Le réalisme américain est un style artistique, musical et littéraire qui dépeint les réalités sociales contemporaines et la vie et les activités quotidiennes des gens ordinaires. Le mouvement a commencé dans la littérature au milieu du 19e siècle et est devenu une tendance importante dans l’art visuel au début du 20e siècle. Qu’il s’agisse d’une représentation culturelle ou d’une vue panoramique du centre-ville de New York, les œuvres réalistes américaines ont tenté de définir ce qui était réel.

Aux États-Unis, au début du XXe siècle, une nouvelle génération de peintres, d’écrivains et de journalistes arrivait à maturité. De nombreux peintres ont ressenti l’influence d’artistes américains plus âgés tels que Thomas Eakins, Mary Cassatt, John Singer Sargent, James McNeill Whistler, Winslow Homer, Childe Hassam, J.Alden Weir, Thomas Pollock Anshutz et William Merritt Chase. Cependant, ils souhaitaient créer de nouvelles œuvres plus urbaines qui reflètent la vie urbaine et une population plus urbaine que rurale aux États-Unis à l’aube du nouveau siècle.

De grands créateurs, de Mark Twain à Edward Hopper, expriment au cours de cette période intense de remise en cause des codes de représentation, une nouvelle façon de voir le quotidien du pays, en se concentrant sur l’actualité, les centres urbains, et en introduisant des éléments de modernité du quotidien .

Les arts plastiques, la musique, la littérature et le journalisme prennent progressivement les réalités sociales américaines, ne regardant plus les privilégiés du système, mais d’autres, les gens ordinaires qui sont ainsi magnifiés. La dimension politique et sociale évidente de ce mouvement est portée par une prise de conscience qui peut être ramenée au milieu du XIXe siècle, lorsque, en Europe, la question essentielle et très controversée du réalisme se posait, notamment en littérature: l’influence internationale de Victor Hugo et Charles Dickens est ici incontournable car c’est un fondateur. Un autre choc pour l’Amérique est la guerre civile qui divise puis renforce le nationalisme, donnant naissance à l’âge doré, une période de croissance qui cache de nombreuses inégalités et illusions, suivie d’une ère progressiste qui donne naissance plus tard au mode de vie américain comme un consensus modèle doublé d’un idéal égalitaire mais déchiré par de nombreux mouvements conservateurs.

Ces faits permettent à l’Amérique au tournant du XX e siècle, d’affirmer en termes d’esthétique et de développer une véritable école de pensée, de culture, certes plurielle, mais n’appartenant qu’à l’Amérique.

L’Amérique au début du XXe siècle
De la fin du XIXe au début du XXe siècle, les États-Unis ont connu d’énormes changements industriels, économiques, sociaux et culturels. Une vague continue d’immigration européenne et le potentiel croissant du commerce international ont entraîné une croissance et une prospérité accrues en Amérique. À travers l’art et l’expression artistique (à travers tous les médiums, y compris la peinture, la littérature et la musique), le réalisme américain a tenté de dépeindre l’épuisement et l’exubérance culturelle du paysage figuratif américain et la vie des Américains ordinaires à la maison.

Les artistes ont utilisé les sentiments, les textures et les sons de la ville pour influencer la couleur, la texture et l’apparence de leurs projets créatifs. Les musiciens ont remarqué la nature rapide et rapide du début du 20e siècle et ont répondu avec un tempo frais et nouveau. Les écrivains et les auteurs ont raconté une nouvelle histoire sur les Américains; garçons et filles, de vrais Américains auraient pu grandir. S’éloignant de la fantaisie et se concentrant sur le présent, le réalisme américain a présenté une nouvelle passerelle et une percée – introduisant le modernisme et ce que cela signifie d’être dans le présent. L’école Ashcan également connue sous le nom de The Eight et le groupe appelé Ten American Painters ont créé le cœur du nouveau modernisme américain dans les arts visuels.

Les arts visuels
Au cours de cette période de l’âge d’or, allant de la décennie 1870 au début du xx e siècle, l’art n’a pas échappé aux mutations que le pays a connues. Les artistes américains les plus célèbres de cette époque, comme Eastman Johnson, Winslow Homer, Thomas Eakins, John Singer Sargent, Mary Cassatt et Maurice Prendergast, ont néanmoins été fortement influencés par la peinture européenne et particulièrement française. De nombreux jeunes artistes étudieront l’art en Europe, et Paris reste l’attraction centrale du marché de l’art, ou du moins là où les frontières entre les sexes évoluent. L’un des artistes américains les plus représentatifs de cette époque est James Abbott McNeill Whistler, qui, vivant entre Londres, Paris et New York, sert de lien entre les différents courants et tendances.

