Les avant-gardes sont des personnes ou des œuvres expérimentales, radicales ou peu orthodoxes en ce qui concerne l’art, la culture ou la société. Elle peut être caractérisée par une innovation esthétique non traditionnelle et une inacceptabilité initiale, et elle peut offrir une critique de la relation entre le producteur et le consommateur.

L’avant-garde repousse les limites de ce qui est accepté comme la norme ou le statu quo, principalement dans le domaine culturel. L’avant-garde est considérée par certains comme une caractéristique du modernisme, distincte du postmodernisme. De nombreux artistes se sont alignés sur le mouvement d’avant-garde et continuent à le faire, retraçant une histoire de Dada à travers les situationnistes en passant par des artistes postmodernes tels que les poètes Language vers 1981.

L’avant-garde favorise également des réformes sociales radicales. C’est ce sens qui a été évoqué par le Saint-Simonien Olinde Rodrigues dans son essai « L’artiste, le savant et l’industriel », 1825, qui contient le premier usage enregistré de « avant-gardiste » dans son sens habituel: là, Rodrigues appelle les artistes à « servir d’avant-garde » au peuple, en insistant sur le fait que « le pouvoir des arts est en effet le moyen le plus immédiat et le plus rapide » réforme politique et économique.

Théories
Plusieurs auteurs ont tenté de cartographier les paramètres de l’activité d’avant-garde. L’essayiste italien Renato Poggioli fournit l’une des premières analyses de l’avant-garde en tant que phénomène culturel dans son livre de 1962, Teoria dell’arte d’avanguardia (La théorie de l’avant-garde). En examinant les aspects historiques, sociaux, psychologiques et philosophiques de l’avant-garde, Poggioli dépasse les exemples individuels d’art, de poésie et de musique pour montrer que les avant-gardistes peuvent partager certains idéaux ou valeurs qui se manifestent dans les modes de vie non conformistes. la culture en tant que variété ou sous-catégorie de bohème. D’autres auteurs ont tenté à la fois de clarifier et d’étendre l’étude de Poggioli. La théorie de l’avant-garde du critique littéraire allemand Peter Bürger (1974) s’intéresse à l’adoption par l’establishment des œuvres d’art socialement critiques et suggère qu’en complicité avec le capitalisme, «l’art en tant qu’institution neutralise le contenu politique de l’œuvre individuelle».

L’essai de Bürger a également grandement influencé le travail des historiens d’art américains contemporains tels que l’Allemand Benjamin HD Buchloh (né en 1941). Buchloh, dans la collection d’essais Néo-avantgarde et Culture Industry (2000), plaide pour une approche dialectique de ces positions. Les critiques subséquentes ont théorisé les limites de ces approches, notant leurs domaines d’analyse circonscrits, y compris les définitions eurocentriques, chauvinistes et propres au genre.

Relation avec la société en général
Le concept d’avant-garde se réfère principalement aux artistes, écrivains, compositeurs et penseurs dont le travail s’oppose aux valeurs culturelles dominantes et a souvent un avantage social ou politique tranchant. Beaucoup d’écrivains, critiques et théoriciens ont fait des affirmations sur la culture d’avant-garde pendant les années formatrices du modernisme, bien que la première déclaration définitive sur l’avant-garde fut l’essai Avant-Garde et Kitsch du critique d’art new-yorkais Clement Greenberg. Greenberg a soutenu que la culture d’avant-garde a historiquement été opposée à la culture «haute» ou «dominante», et qu’elle a également rejeté la culture de masse artificiellement synthétisée qui a été produite par l’industrialisation. Chacun de ces médias est un produit direct du capitalisme – ils sont tous maintenant des industries substantielles – et, en tant que tels, ils sont motivés par les mêmes motivations des autres secteurs manufacturiers, et non par les idéaux du véritable art. Pour Greenberg, ces formes étaient donc kitsch: fausses, fausses ou mécaniques, qui prétendaient souvent être plus que ce qu’elles étaient en utilisant des dispositifs formels volés à la culture d’avant-garde. Par exemple, au cours des années 1930, l’industrie de la publicité a rapidement pris le maniérisme du surréalisme, mais cela ne veut pas dire que les photographies publicitaires des années 1930 sont vraiment surréalistes.

