L’art académique, ou académisme, est un style de peinture, de sculpture et d’architecture produit sous l’influence des académies d’art européennes. Plus précisément, l’art académique est l’art et les artistes influencés par les normes de l’Académie des Beaux-Arts française, qui a été pratiquée sous les mouvements du néoclassicisme et du romantisme, et l’art qui a suivi ces deux mouvements dans le but de synthétiser leurs deux styles. , et qui se reflète le mieux dans les peintures de William-Adolphe Bouguereau, Thomas Couture et Hans Makart. Dans ce contexte, il est souvent appelé «académisme», «académisme», «art pompier» (péjorativement) et «éclectisme», et parfois lié à «historicisme» et «syncrétisme».

L’art académique comprend des peintures et des sculptures qui ont été créées sous l’influence des académies européennes, où de nombreux artistes de cette époque ont reçu leur formation formelle. L’art académique s’est engagé dans un canon à motivation prédominante littéraire, mythologique et historique de sujets autorisés ou souhaités. Ses artistes n’ont montré aucun intérêt à dépeindre le quotidien ou le profane. L’art académique n’est donc pas réaliste, mais idéaliste.

En termes de style, l’art académique a cultivé l’idéal de l’imitation parfaite et sélective de la réalité par Aristote (mimesis). Avec une parfaite maîtrise de la couleur, de la lumière et de l’ombre, les formes ont été élaborées de manière quasi-photo-réaliste. Certaines peintures montrent une « finition polie » dans laquelle vous ne pouvez plus voir un coup de pinceau sur l’œuvre finie. Cet idéal artistique a été ébranlé au milieu du XIXe siècle par l’invention de la photographie.

L’École des Beaux-Arts de France, influencée par le néoclassicisme et le romantisme, a été particulièrement influente pour le style. L’art académique ultérieur a synthétisé ces deux styles, ce qui se voit très bien dans les peintures de William Adolphe Bouguereau, Thomas Couture et Hans Makart.

Avec l’avènement des styles artistiques ultérieurs, en particulier l’impressionnisme, l’art académique a été méprisé et rejeté comme « éclectisme ». Du début à la fin du 20e siècle, la plupart des experts en art le considéraient comme peu important, il a donc été à peine mentionné et a disparu dans les dépôts du musée; de temps en temps, ils étaient dénommés « pompier d’art ». Le style académique de la peinture a également été discrédité par le fait qu’il a été élevé à un niveau absolu par la politique artistique national-socialiste. Seuls quelques artistes, pour la plupart plus âgés, lui sont restés fidèles jusqu’aux années 1960.

Ce n’est que dans les années 1990 que l’art académique de la fin de siècle a été « redécouvert » petit à petit et a depuis gagné en popularité. Alors que la peinture a fait son chemin en réfléchissant et en remettant en question ses propres prérequis, le film historique en particulier, en particulier le film de sandale, a continué la soif d’académisme pour la reconstruction du passé.

Académisme français
L’origine du nom français pompier – en italien, pompier – est incertaine: elle pourrait dériver des casques des figures des dieux et héros classiques, semblables aux casques de pompier, ou indiquer les mêmes pompiers présents, avec des tâches de sécurité, lors des expositions ouvert dans les Salons officiels, ou bien se référer aux peintres du cercle Charles Gleyre, partisans de l’imitation de la peinture pompéienne, ou enfin, pour aborder de nombreuses représentations picturales pompeuses et rhétoriques.

Le courant artistique du néoclassicisme, né au XVIIIe siècle et s’étendant sur une partie de la première moitié du XIXe siècle, avait dans la rigueur rationnelle de son style le premier nécessaire pour se prêter à l’enseignement dans les écoles et proposait, dans son contenu même , le chemin de l’imitation, non pas déjà de la nature visible et de la vie réelle de la société, mais des produits artistiques et de l’histoire et des mythes de ce passé lointain, grec et romain, qu’il a indiqué comme modèle d’harmonie et de beauté idéale. En France, l’exemple évocateur de l’art de David – par ailleurs personnellement contraire à toute Académie – puis celui de l’étudiant Ingres, véhiculera un consensus et produira des imitateurs.

