Retrato de pintura

La pintura de retrato es un género en pintura, donde la intención es representar un sujeto humano. El término “retrato de la pintura” también puede describir el retrato real pintado. Los retratistas pueden crear su trabajo por encargo, para personas públicas y privadas, o pueden inspirarse en la admiración o el afecto por el tema. Los retratos a menudo son importantes registros estatales y familiares, así como recuerdos.

Históricamente, las pinturas de retratos han conmemorado principalmente a los ricos y poderosos. Con el tiempo, sin embargo, se volvió más común que los patrones de clase media encargaran retratos de sus familias y colegas. En la actualidad, los cuadros, los gobiernos, las empresas, los grupos, los clubes y las personas encargan las pinturas de retratos. Además de pintar, los retratos también se pueden hacer en otros medios como grabado, litografía, fotografía, video y medios digitales.

Historia:
Mundo antiguo
Las raíces de Portraiture probablemente se encuentran en tiempos prehistóricos, aunque pocas de estas obras sobreviven hoy en día. En el arte de las antiguas civilizaciones de la Media Luna Fértil, especialmente en Egipto , abundan las representaciones de gobernantes y dioses. Sin embargo, la mayoría de estos se hicieron de una manera muy estilizada, y la mayoría de perfil, por lo general en piedra, metal, arcilla, yeso o cristal. El retrato egipcio ponía relativamente poco énfasis en la semejanza, al menos hasta el período de Akhenaton en el siglo XIV a. Pintura de retrato de notables en China probablemente se remonta a más de 1000 aC, aunque ninguno sobrevive a esa edad. Los retratos chinos existentes se remontan aproximadamente al año 1000 d.

A partir de la evidencia literaria, sabemos que la pintura griega antigua incluía el retrato, a menudo muy preciso si se quieren creer las alabanzas de los escritores, pero no quedan ejemplos pintados. Cabezas esculpidas de gobernantes y personalidades famosas como Sócrates sobreviven en cierta cantidad, y como los bustos individualizados de gobernantes helenísticos en monedas, muestran que el retrato griego podía lograr una buena semejanza, y los sujetos eran representados con relativamente poca adulación: los retratos de Sócrates muestran por qué tenía una reputación de ser feo. Los sucesores de Alejandro Magno comenzaron la práctica de agregar su cabeza (como una figura deificada) a sus monedas, y pronto usaron la suya.

Los retratos romanos adoptaron las tradiciones del retrato tanto de los etruscos como de los griegos, y desarrollaron una tradición muy fuerte, vinculada a su uso religioso de los retratos de los antepasados, así como a la política romana. De nuevo, las pocas supervivencias pintadas, en los retratos de Fayum, Tumba de Aline y Severan Tondo, todas de Egipto bajo el dominio romano, son claramente producciones provinciales que reflejan estilos griegos en lugar de romanos, pero tenemos una gran cantidad de cabezas esculpidas, incluyendo muchas retratos individualizados de tumbas de clase media y miles de tipos de retratos de monedas.

Edades medias
La mayoría de los primeros retratos medievales eran retratos de donantes, inicialmente en su mayoría de papas en mosaicos romanos, y manuscritos iluminados, un ejemplo es un autorretrato del escritor, místico, científico, iluminador y músico Hildegard de Bingen (1152). Al igual que con las monedas contemporáneas, hubo un pequeño intento de similitud. Los monumentos de la tumba de piedra se extendieron en el período románico. Entre 1350-1400, las figuras seculares comenzaron a reaparecer en frescos y pinturas de paneles, como en el Charles Theodoric Charles IV que recibe lealtad, y los retratos una vez más se convirtieron en semejanzas claras. Hacia fines del siglo, aparecieron los primeros retratos al óleo de individuos contemporáneos, pintados sobre pequeños paneles de madera. borgoña y Francia, primero como perfiles, luego en otros puntos de vista. El díptico Wilton de ca. 1400 es uno de los dos retratos de paneles supervivientes de Ricardo II de Inglaterra , el primer rey inglés para quien tenemos ejemplos contemporáneos. Los primeros maestros de los primeros oriundos de Holanda incluyeron a Jan van Eyck, Robert Campin y Rogier van der Weyden. Los retratos de los donantes comenzaron a mostrarse como presentes, o participar en las principales escenas sagradas que se muestran, y en las imágenes de corte más privada los sujetos incluso aparecieron como figuras significativas como la Virgen María.

