Bienal de Arte de Venecia 2022, La Leche de los Sueños, Parte 2, Pabellones Nacionales y Eventos Colaterales
La 59ª Exposición Internacional de Arte de La Biennale di Venezia, titulada «La leche de los sueños», comisariada por Cecilia Alemani, estuvo abierta al público desde el sábado 23 de abril hasta el domingo 27 de noviembre de 2022. La Exposición tendrá lugar en el Pabellón Central (Giardini) y en el Arsenale, incluidos 213 artistas de 58 países; 180 de estos participan por primera vez en la Exposición Internacional. 1433 las obras y objetos expuestos, 80 nuevos proyectos son concebidos específicamente para la Biennale Arte.
La Exposición también incluirá 80 Participaciones Nacionales en los Pabellones históricos en los Giardini, en el Arsenale y en el centro de la ciudad de Venecia. 5 países participarán por primera vez en la Biennale Arte: República de Camerún, Namibia, Nepal, Sultanato de Omán y Uganda. República de Kazajstán, República Kirguisa y República de Uzbekistán participan por primera vez con su propio Pabellón.
La exposición «La leche de los sueños» toma a las criaturas de otro mundo de Leonora Carrington, junto con otras figuras de transformación, como acompañantes en un viaje imaginario a través de las metamorfosis de los cuerpos y las definiciones de lo humano. The Milk of Dreams toma su título de un libro de Leonora Carrington (1917–2011) en el que la artista surrealista describe un mundo mágico en el que la vida se replantea constantemente a través del prisma de la imaginación. Es un mundo donde todos pueden cambiar, transformarse, convertirse en algo o en alguien más; un mundo liberado, rebosante de posibilidades.
Pero también es la alegoría de un siglo que impuso una presión intolerable sobre la definición misma del yo, obligando a Carrington a una vida de exilio: encerrado en hospitales psiquiátricos, un eterno objeto de fascinación y deseo, pero también una figura de poder sorprendente. y misterio, siempre huyendo de las restricciones de una identidad fija y coherente. Esta exposición se basa en muchas conversaciones con artistas mantenidas en los últimos años. Las preguntas que fueron surgiendo de estos diálogos parecen capturar este momento de la historia en el que la supervivencia misma de la especie está amenazada, pero también resumen muchas otras preguntas que impregnan las ciencias, las artes y los mitos de nuestro tiempo.
¿Cómo está cambiando la definición de lo humano? ¿Qué constituye la vida y qué diferencia a las plantas y los animales, los humanos y los no humanos? ¿Cuáles son nuestras responsabilidades hacia el planeta, otras personas y otras formas de vida? ¿Y cómo sería la vida sin nosotros? Estas son algunas de las preguntas orientadoras de esta edición de la Biennale Arte, que se centra en tres áreas temáticas en particular: la representación de los cuerpos y sus metamorfosis; la relación entre individuos y tecnologías; la conexión entre los cuerpos y la Tierra.
Muchos artistas contemporáneos están imaginando una condición posthumana que desafía la visión occidental moderna del ser humano, y especialmente el supuesto ideal universal del «Hombre de la Razón» masculino y blanco, como centro fijo del universo y medida de todas las cosas. En su lugar, los artistas proponen nuevas alianzas entre especies y mundos habitados por seres porosos, híbridos y múltiples que no se diferencian de las extraordinarias criaturas de Carrington. Bajo la presión cada vez más invasiva de la tecnología, los límites entre cuerpos y objetos se han transformado por completo, provocando profundas mutaciones que reasignan subjetividades, jerarquías y anatomías.
Hoy en día, el mundo parece dramáticamente dividido entre el optimismo tecnológico, que promete que el cuerpo humano puede perfeccionarse infinitamente a través de la ciencia, y el temor a que las máquinas se hagan cargo por completo a través de la automatización y la inteligencia artificial. Esta brecha se amplió durante la pandemia de Covid-19, que nos separó aún más y enjauló gran parte de la interacción humana detrás de las pantallas de los dispositivos electrónicos.
