Escuela de Fontainebleau
La Escuela de Fontainebleau (Ecole de Fontainebleau 1530-1610) se refiere a dos períodos de producción artística en Francia durante el Renacimiento tardío centrados en el real Château de Fontainebleau, que fueron cruciales en la formación de la versión francesa del Manierismo del Norte.
Término que abarca el trabajo en una amplia variedad de medios, incluyendo pintura, escultura, estuco y grabado, producido desde la década de 1530 hasta la primera década del siglo XVII en Francia (por ejemplo, The Nymph of Fontainebleau) evoca un mundo irreal y poético de elegante , figuras alargadas, a menudo en entornos mitológicos, así como la incorporación de adornos ricos e intrincados con un tipo característico de correa. La frase fue utilizada por primera vez por Adam von Bartsch en Le Peintre-graveur (21 vols, Viena, 1803-21), refiriéndose a un grupo de aguafuertes y grabados, algunos de los cuales fueron sin duda realizados en Fontainebleau en Francia. Más generalmente, designa el arte hecho para decorar el castillo de Fontainebleau, construido a partir de 1528 por Francisco I y sus sucesores, y por extensión cubre todas las obras Reflejar el arte de Fontainebleau Con la reevaluación del manierismo en el siglo XX, la popularidad de la escuela de Fontainebleau ha aumentado enormemente.
Centrada alrededor de pintores que trabajan principalmente en la decoración del Château de Fontainebleau, esta escuela se caracteriza por una interpretación francesa medida del manierismo.
El nombre dado a este movimiento artístico, sin embargo, data del siglo XIX, utilizado por primera vez en 1818 por el historiador Adam Bartsch (1757-1821), en su obra de grabado (1803-1821), para designar los grabados realizados por un grupo de artistas en la década de 1540, bajo la influencia de dos maestros italianos que trabajaban en el castillo de Fontainebleau: el Rosso y Primatice.
Por extensión, este término se ha aplicado a todas las formas de arte que florecieron en Fontainebleau, y un poco más tarde, en el mismo espíritu, en París.
La primera escuela de Fontainebleau (alrededor de 1526-1570)
En 1526, cuando apenas había vuelto del cautiverio, Francisco I trajo un gran grupo de artistas italianos de Italia para embellecer su Palacio de Fontainebleau 3. Él crea así su deseo, una especie de «nueva Roma», que se llamará la Escuela de Fontainebleau, con un influyente círculo intelectual y artístico.
A partir de 1530, bajo la influencia de los italianos Rosso y Primatice, se lanzan las grandes fórmulas de un estilo decorativo que prevalecerá en toda Europa. Su gran innovación en decoración de interiores es la alianza, por primera vez en Francia, de adornos o figuras de estuco con frescos y paneles de madera.
Entre los temas favoritos están las pinturas mitológicas o alegóricas, inspiradas en la Antigüedad, donde los desnudos se tratan con elegancia 4. Gracias a Rosso, la First School of Fontainebleau desarrolla las capacidades decorativas del cartucho asociándolo con los bobinados y los recortes suaves del cuero. Nunca se sabrá que esta fórmula es un éxito universal.
En Galerie François I, esta nueva introducción al estuco enriquece los frescos o los medallones, con bordes en alto relieve. Este sistema de cuadros, creado por instigación del Rosso, anima aquí figuras, putti, guirnaldas de frutas, bucranes, sátiros o máscaras, en medio de la ondulación del cuero y los agujeros de los nichos. Estos estucos a veces blancos, a veces pintados y dorados, enmarcan figuras alegóricas, mientras crean juegos de sombras y luz.
Obra de un italiano, pero impensable fuera del contexto francés, la Galerie François Ier se revela como un vasto conjunto para la glorificación de la monarquía francesa. Inmediatamente admirado por los extranjeros, y en primer lugar por los italianos, de pronto Fontainebleau se convirtió en un importante centro artístico, como una «nueva Roma», con lo que se dio cuenta de la gran ambición del rey que se representa como «ganador de la Ignorancia».
Este nuevo tipo de galería impone en Francia un mundo imaginario inédito: la corte, acostumbrada hasta ahora a la decoración de tapices con temas religiosos o heroicos, descubre el universo de la Fábula y sus provocativas desnudez. Tal trabajo debe haber causado una sensación y precipitado la evolución de las mentes.
