L’histoire de l’art asiatique ou de l’art oriental comprend une vaste gamme d’influences de diverses cultures et religions. Les développements de l’art asiatique sont historiquement parallèles à ceux de l’art occidental, en général quelques siècles plus tôt. L’art chinois, l’art indien, l’art coréen, l’art japonais, ont chacun eu une influence significative sur l’art occidental, et vice versa. L’art proche-oriental a également eu une influence significative sur l’art occidental. En excluant l’art préhistorique, l’art de la Mésopotamie représente les formes les plus anciennes de l’art asiatique.

Art bouddhique
L’art bouddhiste a pris naissance dans le sous-continent indien au cours des siècles qui ont suivi la vie du Bouddha Gautama historique du VIe au Ve siècle avant d’évoluer par son contact avec d’autres cultures et sa diffusion à travers le reste de l’Asie et le monde. L’art bouddhiste voyageait avec les croyants au fur et à mesure que le dharma se répandait, s’adaptait et évoluait dans chaque nouveau pays hôte. Il s’est développé au nord à travers l’Asie centrale et en Asie orientale pour former la branche nordique de l’art bouddhique, et à l’est jusqu’en Asie du Sud-Est pour former la branche sud de l’art bouddhique. En Inde, l’art bouddhiste a prospéré et même influencé le développement de l’art hindou, jusqu’à ce que le bouddhisme ait presque disparu en Inde vers le Xe siècle, en partie à cause de l’expansion vigoureuse de l’islam aux côtés de l’hindouisme.

Un dispositif visuel commun dans l’art bouddhiste est le mandala. Du point de vue du spectateur, il représente schématiquement l’univers idéal. Dans diverses traditions spirituelles, les mandalas peuvent être employés pour attirer l’attention des aspirants et des adeptes, un outil d’enseignement spirituel, pour établir un espace sacré et pour aider à la méditation et à l’induction de la transe. Sa nature symbolique peut aider à «accéder progressivement à des niveaux plus profonds de l’inconscient, aidant finalement le méditant à expérimenter un sentiment mystique d’unité avec l’unité ultime à partir de laquelle le cosmos apparaît sous toutes ses formes multiples». Le psychanalyste Carl Jung considérait le mandala comme «une représentation du centre du moi inconscient» et croyait que ses peintures de mandalas lui permettaient d’identifier les désordres émotionnels et de travailler à la plénitude dans la personnalité.

L’art bhoutanais
L’art bhoutanais est similaire à l’art du Tibet. Les deux sont basés sur le bouddhisme Vajrayana, avec son panthéon d’êtres divins.

Les principaux ordres du bouddhisme au Bhoutan sont Drukpa Kagyu et Nyingma. Le premier est une branche de l’école Kagyu et est connu pour ses peintures documentant la lignée des maîtres bouddhistes et les 70 Je Khenpo (dirigeants de l’establishment monastique bhoutanais). L’ordre de Nyingma est connu pour des images de Padmasambhava, qui est crédité d’introduire le bouddhisme au Bhutan au 7ème siècle. Selon la légende, Padmasambhava a caché des trésors sacrés pour les futurs maîtres bouddhistes, en particulier Pema Lingpa, à trouver. Les trouveurs de trésor (tertön) sont aussi des sujets fréquents de l’art Nyingma.

Art cambodgien
L’art cambodgien et la culture du Cambodge ont une histoire riche et variée qui remonte à plusieurs siècles et a été fortement influencée par l’Inde. À son tour, le Cambodge a grandement influencé la Thaïlande, le Laos et vice versa. Tout au long de la longue histoire du Cambodge, la religion a été une source majeure d’inspiration. Pendant près de deux millénaires, les Cambodgiens ont développé une croyance khmère unique à partir du syncrétisme des croyances animistes indigènes et des religions indiennes du bouddhisme et de l’hindouisme. La culture et la civilisation indiennes, y compris sa langue et ses arts, ont atteint l’Asie du Sud-Est continentale vers le 1er siècle de notre ère. On croit généralement que les marchands de la marine ont amené les coutumes et la culture indiennes dans les ports du golfe de Thaïlande et du Pacifique tout en faisant du commerce avec la Chine. Le premier Etat à en bénéficier fut Funan. À plusieurs reprises, la culture du Cambodge a également absorbé des éléments des cultures javanaise, chinoise, lao et thaïlandaise.

