Una naturaleza muerta es una obra de arte que representa en su mayoría temas inanimados, por lo general objetos comunes que son naturales (alimentos, flores, animales muertos, plantas, rocas, conchas, etc.) o hechos por el hombre (vasos, libros, jarrones, joyas, monedas, pipas, etc.).
Con orígenes en la Edad Media y el arte antiguo grecorromano, la pintura de bodegones surgió como un género distintivo y una especialización profesional en la pintura occidental a fines del siglo XVI, y se ha mantenido significativa desde entonces. Una forma de naturaleza muerta le da al artista más libertad en la disposición de los elementos dentro de una composición que las pinturas de otros tipos de temas, como el paisaje o el retrato. La naturaleza muerta, como un género particular, comenzó con la pintura holandesa de los siglos XVI y XVII, y el término inglés still life deriva de la palabra holandesa stilleven. Las primeras pinturas de bodegones, particularmente antes de 1700, a menudo contenían simbolismos religiosos y alegóricos relacionados con los objetos representados. Algunos trabajos modernos de naturaleza muerta rompen la barrera bidimensional y emplean medios mixtos tridimensionales, y utilizan objetos encontrados, fotografías, gráficos por computadora, así como video y sonido.
El término incluye la pintura de animales muertos, especialmente el juego. Los vivos se consideran arte animal, aunque en la práctica a menudo fueron pintados a partir de modelos muertos. La categoría de naturaleza muerta también comparte puntos en común con la ilustración zoológica y especialmente botánica, donde ha habido una considerable superposición entre los artistas. En general, una naturaleza muerta incluye un fondo completamente representado, y pone las preocupaciones estéticas más que ilustrativas como primarias.
La naturaleza muerta ocupaba el escalón más bajo de la jerarquía de géneros, pero ha sido extremadamente popular entre los compradores. Además del tema de la naturaleza muerta independiente, la pintura de bodegones abarca otros tipos de pintura con elementos de naturaleza muerta prominentes, generalmente simbólicos, e «imágenes que dependen de una multitud de elementos de naturaleza muerta para reproducir aparentemente una ‘rebanada de vida’ ‘». La pintura trompe-l’œil, que intenta engañar al espectador para que piense que la escena es real, es un tipo de naturaleza muerta especializada, que generalmente muestra objetos inanimados y relativamente planos.
Antecedentes y desarrollo
Las pinturas de naturalezas muertas a menudo adornan el interior de las antiguas tumbas egipcias. Se creía que los objetos alimenticios y otros elementos representados allí, en el más allá, se volverían reales y estarían disponibles para el uso del difunto. Las pinturas de vasijas griegas antiguas también demuestran una gran habilidad para representar objetos y animales cotidianos. Peiraikos es mencionado por Plinio el Viejo como un pintor de panel de temas «bajos», como sobrevivir en versiones de mosaico y pinturas murales provinciales en Pompeya: «barberías, puestos de zapateros, asnos, comestibles y temas similares».
Bodegones similares, más simplemente decorativos en su intención, pero con una perspectiva realista, también se han encontrado en las pinturas murales romanas y los mosaicos del piso desenterrados en Pompeya, Herculano y la Villa Boscoreale, incluyendo el motivo familiar posterior de un recipiente de vidrio con fruta. Los mosaicos decorativos denominados «emblema», encontrados en las casas de los romanos ricos, demostraron la variedad de alimentos que disfrutaban las clases altas, y también funcionaban como signos de hospitalidad y como celebraciones de las estaciones y de la vida.
Edad Media y Renacimiento temprano
Hacia 1300, comenzando con Giotto y sus alumnos, la pintura de naturalezas muertas se revivió en forma de nichos ficticios en pinturas murales religiosas que representaban objetos cotidianos. A través de la Edad Media y el Renacimiento, la naturaleza muerta en el arte occidental se mantuvo principalmente como un complemento de los temas religiosos cristianos, y convocó el significado religioso y alegórico. Esto fue particularmente cierto en el trabajo de los artistas del norte de Europa, cuya fascinación por el realismo óptico y el simbolismo altamente detallados los llevaron a prodigar gran atención al mensaje general de sus pinturas. Pintores como Jan van Eyck a menudo usaban elementos de naturalezas muertas como parte de un programa iconográfico.
