Un dibujo de figura es un dibujo de la forma humana en cualquiera de sus diversas formas y posturas usando cualquiera de los medios de dibujo. El término también puede referirse al acto de producir tal dibujo. El grado de representación puede variar desde representaciones altamente detalladas y anatómicamente correctas hasta bocetos sueltos y expresivos. Un «dibujo de vida» es un dibujo de la figura humana a partir de la observación de un modelo en vivo. Un dibujo de figuras puede ser una obra de arte compuesta o un estudio de figuras realizado en preparación para un trabajo más completo, como una pintura. El dibujo de la figura es posiblemente el tema más difícil que un artista suele encontrar, y los cursos completos están dedicados a la materia. La figura humana es uno de los temas más perdurables en las artes visuales, y la figura humana puede ser la base del retrato, la ilustración, la escultura, la ilustración médica y otros campos.

Los artistas toman una variedad de enfoques para dibujar la figura humana. Pueden dibujar a partir de modelos en vivo o de fotografías, de modelos esqueléticos, o de memoria e imaginación. La mayoría de las instrucciones se centra en el uso de modelos en los cursos de «dibujo de la vida». El uso de referencias fotográficas, aunque es común desde el desarrollo de la fotografía, a menudo se critica o desalienta por su tendencia a producir imágenes «planas» que no capturan los aspectos dinámicos del sujeto. El dibujo de la imaginación a menudo se alaba por la expresividad que anima, y ​​se critica por las imprecisiones introducidas por la falta de conocimiento o memoria limitada del artista en la visualización de la figura humana; la experiencia del artista con otros métodos tiene una gran influencia en la efectividad de este enfoque.

Al desarrollar la imagen, algunos artistas se centran en las formas creadas por la interacción de los valores de luz y oscuridad en las superficies del cuerpo. Otros toman un enfoque anatómico, comenzando por aproximar el esqueleto interno de la figura, superponiendo los órganos internos y la musculatura, y cubriendo esas formas con la piel, y finalmente (si corresponde) la ropa; el estudio de la anatomía interna humana generalmente está involucrado en esta técnica. Otro enfoque es construir libremente el cuerpo a partir de formas geométricas, por ejemplo, una esfera para el cráneo, un cilindro para el torso, etc. luego refinar esas formas para que se asemejen más a la forma humana.

Para aquellos que trabajan sin referencia visual (o como un medio para verificar el trabajo), las proporciones comúnmente recomendadas en el dibujo de la figura son:
Una persona promedio generalmente tiene 7 cabezas y media (incluida la cabeza). Esto se puede ilustrar a los estudiantes en el aula usando placas de papel para demostrar visualmente la longitud de sus cuerpos.
Una figura ideal, utilizada para una impresión de nobleza o gracia, se dibuja a 8 cabezas de altura.
Una figura heroica utilizada en la representación de dioses y superhéroes tiene una altura de ocho cabezas y media. La mayor parte de la longitud adicional proviene de un cofre más grande y piernas más largas.
Tenga en cuenta que estas proporciones son más útiles para un modelo de pie. Las posturas que introducen el acortamiento de varias partes del cuerpo harán que difieran.

El salón francés en el siglo XIX recomendó el uso de crayones Conté, que son barras de cera, aceite y pigmento, combinados con papel especialmente formulado. Erasure no fue permitido; en cambio, se esperaba que el artista describiera la figura con ligeros trazos antes de hacer marcas más oscuras y visibles.

Una técnica moderna popular es el uso de una barra de carbón, preparada a partir de vides especiales, y una forma más rugosa de papel. El carbón se adhiere holgadamente al papel, lo que permite un borrado muy fácil, pero el dibujo final se puede preservar utilizando un «fijador» en aerosol para evitar que el carbón se frote. El carbón comprimido más duro puede producir un efecto más deliberado y preciso, y los tonos graduados pueden producirse manchando con los dedos o con una herramienta de papel cilíndrica llamada muñón.

El lápiz de grafito también se usa comúnmente para dibujar figuras. Para este propósito, los lápices de artistas se venden en varias formulaciones, desde 9B (muy suave) a 1B (suave medio), y desde 1H (medio dura) hasta 9H (muy difícil). Al igual que el carbón, puede borrarse y manipularse usando un muñón.