Art chinois
L’art chinois (chinois: 中國 藝術 / 中国 艺术) a varié tout au long de son histoire ancienne, divisée en périodes par les dynasties régnantes de la Chine et l’évolution de la technologie. Différentes formes d’art ont été influencées par de grands philosophes, des enseignants, des personnalités religieuses et même des dirigeants politiques. L’art chinois englobe les beaux-arts, les arts populaires et les arts de la scène. L’art chinois est un art, moderne ou ancien, originaire ou pratiqué en Chine ou par des artistes ou artistes chinois.
Dans la dynastie des Song, la poésie a été marquée par une poésie lyrique connue sous le nom de Ci (詞) qui exprimait des sentiments de désir, souvent dans un personnage adopté. Dans la dynastie des Song, des peintures d’une expression plus subtile des paysages sont apparues, avec des contours flous et des contours de montagne qui traduisaient la distance à travers un traitement impressionniste des phénomènes naturels. C’est durant cette période que, dans la peinture, l’accent a été mis sur les éléments spirituels plutôt qu’émotionnels, comme dans la période précédente. Kunqu, la forme la plus ancienne de l’opéra chinois, s’est développée pendant la dynastie des Song à Kunshan, près de l’actuelle Shanghai. Sous la dynastie Yuan, la peinture du peintre chinois Zhao Mengfu (趙孟頫) a grandement influencé la peinture de paysage chinoise, et l’opéra de la dynastie Yuan est devenu une variante de l’opéra chinois qui continue aujourd’hui comme opéra cantonais.

Art indien
L’art indien peut être classé en périodes spécifiques, chacune reflétant certains développements religieux, politiques et culturels. Les premiers exemples sont les pétroglyphes tels que ceux trouvés à Bhimbetka, dont certains datent d’avant 5500 av. La production de ces œuvres s’est poursuivie pendant plusieurs millénaires. Les exemples plus tardifs incluent les piliers sculptés d’Ellora, état de Maharashtra. D’autres exemples sont les fresques des grottes d’Ajanta et d’Ellora.

Périodes spécifiques:

Hindouisme et Bouddhisme de l’Antiquité (3500 avant notre ère)
L’ascendance islamique (712-1757 CE)
La période coloniale (1757-1947)
Indépendance et période postcoloniale (Post-1947)
Art moderne et postmoderne en Inde
Rangoli est l’une des formes d’art les plus populaires en Inde. C’est une forme de décoration de peinture au sable qui utilise de la poudre blanche et des couleurs finement broyées et qui est généralement utilisée à l’extérieur des maisons en Inde.

Les arts visuels (sculpture, peinture et architecture) sont intimement liés aux arts non visuels. Selon Kapila Vatsyayan, « l’architecture classique indienne, la sculpture, la peinture, la littérature (kaavya), la musique et la danse ont développé leurs propres règles conditionnées par leurs médias respectifs, mais ils partageaient non seulement les croyances spirituelles sous-jacentes de la religion esprit, mais aussi les procédures par lesquelles les relations du symbole et les états spirituels ont été élaborés en détail.  »

La meilleure façon de comprendre les qualités uniques de l’art indien est de comprendre la pensée philosophique, la vaste histoire culturelle, le contexte social, religieux et politique des œuvres d’art.

Art indonésien
L’art et la culture indonésiens ont été façonnés par une longue interaction entre les coutumes indigènes originales et de multiples influences étrangères. L’Indonésie est au centre des anciennes routes commerciales entre l’Extrême-Orient et le Moyen-Orient, entraînant de nombreuses pratiques culturelles fortement influencées par une multitude de religions, dont l’hindouisme, le bouddhisme, le confucianisme et l’islam, toutes fortes dans les grandes villes commerciales. Le résultat est un mélange culturel complexe très différent des cultures indigènes originales. L’Indonésie n’est généralement pas connue pour ses peintures, à part les peintures balinaises complexes et expressives, qui expriment souvent des scènes naturelles et des thèmes issus des danses traditionnelles.