Renacimiento
El Renacimiento marcó un punto de inflexión en la historia del retrato. Parcialmente fuera de interés en el mundo natural y en parte por interés en las culturas clásicas de la antigua Grecia y Roma, los retratos, tanto pintados como esculpidos, tuvieron un papel importante en la sociedad del Renacimiento y se valoraron como objetos, y como representaciones del éxito terrenal y estado. La pintura en general alcanzó un nuevo nivel de equilibrio, armonía y perspicacia, y los artistas más grandes (Leonardo, Miguel Ángel y Rafael) fueron considerados “genios”, elevándose muy por encima del estatus de comerciante para valorar a los servidores de la corte y la iglesia.

Muchas innovaciones en las diversas formas de retrato evolucionaron durante este período fértil. Comenzó la tradición de la miniatura de retrato, que siguió siendo popular hasta la era de la fotografía, desarrollándose a partir de las habilidades de los pintores de las miniaturas en manuscritos iluminados. Los retratos de perfil, inspirados en medallones antiguos, fueron particularmente populares en Italia entre 1450 y 1500. Las medallas, con sus imágenes de dos caras, también inspiraron una moda efímera para las pinturas de dos caras a comienzos del Renacimiento. La escultura clásica, como el Apollo Belvedere, también influyó en la elección de las posturas utilizadas por los retratistas del Renacimiento, poses que han continuado su uso a través de los siglos.

Los artistas del norte de Europa abrieron el camino en retratos realistas de temas seculares. El mayor realismo y detalle de los artistas del Norte durante el siglo XV se debió en parte a las pinceladas y los efectos más finos posibles con los colores al óleo, mientras que los pintores italianos y españoles todavía usaban el témpera. Entre los primeros pintores que desarrollaron la técnica del aceite estaba Jan van Eyck. Los colores del óleo pueden producir más textura y grados de grosor, y se pueden estratificar de manera más efectiva, con la adición de capas cada vez más gruesas una sobre otra (conocidas por los pintores como “grasa sobre grasa”). Además, los colores del aceite se secan más lentamente, lo que permite al artista realizar cambios fácilmente, como la alteración de los detalles faciales. Antonello da Messina fue uno de los primeros italianos en aprovechar el petróleo. Entrenado en Bélgica , se instaló en Venecia alrededor de 1475, y fue una gran influencia en Giovanni Bellini y la escuela del norte de Italia. Durante el siglo 16, el petróleo como un medio se extendió en popularidad a lo largo Europa , permitiendo interpretaciones más suntuosas de ropa y joyas. También afectando la calidad de las imágenes, fue el cambio de madera a lienzo, comenzando en Italia en la primera parte del siglo 16 y se extendió a Norte de Europa durante el próximo siglo. El lienzo resiste el agrietamiento mejor que la madera, mantiene mejor los pigmentos y necesita menos preparación, pero inicialmente era mucho más escaso que la madera.

Al principio, los europeos del norte abandonaron el perfil y comenzaron a producir retratos de volumen y perspectiva realistas. En el Países Bajos , Jan van Eyck fue un destacado retratista. El matrimonio Arnolfini (1434, Galería Nacional, Londres ) es un hito del arte occidental, un ejemplo temprano de un retrato de pareja de cuerpo entero, magníficamente pintado en colores vivos y detalles exquisitos. Pero igualmente importante, muestra la técnica recientemente desarrollada de la pintura al óleo iniciada por van Eyck, que revolucionó el arte, y se extendió a través de Europa .