Mientras ocurría la muerte, el Rosso en 1540, Primatice, tomó la dirección de las obras de Fontainebleau, ayudado por Nicolò dell’Abbate.
La finalización de la decoración de la cámara de la Duquesa de Etampes, le da la oportunidad de realizar un vasto conjunto decorativo, cuyos ciclos alegóricos ponen la figura humana en primer plano. Sin embargo, se trata como un elemento decorativo entre muchos otros, antes, así como guirnaldas o cartuchos, para adaptarse a la formulación general y a los requisitos de la composición. Su escala y su canon siguen así los imperativos del efecto general. De manera general, es el manierismo italiano, introducido y renovado por el Rosso y Primatice, el que controla el aspecto fluido y alargado de las figuras, en particular cuando se trata del desnudo femenino que luego es animado por la «línea serpentina».
Sobre el revestimiento de esta sala, se desarrollan escenas eróticas inspiradas en la vida de Alejandro Magno. Esta serie de frescos, realizados entre 1541 y 1544, también se inspira en los logros de Raphael, desde la lujuria de François I er: el rey libertino hasta las muchas amantes (habría tenido 27 a la vez), habría dicho en Brantôme: «Un tribunal sin damas, es como un jardín sin flores» 6. Inacabado por un tiempo, estas decoraciones se completaron desde 1570 por Niccolo dell’Abate, para secar el trabajo del ala de la Belle – Cheminée. Entre estas obras, hemos venido de la Primatice: «Alexander doming Bucéphale», «Las bodas de Alexander» y «Roxane y Alexander ahorrando Timoclée», complementado por los de Niccolo dell’Abate, incluyendo: «Alexander tiene un conjunto en una caja establecer obras de Homero «y» Thalestris trepa a la cama de Alejandro «.
Un poco más tarde, The Ballroom, tomó una fiesta diferente, Primatice siendo suplantado por Philibert Delorme. Las ventanas acristaladas permiten el desarrollo de frescos sobre una carpintería de paneles altos. Un techo artesonado desarrollado por Scibec de Carpi completa el conjunto. En la parte inferior se encuentra una gigantesca chimenea enmarcada por dos sátiros de bronce, cuyo juego ecléctico con las formas, la luz y los materiales, denota un estilo manierista italiano. En las troneras de las ventanas, aparecen conjuntos pintados de escenas mitológicas inspiradas en la Historia de la Guerra de Troya y realizadas por Niccolò dell’Abbate, que trabaja en paralelo para Anne de Montmorency (Ilustración de Proserpina o Historia de Euridyce).
Estos logros de Bellifontain influenciaron grandemente artistas franceses tales como Jean Goujon, Antoine Caron y Noël Jallier. A veces, otros artistas invitados por François I, como Benvenuto Cellini o Girolamo della Robbia, están asociados con la Escuela de Fontainebleau. Algunas de estas personalidades, influenciadas por el arte italiano, comenzaron a participar en la decoración interior del castillo Ecouen que se está construyendo. En general, si el espíritu de los elementos decorativos permanece fiel a los logros de Fontainebleau, las composiciones de este nuevo sitio ven una evolución en el tratamiento del estuco, gradualmente reemplazado por trompe l’oeil.
Tomando las partes tomadas del Salón de baile de Fontainebleau, las habitaciones del Castillo de Ancy-le-Franc están adornadas con altos paneles rematados con frescos atribuidos en gran parte a Primatice u otros pintores de Fontainebleau. Su estilo particular aquí nuevamente testimonia la influencia ejercida por las residencias reales sobre todas las producciones artísticas del momento.
Hacia mediados del siglo XVI, cuando el mercado de la imprenta está en plena explosión, las pinturas realizadas por esta escuela se copian en grabados, aparentemente con motivo de un breve programa organizado que incluye a los propios pintores. el mismo 8. El arte de las vidrieras se ve afectado, el mueble copia los motivos más famosos. Los escultores, incluso los más grandes, no son insensibles a él. Así, los patrones ejecutados por los artistas de Fontainebleau para tapiceros, orfebres y esmaltadores contribuyeron naturalmente a la estrecha interdependencia de las artes en ese momento.
Lejos de desaparecer a la muerte de sus dos últimos creadores, la Escuela de Fontainebleau sobrevive, a veces de manera muy arcaica hasta finales de siglo. Su influencia en el arte francés es sorprendente: se observa en los frescos del castillo de Oiron y Tanlay. Así, mezclando el bellifontain y las influencias romanas, la galería del Château d’Oiron (1547-1549) realizada por Noël Jallier sobre el tema de la Eneida y la Ilíada, realiza la síntesis entre Francia e Italia. También encontramos a los jinetes italianos y una gran pasión en la acción de los personajes, inspirada en el Rosso, mientras que un sfumato poético invade los paisajes romanos.