En los últimos años de la Edad Media, elementos de naturaleza muerta, en su mayoría flores, pero también animales y, a veces, objetos inanimados, fueron pintados con realismo creciente en los bordes de manuscritos iluminados, desarrollando modelos y avances técnicos que fueron utilizados por pintores de imágenes más grandes. Hubo una considerable coincidencia entre los artistas que hacen miniaturas para los manuscritos y los paneles de pintura, especialmente en la pintura temprana neerlandesa. Las Horas de Catalina de Cleves, probablemente hechas en Utrecht alrededor de 1440, es uno de los ejemplos más destacados de esta tendencia, con bordes que presentan una extraordinaria gama de objetos, incluyendo monedas y redes de pesca, elegidos para complementar el texto o la imagen principal en ese momento. punto particular. Los talleres flamencos de finales de siglo llevaron aún más el naturalismo de los elementos fronterizos. Las tapicerías góticas de millefleur son otro ejemplo del creciente interés general en representaciones precisas de plantas y animales. El conjunto de La dama y el unicornio es el ejemplo más conocido, diseñado en París alrededor de 1500 y luego tejido en Flandes.
Renacimiento posterior
Siglo dieciseis
Aunque la mayoría de las naturalezas muertas después de 1600 eran pinturas relativamente pequeñas, una etapa crucial en el desarrollo del género fue la tradición, centrada principalmente en Amberes, de la «naturaleza muerta monumental», que eran pinturas grandes que incluían grandes extensiones de material de naturaleza muerta. con figuras y a menudo animales. Este fue un desarrollo de Pieter Aertsen, cuyo puesto de A Meat Daughter con Holy Family Giving Alms (1551, ahora Uppsala) introdujo el tipo con una pintura que todavía sobresalta. Otro ejemplo es «The Butcher Shop» del sobrino de Aertsen Joachim Beuckelaer (1568), con su representación realista de las carnes crudas dominando el primer plano, mientras que una escena de fondo transmite los peligros de la embriaguez y la lujuria. El tipo de cocina muy grande o escena de mercado desarrollada por Pieter Aertsen y su sobrino Joachim Beuckelaer representa típicamente una abundancia de comida con un bodegón de utensilios de cocina y robustas cocineras flamencas. A menudo se puede ver una pequeña escena religiosa a lo lejos, o se agrega un tema como el Four Seasons para elevar el tema. Este tipo de naturaleza muerta a gran escala siguió desarrollándose en la pintura flamenca después de la separación del norte y el sur, pero es raro en la pintura holandesa, aunque otras obras de esta tradición anticipan el tipo de pintura de género de «compañía alegre».
Poco a poco, el contenido religioso disminuyó en tamaño y ubicación en este tipo de pintura, aunque las lecciones morales continuaron como subcontextos. Uno de los relativamente pocos trabajos italianos en el estilo, el tratamiento de Annibale Carracci del mismo tema en 1583, Butcher’s Shop, comienza a eliminar los mensajes morales, al igual que otras pinturas de bodegones de «cocina y mercado» de este período. Vincenzo Campi probablemente introdujo el estilo de Amberes en Italia en la década de 1570. La tradición continuó en el siglo siguiente, con varias obras de Rubens, que en su mayoría subcontrataron los elementos de naturaleza muerta y animal a maestros especialistas como Frans Snyders y su alumno Jan Fyt. En la segunda mitad del siglo XVI, la naturaleza muerta autónoma evolucionó.
Decimoséptimo siglo
Prominentes académicos de principios del siglo XVII, como Andrea Sacchi, consideraron que el género y la pintura de naturalezas muertas no tenían la «gracia» que merecía la pintura como para ser considerada grandiosa. Una influyente formulación de 1667 realizada por André Félibien, un historiógrafo, arquitecto y teórico del clasicismo francés, se convirtió en la declaración clásica de la teoría de la jerarquía de géneros para el siglo XVIII:
Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d’un autre qui ne fait que des fruits, des fleurs ou des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui ne représentent que des choses mortes & sans mouvement; & comme la figure de l’homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, il is certain aussi que celui qui se rend l’imitateur de Dieu en peignant des figures humaines, est beaucoup plus excellent que tous les autres …
Pintura holandesa y flamenca
La naturaleza muerta se desarrolló como una categoría separada en los Países Bajos en el último cuarto del siglo XVI. El término inglés still life se deriva de la palabra holandesa stilleven, mientras que las lenguas romances (así como las griegas, polacas, rusas y turcas) tienden a usar términos que significan naturaleza muerta. La pintura temprana de los Países Bajos del siglo XV había desarrollado técnicas altamente ilusionistas tanto en pintura de panel como en manuscritos iluminados, donde las fronteras a menudo presentaban elaboradas exhibiciones de flores, insectos y, en una obra como las Horas de Catalina de Cleves, una gran variedad de objetos. Cuando el manuscrito iluminado fue desplazado por el libro impreso, las mismas habilidades se implementaron más tarde en la ilustración botánica científica; los Países Bajos lideraron a Europa tanto en botánica como en su representación en el arte. El artista flamenco Joris Hoefnagel (1542-1601) hizo pinturas al aguafuerte y gouache de flores y otros temas de naturalezas muertas para el emperador Rudolf II, y había muchas ilustraciones grabadas para libros (a menudo coloreados a mano), como el florilegio de Hans Collaert. , publicado por Plantin en 1600.
