Arte participativo

El arte participativo es un enfoque para hacer arte en el que la audiencia participa directamente en el proceso creativo, lo que les permite convertirse en coautores, editores y observadores del trabajo. Por lo tanto, este tipo de arte está incompleto sin la interacción física del espectador. Su intención es desafiar la forma dominante de hacer arte en Occidente, en la que una pequeña clase de artistas profesionales hacen el arte mientras el público asume el papel de observador pasivo o consumidor, es decir, comprando el trabajo de los profesionales en el mercado. .

Algunos trabajos a comisión, que han hecho conocido el arte participativo, son el teatro de los oprimidos de Augusto Boal y los sucesos de Allan Kaprow. Una obra artística, interactiva y participativa, se puede definir como arte participativo y también se puede categorizar con términos como arte relacional, práctica social y una nueva forma de arte público. Las obras recomendadas por los defensores que popularizaron el arte participativo incluyen a Augusto Boal en su Teatro de los oprimidos, así como a Allan Kaprow en los happenings.

Las artes participativas se refieren a una variedad de prácticas artísticas, incluida la estética relacional, donde se hace hincapié en el papel del espectador o espectador en la realización física o conceptual y la recepción de la obra de arte. El componente central de las Artes Participativas es la participación activa del espectador o espectador. Muchas formas de práctica de Artes Participativas ponen de relieve el papel de la colaboración en la realización de una obra de arte, restando importancia al papel del artista profesional como único creador o autor de la obra de arte, al tiempo que construyen vínculos sociales a través del significado y la actividad comunitaria. El término Artes Participativas abarca una variedad de prácticas artísticas basadas en imperativos sociales, políticos, geográficos, económicos y culturales, como las artes comunitarias, el arte activista, el arte público de nuevos géneros, el arte socialmente comprometido y el arte dialógico.

Las Artes participativas pueden ser específicas de la forma de arte, como las artes visuales, la música o el teatro, o pueden ser interdisciplinarias, lo que implica la colaboración en una variedad de formas artísticas. También pueden involucrar la colaboración con agencias no artísticas, como organizaciones de inclusión social, autoridades locales y grupos de desarrollo comunitario. La obra de arte producida puede tomar muchas formas y, debido a la naturaleza colaborativa de las Artes Participativas, esto puede comprender un evento, una situación o una Interpretación, en lugar de la producción de un objeto. Las interacciones que surgen de estos encuentros a menudo se traducen en medios documentales, como la fotografía, el video o el texto.

El arte participativo es un término que describe una forma de arte que involucra directamente a la audiencia en el proceso creativo para que se conviertan en participantes del evento.

En este sentido, el artista es visto como un colaborador y un coproductor de la situación (con el público), y estas situaciones a menudo pueden tener un principio o final confuso.

Subtipos de arte participativo:
Fotovoz
Comic Book Project
Crear un proyecto de cómic

Historia
arte participativo tiene sus orígenes en el futurista y Dada actuaciones de principios del siglo XX, que fueron diseñados para provocar, escandalizar y agitar al público. A finales de 1950 el artista Allan Kaprow ideó actuaciones llamados sucesos, en los que iba a obligar al público a participar en la experiencia. El cineasta y escritor francés Guy Debord, fundador del situacionismo, también promovieron una forma de arte participativo en el que deseaba eliminar la posición del espectador mediante la elaboración de pinturas industriales: pinturas creadas en masa. El artista contemporáneo Marvin Gaye-Chetwynd depende completamente de participantes dispuestos a crear sus actuaciones, al igual que el artista activista Tania Bruguera. En su plusvalía trabajo,

La aparición de Artes participativos es informado por los movimientos de vanguardia anteriores, como dada, el constructivismo y el surrealismo, que planteó cuestiones relativas a las nociones de originalidad y autoría y desafió las suposiciones convencionales sobre el papel pasivo de espectador o espectadora. Al hacerlo, adoptaron una posición anti-burguesa sobre el papel y la función del arte.

Los trastornos sociales, políticas y culturales de la década de 1960 y el elitismo percibida, la desconexión social y mercantilización del arte asociado con el modernismo contribuyeron a nuevas formas de práctica politizado, reaccionaria y socialmente comprometido, tales como el arte conceptual, Fluxus y el situacionismo. El desarrollo de nuevas tecnologías y la mejora de los mecanismos de comunicación y distribución, junto con la descomposición de formas artísticas específicas del medio, siempre mayores posibilidades para los artistas para interactuar físicamente con el espectador. Nuevas formas de práctica han sido desarrolladas por los artistas, que de manera proactiva buscaban nuevos medios artísticos para dar forma a un intercambio mutuo a través de prácticas abiertas e inclusivas. Estas nuevas formas de práctica apropiados formas sociales no jerárquicas y fueron informados por una serie de disciplinas teóricas y prácticas, tales como feminismo, la teoría poscolonial, el psicoanálisis, la teoría crítica y la teoría literaria. Mientras que las cuestiones de autoría plantearon preocupaciones acerca de quién participa en la definición y producción de arte, la relación de la obra a su público se convirtió en un eje central de estas formas emergentes de la práctica de artes.