Groupes de peintres très actifs
New York était jusque-là le centre le plus actif de la peinture américaine avec par exemple la Hudson River School, mais aussi des expositions, des salles de vente aux enchères et des associations, des groupes, des communautés (comme la colonie d’art Cos Cob, établie dans le Connecticut, marquée par l’impressionnisme) qui ont fait campagne pour qu’un art américain soit présent sur la scène internationale. Parmi eux figurent l’American Art Association (en), l’American Watercolour Society, les Ten American Painters (The Ten) et la Ash Can School.

Ce dernier jouera un rôle important dans la naissance du mouvement réaliste américain. Une nouvelle génération d’artistes s’est alors concentrée sur une peinture influencée par les préoccupations des populations urbaines, et s’est inspirée des quartiers les plus pauvres de New York. La peinture commence progressivement à se détacher du patrimoine pictural de l’âge d’or. Groupe informel, originaire de Philadelphie, sans vraiment être un mouvement, ces artistes, sous l’impulsion de Robert Henri, se réunissent pour donner au tableau une dimension documentaire, très proche de la réalité et décrivant avec autant de précision que possible. nouvelles de la vie moderne. Ils s’inspirent des thèmes récurrents des rues des quartiers bas (ivrognes, prostituées, combats de boxe …).

En 1908, cinq artistes de la Ash Can School participent à une grande exposition de l’histoire de la peinture américaine: Robert Henri, Everett Shinn, George Luks, William J. Glackens et George Bellows. Il commence à la Mac Beth Gallery de New York et parcourt neuf villes du continent (New York, Chicago, Tolède, Cincinnati, Indianapolis, Pittsburgh, Bridgeport et Newark). Trois autres artistes, Maurice Prendergast, Arthur Bowen Davies, Ernest Lawson, se joignent à eux dans l’aventure. Cette exposition intitulée The Eight (car elle réunissait huit peintres) jouissait d’une certaine popularité, malgré une critique parfois très sévère. Cependant, les huit artistes sont lancés et vivent chacun une véritable carrière. Henri – qui est professeur à la New York School of Art -, Davies, Sloan, entre autres, se sont retrouvés à travailler pour le magazine socialiste The Massesfrom 1911, l’un des laboratoires graphiques les plus surprenants de l’époque. Edward Hopper, l’un des étudiants les plus célèbres de Robert Henri et Sloan, a produit des toiles à partir de 1904.

L’école Ashcan et les huit
L’école Ashcan était un groupe d’artistes de la ville de New York qui cherchait à capturer l’atmosphère de la ville de New York au début du XXe siècle, à travers des portraits réalistes de la vie quotidienne. Ces artistes ont préféré dépeindre les immigrants de la classe inférieure riches et culturellement texturés, plutôt que les riches et prometteurs mondains de la Cinquième Avenue. Un critique de l’époque n’aimait pas leur choix de sujets, notamment les ruelles, les immeubles, les habitants des bidonvilles et, dans le cas de John Sloan, les tavernes fréquentées par la classe ouvrière. Ils sont devenus connus comme le gang noir révolutionnaire et les apôtres de la laideur.

George Bellows
George Bellows (1882–1925), peint la vie urbaine à New York. Ses peintures avaient une audace expressionniste et une volonté de prendre des risques. Il avait une fascination pour la violence comme on le voit dans sa peinture de 1909, Les deux membres de ce club, qui dépeint une scène de boxe plutôt sanglante. Sa peinture de 1913 Cliff Dwellers, dépeint un paysage urbain qui n’est pas une vue particulière mais un composite de nombreuses vues.