Différents membres de l’école de Francfort ont soutenu des vues similaires: ainsi Theodor Adorno et Max Horkheimer dans leur essai L’industrie de la culture: Illumination comme Mass-Deception (1944), et Walter Benjamin dans son très influent « L’Œuvre d’art à l’ère de la mécanique Reproduction « (1935, rév 1939). Là où Greenberg utilisait le mot allemand kitsch pour décrire l’antithèse de la culture d’avant-garde, les membres de l’école de Francfort ont inventé le terme «culture de masse» pour indiquer que cette culture fausse est constamment produite par une industrie culturelle émergente. , l’industrie cinématographique, l’industrie du disque et les médias électroniques). Ils ont également souligné que l’essor de cette industrie signifiait que l’excellence artistique était supplantée par les chiffres de vente: un roman, par exemple, était jugé méritoire uniquement parce qu’il devenait un best-seller, la musique succombait aux classements et à la logique commerciale directe du disque d’or. De cette manière, le mérite artistique autonome si cher à l’avant-garde a été abandonné et les ventes sont devenues de plus en plus la mesure et la justification de tout. La culture du consommateur a maintenant régné.

La cooptation de l’avant-garde par le marché capitaliste mondial, par les économies néolibérales, et par ce que Guy Debord appelait la Société du Spectacle, a fait spéculer les critiques contemporaines sur la possibilité d’une avant-garde significative aujourd’hui. La Théorie-Mort de l’Avant-Garde de Paul Mann démontre à quel point l’avant-garde est complètement intégrée dans les structures institutionnelles actuelles, une pensée également poursuivie par Richard Schechner dans ses analyses de la performance d’avant-garde.

Malgré les arguments centraux de Greenberg, Adorno et d’autres, divers secteurs de l’industrie culturelle dominante ont coopté et mal appliqué le terme «avant-garde» depuis les années 1960, principalement comme outil de marketing pour faire connaître la musique populaire et le cinéma commercial. Il est devenu courant de qualifier d ‘«avant-gardistes» des musiciens de rock couronnés de succès et des cinéastes célèbres, le mot même ayant été dépouillé de sa signification propre. Notant cet important changement conceptuel, de grands théoriciens contemporains comme Matei Calinescu dans Cinq Visages de la Modernité: Modernisme, Avant-garde, Décadence, Kitsch, Postmodernisme (1987), [page nécessaire] et Hans Bertens dans L’Idée du Postmoderne: Une Histoire (1995), [page nécessaire] ont suggéré que c’est un signe que notre culture est entrée dans une nouvelle ère postmoderne, lorsque les anciennes façons de penser et de se comporter de façon moderniste ont été rendues inutiles.

Néanmoins, à la fin des années 1960, le critique new-yorkais Harold Rosenberg proposa une critique incisive de l’avant-garde par rapport aux opinions de la société dominante. Essayant d’établir un équilibre entre les idées de Renato Poggioli et les affirmations de Clement Greenberg, Rosenberg a suggéré qu’à partir du milieu des années 1960, la culture progressiste a cessé de remplir son ancien rôle d’antagoniste. Depuis lors, il a été flanqué de ce qu’il a appelé «les fantômes d’avant-garde d’un côté, et une culture de masse changeante de l’autre», avec lesquels il interagit à des degrés divers. Cela a vu la culture devenir, selon ses mots, «une profession dont l’un des aspects est la prétention de le renverser».

Exemples

Avant-garde en politique
Le concept de l’avant-garde a trouvé sa place dans le langage politique, en particulier des partis et mouvements révolutionnaires. Ainsi, Lénine, et avec lui le marxisme-léninisme postérieur, a compris que le parti communiste était «l’avant-garde de la classe ouvrière». Marx écrivait déjà dans le manifeste du parti communiste que les communistes sont «la partie la plus décidée et la plus expansionniste des partis ouvriers», théoriquement, ils ont devant le reste de la masse du prolétariat l’aperçu des conditions, En même temps, cependant, Marx soulignait que les communistes faisaient avant tout partie du prolétariat. Le prolétariat lui-même est: «Le mouvement prolétarien lui-même. le mouvement prolétarien est le mouvement indépendant de l’immense majorité dans l’intérêt de l’immense majorité »(p.472).