La tinta es otro medio popular. El artista a menudo comenzará con un lápiz de grafito para esbozar o delinear el dibujo, luego el trabajo de la línea final se realizará con un bolígrafo o pincel, con tinta permanente. La tinta puede diluirse con agua para producir gradaciones, una técnica llamada lavado de tinta. Las marcas de lápiz pueden borrarse después de aplicar la tinta, o dejarse en su lugar con las tintas oscuras que las dominan.

Algunos artistas dibujan directamente en tinta sin la preparación de un boceto a lápiz, prefiriendo la espontaneidad de este enfoque a pesar de que limita la capacidad de corregir errores. Matisse es un artista conocido por haber trabajado de esta manera.

Un método favorito de Watteau y otros artistas de los siglos XVII y XVIII de la época barroca y rococó fue comenzar con un tono de color coloreado entre blanco y negro, y agregar sombra en negro y reflejos en blanco, usando pluma y tinta o «crayón».

La figura humana ha sido objeto de dibujos desde tiempos prehistóricos. Mientras que las prácticas de estudio de los artistas de la antigüedad son en gran medida una cuestión de conjetura, que a menudo dibujaron y modelaron modelos desnudos es sugerido por la sofisticación anatómica de sus obras. Una anécdota relatada por Pliny describe cómo Zeuxis revisó a las jóvenes de Agrigentum desnudas antes de seleccionar cinco cuyas características combinaría para pintar una imagen ideal. El uso de modelos desnudos en el taller del artista medieval está implícito en las escrituras de Cennino Cennini, y un manuscrito de Villard de Honnecourt confirma que dibujar de la vida era una práctica establecida en el siglo XIII. Los Carracci, que abrieron su Accademia degli Incamminati en Bolonia en la década de 1580, establecieron el patrón para las escuelas de arte posteriores haciendo que la vida dibujara la disciplina central. El curso de entrenamiento comenzó con la copia de grabados, luego procedió al dibujo de moldes de yeso, después de lo cual los estudiantes fueron entrenados en el dibujo del modelo en vivo.

A fines del siglo XVIII, los estudiantes del estudio de Jacques-Louis David siguieron un riguroso programa de instrucción. El dominio del dibujo se consideraba un requisito previo para la pintura. Durante aproximadamente seis horas cada día, los estudiantes tomaron de una modelo que permaneció en la misma postura durante una semana. Antes de finales del siglo XIX, generalmente no se admitía a las mujeres a las clases de dibujo.

Una figura de la academia es un dibujo, pintura o escultura de una manera literal, del cuerpo humano desnudo usando un modelo en vivo, típicamente a la mitad del tamaño de la vida.

Es un ejercicio común requerido de los estudiantes en las escuelas de arte y academias, tanto en el pasado como en el presente, de ahí el nombre.

Las cuentas históricas revelan que los modelos desnudos para aspirantes a artistas femeninas no estaban disponibles en gran medida. Las mujeres fueron excluidas de ciertas instituciones porque se consideraba impropio y posiblemente incluso peligroso para ellas estudiar desde modelos desnudas. Aunque a los hombres se les dio acceso a los desnudos masculinos y femeninos, las mujeres se limitaban a aprender anatomía de moldes y modelos. No fue sino hasta 1893 que a las alumnas se les permitió el acceso a dibujo de la vida en la Royal Academy de Londres, e incluso entonces se requirió que el modelo se cubriera parcialmente.

El acceso limitado a figuras desnudas impidió las carreras y el desarrollo de artistas femeninas. Las formas de pintura más prestigiosas requerían un profundo conocimiento de la anatomía que sistemáticamente se negaba a las mujeres, que de ese modo eran relegadas a formas de pintura menos conocidas, como el género, la naturaleza muerta, el paisaje y el retrato. En el ensayo de Linda Nochlin «Por qué no han habido grandes artistas femeninas», identifica el acceso restringido que las mujeres tenían para desnudar el dibujo de figuras como una barrera históricamente significativa para el desarrollo artístico de las mujeres.