Robert Henri
Robert Henri (1865-1921) était un important réalisateur américain et membre de l’école Ashcan. Henri s’intéresse au spectacle de la vie commune. Il s’est concentré sur les individus, les étrangers, passant rapidement dans les rues des villes. Il s’agissait d’une représentation sympathique plutôt que comique de personnes, utilisant souvent un fond sombre pour ajouter à la chaleur de la personne représentée. Les œuvres d’Henri se caractérisent par des coups de pinceau vigoureux et un empâtement audacieux qui soulignent la matérialité de la peinture. Henri a influencé Glackens, Luks, Shinn et Sloan. En 1906, il a été élu à la National Academy of Design, mais lorsque les peintres de son cercle ont été rejetés pour l’exposition de l’Académie en 1907, il a accusé ses collègues jurés de parti pris et a quitté le jury, se résolvant à organiser son propre spectacle. Il parlera plus tard de l’Académie comme d’un cimetière d’art.

Everett Shinn
Everett Shinn (1876-1953), membre de l’école Ashcan, était surtout connu pour ses nombreuses peintures de New York et du théâtre, et pour divers aspects du luxe et de la vie moderne inspirés de sa maison de New York. Il a peint des scènes de théâtre de Londres, Paris et New York. Il a trouvé un intérêt pour le spectacle urbain de la vie, établissant des parallèles entre le théâtre et les sièges bondés et la vie. Contrairement à Degas, Shinn a décrit l’interaction entre le public et l’interprète.

George Benjamin Luks
George B. Luks (1866-1933) était un artiste de l’école Ashcan qui vivait dans le Lower East Side de Manhattan. Dans la peinture de Luks, Hester Street (1905), il montre des enfants amusés par un homme avec un jouet tandis qu’une femme et un commerçant ont une conversation en arrière-plan. Le spectateur est parmi la foule plutôt qu’au-dessus. Luks donne une tournure positive dans le Lower East Side en montrant deux jeunes filles dansant dans The Spielers, qui est un type de danse que les immigrants de la classe ouvrière pratiqueraient; malgré la pauvreté, les enfants dansent dans la rue. Il recherche la joie et la beauté dans la vie des pauvres plutôt que la tragédie.

William Glackens
Au début de sa carrière, William Glackens (1870-1938) a peint le quartier entourant son atelier à Washington Square Park. Il était également un illustrateur commercial à succès, produisant de nombreux dessins et aquarelles pour des magazines contemporains qui dépeignaient avec humour les New Yorkais dans leur vie quotidienne. Plus tard dans la vie, il était beaucoup plus connu sous le nom de « Renoir américain » pour ses vues impressionnistes sur le bord de mer et la Côte d’Azur.

John Sloan
John Sloan (1871-1951) était un réaliste de l’école Ashcan du début du XXe siècle, dont les préoccupations concernant les conditions sociales américaines l’ont conduit à rejoindre le Parti socialiste en 1910. Originaire de Philadelphie, il a travaillé à New York après 1904. À partir de 1912 jusqu’en 1916, il a contribué des illustrations au mensuel socialiste The Masses. Sloan détestait la propagande, et dans ses dessins pour The Masses, comme dans ses peintures, il se concentrait sur la vie quotidienne des gens. Il a décrit les loisirs de la classe ouvrière en mettant l’accent sur les sujets féminins. Parmi ses œuvres les plus connues figurent Picnic Grounds et Sunday, Women Drying their Hair. Il détestait le label Ashcan School et exprimait sa contrariété avec les historiens de l’art qui l’identifiaient comme un peintre de la scène américaine: «Certains d’entre nous peignaient peu de commentaires assez sensibles sur la vie autour de nous. Nous ne savions pas que c’était Scène américaine. Je n’aime pas le nom … Un symptôme du nationalisme, qui a causé beaucoup de problèmes dans ce monde.  »

Edward Hopper
Edward Hopper (1882–1967) était un célèbre peintre et graveur réaliste américain. Hopper est le plus moderne des réalistes américains et le plus contemporain. Bien que plus connu pour ses peintures à l’huile, il était également compétent en tant qu’aquarelliste et graveur en gravure. Tant dans ses scènes urbaines que rurales, ses rendus sobres et finement calculés reflétaient sa vision personnelle de la vie américaine moderne.

