Ivan Le Lorraine Albright (20 de febrero de 1897 – 18 de noviembre de 1983) fue un pintor y artista realista de la magia estadounidense, más conocido por sus autorretratos, estudios de personajes y naturalezas muertas.

Juventud
Ivan Albright y su hermano gemelo idéntico, Malvin, nacieron cerca de Chicago en North Harvey, Illinois, de Adam Emory Albright y Clara Wilson Albright. Su padre era paisajista y provenía de una familia de maestros armeros, cuyo nombre original era «Albrecht». Los hermanos eran inseparables durante la infancia y durante gran parte de su juventud. Ambos se inscribieron en el Instituto de Arte de Chicago, una moneda que decidió que Iván estudiaría pintura y escultura en Malvín. Ivan particularmente admiraba el trabajo de El Greco y Rembrandt, pero se apresuró a desarrollar un estilo propio.

Adam Albright mudó a su esposa e hijos a Warrenville, Illinois en 1924.

Albright asistió a la Universidad Northwestern, pero abandonó y comenzó estudios de arquitectura en la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign. Durante la Primera Guerra Mundial, realizó dibujos médicos para un hospital en Nantes, Francia, un trabajo mórbido que probablemente influyó en su estilo posterior. Después de trabajar brevemente en arquitectura y publicidad, fue rechazado por el comercialismo y tomó en serio la pintura. Después de vivir en Filadelfia durante la mayor parte de 1925 y 1926, regresó a Illinois, donde comenzó a lograr un éxito sustancial, y tuvo su primer show en 1930.

Estilo y técnica.
No fue hasta la década de 1930 que Albright desarrolló una técnica consistente para sus obras. La técnica incluía crear numerosos dibujos detallados, crear su propia paleta de colores y pintar con cientos de pequeños pinceles. La técnica que consume mucho tiempo de Albright no solo permitió una descripción detallada del deterioro físico de los objetos y las personas, sino que también le permitió incorporar una multitud de cambios leves en el punto de vista y resaltar las relaciones entre los objetos. La combinación de Albright de realismo extremo con una paleta de colores violentos y espeluznantes llevó a los críticos de arte a categorizar su trabajo con las obras de American Magic Realists.

Realismo magico americano
El término Realismo mágico proviene del libro «Después del expresionismo: Realismo mágico: problemas de la pintura europea más reciente» de Franz Roh. El estilo que Roh describió fue adoptado por pintores italianos y alemanes, y pronto llegó a los Estados Unidos. El realismo mágico se ejemplifica en las obras de arte realistas misteriosas y antinaturales de algunos artistas estadounidenses de los años 1940 y 1950. El tema del realismo mágico no es demasiado sobrenatural o extraordinario, sino que intenta mostrar lo mundano a través de un punto de vista demasiado exagerado y anormal.

Carrera
El detalle en sus pinturas significaba que a menudo tomaban años completarlas. La cantidad de esfuerzo que entró en sus pinturas lo hizo bastante posesivo de ellos. Incluso durante la Gran Depresión, cobraba entre 30 y 60 veces más de lo que los artistas comparables estaban cobrando, con el resultado de que las ventas eran poco frecuentes. Para sobrevivir, contó con el apoyo de su padre y tomó trabajos de carpintería impares. Una de sus primeras pinturas, The Lineman ganó un premio e hizo la portada de Electric Light and Power, una revista comercial. Sin embargo, su retrato encorvado y triste causó controversia entre los lectores, quienes no consideraron tal imagen representativa. Los editores más tarde se distanciaron de la obra de Albright.

Albright se centró en algunos temas a través de la mayoría de sus obras, en particular la muerte, la vida, el material y el espíritu, y los efectos del tiempo. Pintó obras muy complejas, y sus títulos coincidían con su complejidad. No nombraría una pintura hasta que estuviera completa, momento en el que presentaría varias posibilidades, más poéticas que descriptivas, antes de decidir sobre una. Tal ejemplo es la habitación pobre: ​​no hay tiempo, no hay fin, no hay hoy, no hay ayer, no hay mañana, solo el para siempre, y para siempre y para siempre sin fin (la ventana), las dos últimas palabras que realmente describen la pintura (era como tal la pintura es generalmente referida). Otra pintura, Y el hombre creó a Dios a su propia imagen, se llamó Dios al hombre creado a su propia imagen cuando recorrió el sur. Una de sus pinturas más famosas, que le llevó unos diez años en completarse, se tituló Aquello que debería haber hecho No hice (The Door), que ganó el primer premio en tres exposiciones importantes en la ciudad de Nueva York, Chicago y Filadelfia. en 1941. El premio en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York le valió un premio de compra de $ 3,500 y un lugar en la colección permanente, pero, al no querer separarse del trabajo por menos de $ 125,000, Albright tomó la primera medalla, permitiendo Él para mantener la pintura. Albright fue elegido miembro de la Academia Nacional de Diseño en 1942.