Finalmente, en el castillo de Tanlay, los frescos de la bóveda abovedada del piso superior de la Torre de la Liga, representan con la misma línea serpentina, personajes de la corte de Francia, disfrazados de dioses del Olimpo.
A pesar de la diversidad de las fiestas decorativas, la gran cantidad de técnicas utilizadas y el carácter cosmopolita de un ambiente que reúne a artistas italianos, franceses y flamencos, las producciones de la Escuela de Fontainebleau presentan una gran unidad de estilo, marcada por una concepción común de figura y ornamento. El mundo nacido de este acuerdo sin equivalente en Italia, debe admitirse que un clima peculiar de la corte de Francia, suntuoso, sensual, elegante, ha dirigido en una nueva dirección el genio de Rosso y Primatice.
Las obras de esta «primera escuela de Fontainebleau» se caracterizan por el uso extensivo de estuco (molduras y marcos) y frescos, y un elaborado (y a menudo misterioso) sistema de alegorías y la iconografía mitológica. Los motivos decorativos renacentistas como los grotescos, la correa y los putti son comunes, así como un cierto grado de erotismo. Las figuras son elegantes y muestran la influencia de las técnicas del manierismo italiano de Miguel Ángel, Rafael y especialmente Parmigianino. Primaticcio también fue dirigido a hacer copias de estatuas romanas antiguas para el rey, extendiendo así la influencia de la estatuaria clásica.
Muchas de las obras de Rosso, Primaticcio y dell’Abate no han sobrevivido; partes del Chateau fueron remodeladas en varias fechas. Las pinturas del grupo se reprodujeron en grabados, en su mayoría grabados, que al parecer fueron producidos inicialmente en Fontainebleau, y más tarde en París. Estos diseminaron el estilo a través de Francia y más allá, y también registran varias pinturas que no han sobrevivido.
El estilo manierista de la escuela de Fontainebleau influyó en los artistas franceses (con los que trabajaron los italianos) como el pintor Jean Cousin el Viejo, los escultores Jean Goujon y Germain Pilon y, en menor medida, el pintor y retratista François Clouet el hijo de Jean Clouet.
Taller de grabado
Aunque no hay ninguna prueba cierta, la mayoría de los estudiosos han estado de acuerdo en que hubo un taller de grabado en el Palacio de Fontainebleau, reproduciendo los diseños de los artistas para sus obras en el palacio, así como otras composiciones que produjeron. Los grabadores más productivos fueron Léon Davent, Antonio Fantuzzi y Jean Mignon, seguidos por el artista «misterioso» conocido por su monograma como «Master I♀V» (♀ es el símbolo alquímico del cobre, del que se hicieron las placas de impresión) , y el taller parece haber estado activo entre aproximadamente 1542 y 1548 a más tardar; François I de Francia murió en marzo de 1547, después de lo cual la financiación para el palacio terminó, y la escuela se dispersó. Estos fueron los primeros grabados realizados en Francia, y no muy lejos de los primeros usos italianos de la técnica, que se originó en Alemania. Las primeras impresiones de todas las impresiones de Fontainebleau están en tinta marrón, y su intención parece haber sido esencialmente reproductiva.
La intención del taller era difundir el nuevo estilo que se desarrolla en el palacio de manera más amplia, tanto a Francia como a los compañeros italianos en Italia. No está claro si la iniciativa de hacer esto provino del rey u otro mecenas, o solo de los artistas. David Landau cree que Primaticcio fue la fuerza motriz; él había intensificado para convertirse en el director del trabajo en Fontainebleau después del suicidio de Rosso Fiorentino en 1540.
La empresa parece haber sido «un poco prematura» en términos de atrapar un mercado. Las huellas grabadas a menudo estaban marcadas por signos de inexperiencia del taller y, a veces, incompetencia con la técnica del grabado, y según Sue Welsh Reed: «Pocas impresiones sobreviven de estas placas, y es cuestionable si fueron tiradas. ejecutados y no bien impresos, a menudo estaban rayados o mal pulidos y no se limpiaban. Algunos pueden haber sido hechos de metales blandos como el cobre, como el peltre «. Un mercado en expansión para las impresiones prefirió las «texturas altamente terminadas» de Nicolas Beatrizet, y más tarde grabadores «competentes pero finalmente no inspirados» como René Boyvin y Pierre Milan.