Art balinais
L’art balinais est un art d’origine hindoue-javanaise qui s’est développé à partir du travail des artisans du royaume de Majapahit, avec leur expansion à Bali à la fin du 13ème siècle. Du 16ème au 20ème siècle, le village de Kamasan, Klungkung (Est de Bali), était le centre de l’art classique balinais. Pendant la première partie du 20ème siècle, de nouvelles variétés d’art balinais se sont développées. Depuis la fin du XXe siècle, Ubud et ses villages voisins ont acquis une réputation de centre de l’art balinais. Ubud et Batuan sont connus pour leurs peintures, Mas pour leurs sculptures sur bois, Celuk pour or et orfèvres, et Batubulan pour leurs sculptures sur pierre. Covarrubias décrit l’art balinais comme «… un art populaire baroque hautement développé, bien que informel, qui combine la vivacité paysanne avec le raffinement du classicisme de Java hindouiste, mais libéré des préjugés conservateurs et avec une nouvelle vitalité tirée par l’exubérance du esprit démoniaque du primitif tropical « . Eiseman a souligné à juste titre que l’art balinais est en fait sculpté, peint, tissé et préparé en objets destinés à un usage quotidien plutôt qu’en objets d’art.

Art japonais
L’art et l’architecture apanaises sont des œuvres d’art produites au Japon depuis les débuts de l’habitation humaine, au Xe millénaire av. J.-C., jusqu’à nos jours. L’art japonais couvre un large éventail de styles d’art et de médias, y compris la poterie ancienne, la sculpture en bois et en bronze, la peinture à l’encre sur soie et papier, et une myriade d’autres types d’œuvres d’art; depuis les temps anciens jusqu’au 21ème siècle contemporain.

La forme d’art a atteint une grande popularité dans la culture métropolitaine d’Edo (Tokyo) au cours de la seconde moitié du 17ème siècle, en provenance de l’œuvre monochrome de Hishikawa Moronobu dans les années 1670. Au début, seule l’encre de Chine était utilisée, puis quelques épreuves étaient coloriées manuellement au pinceau, mais au 18ème siècle, Suzuki Harunobu développa la technique de l’impression polychrome pour produire le nishiki-e.

La peinture japonaise (絵 画 Kaiga) est l’un des arts japonais les plus anciens et les plus raffinés, englobant une grande variété de genres et de styles. Comme dans l’histoire des arts japonais en général, l’histoire de la peinture japonaise est une longue histoire de synthèse et de compétition entre l’esthétique japonaise native et l’adaptation des idées importées.

Les origines de la peinture au Japon remontent à la période préhistorique du Japon. Des figurines simples et des motifs géométriques peuvent être trouvés sur des poteries d’époque Jōmon et des cloches en bronze dōtaku de la période Yayoi (300 av. Des peintures murales à la fois géométriques et figuratives ont été retrouvées dans de nombreux tumulus de la période Kofun (300-700 ap.

La sculpture japonaise ancienne était principalement dérivée du culte des idoles dans le bouddhisme ou des rites animistes de la divinité shintoïste. En particulier, la sculpture parmi tous les arts s’est concentrée sur le bouddhisme. Les matériaux traditionnellement utilisés étaient le métal – en particulier le bronze – et, plus communément, le bois, souvent laqué, doré ou peint de couleurs vives. À la fin de la période Tokugawa, cette sculpture traditionnelle – à l’exception des œuvres miniaturisées – avait largement disparu à cause de la perte du patronage des temples bouddhistes et de la noblesse.

Ukiyo, qui signifie «monde flottant», fait référence à la jeune culture impétueuse qui a fleuri dans les centres urbains d’Edo (aujourd’hui Tokyo), Osaka et Kyoto, qui étaient un monde à part entière. C’est une allusion ironique au terme homonyme « Monde douloureux » (S き 世), le plan terrestre de la mort et de la renaissance dont les bouddhistes ont demandé la libération.

Art coréen
L’art coréen est connu pour ses traditions dans la poterie, la musique, la calligraphie, la peinture, la sculpture et d’autres genres, souvent marqués par l’utilisation de couleurs vives, de formes naturelles, de formes et de décors précis.

Bien qu’il existe des différences claires et distinctes entre trois cultures indépendantes, il existe des similitudes et des interactions significatives et historiques entre les arts de la Corée, de la Chine et du Japon.