Las instrucciones de dibujo de figuras son un elemento de la mayoría de los programas de bellas artes e ilustración. Las academias de bellas artes en Italia tienen una scuola libera del nudo («escuela gratuita del desnudo») que forma parte del programa de grado pero también está abierta a estudiantes externos. En una clase típica de estudio de dibujo de figuras, los estudiantes se sientan alrededor de una maqueta en semicírculo o en círculo completo. No hay dos estudiantes que tengan exactamente la misma vista, por lo que su dibujo reflejará la perspectiva de la ubicación única del artista en relación con el modelo. El modelo a menudo posa en un soporte, para permitir a los estudiantes encontrar más fácilmente una vista sin obstrucciones. Dependiendo del tipo de pose, se pueden usar muebles y / o accesorios. Estos se incluyen típicamente en el dibujo, en la medida en que sean visibles para el artista. Sin embargo, los fondos generalmente se ignoran a menos que el objetivo sea aprender sobre la colocación de figuras en un entorno. Los modelos individuales son los más comunes, pero se pueden usar modelos múltiples en clases más avanzadas. Muchos estudios están equipados para permitir una variedad de arreglos de iluminación.

Cuando se enseñan en el nivel universitario, los modelos de dibujo de figura a menudo (aunque no siempre) están desnudos (aparte de joyas pequeñas u otros artículos discretos). Mientras posa, generalmente se le pide al modelo que permanezca completamente quieto. Debido a la dificultad de hacer esto durante un período prolongado, las pausas periódicas para que el modelo descanse y / o estire se suelen incluir en sesiones más largas y para poses más difíciles.

Al comienzo de una sesión de dibujo de figuras, a menudo se solicita al modelo que haga una serie de poses breves en rápida sucesión. Estos se llaman posturas gestuales, y generalmente son de uno a tres minutos cada uno. El dibujo con gestos es un ejercicio de calentamiento para muchos artistas, aunque algunos artistas esbozan el gesto como el primer paso en cada dibujo de figuras. Estos movimientos amplios no solo se realizan con solo mover la muñeca, sino con todo el brazo para capturar el movimiento del modelo. También ayuda a mantener al artista centrado en el modelo en lugar del papel. Cuando se trata del cuerpo humano, los artistas son dolorosamente críticos; las proporciones de una naturaleza muerta no tienen que dibujarse a la perfección para parecer auténticas, pero incluso el más mínimo error en las proporciones humanas se detectará fácilmente.

Los artistas modernos y contemporáneos pueden optar por exagerar o distorsionar proporciones para enfatizar el gesto o el estado de ánimo percibido de la pose de los modelos. Los resultados se pueden considerar como una obra de arte terminada, que expresa tanto el sujeto como la observación, la emoción y la marca que hace la respuesta a la experiencia de dibujo de la figura del artista.

La anatomía es solo el primer nivel de preocupación en las clases de vida. También se consideran las relaciones figura-fondo y otros aspectos de la composición. El equilibrio de una composición se vuelve más crucial y, por lo tanto, se entiende mejor a través del dibujo de la vida. La respuesta cinestésica del artista a la pose y cómo se transmite a través de una selección de medios de arte es una preocupación más avanzada. Dado que el objetivo de las clases de dibujo de figuras es aprender a dibujar humanos de todo tipo, generalmente se buscan modelos masculinos y femeninos de todas las edades, formas y etnias, en lugar de seleccionar solo modelos hermosos o aquellos con figuras «ideales». Algunos instructores buscan específicamente evitar el tipo de modelos preferidos por los fotógrafos de moda, buscando ejemplos más «realistas» y para evitar cualquier implicación de objetificación sexual. Los instructores también pueden favorecer modelos de tipos de cuerpo particulares basados ​​en los contornos únicos o las texturas superficiales que proporcionan. La variedad de modelos contratados puede verse limitada por la necesidad de mantener una pose durante períodos prolongados (eliminando niños inquietos y ancianos frágiles), y preocupaciones de modestia y legalidad cuando las modelos posan desnudas (restringiendo el uso de menores).