Alrededor de 1600 pinturas de flores en óleo se convirtieron en una locura; Karel van Mander pintó algunas obras él mismo, y registra que otros artistas manieristas del norte como Cornelis van Haarlem también lo hicieron. No se conocen piezas de flores que hayan sobrevivido, pero muchos sobreviven por los principales especialistas, Jan Brueghel the Elder y Ambrosius Bosschaert, ambos activos en el sur de los Países Bajos.
Europa del sur
En el arte español, un bodegón es una pintura de bodegones que representa elementos de despensa, como vituallas, juegos y bebidas, a menudo dispuestos en una losa de piedra simple, y también una pintura con una o más figuras, pero elementos importantes de naturaleza muerta, generalmente se encuentra en una cocina o taberna. Comenzando en el período Barroco, tales pinturas se hicieron populares en España en el segundo cuarto del siglo XVII. La tradición de la pintura de naturalezas muertas parece haber comenzado y era mucho más popular en los países bajos contemporáneos, hoy Bélgica y Holanda (luego artistas flamencos y holandeses), que nunca en el sur de Europa. Las naturalezas muertas del norte tenían muchos subgéneros; la pieza del desayuno fue aumentada por el trompe-l’œil, el ramo de flores y las vanitas.
En España hubo muchos menos clientes para este tipo de cosas, pero un tipo de pieza de desayuno se hizo popular, con algunos objetos de comida y vajilla colocados sobre una mesa. La pintura de naturalezas muertas en España, también llamada bodegones, era austera. Difería de la naturaleza muerta holandesa, que a menudo contenía ricos banquetes rodeados de ornamentados y lujosos elementos de tela o vidrio. El juego en las pinturas españolas a menudo es un simple animal muerto que aún espera ser despellejado. Las frutas y verduras son crudas. Los fondos son bloques geométricos de madera sin brillo o lisos, a menudo creando un aire surrealista. Aunque tanto el bodegón holandés como el español a menudo tenían un propósito moral incrustado, la austeridad, que algunos consideran similar a la desolación de algunas de las mesetas españolas, parece rechazar los placeres sensuales, la plenitud y el lujo de las pinturas bodegónicas holandesas.
Siglo dieciocho
El siglo XVIII continuó refinando en gran medida las fórmulas del siglo XVII y los niveles de producción disminuyeron. En el estilo rococó, la decoración floral se hizo mucho más común en la porcelana, papel pintado, telas y muebles de madera tallada, por lo que los compradores preferían que sus cuadros tuvieran figuras para el contraste. Un cambio fue un nuevo entusiasmo entre los pintores franceses, que ahora forman una gran proporción de los artistas más notables, mientras que los ingleses se conformaron con importar. Jean-Baptiste Chardin pintó ensamblajes pequeños y simples de alimentos y objetos en un estilo muy sutil que ambos construyeron sobre los maestros de la Edad de Oro holandesa, y que fue muy influyente en las composiciones del siglo XIX. Los sujetos del juego muerto continuaron siendo populares, especialmente para las cabañas de caza; la mayoría de los especialistas también pintaron temas de animales vivos. Jean-Baptiste Oudry combinaba excelentes representaciones de las texturas de pieles y plumas con fondos simples, a menudo el blanco liso de una pared de despensa lavada con cal, que los mostraba ventajosamente.
