Neo-Dada fue un movimiento con manifestaciones de audio, visuales y literarias que tenían similitudes en el método o la intención con obras de arte Dada anteriores. En los Estados Unidos, el término fue popularizado por Barbara Rose en la década de 1960 y se refiere principalmente, aunque no exclusivamente, al trabajo creado en esa y en la década anterior. También hubo una dimensión internacional para el movimiento, especialmente en Japón y en Europa, que sirvió como base para Fluxus, Pop Art y Nouveau réalisme.

Neo-Dada fue ejemplificado por su uso de materiales modernos, imágenes populares y contraste absurdo. Fue una reacción al emocionalismo personal del Expresionismo Abstracto y, tomando la iniciativa de la práctica de Marcel Duchamp y Kurt Schwitters, negó los conceptos tradicionales de estética.

El término nedodaísmo incluye una combinación de las primeras tendencias del arte pop estadounidense para tratar el mundo del consumismo, así como los intentos del Nouveau Réalisme francés de combinar el arte y la vida incorporando materiales de la vida cotidiana a sus vidas. e intentaron crear una «referencia sociológica» en sus obras. Una expresión especial del esfuerzo por armonizar el arte y la vida es la escenificación de la realidad en el arte de acción. Especialmente en el desarrollo de esta forma de arte, hubo una cooperación parcial entre los artistas de ambos continentes.

El neodadá allana los caminos que conducen al arte pop; artistas cuya percepción hace un arte diferente y opuesto al expresionismo abstracto, aunque sin ser un arte frío y despersonalizado como el pop de Andy Warhol; el neodadá continúa los principios del surrealismo pero llevado a otra escala, a otro nivel y lenguaje artístico.

Los artistas más representativos de este movimiento son:

Robert Rauschenberg (nacido en 1925), con sus materiales mundanos como colchas viejas o telas mezcladas con papeles que le dan una textura diferente y con nuevos matices, una obra completamente diferente muy singular. Rauschenberg recoge los elementos que tiene a su alrededor, como una lata de cerveza o una botella de coca cola, un neumático, etc .; así como su trabajo cuyos elementos son una cabra y un neumático, también como un juego de composición.
Jasper Johns (nacido en 1930), el artista que usa encáustica, una mezcla de resina con cera virgen y pigmento, para dar texturas a sus obras de objetivos y banderas.
El movimiento neodadaista innova con otros materiales, hasta ahora raros en un campo artístico; tenga en cuenta el trabajo de esculturas suaves de Claes Oldenburg, el principal precursor del arte pop.

Claes Oldenburg «fabrica» ​​comida chatarra con materiales como yeso o yeso, pero evolucionará a objetos gigantes en medio de grandes ciudades estadounidenses, como una cuchara grande como un puente y en su punta contiene una inmensa cereza roja.

Finalmente, con Joseph Beuys, la pretensión de Neo-Dada de combinar el arte y la vida surgió en un «concepto ampliado del arte» de la escultura social. Las formas de expresión desarrolladas en el Neo-Dada incluyen Object Art, Environment, Assemblage, Combine Painting, Happening, Fluxus.

En 2002, el grupo de Fondation Kroesus ocupó el vacante Cabaret Voltaire en Zurich, Spiegelgasse 1, el lugar de nacimiento del dadaísmo. Allí organizaron tres meses de happenings, conciertos, escenarios abiertos, ferias de Dada, lecturas, talleres y festivales de Dada hasta la autorización policial.

Tendencias
El interés en Dada siguió a raíz de las publicaciones documentales, como The Dada Painters and Poets (1951) de Robert Motherwell y las publicaciones en lengua alemana de 1957 y posteriores, a las que contribuyeron algunos antiguos dadaístas. Sin embargo, varios de los dadaístas originales denunciaron la etiqueta Neo-Dada, especialmente en sus manifestaciones en los Estados Unidos, sobre la base de que el trabajo era derivado en lugar de hacer descubrimientos recientes; ese placer estético se encontró en lo que originalmente eran protestas contra los conceptos estéticos burgueses; y porque complació al comercialismo.

Muchos de los artistas que se identificaron con la tendencia posteriormente pasaron a otras especialidades o se identificaron con diferentes movimientos artísticos y en muchos casos solo ciertos aspectos de sus primeros trabajos pueden identificarse con ella. Por ejemplo, Consacrazione dell’arte dell’uovo sodo de Piero Manzoni (Consagración artística del huevo duro, 1959), que firmó con una huella de su dedo pulgar, o sus latas de mierda (1961) cuyo precio estaba vinculado a la valor de su peso en oro, satirizando el concepto de la creación personal del artista y el arte como mercancía.

Un enfoque aliado se encuentra en la creación de collage y ensamblaje, como en las esculturas basura del estadounidense Richard Stankiewicz, cuyas obras creadas a partir de chatarra se han comparado con la práctica de Schwitters. Estos objetos son «tratados de tal manera que quedan menos descartados que encontrados, objets trouvés». Las fantásticas máquinas de Jean Tinguely, notoriamente el Hommage autodestructor a Nueva York (1960), fueron otra aproximación a la subversión de lo mecánico.