Lénine, d’autre part, organisa un parti de masse avec les bolcheviks, mais en même temps forma une revendication de premier plan de l’avant-garde pour le reste du prolétariat. Selon Lénine, cette avant-garde, qui apportait aux travailleurs les idées révolutionnaires du dehors, était nécessaire, car les prolétaires, de leur propre chef, ne sont capables que d’une syndicalisation, c’est-à-dire de la conscience syndicale: tous les pays montrent que la classe ouvrière ne peut produire qu’une conscience syndicaliste uniquement par sa propre puissance »(Lénine, Que faire ?, in: Werke, volume 5, page 386). Cette doctrine a contribué à justifier la dictature du Parti sur les travailleurs.

L’avant-garde politique du mouvement révolutionnaire était également considérée comme les marins communistes, qui avaient joué un rôle moteur dans la révolution russe d’octobre 1917, mais aussi dans la révolution allemande de novembre 1918.

Avant-garde dans les beaux-arts
Dans l’histoire des beaux-arts, le terme «avant-garde» désigne les mouvements artistiques du début du XXe siècle et est lié au concept de modernisme ou d’art moderne. Curieusement, de nombreux mouvements artistiques avant-gardistes de la modernité aspirent à «l’abolition de l’art dans la pratique de la vie».

Un rôle important dans l’histoire de l’avant-garde artistique a joué l’avant-garde russe ainsi que le futurisme italien, qui dans ses manifestes de «l’art de la guerre» a donné sa propre esthétique, perçue comme révolutionnaire. Aussi Cubisme, Cubofuturisme, Vorticisme, Constructivisme, Suprématisme, Dadaïsme, Surréalisme, Expressionnisme, Tachisme, Action Painting, Art Minimal, Op Art, Pop Art, Lettrisme, Situationnisme, Fluxus, Happening, l’Actionisme viennois et l’art dit conceptuel sont considéré comme des mouvements artistiques de l’avant-garde.

Pour l’art de la Russie soviétique, le terme avait une double signification, parce que dans la théorie marxiste-léniniste de l’avant-garde et surtout une avant-garde politique était comprise, par laquelle la transformation ultérieure de l’avant-garde russe en appelé, artistiquement à peine avant-garde, le «réalisme socialiste» a été créé.

Dans l’art d’avant-garde du Reich allemand a été combattu à partir de 1933 par les national-socialistes comme « art dégénéré ». Les artistes qui ne se sont pas adaptés à l ‘«art allemand» aligné et restent connectés à l’avant-garde sont persécutés (s’ils ne fuient pas en 1933 ou s’exilent dans les années qui suivent). Les œuvres d’art modernes ont été confisquées en tant que «juif», partiellement détruites ou, dans de nombreux cas, vendues aux enchères en Suisse. Les artistes juifs qui n’ont pas pu quitter l’Allemagne à temps ont été assassinés dans l’Holocauste.

Après la défaite du national-socialisme en 1945, le paysage artistique allemand s’est lentement remis de cette catastrophe politique et intellectuelle au début et au milieu des années cinquante. En République Fédérale, il y avait des activités de certains artistes qui avaient trouvé avec leur peinture informelle le lien avec les mouvements d’avant-garde du Tachisme français et de l’Expressionnisme abstrait américain ou Action Painting. Dans les années 1960 et au cours du mouvement de 1968, le développement de l’art allemand devint de plus en plus important pour l’Europe et les États-Unis.

En même temps, la nouvelle avant-garde d’après-guerre marquait déjà la fin rampante du concept d’avant-garde. Si à l’époque moderne, chacune des avant-gardes, souvent en succession rapprochée, prétendait représenter l’état le plus récent et le plus «valable» du développement artistique, une existence parallèle des différentes avant-gardes fut observée dans l’art du postmodernisme , souvent éclectiques les uns avec les autres mélangés. Des développements semblent possibles dans de nombreuses directions, il n’y a pas de consensus sur l’endroit où aller. Le mot «avant-garde» perd donc son sens originel et ne semble guère approprié pour décrire l’art contemporain.