Destacados artistas de retratos alemanes, entre ellos Lucas Cranach, Albrecht Durero y Hans Holbein el Joven, que dominaron la técnica de la pintura al óleo. Cranach fue uno de los primeros artistas en pintar encargos de larga duración, una tradición popular a partir de ese momento. En ese tiempo, Inglaterra no tenía pintores de primer rango, y los artistas ingleses pedían artistas como Holbein. Su pintura de Sir Thomas More (1527), su primer patrón importante en Inglaterra , tiene casi el realismo de una fotografía. Holbein hizo su gran éxito pintando a la familia real, incluido Enrique VIII. Durero fue un excelente dibujante y uno de los primeros artistas importantes en hacer una secuencia de autorretratos, incluida una pintura de cara completa. También colocó su figura de autorretrato (como espectador) en varias de sus pinturas religiosas. Durero comenzó a hacer autorretratos a la edad de trece años. Más tarde, Rembrandt amplificaría esa tradición.

En Italia , Masaccio lideró el camino para modernizar el fresco adoptando una perspectiva más realista. Filippo Lippi allanó el camino en el desarrollo de contornos más nítidos y líneas sinuosas y su alumno Raphael extendió el realismo en Italia a un nivel mucho más alto en las décadas siguientes con sus monumentales pinturas murales. Durante este tiempo, el retrato de esponsales se hizo popular, una especialidad particular de Lorenzo Lotto. Durante los inicios del Renacimiento, las pinturas de retratos generalmente eran pequeñas y algunas veces estaban cubiertas con tapas protectoras, con bisagras o deslizantes.

Durante el Renacimiento, la nobleza florentina y milanesa, en particular, quería representaciones más realistas de sí mismos. El desafío de crear puntos de vista completos y de tres cuartos convincentes estimuló la experimentación y la innovación. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi y Leonardo da Vinci y otros artistas ampliaron su técnica en consecuencia, añadiendo retratos a temas religiosos y clásicos tradicionales. Leonardo y Pisanello estuvieron entre los primeros artistas italianos en agregar símbolos alegóricos a sus retratos seculares.

Uno de los retratos más conocidos en el mundo occidental es la pintura de Leonardo da Vinci titulada Mona Lisa, llamada así por Lisa del Giocondo, miembro de la familia Gherardini de Florence y Toscana y la esposa del adinerado comerciante de seda florentino Francesco del Giocondo. La famosa “sonrisa de Mona Lisa” es un excelente ejemplo de aplicar sutiles asimetrías a una cara. En sus cuadernos, Leonardo aconseja sobre las cualidades de la luz en la pintura de retratos:

Un alto grado de gracia en la luz y la sombra se agrega a las caras de aquellos que se sientan en las puertas de las habitaciones que están oscuras, donde los ojos del observador ven la parte ensombrecida del rostro oscurecida por las sombras de la habitación. y ver la parte iluminada de la cara con el mayor brillo que le da el aire. A través de este aumento en las sombras y las luces, la cara recibe un mayor alivio.

Leonardo era un estudiante de Verrocchio. Luego de convertirse en miembro del Gremio de Pintores, comenzó a aceptar comisiones independientes. Debido a sus amplios intereses y de acuerdo con su mente científica, su producción de dibujos y estudios preliminares es inmensa, aunque su producción artística final es relativamente pequeña. Sus otros retratos memorables incluyen los de las mujeres nobles Ginevra de ‘Benci y Cecilia Gallerani.

Los retratos de comisión sobrevivientes de Rafael son mucho más numerosos que los de Leonardo, y muestran una mayor variedad de poses, iluminación y técnica. En lugar de producir innovaciones revolucionarias, el gran logro de Raphael fue fortalecer y refinar las corrientes en evolución del arte del Renacimiento. Era particularmente experto en el retrato grupal. Su obra maestra el Colegio de Atenas es uno de los principales frescos del grupo, que contiene imágenes de Leonardo, Miguel Ángel, Bramante y el propio Rafael, disfrazados de antiguos filósofos. No fue el primer retrato grupal de artistas. Décadas antes, Paolo Uccello había pintado un retrato grupal que incluía a Giotto, Donatello, Antonio Manetti y Brunelleschi. A medida que se elevó en prominencia, Rafael se convirtió en un retratista favorito de los papas. Mientras que muchos artistas del Renacimiento aceptaron ansiosamente las comisiones de retratos, algunos artistas los rechazaron, en particular el rival de Rafael, Miguel Ángel, que en cambio asumió las enormes comisiones de la Capilla Sixtina.