Le professeur de Hopper, Robert Henri, a encouragé ses élèves à utiliser leur art pour « faire sensation dans le monde ». Il a également conseillé à ses élèves, ce n’est pas le sujet qui compte mais ce que vous en pensez et oubliez l’art et peignez des images de ce qui vous intéresse dans la vie. De cette manière, Henri a influencé Hopper, ainsi que les étudiants célèbres George Bellows et Rockwell Kent, et les a motivés à rendre des représentations réalistes de la vie urbaine. Certains artistes du cercle d’Henri, dont un autre professeur de Hopper, John Sloan, sont devenus membres de «The Eight», également connue sous le nom de Ashcan School of American Art. Sa première peinture à l’huile existante pour faire allusion à ses intérieurs célèbres était la figure solitaire dans un théâtre (c. 1904). Au cours de ses années d’études, Hopper a également peint des dizaines de nus, de natures mortes, de paysages et de portraits, y compris ses autoportraits.

Autres artistes visuels
Joseph Stella, Charles Sheeler, Jonas Lie, Edward Willis Redfield, Joseph Pennell, Leon Kroll, B.J.O. Nordfeldt, Gertrude Käsebier, Alfred Stieglitz, Edward Steichen, E. J. Bellocq

Précisionisme
Après la première guerre mondiale, une nouvelle tendance artistique se met en place. Il est fortement inspiré de la peinture européenne de l’époque. Franco-espagnol avec le cubisme d’une part et italien d’autre part avec le futurisme. Il puise ses thèmes de prédilection dans l’industrialisation. La peinture de Joseph Stella, Brooklyn Bridge (1919-1920) est représentative de la proximité qui existe entre précisionnisme et futurisme. Mais nouveaux aux États-Unis, les artistes refusent toute influence artistique européenne et se réclament purement et simplement d’une culture d’artistes américains.

Une grande partie de la production de précision se concentre sur la représentation urbaine. Tours, ponts, tunnels ou rues … Mais les tendances entre représentation urbaine et rurale sont encore fortement partagées.

Peinture urbaine et rurale
Dans les années 1920, un courant naturaliste aux deux lignes bien distinctes est apparu aux États-Unis.

Le premier de ces deux courants décrit des scènes de paysages urbains, le travail des ouvriers et la misère. Les frustrations engendrées par la vie quotidienne et la recherche de compensation se retrouvent alors en ville … Restaurants, marins arrivant sur terre, scènes de vie à Harlem, ou encore l’engouement pour le cinéma. De nombreuses distractions sont très recherchées par la population du monde urbain. Mais la crise de 1929, avec son chômage, sa pauvreté, ses expropriations a terni l’image joyeuse de la ville. Des artistes comme Joe Jones et Charles Sheeler évoqueront à plusieurs reprises les effets néfastes de la crise dans leurs œuvres.

Le second courant qui se développe explore un régionalisme loin des grandes villes. American Gothic (1930) de Grant Wood est un exemple emblématique du réalisme américain. À la fois critique du modèle de campagne puritaine et louant le passé, l’œuvre globale de Wood ou Marvin Cone montre également une vision apaisante du monde rural. Cela contraste fortement avec la situation économique du pays au début des années 1930.

L’oeil photographique
L’école américaine de photographie a évolué considérablement peu avant 1900 avec la personnalité d’Alfred Stieglitz, qui a fondé des revues centrées sur la photographie de film, y compris Camera Work, et promu un grand nombre d’artistes visuels, pas seulement des photographes, avec sa galerie de New York 291. En En 1913, il fut l’un des premiers à remarquer Marcel Duchamp lors de l’Armory Show. Autour de Stieglitz, il y a des personnalités fortes comme Gertrude Käsebier et Edward Steichen. Dans le sud, un photographe comme Ernest J. Bellocq pose un regard unique sur les prostituées de la Nouvelle-Orléans.

Littérature et presse
La littérature américaine évolue de façon spectaculaire au cours de la seconde moitié du XIX e siècle, montrant leur temps à cela, les écrivains forgent l’esprit de générations de créateurs qui approchent du nouveau siècle.