L’art contemporain en Corée: Les autoportraits de l’artiste coréen Ko Hu i-dong (1886-1965) constituent le premier exemple de peinture à l’huile de style occidental dans l’art coréen. Seulement trois de ces travaux restent encore aujourd’hui. ces autoportraits donnent une compréhension du médium qui va bien au-delà de l’affirmation de la différence stylistique et culturelle. Au début du XXe siècle, la décision de peindre à l’huile et à la toile en Corée avait deux interprétations différentes. L’un étant un sentiment d’illumination dû aux idées occidentales et aux styles artistiques. Cette illumination dérivait d’un mouvement intellectuel des XVIIe et XVIIIe siècles. Ko avait peint avec cette méthode pendant une période d’annexion de la Corée par le Japon. Pendant ce temps, beaucoup ont affirmé que son art aurait pu être politique, cependant, il a déclaré lui-même qu’il était un artiste et non un politicien. Ko a déclaré: «Pendant que j’étais à Tokyo, une chose très curieuse s’est produite: à Tokyo, il y avait moins de cent étudiants coréens à l’époque, tous buvaient de l’air nouveau et commençaient de nouvelles études, mais certains se moquaient de moi. Le choix d’étudier l’art Un ami intime a dit qu’il n’était pas juste pour moi d’étudier la peinture dans un tel temps.  »

Poterie coréenne a été reconnue dès 6000 BCE. Cette poterie a également été appelée poterie peigne à motifs en raison des lignes décoratives sculptées sur l’extérieur. les premières sociétés coréennes dépendaient principalement de la pêche. Ainsi, ils ont utilisé la poterie pour stocker le poisson et d’autres choses recueillies dans l’océan tels que les coquillages. La poterie avait deux distinctions régionales principales. Ceux de la côte Est ont tendance à avoir une base plate, tandis que les poteries de la côte Sud ont une base ronde.

Art laotien
L’art laotien inclut la céramique, la sculpture bouddhiste lao et la musique lao.

Les sculptures bouddhistes lao ont été créées dans une grande variété de matériaux, notamment l’or, l’argent et le plus souvent le bronze. La brique-et-mortier était aussi un médium utilisé pour les images colossales, une image célèbre de Phya Vat (16ème siècle) à Vientiane, bien qu’une rénovation ait complètement modifié l’apparence de la sculpture, et ne ressemble plus à un Bouddha Lao . Le bois est populaire pour les petites images bouddhistes votives qui sont souvent laissées dans les grottes. Le bois est également très commun pour les grandes images debout du Bouddha grandeur nature. Les deux sculptures les plus célèbres sculptées dans la pierre semi-précieuse sont le Phra Keo (Le Bouddha d’Emeraude) et le Phra Phuttha Butsavarat. Le Phra Keo, qui est probablement d’origine Xieng Sen (Chiang Saen), est sculpté dans un bloc solide de jade. Il reposa à Vientiane pendant deux cents ans avant que les Siamois l’emportent comme butin à la fin du 18ème siècle. Aujourd’hui, il sert de palladium du Royaume de Thaïlande et réside au Grand Palais de Bangkok. Le Phra Phuttha Butsavarat, comme le Phra Keo, est également inscrit dans sa propre chapelle au Grand Palais de Bangkok. Avant que les Siamois ne s’en emparent au début du 19ème siècle, cette image de cristal était le palladium du royaume Lao de Champassack.

Beaucoup de belles sculptures bouddhistes laotiennes sont sculptées dans les grottes de Pak Ou. Près de Pak Ou (embouchure de la rivière Ou), le Tham Ting (grotte inférieure) et le Tham Theung (grotte supérieure) se trouvent près de Luang Prabang, au Laos. Il s’agit d’un magnifique groupe de grottes qui ne sont accessibles qu’en bateau, à environ deux heures en amont du centre de Luang Prabang. Elles sont devenues plus connues et fréquentées par les touristes. Les grottes sont connues pour leurs impressionnantes sculptures de style bouddhiste et lao. dans les murs de la grotte, et des centaines de figures bouddhistes abandonnées disposées sur les planchers et les étagères murales. Ils ont été mis là car leurs propriétaires ne voulaient pas les détruire, donc un voyage difficile est fait dans les grottes pour y placer leur statue non désirée.

