El cine surrealista es un enfoque modernista de la teoría, crítica y producción cinematográfica con orígenes en París en la década de 1920. El movimiento usó imágenes chocantes, irracionales o absurdas y el simbolismo freudiano de los sueños para desafiar la función tradicional del arte de representar la realidad. En relación con el cine Dada, el cine surrealista se caracteriza por yuxtaposiciones, el rechazo de la psicología dramática y el uso frecuente de imágenes impactantes. Philippe Soupault y André Breton colaboran en el libro de 1920 Les Champs Magnétiques a menudo se considera la primera obra surrealista, pero fue solo una vez que Breton completó su Manifiesto surrealista en 1924 que «el surrealismo redactó un certificado de nacimiento oficial».

La primera película surrealista fue The Seashell and the Clergyman from 1928, dirigida por Germaine Dulac a partir de un guión de Antonin Artaud. Otras películas incluyen Un Chien Andalou y L’Age d’Or de Luis Buñuel y Salvador Dalí; Buñuel pasó a dirigir muchas más películas, con diversos grados de influencia surrealista.

Contenido
El estudio de los surrealistas en el arte y la literatura con los aspectos irracionales del sueño y el inconsciente, influenciados por el psicoanálisis de Freud, también condujo a una traducción cinematográfica de la alienación grotesca y elementos excesivos de este movimiento artístico. Debido a la intensa preparación técnica requerida para las películas, las películas surrealistas carecían del elemento de diseño inconsciente y «automático», que en la pintura y la literatura del surrealismo hicieron que la coincidencia desempeñara un papel importante.

Caracteristicas
Viniendo de la poesía y las artes plásticas, el cine surrealista mantiene muchos de sus grandes motivos: creación aparte de todos los principios estéticos y morales, fantasía onírica, humor inescrupuloso y cruel, erotismo lírico, la confusión deliberada de los tiempos y los diferentes espacios. Sus directores lo utilizan para escandalizar y exterminar a una mezquina y sórdida sociedad burguesa. Le dan a las imágenes un valor en sí mismas, usando uniones derretidas, aceleradas, en cámara lenta, arbitrarias entre planos de películas y secuencias.

Los precedentes del cine surrealista se encuentran en el movimiento más amplio del cine de vanguardia de carácter cubista y dadaísta, que comenzó a desarrollarse alrededor de 1925. Ejemplos de esta tendencia son Ballet mécanique, de Fernand Léger (pintor cubista) o la película dadaísta Entreacto ( finales de 1924), de René Clair y Francis Picabia, caracterizados por la creación de metáforas visuales. Otro intento de vanguardia fue La estrella de mar (1928), de Man Ray y Robert Desnos, que se limitó a una cadena de planos fusionados que constituían una serie fotográfica más que una película surrealista.

En 1928 aparece la primera película con cierto contenido surrealista, La caracola y el cérigo, de Germaine Dulac y el guión de Antonin Artaud. El año siguiente, el exponente más representativo de este género cinematográfico fue lanzado, Un perro andaluz (1929) de Luis Buñuel, la obra maestra del cine surrealista. Buñuel continuaría su trayectoria cinematográfica con un surrealismo más combativo en The Golden Age (1930). La sangre de un poeta (1930), de Jean Cocteau, influida por el surrealismo no fue bien recibida por el grupo surrealista y no puede considerarse como perteneciente a este movimiento.

Teoría
En su libro de 2006, El surrealismo y el cine, Michael Richardson argumenta que las obras surrealistas no pueden definirse por estilo o forma, sino más bien como resultados de la práctica del surrealismo. Richardson escribe: «Dentro de las concepciones populares, el surrealismo es malentendido de muchas maneras diferentes, algunas de las cuales contradicen a otras, pero todos estos malentendidos se basan en el hecho de que buscan reducir el surrealismo a un estilo o una cosa en sí mismo en lugar de estar preparados para verlo como una actividad con horizontes amplios. Muchos críticos no reconocen las cualidades distintivas que conforman la actitud surrealista. Buscan algo -un tema, un tipo particular de imaginería, ciertos conceptos- que puedan identificar como «surrealistas» con el fin de proporcionar un criterio de juicio mediante el cual se puede evaluar una película o una obra de arte. El problema es que va en contra de la esencia misma del surrealismo, que se niega a estar aquí pero siempre en otro lugar. No es una cosa sino una relación entre las cosas y por lo tanto, debe tratarse como un todo. Los surrealistas no están interesados ​​en conjurar un mundo mágico que pueda definirse como «surrealista». Su interés radica casi exclusivamente en explorar ing las conjunciones, los puntos de contacto, entre diferentes reinos de existencia. El surrealismo siempre trata de salidas en lugar de arribos «. Más que una estética fija, Richardson define el surrealismo como» un punto de magnetismo cambiante alrededor del cual gira la actividad colectiva de los surrealistas «.