La guerre civile a produit une littérature abondante, dont l’un des représentants les plus importants est Sam Watkins qui, dans un mélange d’humour et de franchise, raconte la vie quotidienne d’un soldat de l’Union, loin d’être un héros. Le premier et le plus populaire écrivain à s’inspirer de thèmes réalistes et urbains est Horatio Alger dont le livre le plus connu est Ragged Dick; cependant, Street Life à New York avec les Boot Blacks publié en 1868 et réédité pendant plusieurs décennies, qui dépeint un jeune cireur de chaussures de New York, qui a la force du courage, obtient un meilleur statut social. Alger a contribué à façonner le mythe littéraire américain du self made man. Originaire de Newark (New Jersey), le romancier Stephen Crane introduit un hiatus dans le domaine littéraire optimiste du Gilded Age, en effet, il connaît un grand succès avec Maggie: A Girl of the Streets (1893), l’histoire d’une pauvre fille , battue par ses parents alcooliques qui finissent par se prostituer puis se suicident. Dans le cadre de la tradition romantique naturaliste et notamment française, il est le premier aux États-Unis à pratiquer ce genre: son ambition moraliste est ici contrebalancée par une grande précision des réalités socio-économiques de son temps.

Tous ces écrivains collaborent bien sûr à des périodiques, en particulier les magazines d’intérêt général qui se développent considérablement outre-Atlantique et couvrent l’ensemble d’un immense territoire: l’un des patrons de presse les plus ouverts au courant réaliste est William Dean Howells, qui était le rédacteur en chef du Atlantic Monthly et du Harper’s Magazine. Sensible aux idées socialistes, il est l’auteur de deux romans, A Modern Instance (1882) et The Rise of Silas Lapham (1885), qui cette fois démystifient le mythe américain du self made man. Les tirages s’envoleront des années 1890 grâce aux avancées techniques, comme la photo-mécanisation, qui permettent d’inclure des illustrations en couleurs. Parmi les créateurs pionniers, Howard Pyle, marqué par l’histoire du pays, et surtout Paul Martin (1883-1932), dont le style direct, ancré dans la vie quotidienne et très reconnaissable, était populaire parmi les jeunes générations.

Un des jeunes écrivains les plus célèbres de son époque reste Mark Twain qui, avec The Adventures of Tom Sawyer (1874) et The Adventures of Huckleberry Finn (1884), loin des bévues, dépeint la jeunesse rurale américaine, dans un style vigoureux, sans maniérisme et non sans insolence. Sa liberté de ton et de style fait, selon Ernest Hemingway, l’un des pères de la littérature américaine moderne.

Écrivains

Horatio Alger, Jr.
Horatio Alger, Jr. (1832-1899) était un auteur américain prolifique du XIXe siècle dont la principale production était des romans pour mineurs de chiffons à riches qui ont suivi les aventures de bootblacks, de gavroche, de colporteur, de musicien ambulant et d’autres enfants pauvres à leur ascension de milieux modestes à des vies de sécurité et de confort respectables pour la classe moyenne. Ses romans, dont Ragged Dick est un exemple typique, étaient extrêmement populaires à leur époque.

Stephen Crane
Stephen Crane (1871-1900), né à Newark, New Jersey, avait des racines remontant à l’époque de la guerre d’indépendance américaine, des soldats, des ecclésiastiques, des shérifs, des juges et des agriculteurs qui avaient vécu un siècle plus tôt. Journaliste qui a également écrit de la fiction, des essais, de la poésie et des pièces de théâtre, Crane a vu la vie à l’état brut, dans les bidonvilles et sur les champs de bataille. Son roman obsédant de la guerre de Sécession, The Red Badge of Courage, a été publié avec grand succès en 1895, mais il a à peine eu le temps de se prélasser avant de mourir, à 28 ans, après avoir négligé sa santé. Depuis, il connaît un succès continu – en tant que champion de l’homme ordinaire, réaliste et symboliste. Maggie de Crane: une fille des rues (1893), est l’un des meilleurs, sinon le plus ancien, roman naturaliste américain. C’est l’histoire poignante d’une jeune fille pauvre et sensible dont les parents sans éducation et alcooliques lui manquent complètement. Amoureuse et désireuse d’échapper à sa vie de famille violente, elle se laisse séduire par vivre avec un jeune homme qui la déserte bientôt. Lorsque sa mère bien-pensante la rejette, Maggie devient une prostituée pour survivre, mais se suicide rapidement par désespoir. Le sujet terreux de Crane et son style scientifique objectif, dépourvu de moralisation, désignent Maggie comme une œuvre naturaliste.