L’Académie royale de peinture et de sculpture a été créée en France en 1648, dans le but de garantir aux artistes un certificat de qualité, leur conférant un style basé sur la simplicité et alliant grandeur, harmonie et pureté. À cette fin, la nécessité de respecter les principes suivants a été énoncée:

étude du nu et de l’anatomie
imitation de la nature ancienne et idéalisée
réalisation des oeuvres en studio au lieu de en plein air
primauté du design sur la couleur
exhaustivité du travail

Ces critères de formation n’ont pas évolué au fil des siècles et ont été maintenus par les professeurs de l’École des Beaux-Arts, étudiants de David puis d’Ingres, qui ont suivi les principes formulés par leurs professeurs: pour être admis, les étudiants devaient passer un concours consistant à exécuter un nu comme modèle vivant.

Les académies de l’histoire
La première académie d’art a été fondée à Florence en Italie par Cosimo I de ‘Medici, le 13 janvier 1563, sous l’influence de l’architecte Giorgio Vasari qui l’appelait Accademia e Compagnia delle Arti del Disegno (Académie et Compagnie des Arts de Dessin) car il était divisé en deux branches opérationnelles différentes. Alors que la Compagnie était une sorte de société à laquelle tous les artistes travaillant en Toscane pouvaient se joindre, l’Académie ne comprenait que les personnalités artistiques les plus éminentes de la cour de Cosimo et avait pour tâche de superviser toute la production artistique de l’État médicéen. Dans cette institution médicéenne, les étudiants ont appris « l’arti del disegno » (un terme inventé par Vasari) et ont entendu des conférences sur l’anatomie et la géométrie. Une autre académie, l’Accademia di San Luca (du nom du saint patron des peintres, Saint-Luc), a été fondée une décennie plus tard à Rome. L’Accademia di San Luca remplissait une fonction éducative et s’intéressait davantage à la théorie de l’art qu’à celle de Florence. En 1582, Annibale Carracci a ouvert sa très influente Académie des Desiderosi à Bologne sans soutien officiel; à certains égards, cela ressemblait plus à un atelier d’artiste traditionnel, mais le fait qu’il ait ressenti le besoin de l’étiqueter comme une «académie» démontrait l’attrait de l’idée à l’époque.

L’Académie de San Luca servira plus tard de modèle à l’Académie royale de peinture et de sculpture fondée en France en 1648, et qui deviendra plus tard l’Académie des beaux-arts. L’Académie royale de peinture et de sculpture a été fondée dans le but de distinguer les artistes « qui étaient des gentlemen pratiquant un art libéral » des artisans, qui étaient engagés dans le travail manuel. Cet accent mis sur la composante intellectuelle de la création artistique a eu un impact considérable sur les sujets et les styles de l’art académique.

Après la réorganisation de l’Académie royale de peinture et de sculpture en 1661 par Louis XIV dont le but était de contrôler toute l’activité artistique en France, une controverse éclate parmi les membres qui dominent les attitudes artistiques pour le reste du siècle. Cette «bataille de styles» était un conflit pour savoir si Peter Paul Rubens ou Nicolas Poussin était un modèle approprié à suivre. Les adeptes de Poussin, appelés « poussinistes », ont fait valoir que la ligne (disegno) devrait dominer l’art, en raison de son attrait pour l’intellect, tandis que les adeptes de Rubens, appelés « rubenistes », ont fait valoir que la couleur (colore) devrait dominer l’art, en raison de son faire appel à l’émotion.

Le débat a été relancé au début du XIXe siècle, sous les mouvements du néoclassicisme caractérisé par l’œuvre de Jean Auguste Dominique Ingres, et du romantisme typé par l’œuvre d’Eugène Delacroix. Des débats ont également eu lieu pour savoir s’il valait mieux apprendre l’art en regardant la nature ou apprendre en regardant les maîtres artistiques du passé.

Des académies utilisant le modèle français se sont formées dans toute l’Europe et ont imité les enseignements et les styles de l’Académie française. En Angleterre, c’était la Royal Academy. L’Académie royale danoise des beaux-arts, fondée en 1754, peut être considérée comme un exemple réussi dans un petit pays, qui a atteint son objectif de produire une école nationale et de réduire la dépendance à l’égard des artistes importés. Les peintres de l’âge d’or danois d’environ 1800-1850 y étaient presque tous formés, et beaucoup sont retournés enseigner et l’histoire de l’art du Danemark est beaucoup moins marquée par la tension entre l’art académique et d’autres styles que dans d’autres pays. .

L’un des effets du passage aux académies a été de rendre la formation plus difficile pour les femmes artistes, qui ont été exclues de la plupart des académies jusqu’à la dernière moitié du XIXe siècle (1861 pour la Royal Academy). Cela était dû en partie aux préoccupations concernant l’irrégularité présentée par la nudité. Des dispositions spéciales ont souvent été prises pour les étudiantes jusqu’au 20e siècle.