El surrealismo se basa en imágenes irracionales y en la mente subconsciente. Los surrealistas, sin embargo, no deben confundirse con caprichosos o incapaces de pensar lógicamente; más bien, la mayoría de los surrealistas se promocionan a sí mismos como revolucionarios.

Historia
El surrealismo fue el primer movimiento literario y artístico que se asoció seriamente con el cine, aunque también ha sido un movimiento descuidado en gran medida por los críticos e historiadores del cine. Por más breve que sea su popularidad, se hizo conocida por su calidad de ensueño, la yuxtaposición de personas y objetos cotidianos en formas irracionales y la abstracción de la vida real, los lugares y las cosas. Altamente influenciado por la psicología freudiana, el surrealismo buscaba llevar la mente inconsciente a la vida visual. «Equilibrado entre el simbolismo y el realismo, el cine surrealista comentaba sobre temas de la vida, la muerte, la modernidad, la política, la religión y el arte mismo».

Los fundamentos del movimiento comenzaron en Francia y coincidieron con el nacimiento de las películas. Francia fue el lugar de nacimiento del cine surrealista debido a una afortunada combinación de fácil acceso a equipos de cine, financiamiento de películas y una plétora de artistas y audiencias interesadas. Los surrealistas que participaron en el movimiento se encontraban entre la primera generación que creció con la película como parte de la vida cotidiana.

Breton mismo, incluso antes del lanzamiento del movimiento, tenía un ávido interés por el cine: mientras servía en la Primera Guerra Mundial, estaba destinado en Nantes y, durante su tiempo libre, frecuentaba las salas de cine con un superior llamado Jacques Vaché. Según Breton, él y Vaché ignoraron los títulos y los horarios de las películas, prefiriendo aparecer en cualquier momento y ver las películas sin previo conocimiento. Cuando se aburrieron, salieron y visitaron el próximo teatro. Los hábitos cinematográficos de Breton le proporcionaron una corriente de imágenes sin ningún orden construido sobre ellas. Podía yuxtaponer las imágenes de una película con las de otra, y de la experiencia crear su propia interpretación.

Refiriéndose a sus experiencias con Vaché, una vez comentó: «Creo que lo que [valoramos] más en él, hasta el punto de no interesarnos por nada más, fue su poder para desorientar». Breton creía que la película podía ayudar a uno a abstraerse de la «vida real» cada vez que le daba la gana.

Las publicaciones seriales, que a menudo contenían efectos de suspenso y sugerencias de «otra mundanidad», fueron atractivas para los primeros surrealistas. Los ejemplos incluyen las hazañas de Houdini y las escapadas de Musidora y Pearl White en las historias de detectives. Lo que más sedujo a los surrealistas del género fue su capacidad de evocar y mantener una sensación de misterio y suspenso en los espectadores.

Los surrealistas vieron en la película un medio que anuló los límites de la realidad. El crítico de cine René Gardies escribió en 1968: «Ahora el cine es, con toda naturalidad, el instrumento privilegiado para desrealizar (sic) el mundo. Sus recursos técnicos … aliados con su foto-magia, proporcionan las herramientas alquímicas para transformar la realidad».

Los artistas surrealistas estaban interesados ​​en el cine como medio de expresión. A medida que el cine continuó desarrollándose en la década de 1920, muchos surrealistas vieron en él una oportunidad para retratar lo ridículo como racional. «Los artistas surrealistas se dieron cuenta de que la cámara fotográfica podía capturar el mundo real de una manera soñadora que sus bolígrafos y pinceles no podían: superposiciones, sobreexposiciones, movimiento rápido, cámara lenta, movimiento inverso, stop-motion, destello de lente, gran profundidad de campo, poca profundidad de campo y trucos de cámara más extraños podrían transformar la imagen original frente a la lente en algo nuevo una vez expuesta en la placa de película. Para los surrealistas, la película les dio la capacidad de desafiar y moldear los límites entre fantasía y la realidad, especialmente con el espacio y el tiempo. Como los sueños que deseaban, el cine no tenía límites ni reglas «. El cine proporcionaba ilusiones más convincentes que su rival más cercano, el teatro, y la tendencia de los surrealistas a expresarse a través del cine era un signo de su confianza en la adaptabilidad del cine a los objetivos y exigencias del surrealismo. Fueron los primeros en tomar en serio la semejanza entre las imágenes imaginarias de la película y las de los sueños y el inconsciente. Luis Buñuel dijo: «La película parece ser la imitación involuntaria del sueño».