En Venecia alrededor de 1500, Gentile Bellini y Giovanni Bellini dominaban la pintura de retratos. Recibieron las mayores comisiones de los principales funcionarios del estado. El retrato de Bellini de Doge Loredan es considerado uno de los mejores retratos del Renacimiento y demuestra hábilmente el dominio del artista de las técnicas recién llegadas de la pintura al óleo. Bellini es también uno de los primeros artistas en Europa para firmar su trabajo, aunque rara vez salía con ellos. Más tarde, en el siglo XVI, Tiziano asumió el mismo papel, particularmente al expandir la variedad de poses y sesiones de sus súbditos reales. Tiziano fue quizás el primer gran retratista infantil. Después de que Tiziano sucumbiera a la peste, Tintoretto y Veronese se convirtieron en los principales artistas venecianos, ayudando a la transición al manierismo italiano. Los manieristas contribuyeron con muchos retratos excepcionales que enfatizaban la riqueza material y las poses elegantemente complejas, como en los trabajos de Agnolo Bronzino y Jacopo da Pontormo. Bronzino hizo su fama retratando a la familia Medici. Su atrevido retrato de Cosimo I de ‘Medici, muestra al austero gobernante con una mirada cautelosa y mirando a su extrema derecha, en agudo contraste con la mayoría de las pinturas reales que muestran a sus modelos como soberanos benignos. El Greco, que se entrenó en Venecia durante doce años, fue en una dirección más extrema después de su llegada a España , enfatizando su “visión interna” de la modelo hasta el punto de disminuir la realidad de la apariencia física. Uno de los mejores retratistas de la Italia del siglo XVI fue Sofonisba Anguissola de Cremona, quien infundió nuevos niveles de complejidad en sus retratos individuales y grupales.

Retrato de corte en Francia comenzó cuando el artista flamenco Jean Clouet pintó su opulento parecido de Francisco I de Francia alrededor de 1525. El rey Francisco fue un gran mecenas de los artistas y un avaro coleccionista de arte que invitó a Leonardo da Vinci a vivir en Francia durante sus últimos años. La Mona Lisa se quedó en Francia después de que Leonardo murió allí.

Barroco y rococó
Durante los períodos Barroco y Rococó (siglos XVII y XVIII, respectivamente), los retratos se convirtieron en registros aún más importantes de estatus y posición. En una sociedad dominada cada vez más por líderes seculares en poderosas cortes, las imágenes de figuras vestidas con opulencia eran un medio para afirmar la autoridad de individuos importantes. Los pintores flamencos Sir Anthony van Dyck y Peter Paul Rubens sobresalieron en este tipo de retratos, mientras que Jan Vermeer produjo retratos principalmente de la clase media, en el trabajo y en el interior. El retrato de Rubens de sí mismo y de su primera esposa (1609) en su atuendo de boda es un ejemplo virtuoso del retrato de la pareja. La fama de Rubens se extendió más allá de su arte: fue un cortesano, diplomático, coleccionista de arte y exitoso hombre de negocios. Su estudio fue uno de los más extensos de la época, empleando especialistas en naturalezas muertas, paisajes, animales y escenas de género, además de los retratos. Van Dyck entrenó allí durante dos años. Carlos I de Inglaterra primero empleó a Rubens, luego importó a Van Dyck como su pintor de la corte, lo caballero y le otorgó un estatus cortesano. Van Dyck no solo adaptó los métodos de producción y las habilidades comerciales de Rubens, sino también sus modales elegantes y su apariencia. Como fue registrado, “Él siempre iba magníficamente vestido, tenía un equipo numeroso y galante, y mantenía una mesa tan noble en su departamento, que pocos príncipes eran más visitados, o mejor servidos”. En Francia , Hyacinthe Rigaud dominó casi de la misma manera, como un notable cronista de la realeza, pintando los retratos de cinco reyes franceses.

Una de las innovaciones del arte del Renacimiento fue la mejora en la representación de las expresiones faciales para acompañar las diferentes emociones. En particular, el pintor holandés Rembrandt exploró las muchas expresiones del rostro humano, especialmente como uno de los principales autorretratos (de los cuales pintó más de 60 en su vida). Este interés en el rostro humano también fomentó la creación de las primeras caricaturas, atribuidas a la Academia Carracci, dirigida por pintores de la familia Carracci a finales del siglo XVI en Bolonia, Italia (véase Annibale Carracci).