Artistas notables de la primera escuela
Niccolò dell’Abbate (c.1509-1571) (Italiano)
Damiano del Barbiere, estuco y escultor italiano
Francesco Scibec da Carpi (fallecido hacia 1557) fabricante italiano de muebles, que trabajó en las boiseries.
Léon Davent, grabador francés
Antonio Fantuzzi, pintor y grabador italiano
Rosso Fiorentino (Giovanni Battista di Jacopo de ‘Rossi) (1494-1540) (Italiano)
Juste de Juste (c.1505-1559) escultor y grabador franco-italiano
Luca Penni (hacia 1500 / 1504-1556) (italiano)
Francesco Primaticcio (c.1505-1570) (Italiano)
Léonard Thiry, flamenco, pintor y grabador
La segunda escuela de Fontainebleau (1594-1617)
Desde el reinado de Enrique IV se desarrolla un estilo manierista tardío a veces llamado «Segunda escuela de Fontainebleau». Haciéndose eco del primero, se refiere principalmente a los pintores que estaban activos en los astilleros reales. durante el reinado de Enrique IV (1594 – 1610) y la regencia de María de Médicis (1610 – 1617). El campo de actividad de esta segunda escuela también superó ampliamente el marco del único castillo de Fontainebleau; su parte fue grande en la decoración del Louvre y Saint-Germain-en-Laye, por no mencionar el trabajo realizado para la fábrica real de tapices 8. Este nuevo equipo, sin embargo, difiere del anterior por su gran número de artistas de origen flamenco y, más en general, por una influencia nórdica más pronunciada, que puede explicarse por las circunstancias políticas de la época. .
Después de un largo período de disturbios ligados a las guerras de religión, la renovación de las artes es particularmente llamativa en el reinado de Enrique IV, tocando todas las áreas: pintura, escultura, arquitectura, libro de arte pero también jardines artísticos y artes de la corte, incluidos los ballets y entradas triunfales.
Renovando con el tiempo de Francisco I, el rey está trabajando para revivir las artes francesas por un importante mecenazgo. Para atraer a los artistas que huyeron de París nuevamente, comenzó a trabajar en la década de 1590 para contribuir a la fama del reino involucrándolos en ambiciosos programas (Galerie de Diane, Galerie des Cerfs, Pavillon des Poëles, Castillo nuevo de Saint-Germain). en-Laye …). Enrique IV, el primer rey de la dinastía borbónica pero también heredero del trono de Valois, nunca deja de recordar la legitimidad de este poder tan duramente ganado. Fontainebleau es, pues, parte de estas obras inacabadas bajo los Valois que el rey quiere completar, mientras que al mismo tiempo ayuda a la capital a recuperar su primacía en el campo artístico.
Es en este contexto de renovada prosperidad, que se desarrolla la segunda Escuela de Fontainebleau. La continuidad con el primer equipo es tanto más sensible que el segundo también es parte de la tendencia internacional del Manierismo, de ahí el nombre común. Pero con la inspiración parmesana que dominó con el Primatice hay más influencias mixtas. Los italianos ya no juegan el primer papel porque están bien los franceses que ahora ocupan los puestos directivos. Si todavía esperamos a Primatice, Rosso o Nicolò Dell’Abate, cuyo color y tendencias «modernas» de sus paisajes y escenas de género son apreciados, la inspiración general ha cambiado: la contribución flamenca, que se ha convertido en esencial, lleva a una interpretación más personal de la pintura, que asocia con las fórmulas manieristas elementos de un realismo a menudo cercano a la caricatura: Toussaint Dubreuil, Ambroise Dubois y Martin Fréminet son hoy considerados los principales maestros de este movimiento.
A lo largo del reinado de Enrique IV, estos artistas intentan constantemente renovar el estilo decorativo francés, aprovechando las oportunidades que ofrece la reanudación de los astilleros reales. Para llevar a cabo su investigación, el nuevo equipo no duda en dibujar no solo desde las fuentes del arte de Fontainebleau, sino desde el flamenco italianizante contemporáneo, trayendo así varias distorsiones en sus préstamos. Así, los flamencos ‘Ambroise Dubois y los franceses Toussaint Dubreuil (prematuramente desaparecidos en 1602) sintetizan sus contribuciones por composiciones con distorsiones caprichosas y desnudos eróticos, por un estilo brillante y ecléctico. Sin embargo, la llama parece bastante extinta y la confusión de espacio y escala en la mayoría de las composiciones enmascara la pobreza de la imaginación y el estilo.