La presión de la tecnología, el aumento de las tensiones sociales, el estallido de la pandemia y la amenaza inminente de un desastre ambiental nos recuerdan todos los días que, como cuerpos mortales, no somos ni invencibles ni autosuficientes, sino parte de una red simbiótica de interdependencias que nos unen unos a otros, a otras especies y al planeta como un todo.
En este clima, muchos artistas vislumbran el fin del antropocentrismo, celebrando una nueva comunión con lo no humano, con el mundo animal y con la Tierra; cultivan un sentido de parentesco entre las especies y entre lo orgánico y lo inorgánico, lo animado y lo inanimado. Otros reaccionan a la disolución de sistemas supuestamente universales, redescubriendo formas localizadas de conocimiento y nuevas políticas de identidad. Otros practican lo que la teórica y activista feminista Silvia Federici llama el «reencantamiento del mundo», mezclando tradiciones indígenas con mitologías personales de la misma manera que Leonora Carrington.
La Leche de los Sueños fue concebida y organizada en un período de enorme inestabilidad e incertidumbre, ya que su desarrollo coincidió con el estallido y propagación de la pandemia del Covid-19. La Biennale di Venezia se vio obligada a posponer un año esta edición, un hecho que solo había ocurrido durante las dos guerras mundiales desde 1895. Por lo tanto, el hecho de que esta exposición pueda abrirse es un tanto extraordinario: su inauguración no es exactamente el símbolo de una volver a la vida normal, sino el resultado de un esfuerzo colectivo que parece casi milagroso. Por primera vez, excepto quizás en el período de la posguerra, el Director Artístico no pudo ver muchas de las obras de arte de primera mano ni reunirse en persona con la mayoría de los artistas participantes.
Durante estos meses interminables frente a la pantalla, el comisario se ha preguntado qué papel debe jugar la Exposición Internacional de Arte en esta coyuntura histórica, y la respuesta más simple y sincera que ha podido encontrar el comisario es que la Bienal resume todas las cosas. tanto hemos echado de menos en los últimos dos años: la libertad de encontrar personas de todo el mundo, la posibilidad de viajar, la alegría de pasar tiempo juntos, la práctica de la diferencia, la traducción, la incomprensión y la comunión.
The Milk of Dreams no es una exposición sobre la pandemia, pero inevitablemente registra las convulsiones de nuestra era. En momentos como este, como muestra claramente la historia de La Biennale di Venezia, el arte y los artistas pueden ayudarnos a imaginar nuevos modos de convivencia e infinitas nuevas posibilidades de transformación.
Participaciones Nacionales
La Bienal de Venecia es una exposición bienal de arte internacional que se lleva a cabo en Venecia, Italia. A menudo descrita como «las Olimpiadas del mundo del arte», la participación en la Bienal es un evento de prestigio para los artistas contemporáneos. El festival se ha convertido en una constelación de espectáculos: una exposición central comisariada por el director artístico de ese año, pabellones nacionales organizados por países individuales y exposiciones independientes por toda Venecia. La organización matriz de la Bienal también organiza festivales regulares en otras artes: arquitectura, danza, cine, música y teatro.
Fuera de la exposición internacional central, las naciones individuales producen sus propios espectáculos, conocidos como pabellones, como su representación nacional. Las naciones que son propietarias de los edificios de sus pabellones, como los 30 ubicados en los Giardini, también son responsables de sus propios costos de mantenimiento y construcción. Las naciones sin edificios dedicados crean pabellones en el Arsenal de Venecia y palacios en toda la ciudad.
Giardini es el sitio tradicional de La Biennale Art Exhibitions desde la primera edición en 1895. Giardini ahora alberga 29 pabellones de países extranjeros, algunos de ellos diseñados por arquitectos famosos como el Pabellón de Austria de Josef Hoffmann, el pabellón holandés de Gerrit Thomas Rietveld o el pabellón finlandés. , un prefabricado de planta trapezoidal diseñado por Alvar Aalto.