Développement du style académique
Depuis le début du débat Poussiniste-Rubeniste, de nombreux artistes ont travaillé entre les deux styles. Au 19ème siècle, sous la forme relancée du débat, l’attention et les objectifs du monde de l’art sont devenus à synthétiser la ligne du néoclassicisme avec la couleur du romantisme. Un artiste après l’autre a été revendiqué par les critiques comme ayant réalisé la synthèse, parmi lesquels Théodore Chassériau, Ary Scheffer, Francesco Hayez, Alexandre-Gabriel Decamps et Thomas Couture. William-Adolphe Bouguereau, un artiste universitaire plus tard, a commenté que l’astuce pour être un bon peintre est de voir « la couleur et la ligne comme la même chose ». Thomas Couture a promu la même idée dans un livre qu’il a écrit sur la méthode artistique – faisant valoir que chaque fois que l’on disait qu’une peinture avait une meilleure couleur ou une meilleure ligne, c’était absurde, car chaque fois qu’une couleur paraissait brillante, cela dépendait de la ligne pour la transmettre, et vice versa; et cette couleur était vraiment un moyen de parler de la « valeur » de la forme.

Un autre développement au cours de cette période comprenait l’adoption de styles historiques afin de montrer l’époque de l’histoire représentée par la peinture, appelée historicisme. Cela se voit mieux dans le travail du baron Jan August Hendrik Leys, une influence ultérieure sur James Tissot. On le voit également dans le développement du style néo-grec. L’historicisme vise également à faire référence à la croyance et à la pratique associées à l’art académique selon lesquelles il faut incorporer et concilier les innovations des différentes traditions artistiques du passé.

Le monde de l’art s’est également développé pour se concentrer de plus en plus sur l’allégorie dans l’art. Les théories de l’importance de la ligne et de la couleur affirmaient qu’à travers ces éléments, un artiste exerce un contrôle sur le médium pour créer des effets psychologiques, dans lesquels les thèmes, les émotions et les idées peuvent être représentés. Alors que les artistes tentaient de synthétiser ces théories dans la pratique, l’attention sur l’œuvre d’art en tant que véhicule allégorique ou figuratif a été soulignée. On a estimé que les représentations dans la peinture et la sculpture devaient évoquer des formes platoniques, ou des idéaux, où derrière des représentations ordinaires on entrevoyait quelque chose d’abstrait, une vérité éternelle. Par conséquent, la célèbre rêverie de Keats « La beauté est la vérité, la vérité beauté ». Les tableaux se voulaient une « idée », une idée pleine et entière. Bouguereau est connu pour avoir dit qu’il ne peindrait pas « une guerre », mais peindrait « la guerre ». De nombreuses peintures d’artistes académiques sont de simples allégories de la nature avec des titres comme Dawn, Dusk, Seeing et Tasting, où ces idées sont personnifiées par une seule figure nue, composée de manière à faire ressortir l’essence de l’idée.

La tendance de l’art était également vers un plus grand idéalisme, ce qui est contraire au réalisme, dans la mesure où les figures représentées ont été rendues plus simples et plus abstraites – idéalisées – afin de pouvoir représenter les idéaux qu’elles défendaient. Cela impliquerait à la fois de généraliser les formes vues dans la nature et de les subordonner à l’unité et au thème de l’œuvre d’art.

L’histoire et la mythologie étant considérées comme des pièces ou une dialectique des idées, un terrain fertile pour une allégorie importante, l’utilisation de thèmes de ces sujets était considérée comme la forme de peinture la plus sérieuse. Une hiérarchie des genres, créée à l’origine au XVIIe siècle, a été valorisée, où la peinture d’histoire – sujets classiques, religieux, mythologiques, littéraires et allégoriques – a été placée en haut, la peinture de genre suivante, puis le portrait, la nature morte et le paysage . La peinture d’histoire était également connue comme le «grand genre». Les peintures de Hans Makart sont souvent des drames historiques plus grands que nature, et il a combiné cela avec un historicisme dans la décoration pour dominer le style de la culture viennoise du XIXe siècle. Paul Delaroche est un exemple typique de la peinture d’histoire française.

Toutes ces tendances ont été influencées par les théories du philosophe Hegel, qui considérait que l’histoire était une dialectique d’idées concurrentes, qui se sont finalement résolues en synthèse.