En 1943 se le encargó la creación de la pintura del título para la adaptación cinematográfica de Albert Lewin de The Picture of Dorian Gray, de Oscar Wilde. Sus representaciones realistas, pero exageradas, de la decadencia y la corrupción lo hicieron muy adecuado para emprender tal proyecto. Su hermano fue elegido para hacer la pintura original no corrompida de Gray, pero la pintura utilizada en la película fue de Henrique Medina. Ivan hizo los cambios en la pintura durante la película. Esta pintura original actualmente reside en el Instituto de Arte de Chicago.

Más tarde en la vida Albright vivió en Woodstock, Vermont. Su última visita a su antigua ciudad natal de Warrenville, Illinois, fue en 1978. La ciudad declaró el Día de Ivan Albright y honró a Albright con un día completo de festividades. El biógrafo de Albright, Michael Croydon, estuvo presente para presentar el libro recientemente publicado y ricamente ilustrado llamado Ivan Albright. La biblioteca presentaba una gran muestra de fotografías de los años pasados ​​por Albright en Warrenville. Fue elegido miembro de la Academia Americana de Artes y Ciencias en 1979.

A pesar de pasar mucho tiempo viajando por el mundo, nunca dejó de trabajar. Albright realizó más de veinte autorretratos en sus últimos tres años, incluso en su lecho de muerte, dibujando los últimos después de un ataque cerebral. Murió en 1983.

En el centenario del nacimiento de Ivan Albright, el 20 de febrero de 1997, el Instituto de Arte de Chicago inauguró una importante muestra de su trabajo. Aparece The Man, una fotografía de Ivan Albright y su obra más famosa, The Picture of Dorian Gray, se puede encontrar en el Instituto de Arte de Chicago.

La colección de materiales de archivo Ivan Albright, que se encuentra en las bibliotecas Ryerson & Burnham del Art Institute of Chicago, incluye fotografías, álbumes de recortes, bocetos, cuadernos, una película y otros materiales que documentan su vida y su carrera.

Reconocimiento de su obra.
En la mayoría de sus obras, Albright se ha centrado en ciertos temas, especialmente la muerte, la vida, el espíritu y la materia, y los estragos del tiempo. Pintó obras muy complejas, y los títulos se corresponden con su complejidad. No escribió una pintura antes de que se terminara, y luego eligió varias posibilidades, más poéticas que descriptivas, antes de decidir. Un ejemplo significativo es la habitación pobre: ​​»no hay tiempo, no hay final, no hay hoy, no hay ayer, no hay mañana, solo siempre, y siempre y siempre, sin fin (la ventana)», las dos últimas palabras que realmente describen la pintura. (Así es como se suele hacer referencia). Otra pintura, «Y el hombre creó a Dios a su propia imagen», se llamó «Y Dios creó al hombre a su propia imagen» cuando se expuso en el sur de los Estados Unidos. Una de sus pinturas más famosas, que le llevó unos diez años de trabajo, se tituló «Lo que debería haber hecho, no hice (la puerta)» (lo que debería haber hecho que no hice (la puerta)) y ganó el primer premio en tres exposiciones importantes, en Nueva York, Chicago, en 1941. El Premio Museo Metropolitano de Arte de Nueva York fue un premio de $ 3,500 por la compra de la pintura y un lugar en la colección permanente. Pero, al no querer dejar su trabajo por menos de $ 125,000, Albright se llevó la primera medalla del premio, lo que le permitió quedarse con el cuadro.

La imagen de Dorian Gray
En 1943 recibió el encargo de hacer el Retrato de Dorian Gray para la adaptación al cine de Albert Lewin de la novela de Oscar Wilde. Su descripción realista pero exagerada de signos de enfermedad y corrupción lo convirtió en el artista perfecto para emprender tal proyecto. La obra representa con una profusión de detalles pintados con una gran minuciosidad la última etapa de la metamorfosis. Su hermano fue elegido para interpretar a Dorian Gray, pero fue reemplazado por Henrique Medina. Se debe mucho de su celebridad a esta película, cuyo gráfico es el elemento principal.

Habitos de trabajo
A lo largo de su vida, Albright fue un artista prolífico que trabajó como impresor, grabador y pintor. Hizo sus propias pinturas y carboncillos, y él mismo montó sus lienzos en un marco. Era extremadamente exigente para los detalles, creando excelentes instalaciones para sus pinturas antes de comenzar a trabajar. Estaba tan obsesionado con la luz que pintó su estudio de negro, vestido con una blusa negra para evitar la luz perdida.

Familia
Albright fue el suegro de la futura Secretaria de Estado de los Estados Unidos, Madeleine Albright, a través del matrimonio de su hijo Joseph Medill Patterson Albright con ella; Sin embargo, la pareja se divorció un año antes de su muerte. Albright permaneció con su familia en Chicago durante sesenta y seis años hasta que se mudó a Woodstock, Vermont, en busca de un estilo de vida tranquilo. En la década de 1970, fue profesor en el Dartmouth College y siguió siendo un artista activo hasta su muerte en 1983.