El Arsenale fue el centro de producción más grande de Venecia durante la era preindustrial, un símbolo del poder económico, político y militar de la ciudad. Desde 1980, el Arsenale se ha convertido en un sitio de exhibición de La Biennale con motivo de la 1ra Exposición Internacional de Arquitectura. Posteriormente, los mismos espacios fueron utilizados durante las Exposiciones de Arte para la sección Abierta.
Con la expansión gradual de la escala, el alcance de la Bienal de Venecia se ha ampliado para cubrir toda la ciudad. Además de los principales lugares de exposición, también incluye muchos pabellones repartidos por las calles de los pueblos e incluso islas periféricas.
Eventos colaterales
Los Eventos Colaterales, que son admitidos por el Curador y promovidos por organismos e instituciones nacionales e internacionales sin fines de lucro, tendrán lugar en varios lugares de la ciudad de Venecia. Ofrecen un amplio abanico de aportaciones y participaciones que enriquecen la diversidad de voces que caracteriza la Muestra.
Elisa Giardina Papa, una de las artistas que participan en la Exposición Internacional (en competencia), ha sido invitada por Cecilia Alemani para realizar una obra especial en Forte Marghera, en el edificio denominado Polveriera austriaca. La artista Sophia Al-Maria ha sido seleccionada para presentar una obra en el Pabellón de Artes Aplicadas en la Sale d’Armi, Arsenale. Esta es la sexta edición de la colaboración entre La Biennale di Venezia y el Victoria and Albert Museum (V&A) de Londres.
Los proyectos seleccionados para la 1ª edición de Biennale College Arte 2021/2022 son de Simnikiwe Buhlungu, Ambra Castagnetti, Andro Eradze y Kudzanai-Violet Hwami. Los 4 artistas recibirán una subvención de 25.000 euros para la realización de la obra final. Las obras se presentarán, fuera de concurso, en el marco de la 59ª Exposición Internacional de Arte, La Leche de los Sueños.
Por undécimo año consecutivo, La Biennale dedica el proyecto Biennale Sessions a instituciones que desarrollan programas de investigación y formación en arquitectura, las artes y campos afines, ya universidades y academias de bellas artes. El objetivo es facilitar visitas autoorganizadas de tres días para grupos de al menos 50 estudiantes y profesores, con la posibilidad de realizar seminarios en los lugares de exposición de forma gratuita y asistencia en la coordinación de viajes y alojamiento.
Alberta Whittle: inmersión profunda (pausa) desenrollando la memoria
Deep dive (pause) uncoiling memory es una instalación de un nuevo trabajo de la galardonada artista Alberta Whittle. Abarcando dos habitaciones en un antiguo astillero, el trabajo de Alberta es un entorno que contiene obras en tapices, películas y esculturas conectadas a través de un vocabulario compartido de motivos e ideas. A través de su rico simbolismo, Alberta nos alienta a reducir la velocidad para que podamos considerar colectivamente los legados históricos y las expresiones contemporáneas del racismo, el colonialismo y la migración y comenzar a pensar fuera de estos marcos dañinos.
Angela Su: Arise, Hong Kong en Venecia
En Arise, Angela Su transmite una narrativa especulativa a través de perspectivas ficticias entrelazadas. El acto de levitación sirve como una metáfora organizadora que reaparece a lo largo de los dibujos, imágenes en movimiento, bordados e instalaciones de Su. El artista asume la apariencia de un alter ego ficticio para explorar una miríada de valencias culturales y políticas de elevarse en el aire. La pieza central de la exhibición es un nuevo trabajo en video, The Magnificent Levitation Act of Lauren O. Este pseudo-documental cuenta la historia de Lauren O, un personaje ficticio que cree que puede levitar, y su participación en Laden Raven, un grupo activista catalizó por el movimiento contra la guerra estadounidense de la década de 1960.