Vers la fin du XIXe siècle, l’art académique avait saturé la société européenne. Les expositions ont eu lieu souvent, et l’exposition la plus populaire était le Salon de Paris et à partir de 1903, le Salon d’Automne. Ces salons étaient des événements sensationnels qui ont attiré des foules de visiteurs, autochtones et étrangers. Autant une affaire sociale qu’artistique, 50 000 personnes pourraient visiter un seul dimanche, et jusqu’à 500 000 personnes pourraient voir l’exposition pendant ses deux mois. Des milliers de photos ont été affichées, suspendues juste au-dessous du niveau des yeux jusqu’au plafond, d’une manière désormais connue sous le nom de «style salon». Une exposition réussie au salon était un sceau d’approbation pour un artiste, rendant son travail vendable aux rangs croissants des collectionneurs privés. Bouguereau, Alexandre Cabanel et Jean-Léon Gérôme étaient des figures de proue de ce monde de l’art.

Pendant le règne de l’art académique, les peintures de l’époque rococo, auparavant peu appréciées, ont été relancées et les thèmes souvent utilisés dans l’art rococo tels que Eros et Psyché étaient à nouveau populaires. Le monde de l’art académique a également idolâtré Raphaël, pour l’idéalité de son travail, le préférant en fait à Michel-Ange.

L’art académique en Pologne a prospéré sous la direction de Jan Matejko, qui a créé l’Académie des beaux-arts de Cracovie. Beaucoup de ces œuvres peuvent être vues dans la galerie d’art polonais du XIXe siècle à Sukiennice à Cracovie.

L’art académique a non seulement exercé une influence en Europe et aux États-Unis, mais a également étendu son influence à d’autres pays occidentaux. Cela était particulièrement vrai pour les nations latino-américaines qui, parce que leurs révolutions étaient calquées sur la Révolution française, cherchaient à imiter la culture française. Un exemple d’un artiste universitaire latino-américain est Ángel Zárraga du Mexique.

Défaite et évolution de l’académisme
L’année 1897 a confirmé la défaite de l’académisme. Edouard Manet, Edgar Degas, Camille Pissarro, Claude Monet, Auguste Renoir, Sisley et Paul Cézanne sont entrés dans une institution officielle, le Musée du Luxembourg, réservée aux ordres du gouvernement. L’héritage de Gustave Caillebotte, patron des impressionnistes, collectionneur et peintre lui-même, a été accepté après trois ans de combats acharnés (seuls les tableaux de Degas ont d’abord été admis). C’est le Conseil d’État qui a décidé, arguant que ces œuvres faisaient en fait partie de l’histoire de la peinture française. En réalité, la poire avait été coupée en deux: sur 67 toiles, 29 ont été rejetées. Gérôme avait menacé de démissionner de sa chaire de professeur des Beaux-Arts, qualifiant ces tableaux de « poubelles », et voyant dans leur entrée au Luxembourg le signe de « la fin de la nation ».

Les courants d’avant-garde se multiplient. L’Académie et l’École des beaux-arts elles-mêmes sont devenues plus éclectiques, note Claire Barbillon. Après avoir été rejeté sous le Second Empire, sauf sous certaines formes édulcorées, le naturalisme a été adopté par les peintres les plus officiels de la IIIe République, écrit-elle. Quant au symbolisme, il rassemble des artistes formellement assez traditionnels, comme Gustave Moreau, et des peintres radicalement innovants comme Gauguin ou Odilon Redon.

L’ouverture du Musée d’Orsay en 1986 sera l’occasion de vives controverses en France. Beaucoup y verront une réhabilitation des «pompiers», voire du «révisionnisme». André Chastel considérait cependant dès 1973 qu’il n’y avait que des avantages à substituer à un jugement global de réprobation, l’héritage de vieilles batailles, une curiosité calme et objective.

Formation académique
Les jeunes artistes ont passé quatre ans dans une formation rigoureuse. En France, seuls les élèves ayant réussi un examen et portant une lettre de référence d’un professeur d’art réputé ont été acceptés à l’école de l’académie, l’École des Beaux-Arts. Les dessins et les peintures du nu, appelés «académies», étaient les éléments de base de l’art académique et la procédure pour apprendre à les réaliser était clairement définie. Tout d’abord, les élèves ont copié des gravures d’après des sculptures classiques, se familiarisant avec les principes du contour, de la lumière et de l’ombre. La copie était considérée comme cruciale pour l’enseignement universitaire; à partir de la copie d’œuvres d’artistes passés, on assimilerait leurs méthodes de création artistique. Pour passer à l’étape suivante, et à chaque étape successive, les élèves ont présenté des dessins pour évaluation.