Los retratos grupales se produjeron en gran cantidad durante el período barroco, particularmente en el Países Bajos . A diferencia del resto de Europa, los artistas holandeses no recibieron comisiones del Calvinista Iglesia que había prohibido tales imágenes o de la aristocracia que era prácticamente inexistente. En cambio, las comisiones provinieron de asociaciones cívicas y empresariales. El pintor holandés Frans Hals utilizó pinceladas fluidas de colores vivos para animar sus retratos grupales, incluidos los de los guardias civiles a los que pertenecía. Rembrandt se benefició enormemente de tales comisiones y de la apreciación general del arte por parte de los clientes burgueses, que apoyaban el retrato, así como la naturaleza muerta y la pintura de paisajes. Además, florecieron los primeros mercados significativos de arte y distribuidores Holanda En ese tiempo.

Con mucha demanda, Rembrandt pudo experimentar con una composición y técnica poco convencional, como el claroscuro. Demostró estas innovaciones, iniciadas por maestros italianos como Caravaggio, sobre todo en su famoso Night Watch (1642). La Lección de Anatomía del Dr. Tulp (1632) es otro buen ejemplo de la maestría de Rembrandt en la pintura grupal, en la que baña el cadáver con luz brillante para llamar la atención sobre el centro de la pintura mientras la ropa y el fondo se funden en negro, las caras del cirujano y los estudiantes sobresalen. También es la primera pintura que Rembrandt firmó con su nombre completo.

En España Diego Velázquez pintó Las Meninas (1656), uno de los retratos grupales más famosos y enigmáticos de todos los tiempos. Se conmemora el artista y los hijos de la familia real española, y al parecer los asistentes son la pareja real que se ven solo como reflejos en un espejo. Comenzó siendo principalmente un pintor de género, Velázquez rápidamente saltó a la fama como el pintor de la corte de Felipe IV, sobresaliendo en el arte del retrato, particularmente en la extensión de la complejidad de los retratos grupales.

Los artistas rococó, que estaban particularmente interesados ​​en la ornamentación rica e intrincada, eran maestros del refinado retrato. Su atención a los detalles de la vestimenta y la textura aumentó la eficacia de los retratos como testimonio de la riqueza mundana, como lo demuestran los famosos retratos de Madame de Pompadour de François Boucher ataviados con ondulantes vestidos de seda.

Los primeros pintores de retratos nativos de la escuela británica fueron los pintores ingleses Thomas Gainsborough y Sir Joshua Reynolds, que también se especializaron en vestir a sus sujetos de una manera llamativa. El Blue Boy de Gainsborough es uno de los retratos más famosos y reconocidos de todos los tiempos, pintado con pinceles muy largos y un color de aceite fino para lograr el efecto brillante del traje azul. Gainsborough también se destacó por su configuración de fondo elaborada para sus temas.

Los dos artistas británicos tenían opiniones opuestas sobre el uso de asistentes. Reynolds los emplea con regularidad (a veces solo hace el 20 por ciento de la pintura), mientras que Gainsborough raramente lo hizo. A veces, un cliente puede extraer una promesa del artista, al igual que Sir Richard Newdegate del retratista Peter Lely (sucesor de van Dyck en Inglaterra ), quien prometió que el retrato sería “desde el Principio hasta el final con mis propias manos”. A diferencia de la exactitud empleada por los maestros flamencos, Reynolds resumió su enfoque del retrato afirmando que, “la gracia, y, podemos agregar, la semejanza, consiste más en tomar el aire general que en observar la similitud exacta de cada característica ” También prominente en Inglaterra fue William Hogarth, quien se atrevió a desafiar los métodos convencionales al introducir toques de humor en sus retratos. Su “Autorretrato con Pug” es claramente más una interpretación humorística de su mascota que una pintura autoindulgente.