Los cineastas surrealistas intentaron redefinir la conciencia humana de la realidad al ilustrar que lo «real» era poco más de lo que se percibía como real; esa realidad no estaba sujeta a límites más allá de los que la humanidad le impuso. Breton alguna vez comparó la experiencia de la literatura surrealista con «el punto en el que el estado de vigilia se une al sueño». Su analogía ayuda a explicar la ventaja del cine sobre los libros al facilitar el tipo de liberación que los surrealistas buscan de sus presiones diarias. La modernidad de la película también atraía.

Los críticos han debatido si la «película surrealista» constituye un género distinto. El reconocimiento de un género cinematográfico implica la capacidad de citar muchas obras que comparten rasgos temáticos, formales y estilísticos. Referirse al surrealismo como un género implica que hay una repetición de elementos y una «fórmula genérica» ​​reconocible que describe su composición. Varios críticos han argumentado que, debido al uso del surrealismo de lo irracional y no sequítico, es imposible que las películas surrealistas constituyan un género.

Si bien hay numerosas películas que son expresiones reales del movimiento, muchas otras películas que han sido clasificadas como surrealistas simplemente contienen fragmentos surrealistas. En lugar de «película surrealista», el término más preciso para tales obras puede ser «Surrealismo en película».

Películas surrealistas y cineastas
Películas del movimiento original
Entr’acte: una película francesa silenciosa de 22 minutos, escrita por René Clair y Francis Picabia, y dirigida por Clair, estrenada el 4 de diciembre de 1924.
The Seashell and the Clergyman: una película muda de 31 minutos, escrita por Antonin Artaud y dirigida por Germaine Dulac, estrenada en febrero de 1928.
L’Étoile de Mer: una película francesa en silencio de 15 minutos escrita y dirigida por Man Ray, estrenada en 1928.
Un Chien Andalou: una película francesa silenciosa de 21 minutos, escrita por Salvador Dalí y Luis Buñuel, y dirigida por Buñuel, estrenada en 1929.
Les Mystères du Château de Dé: una película francesa en silencio de 27 minutos escrita y dirigida por Man Ray, estrenada en 1929.
L’Age d’Or: una película francesa de 60 minutos con sonido, escrita por Dalí y Buñuel, y dirigida por Buñuel, estrenada en 1930.
La sangre de un poeta: película francesa de 50 minutos, dirigida y escrita por Jean Cocteau, estrenada en 1931.

Películas posteriores
Joseph Cornell produjo películas surrealistas en los Estados Unidos a fines de la década de 1930 (como Rose Hobart en 1936). Antonin Artaud, Philippe Soupault y Robert Desnos escribieron guiones para películas posteriores. Salvador Dalí diseñó una secuencia de ensueño para la película de Alfred Hitchcock Spellbound (1945). Fue una de las primeras películas estadounidenses en usar el psicoanálisis como un elemento principal de la historia. Hitchcock quería capturar la viveza de los sueños como nunca antes y sintió que Dalí era la persona que lo ayudaba a hacerlo. Dada la importancia de la secuencia de los sueños, el director dio rienda suelta al artista para traer a la pantalla una visión innovadora de la forma en que los sueños pueden ser representados.

En 1946, Dalí y Walt Disney comenzaron a trabajar en una película llamada Destino; el proyecto finalmente fue terminado en 2003.

Las obras del cineasta estadounidense David Lynch tales como Eraserhead (1977) Blue Velvet (1986), Lost Highway (1997) y Mulholland Drive (2001), entre otras, han sido consideradas surrealistas. Las películas del escritor, dramaturgo, director y miembro del Grupo Surrealista de Breton, Fernando Arrabal (I Will Walk Like a Crazy Horse), el escritor y director chileno Alejandro Jodorowsky (El Topo, The Holy Mountain), el director estadounidense Stephen Sayadian (Dr. Caligari),