Ángeles escuchando
Siete ángeles a gran escala, fundidos en bronce con las bocas «tapadas» con cinta adhesiva, rodean un confesionario dorado en la instalación inmersiva Angels Listening de Rachel Lee Hovnanian. Esta exposición interactiva invita a los espectadores a renunciar a sus pensamientos más íntimos, ya sea reprimidos por miedo al juicio o por pura incapacidad, en trozos de cinta. Una vez descartada en el lugar, la voz del espectador se une a un coro de confesiones, demostrando la liberación asociada con la catarsis y la santidad de los entornos de meditación en momentos de aislamiento compartido. Rachel Lee Hovnanian es una artista radicada en Miami cuya práctica multidisciplinaria explora las complejidades del feminismo moderno y los efectos psicológicos de la tecnología.
Bosco Sodi al Palacio Vendramin Grimani. Lo que se siembra de recoge
Bosco Sodi, conocido por su uso de materias primas naturales en esculturas y pinturas a gran escala, ha sido elegido por la Fondazione dell’Albero d’Oro para una residencia de artistas en el Palazzo Vendramin Grimani. La sencillez esencial del material y los intensos pigmentos, buscados por Sodi en todo el mundo, forman la base de su proceso creativo, que el artista describió como un «caos controlado» que produce «algo completamente irrepetible». Las obras serán creadas por el artista en el androne o sala de la planta baja del palacio con vista al Gran Canal y forman el núcleo de la exposición comisariada por Daniela Ferretti y Dakin Hart.
Cataluña en Venecia_Llim
Llim (limo) se adhiere a los canales y tubos de vidrio, conectándolos y asimilando progresivamente las capas que componen Venecia. Que una ciudad rodeada de agua se convirtiera en el centro vidriero del mundo occidental se debe a la viscosidad: la capacidad del vidrio y el agua de mutar entre estados de la materia facilita la colaboración y la convivencia. El agua tiene poder fértil porque se convierte en limo cuando entra en contacto con la tierra. Del barro negro del Nilo proviene la palabra árabe khemia, alquimia, que encontró en el vidrio una fuente de inspiración. Llim no aspira a la obtención del oro ni de la quintaesencia: mueve los cimientos de Venecia con la misma calma que metaboliza y devuelve los materiales a su origen.
Chun Kwang Young: Tiempos reinventados
Times Reimagined es un laboratorio estético de Chun Kwang Young, un artista que trabaja desde hace unos treinta años con el tema de la interconexión entre los seres vivos y los valores socioecológicos de sus relaciones. Sus relieves orientados al hanji (papel de morera coreano), esculturas, instalaciones y, como punto culminante, la estructura arquitectónica específica del sitio realizada en diálogo con el arquitecto Stefano Boeri, se escenifican durante la Exposición. El papel, que alguna vez vivió como libros, renació como criatura simbólica, reimaginando el conocimiento, la información y los valores que han juzgado y determinado nuestro tiempo. A través de estos, se alienta al público a reconsiderar la práctica no ecológica existente y buscar nuevas salidas.
Claire Tabouret: soy espaciosa, carne cantante
Claire Tabouret: Soy espacioso, cantando carne presenta una nueva lectura crítica de las dimensiones clave del trabajo de la artista en una notable exhibición de encuestas comisariada por Kathryn Weir que explora múltiples transformaciones: del yo, el otro, las identidades colectivas, la lucha, la liberación y el refugio. También se crea un diálogo poderoso e inesperado con varios objetos devocionales extraídos del contexto italiano, invocando un umbral ambivalente en la práctica de Tabouret, un portal a múltiples temporalidades y subjetividades a través del cual considerar relaciones alternativas entre los seres humanos, y entre los seres humanos y su entorno. , en comunicación con lo sobrenatural frente a las crisis ecológicas y sociales.
Eugen Raportoru: El rapto del serrallo
Una cápsula del tiempo multifacética y caleidoscópica, una serie de instalaciones de elementos específicos del sitio que pueblan el espacio doméstico de Roma. La serie se basa en la comprensión de la importancia de las narrativas que estos objetos encarnan, así como su capacidad para informar y reflejar la cultura gitana, la vida gitana y la distribución del conocimiento gitano. Se recorre la historia de la creciente presencia de alfombras orientales en los hogares de Europa del Este, invitando a la meditación sobre la configuración espaciotemporal específica de las nociones de identidad e historia, pero también sobre el trauma, la esperanza, el cuerpo y el afecto. Una serie de intervenciones reflexiona aún más sobre la doble posición minoritaria de las mujeres gitanas, creando una cámara de resonancia que nos permite escuchar y aprender de sus voces.