En el siglo XVIII, las pintoras cobraron nueva importancia, particularmente en el campo del retrato. Las artistas femeninas notables incluyen a la pintora francesa Élisabeth Vigée-Lebrun, la artista italiana en colores pastel Rosalba Carriera y la artista suiza Angelica Kauffman. También durante ese siglo, antes de la invención de la fotografía, los retratos en miniatura, pintados con increíble precisión y a menudo encerrados en oro o en medallones esmaltados, fueron muy valorados.

En el Estados Unidos John Singleton Copley, educado en la refinada manera británica, se convirtió en el pintor principal de retratos en miniatura y en miniatura, con sus imágenes hiperrealistas de Samuel Adams y Paul Revere especialmente bien vistas. Copley también es notable por sus esfuerzos para combinar el retrato con el arte académicamente más venerado de la pintura histórica, que intentó con sus retratos grupales de famosos militares. Igualmente famoso fue Gilbert Stuart, que pintó más de 1.000 retratos y fue especialmente conocido por su retrato presidencial. Stuart pintó más de 100 réplicas de George Washington solo. Stuart trabajó rápidamente y empleó pinceladas más suaves y menos detalladas que Copley para capturar la esencia de sus sujetos. Algunas veces haría varias versiones para un cliente, permitiendo que la modelo eligiera su favorita. Destacado por sus tonos rosados ​​en las mejillas, Stuart escribió, “la carne no es como ninguna otra sustancia bajo el cielo. Tiene toda la alegría de la tienda de mercerías de seda sin su chillido de brillo, y toda la suavidad de la caoba vieja, sin su tristeza”. Otros retratistas estadounidenses prominentes de la época colonial fueron John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale y Rembrandt Peale.

Siglo 19
A fines del siglo XVIII y principios del siglo XIX, los artistas neoclásicos continuaron con la tradición de representar temas de última moda, que para las mujeres significaba vestidos diáfanos derivados de los antiguos estilos de vestimenta griega y romana. Los artistas usaron luz dirigida para definir la textura y la redondez simple de las caras y las extremidades. Los pintores franceses Jacques-Louis David y Jean-Auguste-Dominique Ingres demostraron virtuosismo en esta técnica de dibujante y un buen ojo para el personaje. Ingres, un estudiante de David, se destaca por sus retratos en los que se pinta un espejo detrás del sujeto para simular una vista posterior del sujeto. Su retrato de Napoleón en su trono imperial es un tour de force de retratos regios. (ver la Galería más abajo)

Los artistas románticos que trabajaron durante la primera mitad del siglo XIX pintaron retratos de líderes inspiradoras, mujeres bellas y sujetos agitados, usando vivos trazos de pincel y luces dramáticas, a veces de mal humor. Los artistas franceses Eugène Delacroix y Théodore Géricault pintaron retratos particularmente finos de este tipo, especialmente jinetes apuestos. Un ejemplo notable de artista de período romántico en Polonia , quien practicó un retrato de horserider fue Piotr Michałowski (1800-1855). También es digna de mención la serie de retratos de pacientes mentales de Géricault (1822-1824). El pintor español Francisco de Goya pintó algunas de las imágenes más provocativas y provocativas de la época, incluida La maja desnuda (hacia 1797-1800), así como los famosos retratos cortesanos de Carlos IV.

Los artistas realistas del siglo XIX, como Gustave Courbet, crearon retratos objetivos que representan a personas de clase media y baja. Demostrando su romanticismo, Courbet pintó varios autorretratos mostrándose en diferentes estados de ánimo y expresiones. Otros realistas franceses incluyen Honoré Daumier que produjo muchas caricaturas de sus contemporáneos. Henri de Toulouse-Lautrec hizo una crónica de algunos de los artistas famosos del teatro, incluyendo a Jane Avril, capturándolos en movimiento. El pintor francés Édouard Manet, fue un importante artista de transición cuya obra se mueve entre el realismo y el impresionismo. Fue un retratista de una visión y técnica excepcionales, con su pintura de Stéphane Mallarmé como un buen ejemplo de su estilo de transición. Su contemporáneo Edgar Degas era principalmente un realista y su pintura Retrato de la familia Bellelli es una interpretación perspicaz de una familia infeliz y uno de sus mejores retratos.