Au lieu de «l’avant-garde» et de «l’art moderne», on parle de l’art contemporain de l’art contemporain. Ce faisant, il peut également poursuivre des stratégies d’avant-garde, réinventer la recherche d’innovation parfois exiguë ou faire revivre des traditions plus anciennes.

Avant-garde en littérature
Le début des avant-gardes littéraires et donc de la littérature moderne en général peut être déterminé à la fin du 19ème siècle avec le symbolisme français, avec des poètes tels que Stéphane Mallarmé, Charles Baudelaire et Arthur Rimbaud, en Allemagne avec Stefan George et les poètes de l’expressionnisme, Avec la Première Guerre mondiale, les mouvements d’avant-garde se radicalisent et conçoivent leur travail de plus en plus comme un art de protestation socialement critique et provocateur. Caractéristique de l’avant-garde est qu’elle se distingue des tendances littéraires dominantes en termes de contenu, style, technique et / ou forme (par exemple en développant de nouvelles formes telles que des poèmes phonétiques, des collages, des poèmes aléatoires). Néanmoins, les mouvements d’avant-garde tels que le cercle d’artistes autour de Stefan George se sont souvent compris comme de l’élite, car le concept de l’avant-garde comprend de fortes figures d’artistes. De plus, les élites d’avant-garde étaient souvent structurées hiérarchiquement (de même que le cercle autour de George).

Pour les avant-gardes littéraires, le surréalisme, le dadaïsme, l’expressionnisme ainsi que Scapigliatura et Futurismus sont comptés.

Avant-garde dans les arts de la scène
Au théâtre, le terme d’avant-garde est associé à une rupture avec les illusions, à un effacement de la scène et à une explosion de conventions représentatives. Le naturalisme est – peut-être radicalement, à l’exception des variantes de la critique sociale – non pris en compte dans l’avant-garde, mais il les a préparés. L’engagement politique radical et le rejet radical de la réalité font également partie des caractéristiques de l’avant-garde théâtrale.

Un départ de la psychologie et de l’intériorité est commun à la plupart des courants. Les mouvements littéraires tels que le dadaïsme et le surréalisme ont fourni un nouveau type de texte théâtral qui s’est éloigné de la convention des «rôles distribués». Le réalisateur Edward Gordon Craig a conçu la «sur-marionnette» comme l’idéal du nouvel acteur, Wsewolod Meyerhold étant passé du taylorisme pour créer une base physique et multiculturelle pour la pièce. Erwin Piscator a promu l’utilisation de la technologie de pointe sur scène avec des enregistrements de films et de sons. Même Bertolt Brecht a été influencé par l’avant-garde anti-naturaliste.

Les courants d’avant-garde dans les arts visuels ainsi que le cubisme ont influencé la conception des décors et des costumes. Adolphe Appia opposait des «espaces rythmiques» vides à l’éclairage différencié de la scène de l’illusion naturaliste avec sa multitude d’accessoires. L’image, le mouvement et la musique ont été combinés comme dans le Triadic Ballet d’Oskar Schlemmer. La technique du mouvement a été révolutionnée par la danse expressive (comme Isadora Duncan), à partir de laquelle le théâtre de danse moderne a émergé.

Jerzy Grotowski, Eugenio Barba, Tadeusz Kantor et Robert Wilson figurent parmi les grands avant-gardistes après 1945.