EWA KURYLUK
La exposición de Ewa Kuryluk es un encuentro con la artista y el intelectual, así como un viaje tras las huellas de lugares importantes para ella: Corinto, la «Pequeña Italia» en la Varsovia de la posguerra, la «Pequeña Venecia» en Londres y Nueva York. La prosa y el ensayismo eruditos y posmodernos del historiador del arte, sin embargo, dan paso aquí a una hija, hermana y amante sensible cuya historia flota en instalaciones efímeras y personales hechas de tiempo, aire y tela. Ewa Kuryluk, artista polaca, es mundialmente conocida gracias a más de cincuenta exposiciones individuales en Europa, Estados Unidos, América del Sur, Canadá y Japón. Es pionera de la instalación textil efímera, pintora, fotógrafa, historiadora del arte, novelista y poeta. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas de Europa y Estados Unidos.
Desde Palestina con arte
La exposición, promovida por el Palestine Museum US, muestra la riqueza del arte contemporáneo producido en Palestina y la diáspora. Contextualizando el lenguaje del modernismo, los artistas interpretan códigos y símbolos como artistas para mostrar la belleza de la tierra y la gente de Palestina. El olivo, amado por la gente, se encuentra en el centro de la exposición sobre un mapa histórico de Palestina, rodeado de vestidos bordados y pinturas. From Palestine With Art crea una poderosa declaración que coincide con la determinación de los palestinos de abrazar la tierra y el patrimonio.
Ha Chong Hyun
Ha Chong-Hyun es mejor conocido como artista de Dansaekhwa, pero esa designación se aplica solo a un aspecto de una práctica variada que se ha dedicado a la exploración de materiales y sus propiedades durante más de cincuenta años. Después de la guerra de Corea, Ha produjo obras abstractas y tridimensionales utilizando objetos encontrados que reflejaban los traumas duraderos de la guerra. En 1974 comenzó su aclamada serie Conjunction, que emplea bae-ap-bub, el método innovador del artista de empujar la pintura al óleo a través de la parte posterior del tejido del lienzo hacia el frente. Este enfoque personifica el compromiso de Ha de desafiar el statu quo y desarrollar un vocabulario artístico único. Esta retrospectiva pretende presentar toda la amplitud de sus materiales, métodos y experimentación creativa, así como destacar su papel pionero en »
Heinz Mack – Vibración de luz
En una extensa exposición individual, el fundador de ZERO y artista cinético, Heinz Mack, que representó a Alemania en la 35.ª Exposición Internacional de Arte de 1970, presenta una impresionante muestra representativa de su obra en uno de los lugares más emblemáticos de Venecia. En forma de una imponente instalación espacial, las pinturas monumentales y las estelas de luz de Mack se encuentran allí con obras maestras de Tiziano, Tintoretto y Veronese. A través de las estelas que reflejan la luz, se toma y refleja el lugar atmosférico con sus pinturas renacentistas. La luz, que juega un papel central en la obra de Mack y en esta exposición, también determina sus pinturas contemplativas de campo de color que trascienden el espacio histórico hacia un lugar temporal de meditación.
sueños imposibles
La exposición del archivo y los eventos están destinados a ser vistos como plataformas interactivas, que se comunican entre sí y se inspiran en los materiales de cada uno. No son iniciativas curatoriales separadas sino asambleas que abordan la memoria (archivo) y la presencia (evento), ambas sustentando una fe en el futuro. El archivo se convierte en acontecimiento estético y el acontecimiento se convierte en archivo deliberativo. El evento es un animado seminario de gestos performativos y el archivo comprende objetos enigmáticos. Impossible Dreams reconoce las limitaciones de la crisis imperante y al mismo tiempo trabaja hacia la realización de una posibilidad. Imposible significa «todavía no es posible», una descripción de una condición y una esperanza de mejores cosas, personas y mundos por venir.