Art népalais
La culture traditionnelle ancienne et raffinée de Katmandou, d’ailleurs dans tout le Népal, est une rencontre ininterrompue et exceptionnelle de l’ethos hindou et bouddhiste pratiquée par son peuple très religieux. Il a également embrassé dans son giron la diversité culturelle fournie par les autres religions telles que le jaïnisme, l’islam et le christianisme.

Art thaïlandais
L’art et l’art visuel thaïlandais étaient traditionnellement et principalement l’art bouddhiste et royal. La sculpture était presque exclusivement d’images de Bouddha, tandis que la peinture se limitait à l’illustration de livres et à la décoration de bâtiments, principalement des palais et des temples. Les images de Bouddha thaïlandais de différentes périodes ont un certain nombre de styles distinctifs. L’art contemporain thaïlandais combine souvent des éléments thaïlandais traditionnels avec des techniques modernes.

Les peintures traditionnelles thaïlandaises ont montré des sujets en deux dimensions sans perspective. La taille de chaque élément de l’image reflète son degré d’importance. La technique principale de la composition est celle de la répartition des zones: les éléments principaux sont isolés les uns des autres par des transformateurs spatiaux. Cela a éliminé le terrain intermédiaire, ce qui impliquerait autrement la perspective. La perspective n’a été introduite qu’à la suite de l’influence occidentale au milieu du XIXe siècle.

Les sujets narratifs les plus fréquents pour les peintures étaient ou sont: les histoires de Jataka, les épisodes de la vie du Bouddha, les cieux et les enfers bouddhistes, et les scènes de la vie quotidienne.

La période de Sukhothai a commencé au 14ème siècle dans le royaume de Sukhothai. Les images de Bouddha de la période de Sukhothai sont élégantes, avec des corps sinueux et des visages ovales et minces. Ce style a souligné l’aspect spirituel du Bouddha, en omettant beaucoup de petits détails anatomiques. L’effet a été renforcé par la pratique courante de mouler des images dans le métal plutôt que de les sculpter. Cette période a vu l’introduction de la pose du « Bouddha qui marche ».

Les artistes de Sukhothai ont essayé de suivre les marques définitives canoniques d’un Bouddha, telles qu’elles sont exposées dans les textes anciens du Pali:

Peau si lisse que la poussière ne peut pas y adhérer;
Les jambes comme un cerf;
Les cuisses comme un banian;
Des épaules aussi massives que la tête d’un éléphant;
Les bras tournent comme le tronc d’un éléphant, et assez long pour toucher les genoux;
Des mains comme des lotus sur le point de fleurir;
Les bouts des doigts retournaient comme des pétales;
la tête comme un œuf;
Des cheveux comme des dards scorpion;
Menton comme une pierre de mangue;
Nez comme le bec d’un perroquet;
Earlobes allongés par les boucles d’oreilles de la royauté;
Des cils comme ceux d’une vache;
Les sourcils comme des arcs dessinés.
Sukhothai a également produit une grande quantité de céramiques émaillées de style Sawankhalok, qui étaient commercialisées dans toute l’Asie du Sud-Est.

Art tibétain
L’art tibétain fait référence à l’art du Tibet et d’autres royaumes himalayens présents et anciens (Bhoutan, Ladakh, Népal et Sikkim). L’art tibétain est avant tout une forme d’art sacré, reflétant l’influence prépondérante du bouddhisme tibétain sur ces cultures. Le Mandala de sable (Tib: kilkhor) est une tradition bouddhiste tibétaine qui symbolise la nature transitoire des choses. Dans le cadre du canon bouddhiste, tout ce qui est matériel est considéré comme transitoire. Un mandala de sable en est un exemple, car une fois qu’il a été construit et que les cérémonies et les visites qui l’accompagnent sont terminées, il est systématiquement détruit.