William Dean Howells
William Dean Howells (1837–1920) a écrit de la fiction et des essais en mode réaliste. Ses idées sur le réalisme dans la littérature se sont développées parallèlement à ses attitudes socialistes. En tant que rédacteur en chef de l’Atlantic Monthly et du Harper’s Magazine, et en tant qu’auteur de livres tels que A Modern Instance et The Rise of Silas Lapham, Howells exerçait une forte opinion et influençait l’établissement de ses théories.

Mark Twain
Samuel Clemens (1835–1910), mieux connu sous son pseudonyme de Mark Twain, a grandi dans la ville frontalière du fleuve Mississippi, Hannibal, Missouri. Les écrivains américains du début du XIXe siècle avaient tendance à être fleuris, sentimentaux ou ostentatoires – en partie parce qu’ils essayaient encore de prouver qu’ils pouvaient écrire aussi élégamment que l’anglais. Ernest Hemingway, dans Green Hills of Africa, a écrit que de nombreux romantiques « écrivaient comme des colons anglais exilés d’une Angleterre dont ils ne faisaient jamais partie d’une Angleterre plus récente qu’ils faisaient … Ils n’utilisaient pas les mots que les gens ont toujours utilisés dans la parole, les mots qui survivent dans la langue.  » Dans le même essai, Hemingway a déclaré que toute fiction américaine provient du roman de Mark Twain, Les Aventures de Huckleberry Finn. Le style de Twain, basé sur un discours américain vigoureux, réaliste et familier, a donné aux écrivains américains une nouvelle appréciation de leur voix nationale. Twain a été le premier auteur majeur à venir de l’intérieur du pays, et il a capturé son argot et son iconoclasme distinctifs et humoristiques. Pour Twain et d’autres écrivains américains de la fin du XIXe siècle, le réalisme n’était pas simplement une technique littéraire: c’était une façon de dire la vérité et d’exploser des conventions épuisées. Twain est surtout connu pour ses œuvres Tom Sawyer et The Adventures of Huckleberry Finn.

Sam. R. Watkins
Sam. R. Watkins (1839–1901) était un écrivain et humoriste américain du XIXe siècle mieux connu pour ses mémoires, «Co. Aytch», qui raconte sa vie de soldat dans l’armée des États confédérés. Il a « parlé dans un traîneau humoristique lent » et a démontré des prouesses inhabituelles en tant que conteur. L’une des qualités louables du livre est son réalisme. À une époque réputée pour avoir romancé «la guerre» et les hommes qui l’ont combattue, il a écrit avec une franchise surprenante. Les Johnny Rebs de ses pages ne sont pas tous des héros. La vie de soldat telle que décrite par Watkins avait plus de tristesse et de souffrance que d’excitation et de gloire. Il raconte en grande partie la fatigue écrasante des longues marches; l’ennui et l’inconfort des longues accalmies d’hiver; le caprice et la dureté de la discipline; l’incompétence des officiers; les pertes périodiques de moral; l’incertitude et la maigreur des rations; et la routine fatigante de l’armée. Ses récits de bataille font fréquemment référence aux cris affreux des obus, à l’horreur horrible des corps mutilés et aux cris angoissants des blessés. La guerre telle que détaillée par sa plume était une affaire cruelle et sordide.

Autres
D’autres écrivains de ce genre comprenaient Theodore Dreiser, Henry James, Jack London, Upton Sinclair, John Steinbeck, Margaret Deland et Edith Wharton.

Journalisme

Jacob Riis
Jacob August Riis (1849–1914), journaliste, photographe et réformateur social danois-américain, est né à Ribe, au Danemark. Il est connu pour son dévouement à utiliser ses talents photographiques et journalistiques pour aider les moins fortunés de New York, qui a fait l’objet de la plupart de ses écrits et essais photographiques prolifiques. Il a aidé à la mise en place de « logements types » à New York avec l’aide de l’humanitaire Lawrence Veiller. En tant que l’un des premiers photographes à utiliser le flash, il est considéré comme un pionnier de la photographie.

Art Young
Art Young (1866-1943) était un dessinateur et écrivain américain. Il est surtout connu pour ses caricatures socialistes, en particulier celles dessinées pour le magazine radical The Masses, dont Young était co-éditeur, entre 1911 et 1917. Young a commencé comme un républicain généralement apolitique, mais s’est progressivement intéressé aux idées de gauche, et en 1906, il se considérait comme socialiste. Il est devenu politiquement actif; en 1910, la discrimination raciale et sexuelle et les injustices du système capitaliste devinrent des thèmes prédominants dans son œuvre.

