Luz y espacio denota un movimiento de arte poco afiliado relacionado con el arte op, el minimalismo y la abstracción geométrica que se originó en el sur de California en la década de 1960 y fue influenciado por John McLaughlin. Se caracterizó por un enfoque en los fenómenos perceptivos, como la luz, el volumen y la escala, y el uso de materiales como vidrio, neón, luces fluorescentes, resina y acrílico fundido, que a menudo forman instalaciones condicionadas por el entorno de la obra. Al dirigir el flujo de luz natural, incrustar luz artificial dentro de objetos o arquitectura, o jugar con la luz mediante el uso de materiales transparentes, translúcidos o reflectantes, los artistas de Luz y Espacio crearon la experiencia del espectador de la luz y otros fenómenos sensoriales bajo condiciones específicas El foco de su trabajo. Estaban incorporando a su trabajo las últimas tecnologías de las industrias de ingeniería y aeroespacial del sur de California para desarrollar objetos sensuales y llenos de luz. Turrell, que ha difundido el movimiento en todo el mundo, resumió su filosofía al decir: «Comemos livianos, lo bebemos a través de nuestras pieles».

Los artistas
La naturaleza de las obras se reflejó en el título de la exposición en UCLA que introdujo el movimiento emergente en 1971: «Transparencia, reflexión, luz, espacio: cuatro artistas». El espectáculo presentó el trabajo de Peter Alexander, Larry Bell, Robert Irwin y Craig Kauffman. Otros artistas asociados con el movimiento son Ron Cooper, Mary Corse, Fred Eversley, John McCracken, Bruce Nauman, Maria Nordman, Eric Orr, Helen Pashgian, James Turrell, DeWain Valentine, Doug Wheeler y Elyn Zimmerman. Un famoso grupo de artistas de la teoría del color abstracto fueron influenciados por el Movimiento de la Luz y el Espacio, en particular: Frederick Spratt, Phil Sims, Anne Appleby y David Simpson. El legado del movimiento Luz y Espacio se puede ver en la obra de importantes artistas contemporáneos, como Casper Brindle, Olafur Eliasson, Ann Veronica Janssens, Jennifer Steinkamp, ​​Kaloust Guedel, Phillip K. Smith III y Gisela Colón.

Temas
Irwin y Turrell, por ejemplo, investigaron el fenómeno de la privación sensorial (que influyó en el desarrollo de sus obras de iluminación similares) como parte del programa de arte y tecnología iniciado por el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en 1967. Wheeler RM 669 (1969) consta de paredes blancas curvadas cubiertas por un piso y un techo que parecen retroceder con cada paso que se da hacia el cuadrado de luz colocado en la pared más alejada, lo que hace que los espectadores no puedan fijar la vista en ninguna superficie. Para su serie de trabajos sobre el tema de la alquimia, Eric Orr ha usado luz natural, así como sangre y fuego en sus ambientes que producen respuestas retinales extremas. Los grandes lienzos de vidrio blanco sobre blanco de Mary Corse tienen microperlas de vidrio incrustadas en la pintura acrílica para crear una superficie que cambia dramáticamente con la luz. Helen Pashgian creó esferas acrílicas, globos con un brillo irreal, aparentemente iluminados desde adentro. Más recientemente, Gisela Colón, quien ha sido reconocida en ArtForum como una artista de la luz y el espacio de la próxima generación, ha creado «orbes acrílicos montados en la pared de forma irregular … objetos escarabajos logran su iridiscencia a través del juego de la luz natural, pero las esculturas Parece que cambian de color a medida que uno se mueve alrededor de ellos, como si estuvieran iluminados por bombillas multicolores «.

McCracken afirma lo siguiente. «Siempre me interesé principalmente en la forma solo, pero luego para hacer una forma, tienes que hacer algo. Así que el color parecía un material natural para usar, porque el color es abstracto. Si haces una forma que parece estar compuesta de color, entonces tienes algo, un objeto, que es bastante abstracto. Solo la forma por sí sola sería más abstracta, por supuesto, porque es solo una idea mental, pero no tienes nada allí para que tus percepciones luchen a menos que hagas Sin embargo, si lo hace de metal, piedra o madera, o lo que sea, entonces tiene algo que, en mi opinión, puede poner demasiado énfasis en el aspecto físico y, por lo tanto, ser difícil de percibir como algo puramente mental. el pensamiento detrás de esto es que todas las cosas son esencialmente mentales; esa materia, aunque bastante real por un lado, está compuesta de energía, y a su vez, de pensamiento puro «.

Exposiciones
El arte de la luz y el espacio de California se mostró en la influyente exhibición de arte ambiental de Germano Celant en la Bienal de Venecia de 1976, «Ambiente / arte dal futurismo alla body art». Rara vez se ha mostrado el movimiento en conjunto, ya que Wheeler rechazó ser incluido en las exposiciones principales del museo, debido a sus dudas de que las obras se mostrarían de la forma en que fueron pensadas, y Nordman se niega a participar en exposiciones colectivas en Luz y Espacio. En 2010, la Galería David Zwirner, Nueva York, presentó una exposición histórica titulada «Atmósferas primarias», un término acuñado por el crítico de arte Dave Hickey para describir las contribuciones de los artistas del sur de California al movimiento Luz y Espacio. Como parte de una serie de exposiciones financiadas por la Fundación J. Paul Getty durante la iniciativa de la Hora Estándar del Pacífico de 2011, el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego realizó la exhibición de arte perceptual más significativa de la encuesta titulada «Fenomenal: Luz de California, Espacio, Superficie, «organizado por el entonces curador del museo, Robin Clark.