Uno de los primeros usos del término aparece en fotógrafo Richard Ross (fotógrafo) ‘s opinión para el Instituto de Los Ángeles de la revista de arte contemporáneo de la exposición ‘El centro de Los Ángeles artistas’, organizado por el Santa Barbara Contemporary Arts Forum en 1980. Describiendo en las obras in situ por Jon Peterson (artista), Maura Sheehan y Judy Simonian anónima colocado alrededor santa Bárbara, Ross escribió: «Estos artistas tienen la responsabilidad de la comunidad. Su arte es participativa».

A finales de 1990 los conceptos de participación se han ampliado a por una nueva generación de artistas, en el epígrafe del arte relacional o Estética Relacional. Este es un término acuñado por el curador francés Nicolas Bourriaud para describir una serie de prácticas de arte indefinidos, se ocupa de la red de las relaciones humanas y el contexto social en el que surgen estas relaciones. Arte relacional también hace hincapié en la noción de obras de arte como regalos, tomar varias formas, tales como comidas, reuniones, fiestas, pósters, fundición sesiones, juegos, foros de debate y otros tipos de eventos sociales y cooperaciones. En este contexto, se hace hincapié en el uso de la obra. Arte es considerado como información intercambiada entre el artista y el espectador que se basa en las respuestas de los demás para que sea relacional.

En respuesta a la rápida aceleración de las comunicaciones en tiempo real en el siglo XXI un nuevo plazo, Altermodern, también ideados por Bourriaud, propone una alternativa al linaje conceptual de la posmodernidad. De acuerdo con Bourriaud, la apertura de nuevas economías de mercado y la movilidad del artista y el público ha estimulado nuevos modelos para el intercambio y la participación política y cultural. A través de sistemas de distribución global, los artistas pueden cortar a través de fronteras geográficas y políticas. Un nuevo marco cultural que consiste en la diáspora, la migración y éxodo ofrece modos alternativos de interpretación y comprensión de la obra. La descentralización de la cultura global presenta nuevos formatos para el intercambio entre artista y público, que son susceptibles continuamente y adaptable a las tecnologías fácilmente disponibles. La tecnología digital y las redes sociales globales de la Internet pueden promover un sentido de participación sin la recolección física de las personas en un lugar determinado. Esto representa un cambio fundamental en las nociones tradicionales de la comunidad y nuestra experiencia de obras de arte.

Influencia:
El control del autor presunto del artista fue desafiado en particular, por los artistas conceptuales que han puesto énfasis en la idea o concepto en lugar de un objeto de arte tangible. Ellos crearon obras de arte que podrían ser realizadas por otras personas sin la intervención directa del artista. Obras de arte podrían tomar la forma de un conjunto de instrucciones, donde los participantes fueron directamente involucrados en la co-creación de la obra. Las instrucciones se comunican a través de una variedad de medios, como fotografía, video, dibujo, texto, el rendimiento, el sonido, la escultura y la instalación.

Del mismo modo, los artistas de Fluxus rechazaron los principios tradicionales de la artesanía, la permanencia del objeto de arte y la noción del artista como especialista. artistas de Fluxus vistos arte no como un objeto finito, sino como una experiencia basada en el tiempo, el empleo de rendimiento y experimentos teatrales. artistas de Fluxus estaban interesados ​​en el potencial transformador del arte a través de la colaboración. Se alentó a los espectadores a interactuar con el intérprete, mientras que sin trama en escena obras de arte hechos dejaron abierta a la casualidad y la interpretación artística. Sus obras se realizaron en una gama de medios de comunicación, incluyendo partituras musicales, espectáculos, eventos, publicaciones, múltiplos y entornos ensamblados construidos para envolver al observador. Estas iniciativas se conciben a menudo con las características del taller, en el que el artista hace funcionar como facilitador, la participación del público en las discusiones filosóficas sobre el sentido del arte. Sus obras a menudo tomaban la forma de reuniones y manifestaciones públicas, sucesos o escultura social, por lo que el significado de la obra se deriva del compromiso colectivo de los participantes. Un objetivo común de Fluxus, acontecimientos y eventos situacionistas era desarrollar una nueva síntesis entre la política y el arte, donde el activismo político se reflejó en la práctica de artes streetbased como un medio radical para eliminar las distinciones entre arte y vida.