Avant-garde en musique
En tant que musique d’avant-garde, les styles sont dans la musique classique depuis le début du 19ème et 20ème siècles, ici ils étaient souvent sous le signe de la nouvelle musique ensemble. Wagner, Liszt, Scriabin et, en particulier, Debussy furent d’importants pionniers de la fin du XIXe siècle. Schoenberg, Berg, Webern, Hindemith ou Stravinsky, tandis que dans la seconde moitié, Stockhausen, Xenakis ou Ligeti étaient considérés comme des impulsions importantes. Le point commun à tous est la rupture avec les habitudes d’écoute traditionnelles, telles que l’utilisation frappante des dissonances, des rythmes irréguliers, et surtout de l’atonalité et de la polytonalité. Les musiques de l’expressionnisme, de l’impressionnisme, de la musique dodécaphonique, de la musique sérielle plus tard, de la musique aléatoire, de la composition sonore, de la musique minimale et de la musique concrète composée de sons enregistrés sont des exemples d’avant-gardes musicales. Depuis l’après-guerre, les formes avant-gardistes ont émergé hors du domaine de la musique électronique, voici des genres tels que le free jazz, la musique improvisée libre et l’industrie et le bruit. Même certaines musiques de films peuvent montrer des influences avant-gardistes, comme la bande-son de Don Davis au long métrage de 1999 « Matrix ».

Film d’avant-garde
Le film d’avant-garde apparaît déjà dans les premiers jours de la cinématographie et est ensuite, comme plus tard, étroitement lié aux arts visuels. Par exemple, en France, en Italie et en Allemagne, il y a eu des films qui ont émergé du futurisme, du dadaïsme, du constructivisme et du surréalisme. Avec le développement de ce film économique de 16 mm, le film d’avant-garde a reçu un nouvel élan après la Seconde Guerre mondiale en Amérique, en Europe, en Australie et au Japon. Cette fois-ci, les termes généraux ont été appelés «Structuralisme», «Pop Art», «Happening», «Fluxus», «Concept Art».

Les possibilités formelles du film, qui n’a pas d’autre forme d’art, ont rendu l’attachement traditionnel aux arts visuels toujours plus faible. Par exemple, dans le film abstrait des années 1920 (« Cinéma pur ») ou dans le film underground des années 1960. En outre, le film d’avant-garde a commencé à se référer à son propre médium (film matériel, cinéma élargi, images trouvées).

Le film est la seule forme d’art moderne qui ne peut se passer du terme d’avant-garde pour se distinguer de ses autres manifestations commerciales et artistiques. Confusion est l’utilisation presque synonyme du terme film expérimental. Le court métrage expérimental a été compris comme un précurseur du long métrage, en particulier dans les années 1950. Ceci est lié au fait qu’en Allemagne (avec un impact sur l’Autriche) dans le discours intellectuel l’expérience a été dévaluée – en particulier par Hans Magnus Enzensberger 1962 dans son « Aporienthe avant-garde » – parce que les ongles devraient aussi être réfléchis dans l’art pendant la période de reconstruction.

Pourtant, de nombreux cinéastes n’ont pas hésité à comprendre leurs films comme des expériences, mais ils ne sont pas tous issus de leur concept ou de leur production. Par conséquent, le cinéma d’avant-garde peut être compris comme le terme plus large. Une autre ambiguïté vient du fait que les réalisateurs de films artistiques comme Sergei Mikhailovich Eisenstein, Alain Resnais, Jean-Luc Godard ou David Lynch sont souvent considérés comme des avant-gardistes. Bien qu’elles soient influencées par l’avant-garde et occupent une place particulière dans le long métrage, elles restent largement conventionnelles dans leur ensemble, tel que mesuré par le film d’avant-garde.

Caractéristique de l’avant-garde artistique
En dépit de toutes les différences, la diversité des mouvements et des styles artistiques, littéraires et musicaux révèle des tendances communes qui permettent de délimiter le concept de l’avant-garde artistique à partir d’autres époques et styles. L’art d’avant-garde apparaît souvent comme délibérément provocateur, mettant l’accent sur l’art innovant et hautement autoréflexif.

Provocation
C’est un moteur essentiel de l’avant-garde, de l’insolite, de la recherche de nouveaux. En particulier, la fin de la dix-neuvième et la première moitié du XXe siècle, l’objectif a été pris fréquemment à proximité, la classe moyenne éduquée à choquer. La Collection de poésie de Baudelaire Les Fleurs du Mal est l’un des premiers témoignages à ce sujet. La nouveauté de ces poèmes était de permettre à la vie métropolitaine laide comme matériel pour la poésie. Il atteint un certain point culminant dans le dadaïsme, qui snobe le public avec une littérature absurde, et plus tard dans l’actionnisme viennois qui choisit le «bon goût» comme le point d’attaque réel et provoque par des performances extrêmes.