S’ils sont approuvés, ils puisent dans des moulages en plâtre de célèbres sculptures classiques. Ce n’est qu’après avoir acquis ces compétences que les artistes ont été autorisés à entrer dans des cours dans lesquels un modèle vivant a posé. La peinture n’est enseignée à l’École des beaux-arts qu’après 1863. Pour apprendre à peindre au pinceau, l’élève doit d’abord démontrer sa maîtrise du dessin, considéré comme le fondement de la peinture académique. Ce n’est qu’alors que l’élève pourra rejoindre l’atelier d’un académicien et apprendre à peindre. Tout au long du processus, des concours avec un sujet prédéterminé et une période de temps spécifique ont mesuré les progrès de chaque élève.

La difficulté du test signifiait que l’étudiant ne devait généralement se soumettre au concours qu’après avoir suivi un long cours d’apprentissage dans un atelier privé, dans lequel il avait suivi un itinéraire d’étude rigoureux. Au début, les dessins ou les imprimés devaient être copiés, et après des mois d’exercice, nous sommes passés à l’éclosion et à l’extorsion, à l’ombrage. Une étape ultérieure importante a consisté en la copie des craies, des reproductions de bustes ou d’œuvres classiques entières, accompagnées par l’étude de l’histoire de l’art, de la littérature et de la mythologie, fréquentant les thèmes abordés ici en peinture et sculpture.

Après cette phase, l’étudiant a pu commencer « l’étude de la nature » en dessinant le modèle vivant selon les étapes qui sont passées du simple croquis – l’esquisse – le squelette de la composition – à la plus grande définition du croquis – l’ébauche – dans laquelle les ombres étaient divisées par des demi-teintes et de la lumière, jusque dans le souci du détail – la mise en place – et le design fini. Mais le modèle vivant devait encore être « corrigé », éliminant les « imperfections de la nature », les corrigeant selon un modèle idéal de noblesse et de décorum.

Le concours d’art le plus célèbre pour les étudiants a été le Prix de Rome. Le lauréat du Prix de Rome a reçu une bourse pour étudier à l’école de l’Académie française à la Villa Médicis à Rome pendant une période pouvant aller jusqu’à cinq ans. Pour concourir, un artiste devait être de nationalité française, de sexe masculin, de moins de 30 ans et célibataire. Il devait avoir satisfait aux conditions d’entrée de l’École et avoir le soutien d’un professeur d’art bien connu. La compétition était exténuante, impliquant plusieurs étapes avant la finale, au cours desquelles 10 concurrents ont été séquestrés dans des studios pendant 72 jours pour peindre leurs peintures d’histoire finale. Le gagnant était essentiellement assuré d’une carrière professionnelle réussie.

Comme indiqué, une exposition réussie au Salon était un sceau d’approbation pour un artiste. Les artistes ont adressé une pétition au comité suspendu pour un placement optimal « sur la ligne » ou au niveau des yeux. Après l’ouverture de l’exposition, les artistes se sont plaints si leurs œuvres étaient «dépassées» ou suspendues trop haut. La réalisation ultime pour l’artiste professionnel a été l’élection à l’Académie française et le droit d’être reconnu comme académicien.

Pendant ce temps, l’élève poursuit son étude de la composition avec la pratique du croquis, l’esquisse rapide des moments de la vie quotidienne pour stimuler l’imaginaire personnel, qui se traduit dans ses propres cahiers, les carnets de poche.

L’étudiant de l’Académie a répété le cours de dessin déjà suivi dans l’atelier pour enfin atteindre le cours de peinture, similaire à celui du dessin. Une grande importance a été accordée au croquis, pour lequel des cours spéciaux ont été organisés à l’Académie, suivis de concours: il était l’expression de la créativité de l’étudiant qui, négligeant les détails, a donné une forme générale à sa propre conception de la composition. Cependant, cette créativité devait être disciplinée et régulée par l’étude du master. Ainsi, de l’esquisse a procédé à l’ébauche, faite au charbon de bois, sur lequel la sauce a été passée, une brique rouge clair; les transparents ont ensuite été malaxés et les ombres diluées pour les rendre presque transparentes.