Influencias del surrealismo y el dadaismo después de la guerra
Pasado el período histórico de las décadas de 1920 y 1930, no podemos hablar de cine surrealista en el sentido propio (o fuerte) del término, ya que las películas que afirman, o se refieren (o que catalogamos como tales), son heterogéneas y híbrido. Observamos que es especialmente en las obras de ficción (narrativas o discursivas) que se pueden encontrar las herencias, admitidas o no, del surrealismo, porque es una corriente de pensamiento que funciona en el inconsciente, el sueño, la psique: especialmente con Luis Buñuel (que lo reclamará toda su vida), Federico Fellini, David Lynch, Shūji Terayama, Terry Gilliam, Raoul Ruiz o, aún, Alejandro Jodorowsky 5. Géneros enteros, como el cine de fantasía, pueden, en un nivel u otro, elegir sobre ellos. Las influencias del surrealismo también están presentes en el cine de animación, el de los países del Este, pero también en Tex Avery y otros.

El cine del dadaísmo, el otro gran multidisciplinario avanzado de la época (que dio películas como El regreso a la razón, Man Ray, 1923 Entr’acte por René Clair, 1924 Anemic Cinema, por Marcel Duchamp, 1925), influirá. , desde la década de 1950, un gran número de corrientes de cine experimental: el cine letrista, el de Fluxus, el metraje Found o, aún, el cine estructural. Porque, en estas corrientes estéticas, la forma tiene prioridad sobre el contenido. La forma se convierte en el contenido:

Lista de películas
Películas surrealistas
1924: Entr’acte por René Clair [Película originalmente dadaísta]
1928 The Seashell and the Clergyman por Germaine Dulac
1929: un perro andaluz de Luis Buñuel y Salvador Dalí
1929: El Starfish of Man Ray
1930: La edad de oro de Luis Buñuel (con la ayuda de Salvador Dalí)
1930: La sangre de un poeta por Jean Cocteau
1943: Mallas de la tarde por Maya Deren y Alexander Hammid
1957: El Lazo de Alejandro Jodorowsky
1959: La imitación del cine de Marcel Mariën en Sharing Social Network [archivo]
1980: Más allá de lo real de Ken Russell
1988: Alicia de Jan Švankmajer.
2003: Destino de Dominique Monféry, de un proyecto inacabado, iniciado en 1946 por Walt Disney y Salvador Dalí.
2003: Doppelherz por Marilyn Manson (cortometraje)

Películas influencias surrealistas
1945: La casa del Dr. Edwardes de Alfred Hitchcock (la secuencia del sueño de Gregory Peck cuyos decorados fueron pintados por Salvador Dalí mismo, inspirados en su trabajo en el ojo de Un perro andaluz)
1946: La bella y la bestia de Jean Cocteau
1950: Orfeo de Jean Cocteau
1970: La abuela de David Lynch
1974: El fantasma de la libertad de Luis Buñuel
1986 Blue Velvet por David Lynch
1990: Sailor y Lula por David Lynch
1997: Las Vegas Parano por Terry Gilliam
1999: Dead or Alive de Takashi Miike
2005: Los hermanos Grimm por Terry Gilliam

Neo-surrealismo
1962: La muñeca de Jacques Baratier
1965: Julieta de los espíritus de Federico Fellini
1967: Fando y Lis por Alejandro Jodorowsky
1968: La violación del vampiro de Jean Rollin
1968: El alfabeto de David Lynch
1970: El Topo de Alejandro Jodorowsky
1971: La emoción de los vampiros por Jean Rollin
1973: Voy a caminar como un loco Caballo de Fernando Arrabal
1973: La montaña sagrada de Alejandro Jodorowsky
1974: El amputado de David Lynch
1974: escondite pastoral de Shūji Terayama
1975: Monty Python: ¡Santo Grial! de Terry Gilliam
1976: Eraserhead de David Lynch
1976: Jabberwocky de Terry Gilliam
1979: fascinación de Jean Rollin
1980: El carrusel de Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet
1985 Brasil de Terry Gilliam
1989: Marquis de Henri Xhonneux, guión de Roland Topor
1989: Tetsuo de Shinya Tsukamoto
1995: Tres vidas y una muerte de Raoul Ruiz
1997: Lost Highway por David Lynch
2001: Mulholland Drive por David Lynch
2002: Arzach de Moebius
2002: Habitación oscurecida por David Lynch
2004: Aaltra de Benoît Delépine y Gustave Kervern
2005: KO Kid por Marc Caro
2006: Taxidermia de György Pálfi
2007: Inland Empire por David Lynch
2010: Máxima vergüenza por Carlos Atanes
2010: Caucho de Dupieux
2012: equivocado por Quentin Dupieux
2014: Wrong Cops por Quentin Dupieux