Comme le bouddhisme Mahayana a émergé comme une école séparée au 4ème siècle avant JC, il a souligné le rôle des bodhisattvas, des êtres compatissants qui renoncent à leur évasion personnelle au Nirvana afin d’aider les autres. Très tôt, divers bodhisattvas furent aussi sujets de l’art statuaire. Le bouddhisme tibétain, en tant que progéniture du bouddhisme Mahayana, a hérité de cette tradition. Mais la présence dominante additionnelle du Vajrayana (ou tantra bouddhiste) peut avoir eu une importance primordiale dans la culture artistique. Un bodhisattva commun représenté dans l’art tibétain est la divinité Chenrezig (Avalokitesvara), souvent représentée comme un saint aux mille bras avec un œil au milieu de chaque main, représentant le tout compatissant voyant qui entend nos demandes. Cette divinité peut également être comprise comme un Yidam, ou ‘bouddha de méditation’ pour la pratique du vajrayana.

Le bouddhisme tibétain contient le bouddhisme tantrique, également connu sous le nom de bouddhisme vajrayana pour son symbolisme commun du vajra, le coup de foudre du diamant (connu en tibétain sous le nom de dorje). La plupart de l’art bouddhiste tibétain typique peut être considéré comme faisant partie de la pratique du tantra. Les techniques du vajrayana intègrent de nombreuses visualisations / imaginations pendant la méditation, et la plupart de l’art tantrique élaboré peut être vu comme un auxiliaire de ces visualisations; des représentations de divinités méditatives (yidams) aux mandalas et à toutes sortes d’instruments rituels.

Un aspect visuel du bouddhisme tantrique est la représentation commune des divinités courroucées, souvent représentées avec des visages en colère, des cercles de flammes ou avec les crânes des morts. Ces images représentent les Protecteurs (Skt.dharmapala) et leur port effrayant dément leur vraie nature compatissante. En fait, leur colère représente leur dévouement à la protection de l’enseignement du dharma ainsi qu’à la protection des pratiques tantriques spécifiques pour empêcher la corruption ou la perturbation de la pratique. Ils sont surtout utilisés comme des aspects psychologiques courroucés qui peuvent être utilisés pour vaincre les attitudes négatives du pratiquant.

Les historiens notent que la peinture chinoise a eu une profonde influence sur la peinture tibétaine en général. À partir du 14ème et 15ème siècle, la peinture tibétaine a incorporé beaucoup d’éléments du chinois, et pendant le 18ème siècle, la peinture chinoise a eu un impact profond et étendu sur l’art visuel tibétain. Selon Giuseppe Tucci, à l’époque de la dynastie Qing, «un nouvel art tibétain se développa alors, ce qui, dans un certain sens, était un écho provincial de la préciosité fleurie et lisse du XVIIIe siècle chinois».

Art vietnamien
L’art vietnamien est issu de l’une des plus anciennes de ces cultures dans la région de l’Asie du Sud-Est. Un riche patrimoine artistique qui remonte à la préhistoire et comprend: la peinture sur soie, la sculpture, la poterie, la céramique, les gravures sur bois, l’architecture, la musique, la danse et le théâtre.

L’art traditionnel vietnamien est l’art pratiqué au Vietnam ou par des artistes vietnamiens, depuis les temps anciens (y compris les tambours Đông Sơn élaborés) à l’art de domination post-chinois fortement influencé par l’art bouddhiste chinois, entre autres le taoïsme et le confucianisme. L’art du Champa et l’art français ont également joué un petit rôle plus tard.

L’influence chinoise sur l’art vietnamien s’étend à la poterie et à la céramique vietnamiennes, à la calligraphie et à l’architecture traditionnelle. Actuellement, les laques vietnamiennes se sont avérées très populaires.

La dynastie Nguyễn, dernière dynastie régnante du Vietnam (vers 1802-1945), voit un regain d’intérêt pour la céramique et l’art de la porcelaine. Les cours impériales à travers l’Asie ont importé des céramiques vietnamiennes.

Malgré le développement des arts de la scène (tels que la musique et la danse impériale) pendant la dynastie Nguyễn, certains voient d’autres domaines artistiques commencer à décliner au cours de la dernière partie de la dynastie Nguyễn.

À partir du 19ème siècle, l’art moderne et les influences artistiques françaises se sont répandus au Vietnam. Au début du XXe siècle, l’École Supérieure des Beaux Arts de l’Indochine a été fondée pour enseigner les méthodes européennes et exercer une influence principalement dans les grandes villes, telles que Hanoi et Ho Chi Minh-Ville.