La musique
Dans les années 1880-1890, une nouvelle génération de jeunes musiciens, y compris ceux des communautés afro-américaines, a commencé à gagner une réelle notoriété dans les principaux centres urbains du pays. Cette musique est ancrée dans les réalités sociales et prend la forme de ballades, se nourrissant du folklore mais aussi de la vie urbaine. Le progrès social et économique n’a pas seulement favorisé les musiciens blancs: une bourgeoisie noire est apparue dans les années 1900, surtout au nord de Manhattan: l’impact est si grand que l’on parle de la Renaissance de Harlem pour qualifier les anciens autant d’activistes de l’émancipation noire, que de romanciers, artistes visuels et musiciens qui ont pour la plupart une solide formation classique.

Le premier musicien notable à être lié à ce courant réaliste fut James Allen Bland (1854-1911), formé à Washington DC, qui fit carrière en Angleterre avant de retourner dans son pays. Il est l’auteur de plus de 700 chansons, devenues des classiques. La deuxième figure musicale essentielle est celle de William Christopher Handy, appelé le « père du blues » (Le père du blues). Originaire d’Alabama, il fera carrière à Memphis et publiera de nombreuses chansons qui deviendront des standards et qu’il a modernisées grâce à sa maîtrise de la musique et son ouverture aux réalités de son temps. Le troisième est Scott Joplin, l’un des maîtres du ragtime.

James Allen Bland
James A. Bland (1854-1919) a été le premier auteur-compositeur afro-américain de renom et est connu pour sa ballade, Carry me Back to Old Virginny. In the Evening by the Moonlight et Golden Slippers sont des chansons bien connues de lui, et il a écrit d’autres succès de la période, y compris In the Morning de Bright Light et De Golden Wedding. Bland a écrit la plupart de ses chansons de 1879 à 1882; en 1881, il quitta l’Amérique pour l’Angleterre avec Haverly’s Genuine Colored Minstrels. Bland trouva l’Angleterre plus gratifiante que les États-Unis et y resta jusqu’en 1890; soit il a arrêté d’écrire des chansons pendant cette période, soit il n’a pas pu trouver d’éditeur anglais.

CALIFORNIE. blanc
CALIFORNIE. White (1829–1892) a écrit une chanson à succès en 1869, Put Me in My Little Bed, ce qui en fait un auteur-compositeur majeur. White était un auteur-compositeur d’aspirations sérieuses: beaucoup de ses chansons ont été écrites pour des quatuors vocaux. Il a également fait plusieurs tentatives d’opéra. En tant que demi-propriétaire de la maison d’édition musicale White, Smith & Company, il avait un débouché prêt pour son travail: mais ce sont ses chansons qui soutenaient la maison d’édition et non l’inverse. White ne méprise pas l’écriture pour la scène populaire – en effet, il a écrit une chanson pour la production pionnière afro-américaine Out of Bondage – mais sa principale production était pour le chanteur de salon.

TOILETTES. Pratique
W. C. Handy (1873–1958) était un compositeur et musicien de blues, souvent connu comme le «père du blues». Handy reste parmi les auteurs-compositeurs américains les plus influents. Bien qu’il soit l’un des nombreux musiciens à avoir joué la forme de musique typiquement américaine connue sous le nom de blues, il est reconnu pour lui avoir donné sa forme contemporaine. Bien que Handy n’ait pas été le premier à publier de la musique sous forme de blues, il a porté le blues d’un style musical régional peu connu vers l’une des forces dominantes de la musique américaine. Handy était un musicien instruit qui utilisait du matériel folklorique dans ses compositions. Il documente scrupuleusement les sources de ses œuvres, qui combinent fréquemment les influences stylistiques de plusieurs interprètes. Il aimait cette forme musicale folklorique et y a apporté sa propre touche transformatrice.

Scott Joplin
Scott Joplin (v. 1867 / 68–1917) était un musicien et compositeur américain de musique ragtime et reste la figure la plus connue. Sa musique a connu une résurgence considérable de popularité et de respect critique dans les années 1970, en particulier pour sa composition la plus célèbre, « The Entertainer », qui a été présentée comme le thème principal du film The Sting de 1973.