Katharina Grosse
En un entorno negro, Apollo, Apollo presenta una imagen compositiva de las manos de Katharina Grosse impresas en una tela de malla metálica, que representa un momento en el que los límites entre el cuerpo del artista y el material coloreado se desdibujan en el acto de creación. Con su fluidez metálica y su intensidad cromática, que cobra especial resonancia en el contexto veneciano, esta obra fusiona lo transparente con lo opaco, dejando pasar la luz, creando una puerta de entrada a un mundo onírico en el que los visitantes cuestionan los límites entre la realidad y la imaginación.
Spazio Louis Vuitton, San Marco 1353, Calle del Ridotto
Kehinde Wiley: una arqueología del silencio
Kehinde Wiley: An Archaeology of Silence es una reflexión sobre las brutalidades del pasado colonial estadounidense y global. La exposición incluye una colección de nuevas pinturas y esculturas monumentales que meditan sobre la muerte de hombres negros en todo el mundo y cómo los medios globales han expuesto estas atrocidades que alguna vez fueron silenciadas. «Esa es la arqueología que estoy desenterrando», afirma Wiley. «El espectro de la violencia policial y el control estatal sobre los cuerpos de jóvenes negros y morenos en todo el mundo». Los nuevos retratos cuentan una historia de supervivencia y resiliencia, erigiéndose como monumentos a la resistencia y la perseverancia frente al salvajismo.
Lita Albuquerque: Luz Líquida
La mujer astronauta del siglo 25 de la película de Lita Albuquerque conmuta un conocimiento de otro mundo a través de los planos de lo celestial y lo terrestre. Al igual que los comerciantes que llegan a la Venecia de antaño o los turistas que desembarcan hoy, su encuentro con la Tierra es de asombro y aprensión: asombro por lo que ha sobrevivido a la corrupción del tiempo y aprensión por su supervivencia continua. Una amalgama de iconografía, historia personal y paisajes emocionales que encarnan la mitología del artista, Liquid Light se exhibe como una instalación de video tríptica, en concierto con componentes de instalación obtenidos y creados localmente, en colaboración con artesanos venecianos.
Luisa Nevelson. Persistencia
Organizada con motivo del 60 aniversario de la presentación de Louise Nevelson para el Pabellón Americano de la 31 Bienal de Venecia en 1962, esta exposición se centra en el género que resultaría ser la contribución más definitiva de Nevelson al arte del siglo XX: el ensamblaje. Comisariada por Julia Bryan-Wilson, la exposición reúne más de sesenta obras que abarcan treinta años de producción, lo que subraya la combinación de materiales extraordinariamente inventiva de Nevelson, incluidas las conocidas paredes monumentales cuadriculadas en negro y collages más pequeños y menos conocidos que presentan una gama de colores. y estaban hechos con materiales cotidianos como papel de periódico, trozos de metal aplanados, cartón, papel de aluminio, papel de lija y tela. Instalados no cronológicamente, estos trabajos demuestran la notable persistencia de Nevelson:
Lucio Fontana/Antony Gormley
Lucio Fontana / Antony Gormley es una exposición construida sobre una conversación concisa y selectiva entre obras de arte que analizan las implicaciones de la luz, el espacio y la ausencia. Una selección de dibujos realizados por Lucio Fontana entre 1946 y 1968 y una serie de obras sobre papel que abarcan muchos aspectos de la investigación de Antony Gormley, se integran con esculturas de cada uno de estos artistas. Tanto en sus capacidades bidimensionales como tridimensionales, el trabajo de los artistas «habita» el espacio y la atención de los espectadores se desplaza del objeto en el espacio al espacio mismo. Cada obra lleva consigo la huella de la realidad del momento en que el gesto, sea escultórico o gráfico, libera la tensión energética contenida en su misma ejecución. El signo se convierte así también en un registro del tiempo.