Les restrictions de voyage imposées aux Vietnamiens pendant les 80 ans de règne du Vietnam et la longue période de guerre pour l’indépendance nationale ont fait que très peu d’artistes vietnamiens ont pu s’entraîner ou travailler en dehors du Vietnam. Un petit nombre d’artistes issus de milieux aisés ont eu l’opportunité d’aller en France et d’y faire leur carrière pour la plupart. Les exemples incluent Le Thi Luu, Le Pho, Mai Trung Thu, Le Van De, Le Ba Dang et Pham Tang.

Les artistes vietnamiens modernes ont commencé à utiliser les techniques françaises avec de nombreux médiums traditionnels tels que la soie, la laque, etc., créant ainsi un mélange unique d’éléments orientaux et occidentaux.

Calligraphie vietnamienne
La calligraphie a une longue histoire au Vietnam, en utilisant des caractères chinois avec chữ nôm. Cependant, la calligraphie vietnamienne la plus moderne utilise à la place le Quốc Ngữ, un personnage romain, qui s’est avéré très populaire.

Dans le passé, l’alphabétisation dans les anciens systèmes d’écriture basés sur le caractère du Vietnam étant limitée aux érudits et aux élites, la calligraphie jouait néanmoins encore un rôle important dans la vie vietnamienne. Lors d’occasions spéciales comme le Nouvel An lunaire, les gens se rendaient chez le professeur du village ou chez le savant pour faire une calligraphie suspendue (souvent de la poésie, des dictons folkloriques ou même des mots simples). Les gens qui ne savaient ni lire ni écrire commandaient souvent à des érudits d’écrire des prières qu’ils allaient brûler dans les sanctuaires du temple.

Art philippin
L’identité philippine est née en même temps que sa création, principalement de ses cultures précoloniales / pré-philippines qui ont fusionné avec les influences des colonisateurs et des commerçants chinois qui ont fondu et ont évolué pour devenir leur propre identité philippine classique. Avant la naissance des Philippines, il s’agissait d’un ensemble divisé de nations, d’îles et de tribus dirigées par leurs propres Rois Sociaux, Chieftains, Lakans, Datus, Rajahs et Sultans. Chaque nation a sa propre identité et certains font même partie d’un Empire plus large en dehors de la carte moderne de ce qui est maintenant les Philippines, par exemple; Manille faisait autrefois partie de l’Empire Bruneian. Un autre exemple est de nombreuses parties de l’époque moderne. Mindanao est théorisée pour faire partie de l’empire Majapahit avec son capital étant situé à Java Est dans l’Indonésie moderne. L’avènement de l’arrivée coloniale dans les îles a commencé Les Philippines modernes, comme c’était à cette époque que ce qui est maintenant une des îles unies d’aujourd’hui, connu sous le nom des Philippines a été créé. L’influence chinoise a été ressentie dans toute l’Asie du Sud-Est par le commerce, avant même la colonisation de la région, en particulier la dynastie Ming et d’autres dynasties antérieures, dès le 9ème siècle. Mais c’est au cours de la colonisation espagnole que la marque de signature philippine chinoise moderne sur ce qui est maintenant les Philippines a été développée. Ces cultures fondues à partir de l’influence interne et externe précoloniale sont très évidentes dans les arts pré-modernes et la tradition des Philippines. Les peintures de José Honorato Lozano montrent clairement l’influence de l’Est et de l’Ouest.

Art d’Asie centrale
L’art d’Asie centrale est un art visuel créé en Asie centrale par les peuples turcophones du Kirghizistan, du Kazakhstan, d’Ouzbékistan, du Turkménistan, d’Azerbaïdjan, du Tadjikistan, de Mongolie, du Tibet, d’Afghanistan et du Pakistan. Les arts des derniers siècles sont principalement influencés par l’art islamique, mais les cultures antérieures variées ont été influencées par l’art de la Chine, de la Perse et de la Grèce, ainsi que par le style animal qui s’est développé parmi les peuples nomades des steppes. La transmission de l’art par la Route de la soie, l’art scythe, l’art gréco-bouddhique, l’art serindien et plus récemment la culture persane font partie de cette histoire compliquée.