Es importante señalar que ha habido una cierta ofuscación nominal de arte participativo, haciendo que su reconocimiento como una forma distinta de ser obstaculizado. Lo más probable es que esto ocurrió simultáneamente con el desarrollo del término «estética relacional» Bourriaud a finales de 1990. Algunas otras técnicas de elaboración técnica, tales como ‘arte basado en la comunidad’, ‘arte interactivo’, o ‘arte socialmente comprometida’ han sido (mal) etiquetados como arte participativa, simplemente porque las sutilezas de distinción no siempre son comprendidos o atendidos claramente acerca de. arte participativo requiere del artista que, o bien no estén presentes, o que de alguna manera son capaces de retroceder lo suficiente como para convertirse en igualdad con los participantes. Esta es la única manera de que los participantes podrían ser ofrecidas a la agencia de la creación; sin este detalle, Siempre participantes responderán dentro del dominio de la autoridad del artista; van a ser subyugados de esta manera, y el trabajo dejará de ser participativo. Este detalle es importante centralmente en la afirmación de la participación como una forma en sí mismo, y se diferencia de manera efectiva la participación de, arte basado comunidad interactiva y el arte socialmente comprometido. Cualquiera de estas técnicas pueden incluir la presencia del artista, ya que no va a incidir en el resultado del trabajo de la misma manera.

Popular y arte tribal pueden ser considerados como un predecesor o modelo de «arte participativo» contemporánea en que muchos o todos los miembros de la sociedad participar en la realización de «arte». Sin embargo, la cuestión ideológica de uso surge en este punto porque el arte hecho en las instituciones de arte es por defecto, ya forman parte del mundo del arte, y el uso, por tanto, se percibe es totalmente diferente a cualquier práctica de rituales o tradicionales expresadas por la gente o grupos tribales . A medida que el etnomusicólogo Bruno Nettl escribió, el grupo tribal «no tiene especialización o profesionalización; su división del trabajo depende casi exclusivamente de sexo y de vez en cuando en la edad, y sólo rara vez son ciertos individuos competentes en cualquier técnica en un grado distintivo … la misma canciones son conocidos por todos los miembros del grupo,

En la edición de otoño / invierno de la revista Oregon Humanidades, escritor Eric Oro describe «una tradición artística llamada ‘práctica social’, que se refiere a las obras de arte en la que el artista, el público y sus interacciones entre sí son el medio. Mientras que una pintor utiliza el pigmento y el lienzo, y una madera escultor o metal, el artista práctica social a menudo crea un escenario en el que se invita al público a participar. a pesar de que los resultados pueden ser documentados con la fotografía, el vídeo, o de otra manera, la obra es realmente las interacciones que surgen de la participación de la audiencia con el artista y la situación «.

arte participativa o interactiva crea una dinámica collaborati

El desarrollo de la práctica de las artes participativas también ha sido informado y moldeado por el desarrollo de programas de arte públicos, muchos de los cuales evolucionaron en el contexto de iniciativas de regeneración y renovación urbana a gran escala. Los programas de Arte Participativo con énfasis en el compromiso y la participación pública pueden ser un elemento importante tanto en el proceso de creación de consenso como en la crítica de tales iniciativas de regeneración. La crisis económica y la agitación política social de los años ochenta combinadas con los efectos alienantes del capitalismo y su impacto en las estructuras comunitarias dieron como resultado una mayor conciencia del potencial de las artes como vehículo para abordar cuestiones sociales, en particular cuestiones de inclusión social. Influenciados por formas anteriores de arte socialmente comprometido y activista, muchas organizaciones e iniciativas de las artes comunitarias surgieron durante este período. Las artes comunitarias enfatizaron que el papel del arte en la creación de los aspectos sociales de la iniciativa artística era imperativo. Dialogical Aesthetics es un término usado para describir el papel activo del diálogo en este tipo de arte socialmente comprometido. Durante este período, los organismos estatales que financian las artes comenzaron a imponer contingencias a sus organizaciones clientes, como museos, galerías, teatros y organizaciones artísticas, con el fin de alentar la participación pública en las artes, especialmente por parte de grupos marginados o socialmente excluidos. La utilización de las artes para abordar agendas no artísticas contribuyó a un debate continuo sobre el papel del arte y su relación con su audiencia, que continúa informando la consideración de las Artes Participativas en la actualidad.

La cultura ha llegado a esperar una gratificación instantánea y un pase de acceso mediante la publicación de comentarios y opiniones en línea. Estamos totalmente acostumbrados a la interactividad, y el arte que refleja tal reciprocidad y participación proactiva resuena profundamente con nosotros. Al girar la visión del arte en una experiencia inclusiva, el artista fortalece nuestra comprensión de la pieza, y tal vez inspira al visitante a pasar un poco más de tiempo en cada cuadro o una escultura.

museos de arte de hoy en día se están dando cuenta de los beneficios de la interactividad. Muchas instituciones se han adaptado a las necesidades de los visitantes cada vez más orientado a la web, digitalmente de mentalidad que esperan un acceso instantáneo y la participación tanto dentro como fuera de las paredes del museo. Tales instituciones han comenzado a utilizar las aplicaciones del iPhone y las redes sociales para promover eventos, galerías en línea para informar a los de casa, y la tecnología de pantalla táctil para guiar las percepciones dentro de exposiciones. Los museos más conocedores también están dominando la forma de definir y regular las cuestiones de conservación, mostrando, y ser dueño de las obras conceptuales que confundir el arte y la audiencia.