Pera + Flora + Fauna
El discurso sobre el carácter indígena y la naturaleza se ve afectado en gran medida por las principales actitudes culturales de las naciones industrializadas, las mismas naciones que están contribuyendo al problema ambiental existente. Esto lleva a preguntas como, ¿puede el pensamiento estético conducir a la conservación y restauración de la naturaleza o la indigenismo? ¿Pueden las poblaciones indígenas de todo el mundo desafiar la historia (artística) documentada convencional escrita por los no indígenas? ¿Pueden las poblaciones indígenas lograr la libertad de reclamar colectivamente «su propia historia y narrativas», antagonizando el discurso dominante? Pera + Flora + Fauna pretende interrogar las interrelaciones entre indigenismo, cultura dominante y naturaleza.
camino de la fe
El Camino de la Fe muestra un proceso de despertar de la humanidad siguiendo su propia intuición para luchar contra el caos de su mente y su divinidad. La exposición consta de tres partes: Floración del océano, Oda a la ninfa del río Luo y Con la inmutabilidad de lo absoluto. La obra literaria del clásico chino Ci Fu, Oda a la ninfa del río Luo se presenta con tinta de color y tecnología VR. En esta transmisión de dos a tres dimensiones, utilizando como guía música original que contiene fonemas de la ópera china y la ópera occidental, la audiencia puede ver la constante confrontación y lucha de los seres humanos y su propia codicia en el ciclo de la reencarnación.
Rony Plesl: Los árboles crecen desde el cielo
El proyecto expositivo del artista checo Rony Plesl aborda las cuestiones de la esencia de la existencia humana y la definición de humanidad. También toca la relación de la humanidad y la naturaleza, proporcionando su reflejo inmediato en múltiples capas de significado. La narrativa del concepto general y la instalación específica del sitio de las obras de arte de vidrio únicas gira en torno a un viaje, en torno a la búsqueda de nuestro camino en el mundo de hoy. La realización del proyecto Venice es un estreno mundial de la tecnología única de fundición de vidrio en un contexto global, que permite la creación de una escultura de vidrio sin limitaciones.
Stanley Whitney: las pinturas italianas
El virtuoso pintor abstracto Stanley Whitney, nacido en Filadelfia en 1946, ha estado explorando las posibilidades formales del color dentro de cuadrículas siempre cambiantes de bloques multicolores y campos gestuales completos desde mediados de la década de 1970. Un período formativo que pasó viviendo en Italia a principios de la década de 1990, donde Whitney fue absorbido por el arte y la arquitectura del país, transformó para siempre la composición de sus pinturas. Esta exposición, cocomisariada por Cathleen Chaffee y Vincenzo de Bellis, es la primera en reunir obras que Whitney realizó en Italia desde la década de 1990 hasta ahora, y en considerar la influencia del arte y la arquitectura italianos en su pintura.
francesca leona
La artista dirige su mirada al concepto de Tiempo: es el tiempo del óxido que se oxida sobre el metal, lo raya, lo cicatriza; es sobre esta piel que el artista interviene e insinúa delicadamente el color, cubre las heridas. Es en este diálogo de recuerdos que Leone construye su propia narrativa visionaria, donde una Naturaleza dolorosa exige una pausa, como susurran estas obras, invitándonos a detenernos, dar tiempo a los propios pensamientos y dejar aflorar los sueños. Tomarse el tiempo significa permitirse el privilegio de una mirada, darle tiempo al arte para que escriba su propia historia. Un gesto insurgente para hacer surgir un nuevo pensamiento utópico, un nuevo encantamiento.
Martes Greenfort: Medusa Alga Laguna
La instalación Medusa Alga Laguna del artista conceptual danés Tue Greenfort se centra en diversas especies de vida en la laguna de Venecia y presenta una relación humana y no humana. Las manifestaciones escultóricas, a veces en vidrio como referencia a las representaciones realistas de la naturaleza de mediados del siglo XIX, nos transportan al mundo biodiverso de las aguas venecianas. Revela la fascinante complejidad de las formas de vida marina, como las algas y las medusas. La exposición individual es presentada por la Fundación ERES de Múnich, una institución que promueve el diálogo entre la ciencia y las bellas artes. El espectáculo continúa el proyecto Alga de Greenfort en Munich (2021).