Innovation
Le problème structurel global de l’avant-garde est déjà marqué. L’avant-garde forme un type d’excellence auto-dynamique: ce qui était inhabituel hier s’établit progressivement et est souvent assimilé dans le courant dominant et apparaît vite familier. De telles situations rencontrent des approches d’avant-garde, dans et entre les avant-gardes, donc un modèle de développement a émergé qui comprend l’innovation de plus en plus formelle comme essentielle.

Auto-réflexion
Une autre caractéristique de nombreuses avant-gardes est leur fondement théorique, et souvent un commentaire théorique extra-esthétique émerge. Les formes artistiques d’avant-garde provoquent ainsi une réflexion permanente sur elles-mêmes, ce qui soulève souvent aussi des interrogations sur les raisons pour lesquelles, pour une raison quelconque, l’art peut encore être perçu et ce qu’est l’art.

Critique du terme d’avant-garde
À la fin du XXe siècle, le concept de l’avant-garde et les idées qui y sont associées sont de plus en plus critiqués. L’hypothèse selon laquelle des personnes ou des groupes «progressent» dans le processus de progrès et le reste, le «courant dominant», dont l’exemple suit ou doit suivre, était de plus en plus mis en doute. Le contexte de ce développement est, d’une part, à rechercher dans l’assèchement au moins temporaire des mouvements artistiques d’avant-garde et dans l’échec de nombreux mouvements politiques révolutionnaires. D’un autre côté, les idées du postmodernisme s’accompagnent d’un départ délibéré du concept d’avant-garde, qui est critiqué comme autoritaire par son leadership. Au lieu de cela, cette juxtaposition volontariste de développements et de mouvements valorisés plus haut.

L’écrivain et réalisateur français Romain Gary († 1980) a pris sa critique dans le bon mot « Les avant-gardistes sont des gens qui ne savent pas exactement où ils veulent aller, mais qui sont les premiers là-bas ».

L’avant-garde et ses expressions
Dans les courants d’avant-garde, les ismes sont apparus comme une proposition contraire aux tendances supposées du vieillissement et proposaient des innovations radicales de contenu, de langage et d’attitude vitale. Parmi eux sont les suivants:

Impressionnisme
L’impressionnisme n’était pas vraiment un avant-gardisme, mais plutôt un antécédent contre lequel réagissaient les avant-gardistes. Sa principale contribution à l’avant-garde fut la libération du pouvoir expressif de la couleur dirigé par Claude Monet. Les impressionnistes ont appris à manipuler le tableau le plus libre, sans chercher à masquer leurs coups de pinceau fragmentés, et la lumière devenait le grand facteur unificateur de la figure et du paysage. Mais les peintres impressionnistes étaient des artistes qui n’avaient plus l’intention d’exercer avec leur art un changement radical dans les coutumes de leur temps et n’étaient pas engagés dans la volonté d’un grand changement social. Ils sont la conséquence de l’échec des prétentions de la révolution de 1830, celle de 1848 et celle de Paris. Les discussions des impressionnistes étaient essentiellement techniques et leur peinture peut être considérée comme une exacerbation du naturalisme à tel point qu’elle finirait par s’opposer aux origines. Le réalisme de Courbet affirmait qu’en réalité il trouvait l’espoir d’un changement, le pouvoir des hommes réels, le mouvement des forces révolutionnaires. Les impressionnistes remplacent les discussions de contenu par celles de la technique, de la lumière et de l’objectif de la transcription picturale.

À la fin de 1870, les principaux peintres impressionnistes se connaissaient déjà bien. A cette époque, le café Guerbois, dans la rue des Batignolles, près de l’atelier d’Édouard Manet (qui semble être la personnalité dominante pour l’instant) devint le siège de ce cercle artistique. L’attitude de solidarité des impressionnistes au début des années 1870 s’exprime de manière très révélatrice dans certains portraits de groupe, tels que Fantin-Latour (Atelier aux environs des Batignolles, 1870) ou Bazille (L’atelier de l’artiste dans la rue de la Condamine, 1870).