En el siglo XVIII, en muchos casos, las connotaciones religiosas y alegóricas de las pinturas de naturalezas muertas se abandonaron y las pinturas de las mesas de cocina evolucionaron en representaciones calculadas de variados colores y formas, que mostraban las comidas cotidianas. La aristocracia francesa empleó a artistas para ejecutar pinturas de temas bohemios y extravagantes de naturalezas muertas que adornaban su mesa de comedor, también sin el mensaje vanitas moralista de sus predecesores holandeses. El amor rococó por el artificio llevó a un aumento en la apreciación en Francia de la pintura trompe-l’œil (francés: «engañar al ojo»). Las pinturas de bodegones de Jean-Baptiste Chardin emplean una variedad de técnicas, desde el realismo de estilo holandés hasta armonías más suaves.
Siglo xix
Con el auge de las Academias europeas, especialmente la Académie française, que desempeñó un papel central en el arte académico, la vida inmóvil comenzó a decaer. Las Academias enseñaron la doctrina de la «Jerarquía de géneros» (o «Jerarquía del tema»), que sostenía que el mérito artístico de una pintura se basaba principalmente en su tema. En el sistema Académico, la forma más elevada de pintura consistía en imágenes de importancia histórica, bíblica o mitológica, con temas de bodegones relegados al orden más bajo de reconocimiento artístico. En lugar de usar naturalezas muertas para glorificar la naturaleza, algunos artistas, como John Constable y Camille Corot, eligieron paisajes para servir a ese fin.
Cuando el neoclasicismo comenzó a declinar en la década de 1830, la pintura de género y retrato se convirtió en el centro de las revoluciones artísticas realistas y románticas. Muchos de los grandes artistas de ese período incluyeron naturalezas muertas en su cuerpo de trabajo. Las pinturas de naturalezas muertas de Francisco Goya, Gustave Courbet y Eugène Delacroix transmiten una fuerte corriente emocional, y están menos preocupadas por la exactitud y más interesadas en el estado de ánimo. Aunque se inspira en los temas anteriores de la naturaleza muerta de Chardin, las pinturas de naturalezas muertas de Édouard Manet son fuertemente tonales y se dirigen claramente hacia el Impresionismo. Henri Fantin-Latour, usando una técnica más tradicional, era famoso por sus exquisitas pinturas florales y se ganaba la vida pintando casi bodegones para coleccionistas.
Siglo veinte
Las primeras cuatro décadas del siglo XX formaron un período excepcional de fermento artístico y revolución. Los movimientos de vanguardia evolucionaron rápidamente y se superpusieron en una marcha hacia la abstracción total no figurativa. La naturaleza muerta, así como otras representaciones artísticas, continuaron evolucionando y adaptándose hasta mediados de siglo, cuando la abstracción total, como lo ejemplifican las pinturas de goteo de Jackson Pollock, eliminó todo el contenido reconocible.
El siglo comenzó con varias tendencias en el arte. En 1901, Paul Gauguin pintó Still Life with Sunflowers, su homenaje a su amigo Van Gogh que había muerto once años antes. El grupo conocido como Les Nabis, incluidos Pierre Bonnard y Édouard Vuillard, tomó las teorías armónicas de Gauguin y agregó elementos inspirados en xilografías japonesas a sus pinturas de bodegones. El artista francés Odilon Redon también pintó notables bodegones durante este período, especialmente flores.
Siglo 21
Durante los siglos XX y XXI, la noción de la naturaleza muerta se ha extendido más allá de las formas de arte bidimensionales tradicionales de la pintura en videoarte y formas de arte tridimensional como la escultura, el rendimiento y la instalación. Algunas obras de bodegón de medios mixtos emplean objetos encontrados, fotografía, video y sonido, e incluso se derraman desde el techo hasta el piso y llenan una habitación completa en una galería. A través del video, los artistas de la naturaleza muerta han incorporado al espectador a su trabajo. Después de la era de la informática con el arte de la computadora y el arte digital, la noción de la naturaleza muerta también ha incluido la tecnología digital. Los gráficos generados por computadora potencialmente han aumentado las técnicas disponibles para los artistas de naturalezas muertas. Los gráficos 3D y los gráficos 2D para computadora con efectos fotorrealistas en 3D se utilizan para generar imágenes de bodegones sintéticos. Por ejemplo, el software de arte gráfico incluye filtros que se pueden aplicar a gráficos vectoriales 2D o gráficos ráster 2D en capas transparentes. Los artistas visuales han copiado o visualizado efectos 3D para renderizar manualmente efectos fotorrealistas sin el uso de filtros.