Sin peinar, Imprevisto, Sin restricciones
Parasol unit, Londres presenta una exposición colectiva de once artistas contemporáneos internacionales, cuyas presentaciones se alinean con el fenómeno de la entropía, o una medida del desorden. Según el curador Ziba Ardalan, los artistas Darren Almond, Oliver Beer, Rana Begum with Hyetal, Julian Charri re, David Claerbout, Bharti Kher, Arghavan Khosravi, Teresa Margolles, Si On, Martin Puryear y Rayyane Tabet han identificado de forma independiente y respondido conmovedoramente a una serie de fenómenos desfavorables que, en las últimas décadas, han ido adquiriendo un grado creciente de trascendencia en nuestro día a día, en nuestro entorno y en nuestra historia social y colectiva, amenazando así la vida en el planeta Tierra.
Vera Molnár: Icono 2020
Vera Molnár: Icône 2020 es una exposición centrada en un nuevo encargo, Icône 2020, fundada, producida y comisariada por Francesca Franco. Esta es la primera escultura de vidrio de Vera Molnár en una carrera de más de ochenta años. Tomando el nuevo encargo como punto central, esta exposición explora el proceso que hizo posible esta escultura, reuniendo bocetos preparatorios, dibujos originales con plotter y material de documentación que revelan las complejidades detrás de la creación de Icône 2020, fomentando un nuevo pensamiento sobre la escultura y el ramificaciones inimaginables del arte computacional.
Con signos de manos crecen
La Fundación Odalys y la Fundación Signum, con el apoyo del Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira (Ministerio de Cultura y Deporte, España), han hecho posible un proyecto de intervención en el Palazzo Donà, sede italiana de la Fundación Signum, que incluye varios site- proyectos específicos concebidos para diferentes estancias del Palazzo. Un grupo de cuatro jóvenes artistas (Ruth Gómez, Nuria Mora, Daniel Muñoz y Sixe Paredes) participa en esta iniciativa a través de un proceso de creación que tiene una característica común: el deseo de compartir su visión del mundo a través del arte. De tal manera que estas intervenciones ahora en el espacio del Palacio podrían definirse como un conjunto de microrrelatos desde el territorio personal de cada artista, un territorio que es público -ahora pero también indiscutido-. por su carga histórica. Artistas que han trabajado en el lugar, relacionando cada uno de ellos con una pared/suelo o sala del Palacio Donà.
sin mujeres
La obra de arte de Zinaida Without Women trata sobre la pureza de la vida de los criadores de ovejas en la naturaleza y la transformación de la energía masculina. Desde la infancia hasta que son demasiado mayores, los hombres de las aldeas de los Cárpatos dejan sus viviendas para ir a las montañas durante cinco meses. Entre la abundancia de ovejas y vacas, procesan la leche en mantequilla y queso. En este acto de sublimación, que desvela por completo los roles masculinos, se renueva la masculinidad hasta la pureza. En su entorno solitario, los hombres pueden expresar y renovar plena y vívidamente su naturaleza masculina. Al igual que los monjes, estos hombres viven en el seno de la naturaleza solos y sin mujeres. La obra de arte consta de tres videos y una instalación, The Milk of Life.
Grupo de arte «YiiMa»: Alegoría de los sueños
Allegory of Dreams es una exposición completa de arte contemporáneo que muestra documentación de artes escénicas, fotografías, videos y esculturas de interior y exterior. Curada por el curador internacional João Miguel Barros, la exposición muestra obras de «YiiMa», un grupo de arte formado en Macao por Ung Vai Meng y Chan Hin Io. En la línea de La leche de los sueños, la exposición se concibe y desarrolla como una Alegoría de los sueños. Al presentar grabaciones de la actuación en vivo de los dos artistas, el evento tiene como objetivo presentar a los visitantes el entorno cultural único de Macao lleno de recuerdos e historia, ofreciéndoles la oportunidad de experimentar sus escenas oníricas pero alegóricas de la vida cotidiana.