Pour la première fois, pendant la guerre franco-prussienne, les impressionnistes ont dû se séparer: Pierre-Auguste Renoir et Manet sont restés à Paris, Bazille est mort au front et Monet et Camille Pissarro se sont rencontrés à Londres, où ils ont rencontré Paul Durand-Ruel, alors le revendeur du groupe. En fait, en 1873, Durand-Ruel était déjà assez confiant pour préparer un catalogue complet avec le stock de sa galerie qui n’a jamais été publié.

Expressionnisme
L’expressionnisme était un courant pictural né au début du vingtième siècle, entre 1905 et 1925, en Allemagne et dans d’autres pays centraux de l’Europe germanique et austro-hongroise, lié au fauvisme français comme un art expressif et émotionnel diamétralement opposé à impressionnisme. Il a été réuni dans la décennie de 1910 autour de deux groupes: Die Brücke (Le Pont) et Der Blaue Reiter (Le Cavalier Bleu). Dans le même temps, le groupe Sécession a développé son activité à Vienne, qui comprenait entre autres Gustav Klimt, Oskar Kokoschka et Egon Schiele. En Allemagne, le plus grand représentant de l’expressionnisme était Edvard Munch avec son œuvre The Scream (1893).

Dans les années 1920, l’expressionnisme a influencé d’autres arts. Le cabinet du Docteur Caligari (Robert Wiene, 1919) et Nosferatu, le vampire (Friedrich Wilhelm Murnau, 1921) ont initié l’expressionnisme cinématographique, et les poètes Georg Trakl et Rainer Maria Rilke ont pris le mouvement vers le lyrisme. Fréquemment, il a également été inclus dans ce mouvement en dehors de l’œuvre littéraire énigmatique de Franz Kafka.

Entre les principes de ce courant artistique ils sont indiqués: la reconstruction de la réalité, la relation de l’expression littéraire avec les arts plastiques et la musique et l’expression de l’angoisse du monde et de la vie à travers des romans et des drames où est parlé des limites sociales imposées à la liberté de l’homme. Il vise à exprimer les philias et les phobies de l’être humain. Par conséquent, il ne nécessite pas une bonne technique ou un résultat esthétiquement beau.

Il ressemblerait fondamentalement à la théorie esthétique aux idées réalistes, aux vieilles idées impressionnistes apparues en Europe dans les vingt dernières années du XIXème siècle, et poserait que la réalité n’est pas fondamentalement ce que nous voyons à l’extérieur, mais ce qui surgit dans notre intériorité quand nous voyons, percevons, intuitions ou produisons quelque chose de nouveau.

Fauvisme
Le fauvisme était un mouvement d’origine française qui s’est développé entre 1904 et 1908, environ.

L’important Salon d’Automne de 1905 fut la première exposition du groupe dont l’objectif était, linguistiquement, la synthèse des formes et des couleurs. La représentation des objets immergés dans la lumière du soleil n’était pas recherchée, mais plutôt les images les plus libres qui résultaient de la superposition de couleurs équivalentes à cette lumière. En effet, les Fauves considéraient que les sentiments pouvaient s’exprimer par la couleur. Henri Matisse était l’un des plus grands représentants de cette avant-garde.

Cubisme
Le cubisme est né en France en 1906. Ses principales caractéristiques sont l’association d’éléments impossibles à concrétiser, le déroulement de l’auteur, la disposition graphique des mots, la substitution du sentimental à l’humour et la joie et le portrait de la réalité à travers des figures géométriques . Les inspirateurs du mouvement étaient Pablo Picasso et Georges Braque. Juan Gris, María Blanchard, Fernand Léger, Jean Metzinger et Albert Gleizes furent parmi les principaux maîtres, mais Paul Cézanne aurait déjà marqué le chemin.