Le parcours académique était donc centré sur la copie: du modèle vivant, des craies, qui reproduisent la statuaire antique, et des peintures des maîtres de la Renaissance. Ainsi, l’étudiant maîtrise non seulement sa technique manuelle et sa manière d’organiser les volumes, mais adopte une mentalité tournée vers le passé, d’où il tire constamment la source de son invention, souvent une citation d’œuvres classiques: le peintre qui quitte l’Académie est ainsi amené à refaire le déjà fait ou à changer le déjà inventé ou à camoufler les sources utilisées.

La formation académique atteste du professionnalisme de l’artiste, qui peut ainsi se présenter dans la société avec des «papiers en règle». Pour obtenir la reconnaissance définitive et garantir les commissions officielles de l’Etat et les commissions de collectionneurs privés, il a cependant fallu consacrer publiquement un succès au Prix de Rome et au Salon de Paris.

Critique et héritage
L’art académique a d’abord été critiqué pour son utilisation de l’idéalisme, par des artistes réalistes tels que Gustave Courbet, comme étant basé sur des clichés idéalistes et représentant des motifs mythiques et légendaires alors que les préoccupations sociales contemporaines étaient ignorées. Une autre critique des réalistes était la «fausse surface» des peintures – les objets représentés semblaient lisses, lisses et idéalisés – ne montrant aucune texture réelle. Le réaliste Théodule Ribot a travaillé contre cela en expérimentant des textures rugueuses et inachevées dans sa peinture.

Stylistiquement, les impressionnistes, qui ont préconisé de peindre rapidement à l’extérieur exactement ce que l’œil voit et la main pose, ont critiqué le style de peinture fini et idéalisé. Bien que les peintres universitaires aient commencé une peinture en faisant d’abord des dessins, puis en peignant des croquis à l’huile de leur sujet, le polissage élevé qu’ils ont donné à leurs dessins semblait aux impressionnistes un mensonge. Après l’esquisse à l’huile, l’artiste produirait la peinture finale avec le «fini» académique, changeant la peinture pour répondre aux normes stylistiques et essayant d’idéaliser les images et d’ajouter des détails parfaits. De même, la perspective est construite géométriquement sur une surface plane et n’est pas vraiment le produit de la vue, les impressionnistes ont renié la dévotion aux techniques mécaniques.

Les réalistes et les impressionnistes ont également défié le placement de la nature morte et du paysage au bas de la hiérarchie des genres. Il est important de noter que la plupart des réalistes et des impressionnistes et d’autres parmi les premiers avant-gardes qui se sont rebellés contre l’académisme étaient à l’origine des étudiants dans des ateliers universitaires. Claude Monet, Gustave Courbet, Édouard Manet, et même Henri Matisse étaient étudiants auprès d’artistes académiques.

Au fur et à mesure que l’art moderne et son avant-garde gagnaient en puissance, l’art académique a été davantage dénigré et considéré comme sentimental, cliché, conservateur, non innovant, bourgeois et « sans style ». Les Français se sont moqués du style de l’art académique comme L’art Pompier (pompier signifie « pompier ») faisant allusion aux peintures de Jacques-Louis David (qui était tenu en estime par l’académie) qui représentaient souvent des soldats portant des casques de pompier . Les peintures étaient appelées « grandes machines » qui auraient fabriqué de fausses émotions à travers des artifices et des tours.

Ce dénigrement de l’art académique a atteint son apogée à travers les écrits du critique d’art Clement Greenberg qui a déclaré que tout art académique est « kitsch ». D’autres artistes, tels que les peintres symbolistes et certains surréalistes, étaient plus respectueux de la tradition. En tant que peintres qui cherchaient à donner vie à des panoramas imaginaires, ces artistes étaient davantage disposés à apprendre d’une tradition fortement représentative. Une fois que la tradition a été considérée comme démodée, les nus allégoriques et les figures théâtrales ont semblé bizarres et oniriques à certains spectateurs.

Avec les objectifs du postmodernisme en donnant un compte rendu plus complet, plus sociologique et pluraliste de l’histoire, l’art académique a été réintroduit dans les livres d’histoire et la discussion. Depuis le début des années 1990, l’art académique a même connu une résurgence limitée à travers le mouvement d’atelier classique classique. De plus, l’art gagne une appréciation plus large du grand public, et alors que les peintures académiques ne rapportaient autrefois que quelques centaines de dollars aux enchères, certaines en rapportent maintenant des millions.