «envoltura» de estructura de mármol o «batido» de Kolzkörner. Aquí, sin embargo, se da prioridad al efecto remoto, como en todas las pinturas teatrales; porque el siguiente espectador, que mira el trabajo en el escenario, por lo general se sienta al menos a ocho pies de distancia.

Ocupación y actividad
La profesión de pintura escénica todavía se llama pintura teatral en el uso lingüístico. Su trayectoria formativa solo ha sido reconocida oficialmente en la antigua Alemania Occidental desde febrero de 2000. El aprendizaje de esta profesión tiene lugar principalmente en el marco de una formación profesional y suele ser de tres años. Hoy en día, la mayoría de los cursos de capacitación se basan en el sistema dual (es decir, basado en la escuela y en la empresa), así como en casos individuales solo desde el punto de vista operativo. Hay tres escuelas vocacionales bien conocidas en Alemania: una en Berlín, una en Essen y una en Baden-Baden. La única universidad en Alemania para ofrecer pintura teatral se encuentra en Dresde. Tanto para el programa de grado como para la mayoría de las empresas de capacitación, una cartera de trabajos artísticos como una aplicación es un requisito previo necesario. Hasta la fecha, no existe un máster para la ruta de formación; Todos los pintores de escenario son o no calificados, jornaleros calificados o estudiantes de posgrado.

Los pintores de teatro se emplean principalmente en teatros estatales y municipales y teatros de ópera, su lugar de trabajo es la sala de pintura. Sin embargo, cada vez hay más empresas o estudios de decoración independientes; en el que se emplean pintores de escenario independientes, pero también artistas o pintores decorativos. En las producciones cinematográficas, también, se emplean pintores de escena que equipan el conjunto con sus pinturas.

Colecciones
Grandes colecciones de pintura teatral histórica se han conservado en Alemania en el Museo del Teatro Meiningen (decoraciones del período de la gira de Meininger, 1874-1890) y en la Sala de Conciertos de Ravensburg (decoraciones del pintor de la corte de Stuttgart Wilhelm Plappert, 1902-1910).