Aunque técnicas como el collage y el ensamblaje pueden haber servido de inspiración, se encontraron diferentes términos para los objetos producidos, tanto en los EE. UU. Como en Europa. Robert Rauschenberg etiquetó como «combina» obras tales como «Cama» (1955), que consistía en una colcha enmarcada y una almohada cubierta de pintura y montada en la pared. Arman etiquetó como «acumulaciones» sus colecciones de dados y tapas de botellas, y como «poubelles» el contenido de contenedores de basura revestidos de plástico. Daniel Spoerri creó «snare pictures» (tableaux piège), de las cuales la más antigua fue «Kichka’s Breakfast» (1960), y en la que los restos de una comida se pegaron a la tela y se montaron en la mesa fijada a la pared.

Poemas
En los Países Bajos, los poetas asociados con la «revista de textos», Barbarber (1958-71), en particular J. Bernlef y K. Schippers, extendieron el concepto de readymade a la poesía, descubriendo la sugestión poética en artículos cotidianos como un anuncio en el periódico. sobre una tortuga perdida y una hoja de prueba de máquina de escribir. Otro grupo de poetas holandeses se infiltró en la revista experimental belga Gard Sivik y comenzó a llenarlo con fragmentos aparentemente sin importancia de conversación y demostraciones de procedimientos verbales. Los escritores incluyeron a CB Vaandrager (1935-92), Hans Verhagen y el artista Armando. En este enfoque, el crítico Hugo Brems ha comentado que «el papel del poeta en este tipo de poesía no era el discurso sobre la realidad, sino destacar fragmentos particulares de la misma que normalmente se perciben como no poéticos. Estos poetas no fueron creadores de arte, sino descubridores «.

La impersonalidad a la que aspiran estos artistas fue expresada mejor por Jan Schoonhoven (1914-94), el teórico del grupo de artistas holandés Nul, al que también perteneció Armando: «Zero es ante todo una nueva concepción de la realidad, en la que el papel individual del artista se mantiene al mínimo. El artista Zero simplemente selecciona, aísla partes de la realidad (materiales, así como las ideas derivadas de la realidad) y las exhibe de la manera más neutral. Evitar los sentimientos personales es esencial para Zero. «Esto a su vez lo vincula con algunos aspectos de la práctica del Pop Art y Nouveau Réaliste y subraya el rechazo del expresionismo.

Los comienzos de la poesía concreta y el montaje de textos en el Wiener Gruppe también han sido remitidos al ejemplo de los poemas de cartas de Raoul Hausmann. Tales técnicas también pueden deberle algo a los experimentos tipográficos de HN Werkman en los Países Bajos, que primero se exhibieron en el Museo Stedelijk en 1945.

Artistas vinculados con el término
Genpei Akasegawa
Joseph Beuys
Jaap Blonk
George Brecht
John Cage
John Chamberlain
Jim Dine
Dick Higgins
Kommissar Hjuler
Jasper Johns
Allan Kaprow
Yves Klein
Alison Knowles
George Maciunas
Piero Manzoni
Yoko Ono
Robin Page
Nam June Paik
Robert Rauschenberg
Ushio Shinohara
Wolf Vostell

Neo-Dada en Italia
Después de la Segunda Guerra Mundial, en Italia, hubo un cierto interés en la poética del objeto, incluso dentro de ese arte informal denigrado por los artistas pop. Solo piense en los sacos que Alberto Burri usó en sus pinturas, los fragmentos de piedras y vidrio de Fontana, las piezas de hierro retrabajadas en las creaciones de Ettore Colla y también los collages y montajes de Enrico Baj y Brajo Fuso.

Sin embargo, solo gracias a los artistas Pino Pascali y Piero Manzoni se puede hablar de una afirmación efectiva del neodadaísmo italiano. Sin embargo, a diferencia de los artistas estadounidenses, en ellos se concentra toda la ironía del dadaísmo histórico, junto con el gusto por el juego. En apoyo de esto están los recuadros de Merda d’artista (1961) de Piero Manzoni, con los que se refiere a la transformación de la obra artística en bienes de consumo, listos para colocarse en los estantes de un supermercado y venderse.

El arte es inmediato y agotable, como los huevos duros que Manzoni firma en 1959 con una huella de su dedo pulgar (Consagración del arte del huevo duro), o los modelos que se convierten en esculturas vivientes, o las líneas envueltas en cilindros de cartón y vendido a la vez por el metro.

Si Manzoni piensa con un tono divertido en la comercialización del arte y en el papel del artista individual, Pascali, por el contrario, está convencido de que entre el arte y el juego hay una complementariedad recíproca. Realice como reptiles en miniatura y lienzos de dinosaurios, seda de gusanos de seda a través de escobas plásticas (cerdas de gusanos de seda, 1968), tarántulas de acrílico y armas con chatarra. Incluso sus pinturas, como Primo piano labbra (1964), se someten a un proceso de objetivación, haciéndolas parecer juguetes grandes y misteriosos.