A diferencia de la Primera Escuela de Fontainebleau, ningún artista francés de la segunda generación alcanza el valor y el carisma de Rosso o Primatice. A pesar de su deseo de independencia y renovación, esta escuela se ve atraída con demasiada frecuencia por los elementos vistos y fantásticos de los modelos italianos, caracterizados por perspectivas extremas y una paleta exagerada y agria; demasiadas obras se hunden en una fórmula confusa y un erotismo obvio, signos de una comprensión superficial del arte del Renacimiento tardío.
Si la Segunda Escuela de Fontainebleau reúne artistas franceses como Jacob Bunel, Guillaume Dumée, Gabriel Honnet o el ya barroco Martin Freminet, para crear las decoraciones de las residencias reales, solo Antoine Caron impresiona con su arte de corte extremadamente sofisticado. Sus pinturas son extrañamente similares a los ballets gigantescos, probablemente inspirados en el entretenimiento favorito de la corte de Catalina de Médicis, su principal mecenas.
Ahora menos enfocada en temas mitológicos o alegóricos, inspirados por la Antigüedad, la Segunda Escuela de Fontainebleau está más dispuesta a recurrir a los temas románticos y literarios de las canciones de Tasso y Ariosto: Los temas de Jerusalén entregados o de la Franciade luego saben un resonante éxito. Sin embargo, los temas religiosos siguen siendo muy populares porque a menudo están relacionados con órdenes de prestigio, perfectamente ilustradas en la decoración ya barroca de la capilla de la Trinidad por Fréminet, como una nueva «Sixtina francesa» del siglo XVII.
Por la suntuosidad de sus decoraciones, el castillo de Fontainebleau se convierte por un tiempo en un importante centro artístico que se suma a la radiación de la nueva dinastía; Los intercambios entre el arte parisino y el arte de Bellifontain parecían intensificarse.
Sin embargo, los enlaces que unen la Francia de Henri IV y Marie de Médicis con los principales centros artísticos europeos, permiten que este nuevo equipo de Bellifontaine se ubique en un entorno más amplio, en conexión con Florencia, Amberes o Nancy, cuyo brillante centro artístico Está dominado por Jacques Bellange (muerto en 1616) pero cuyo estilo se incrementa inexorablemente bajo la influencia de Jean de Hoey y Jerome Franck.
Si bien muchas obras de artistas de la Segunda Escuela de Fontainebleau desafortunadamente desaparecieron, la conservación en el castillo de Ancy-le-Franc, un vasto conjunto de escenarios, relacionados con la primera y la segunda escuela de Fontainebleau, de hecho hoy es uno de los principales testigos de la producción pictórica francesa del Renacimiento.
En conclusión, la famosa pintura que representa a Gabrielle d’Estrées y una de sus hermanas, resume perfectamente las características de la pintura francesa de la corte real de la época, mezclando la sensualidad, la frescura de los colores y la influencia de la pintura italiana del Renacimiento. Al distinguirse de los maestros de la primera escuela, por un color más cálido y más contrastante, el arte de estos pintores aún amasó modelos del primer manierismo italiano, jugó un papel innegable de transición con el arte parisino de principios del siglo xvii , expresando tanto las nuevas tendencias del Clasicismo como las del Barroco.
Sin embargo, la brillantez de las obras de la Primera Escuela es tal que maestros como Primatice y Nicolò dell’Abbate, continúan ejerciendo una influencia decisiva durante todo el período: seguirán siendo una gran referencia para el siglo XV para clásicos como Laurent de La Hyre , Jacques Blanchard, Lubin Baugin, e incluso los hermanos Le Nain.
Su estilo continuaría teniendo una influencia en los artistas a lo largo de las primeras décadas del siglo XVII, pero otras corrientes artísticas (Peter Paul Rubens, Caravaggio, las escuelas naturalistas holandesas y flamencas) pronto los eclipsarían.
Artistas notables de la segunda escuela
Ambroise Dubois (c.1542-1614) (nacido en flamenco)
Toussaint Dubreuil (c.1561-1602)
Martin Fréminet (1567-1619)