Art de la Mésopotamie
L’art de la Mésopotamie a survécu dans les archives archéologiques des premières sociétés de chasseurs-cueilleurs (10e millénaire av. J.-C.) aux cultures de l’âge du bronze des empires sumérien, akkadien, babylonien et assyrien. Ces empires furent plus tard remplacés à l’âge du fer par les empires néo-assyriens et néo-babyloniens. Largement considérée comme le berceau de la civilisation, la Mésopotamie a apporté des développements culturels importants, y compris les plus anciens exemples d’écriture. L’art de la Mésopotamie rivalisait avec celui de l’Égypte ancienne en tant que plus grand, sophistiqué et élaboré en Eurasie occidentale depuis le IVe millénaire av. J.-C. jusqu’à ce que l’empire achéménide perse ait conquis la région au 6ème siècle avant JC. L’accent principal était sur diverses, très durables, formes de sculpture dans la pierre et l’argile; peu de peinture a survécu, mais ce qui suggère que, à quelques exceptions près, la peinture était principalement utilisée pour des motifs décoratifs géométriques et végétaux, bien que la plupart des sculptures aient également été peintes. Les joints de cylindre ont survécu en grand nombre, beaucoup comprenant des scènes complexes et détaillées malgré leur petite taille.

Art juif
Comparé à la musique ou au théâtre, il y a moins de tradition spécifiquement juive dans les arts visuels. La raison la plus probable et la plus acceptée est que, comme on l’a déjà montré avec la musique et la littérature juives, avant l’émancipation, la culture juive était dominée par la tradition religieuse de l’aniconisme. Comme la plupart des autorités rabbiniques croyaient que le Deuxième Commandement interdisait beaucoup d’art visuel qui serait qualifié d ‘ »images gravées », les artistes juifs étaient relativement rares jusqu’à ce qu’ils vivent dans des communautés européennes assimilées à partir de la fin du 18ème siècle. Il convient de noter cependant que, malgré les craintes des premières communautés religieuses d’utiliser l’art à des fins idolâtres, l’art sacré juif est enregistré dans le Tanakh et s’étend à travers l’Antiquité juive et le Moyen Age. Le Tabernacle et les deux temples de Jérusalem constituent les premiers exemples connus de «l’art juif». Pendant les premiers siècles de l’ère commune, l’art religieux juif a également été créé dans les régions méditerranéennes comme la Syrie et la Grèce, y compris des fresques sur les murs des synagogues, dont la synagogue Dura Europas est le seul survivant ainsi que les catacombes juives à Rome.

Art islamique
L’art islamique englobe les arts visuels produits à partir du VIIe siècle par des personnes qui vivaient sur le territoire qui était habité ou gouverné par des populations culturellement islamiques. C’est donc un art très difficile à définir car il couvre de nombreuses terres et divers peuples sur une période de 1 400 ans; ce n’est pas un art spécifiquement d’une religion, d’un temps, d’un lieu, ou d’un seul moyen comme la peinture. Le vaste domaine de l’architecture islamique fait l’objet d’un article distinct, laissant des domaines aussi variés que la calligraphie, la peinture, le verre, la poterie et les arts textiles tels que les tapis et la broderie.

Art iranien
L’art persan ou l’art iranien possède l’un des héritages artistiques les plus riches de l’histoire du monde et a été fort dans de nombreux médias, y compris l’architecture, la peinture, le tissage, la poterie, la calligraphie, le travail des métaux et la sculpture. À des époques différentes, les influences de l’art des civilisations voisines ont été très importantes, et l’art persan a récemment donné et reçu des influences majeures dans le cadre des styles plus larges de l’art islamique. Cet article couvre l’art de la Perse jusqu’en 1925 et la fin de la dynastie Qajar; pour l’art plus tard voir l’art moderne et contemporain iranien, et pour l’artisanat traditionnel voir les arts de l’Iran. L’art rupestre en Iran est son art survivant le plus ancien. L’architecture iranienne est couverte à cet article.

Art nabatéen
L’art nabatéen est l’art des Nabatéens d’Arabie du Nord. Ils sont connus pour les céramiques peintes finement en pot, qui se sont dispersées dans le monde gréco-romain, ainsi que des contributions à la sculpture et à l’architecture nabatéenne. L’art nabatéen est surtout connu pour les sites archéologiques de Petra, en particulier les monuments tels que Al Khazneh et Ad Deir.