En America , Thomas Eakins reinó como el principal pintor de retratos, llevando el realismo a un nuevo nivel de franqueza, especialmente con sus dos retratos de cirujanos en el trabajo, así como los de atletas y músicos en acción. En muchos retratos, como “Retrato de la Sra. Edith Mahon”, Eakins transmite audazmente las emociones poco halagadoras de pena y melancolía.

Los realistas en su mayoría dieron paso a los impresionistas en la década de 1870. En parte debido a sus escasos ingresos, muchos de los impresionistas confiaron en la familia y los amigos para modelar para ellos, y pintaron grupos íntimos y figuras individuales, ya sea al aire libre o en interiores llenos de luz. Conocidos por sus superficies brillantes y ricos toques de pintura, los retratos impresionistas son a menudo cautivantes e íntimos. Los pintores franceses Claude Monet y Pierre-Auguste Renoir crearon algunas de las imágenes más populares de modelos y grupos individuales. La artista estadounidense Mary Cassatt, que se entrenó y trabajó en Francia , es popular incluso hoy en día por sus atractivas pinturas de madres y niños, como lo es Renoir. Paul Gauguin y Vincent van Gogh, ambos postimpresionistas, pintaron retratos reveladores de personas que conocían, con remolinos de colores pero no necesariamente halagadores. Son igual, si no más, celebrados por sus poderosos autorretratos.

John Singer Sargent también abarcó el cambio de siglo, pero rechazó el impresionismo y el postimpresionismo. Él era el pintor de retratos más exitoso de su época, utilizando una técnica en su mayoría realista a menudo derramado con el uso brillante del color. Era igualmente apto en retratos individuales y grupales, particularmente de familias de clase alta. Sargent nació en Florence , Italia a los padres estadounidenses Él estudió en Italia y Alemania , y en París . Se considera que Sargent es el último gran exponente de la tradición del retrato británico que comienza con van Dyck. Otro destacado retratista estadounidense que se formó en el extranjero fue William Merritt Chase. La pintora estadounidense de sociedad Cecilia Beaux, llamada la “Sargent femenina”, nació de un padre francés, estudió en el extranjero y tuvo éxito en su país, apegándose a los métodos tradicionales. Otro retratista comparado con Sargent por su exuberante técnica fue el artista parisino nacido en Italia Giovanni Boldini, amigo de Degas y Whistler.

El internacionalista nacido en Estados Unidos James Abbott McNeill Whistler estaba bien conectado con artistas europeos y también pintó algunos retratos excepcionales, el más famoso fue su “Arreglo en gris y negro, La madre del artista” (1871), también conocida como “La madre de Whistler”. Incluso con sus retratos, como con sus paisajes tonales, Whistler quería que sus espectadores se centraran en la disposición armónica de la forma y el color en sus pinturas. Whistler utilizó una paleta suave para crear los efectos deseados, haciendo hincapié en el equilibrio del color y los tonos suaves. Como dijo, “como la música es la poesía del sonido, también lo es la pintura de la poesía de la vista, y el tema no tiene nada que ver con la armonía del sonido o el color”. La forma y el color también fueron centrales en los retratos de Cézanne, mientras que una técnica aún más extrema de color y pincelada domina los retratos de André Derain y Henri Matisse.

El desarrollo de la fotografía en el siglo XIX tuvo un efecto significativo en los retratos, suplantando a la anterior cámara oscura, que también se había utilizado anteriormente como una ayuda en la pintura. Muchos modernistas se congregaron en los estudios de fotografía para hacer sus retratos, incluido Baudelaire, quien, a pesar de que proclamaba que la fotografía era un “enemigo del arte”, se sintió atraído por la franqueza y el poder de la fotografía. Al proporcionar una alternativa barata, la fotografía suplantó gran parte del nivel más bajo de la pintura de retratos. Algunos artistas realistas, como Thomas Eakins y Edgar Degas, estaban entusiasmados con la fotografía de la cámara y descubrieron que es una ayuda útil para la composición. A partir de los impresionistas, los pintores de retratos encontraron innumerables formas de reinterpretar el retrato para competir eficazmente con la fotografía. Sargent y Whistler estaban entre los estimulados a expandir su técnica para crear efectos que la cámara no podía capturar.

siglo 20
Otros artistas de principios del siglo XX también ampliaron el repertorio del retrato en nuevas direcciones. El artista fauvista Henri Matisse produjo poderosos retratos utilizando colores no naturalistas, incluso chillones, para tonos de piel. Cézanne se basó en formas muy simplificadas en sus retratos, evitando los detalles mientras enfatizaba las yuxtaposiciones de colores. El estilo único del austríaco Gustav Klimt aplicó motivos bizantinos y pintura dorada a sus retratos memorables. Su alumno Oskar Kokoschka fue un importante retratista de la clase alta vienesa. El prolífico artista español Pablo Picasso pintó muchos retratos, incluyendo varias representaciones cubistas de sus amantes, en las cuales la semejanza del sujeto está groseramente distorsionada para lograr una declaración emocional más allá de los límites de la caricatura normal. Una destacada pintora de retratos de finales del siglo XX, asociada con el impresionismo francés, fue Olga Boznańska (1865-1940). Los pintores expresionistas proporcionaron algunos de los estudios psicológicos más inquietantes y convincentes que se hayan producido. Artistas alemanes como Otto Dix y Max Beckmann produjeron notables ejemplos de retrato expresionista. Beckmann fue un prolífico autorretrato, produciendo al menos veintisiete. Amedeo Modigliani pintó muchos retratos en su estilo alargado que despreciaba a la “persona interior” en favor de estudios estrictos de forma y color. Para ayudar a lograr esto, quitó énfasis a los ojos y cejas normalmente expresivos hasta el punto de rendijas ennegrecidas y arcos simples.

El arte británico estuvo representado por los vorticistas, quienes pintaron algunos retratos notables en la primera parte del siglo XX. El pintor Dada Francis Picabia ejecutó numerosos retratos a su manera única. Además, los retratos de Tamara de Lempicka capturaron con éxito la era Art Deco con sus curvas aerodinámicas, colores intensos y ángulos agudos. En America , Robert Henri y George Bellows fueron excelentes retratistas de los años veinte y treinta de la escuela realista estadounidense. Max Ernst produjo un ejemplo de un retrato colegiado moderno con su pintura de 1922 “Todos los amigos juntos”.

Una contribución significativa al desarrollo de la pintura de retrato de 1930-2000 fue hecha por artistas rusos, principalmente trabajando en las tradiciones de la pintura realista y figurativa. Entre ellos deberían llamarse Isaak Brodsky, Nikolai Fechin, Abram Arkhipov y otros.

Producción de retratos en Europa (excluyendo Rusia ) y el América generalmente disminuyó en los años 1940 y 1950, como resultado del creciente interés en la abstracción y el arte no figurativo. Una excepción, sin embargo, fue Andrew Wyeth quien se convirtió en el principal pintor de retratos realista estadounidense. Con Wyeth, el realismo, aunque abierto, es secundario a las cualidades tonales y el estado de ánimo de sus pinturas. Esto se demuestra acertadamente con su serie histórica de pinturas conocida como “Helga”, el grupo más grande de retratos de una sola persona de cualquier artista importante (247 estudios de su vecina Helga Testorf, vestidos y desnudos, en diferentes entornos, pintados durante el período 1971-1985).

En la década de 1960 y 1970, hubo un renacimiento del retrato. Artistas ingleses como Lucian Freud (nieto de Sigmund Freud) y Francis Bacon han producido pinturas poderosas. Los retratos de Bacon son notables por su calidad de pesadilla. En mayo de 2008, Christie’s vendió en subasta el retrato de Freud, supervisor de beneficios de 1995. Nueva York por $ 33.6 millones, estableciendo un récord mundial de valor de venta de una pintura de un artista vivo. Muchos artistas estadounidenses contemporáneos, como Andy Warhol, Alex Katz y Chuck Close, han convertido la cara humana en un punto focal de su trabajo. La pintura de Warhol de Marilyn Monroe es un ejemplo icónico. La especialidad de Close eran enormes retratos hiperrealistas de “cabeza” de tamaño de pared basados ​​en imágenes fotográficas. Jamie Wyeth continúa en la tradición realista de su padre Andrew, produciendo retratos famosos cuyos temas van desde presidentes hasta cerdos.