Parmi les techniques utilisées, il y a le collage, et principalement la décomposition des images en figures géométriques pour représenter l’objet dans son intégralité, y compris tous ses plans, dans l’œuvre.

Il a eu deux étapes: un cubisme analytique, qui a cherché la décomposition totale de l’objet, et un cubisme synthétique, dans lequel la perspective est écartée pour représenter tous les plans de l’objet dans le même travail. En poésie, son style le plus populaire était la calligraphie, dont le principal représentant était Guillaume Apollinaire.

Futurisme
Le futurisme est un mouvement initial de courants artistiques d’avant-garde, né à Milan (Italie) du poète italien Filippo Tommaso Marinetti, qui compila et publia les principes du futurisme dans le manifeste du 20 février 1909 du journal Le Figaro de Paris. L’année suivante, les artistes italiens Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo et Mario Jordano ont signé le Manifeste du Futurisme.

Bien qu’il ait eu une courte existence, jusqu’en 1944 se terminant avec la mort de Marinetti, son influence peut être vu dans les œuvres de Marcel Duchamp, Fernand Léger et Robert Delaunay à Paris, ainsi que dans le constructivisme russe et le futurisme. Les textes futuristes ont apporté un nouveau mythe: la machine.

Ce mouvement a rompu avec la tradition, le passé et les signes conventionnels de l’histoire de l’art. Il considérait le courage, l’audace et la révolution comme les principaux éléments de la poésie, puisqu’il proclamait le mouvement agressif, l’insomnie fiévreuse, le pas de gymnastique, le saut dangereux et la gifle.

Selon son manifeste, ses postulats étaient l’exaltation du sensuel, le national et le guerrier, l’adoration de la machine, le portrait de la réalité en mouvement, l’objectif de la littérature et la disposition particulière de l’écrit, afin de donner C’est une expression plastique Il a rejeté l’esthétique traditionnelle et a essayé de vanter la vie contemporaine, à partir de ses deux thèmes dominants: la machine et le mouvement.

Dadaïsme
Il a surgi à Zurich, en Suisse, entre 1916 et 1922. Hugo Ball et Tristan Tzara ont été notés en tant que fondateurs et principaux exposants. Le mouvement a grandi et s’est rapidement propagé à Berlin et à Paris. L’une des raisons qui a conduit à l’émergence de la DADA a été l’extrême violence et la perte de sens apportée par la Première Guerre mondiale. Se révoltant contre le statu quo, les conventions littéraires et artistiques et rejetant les conventions de la société gentrifiée – qu’ils considéraient égoïstes et apathiques – les dadaïstes ont fait de leur art un modus vivendi.

Le poème dadaïste était une succession de mots et de sons, ce qui rend difficile la recherche de la logique. Il se distinguait par une inclination vers l’incertain et l’absurde. D’autre part, la procédure dadaïste visait à renouveler l’expression par l’utilisation de matériaux inhabituels, ou en manipulant des plans de pensées auparavant non-mélangeables, avec un ton général de rébellion ou de destruction.

Ultraism
L’ultraism est apparu en Espagne entre 1918 et 1922, promu par Rafael Cansinos Assens, en réaction au modernisme.

C’était l’un des mouvements les plus projetés dans le monde hispanophone, contribuant à l’utilisation du vers libre, à l’interdiction de l’anecdote et au développement de la métaphore, qui deviendrait le principal centre expressif.

Surréalisme
Excision du dadaïsme, dont le représentant principal était André Breton. Le mouvement surréaliste était organisé en France dans les années 1920 autour d’André Bretón qui, inspiré par Sigmund Freud, était intéressé à découvrir les mécanismes de l’inconscient et à dépasser le réel au moyen de l’imaginaire et de l’irrationnel. De lui et des temps où il l’a rencontré, il a parlé dans « Les vases communicants », un titre emblématique qui deviendrait une métaphore pour une partie de son esthétique créative, ainsi que l’automatisme ou l’écriture automatique, à travers laquelle ils expérimenteraient le rêve et le spiritualisme, cherchant à trouver de l’art pur, non contaminé par la conscience.

Estridentismo
L’estridentismo est né du mélange de divers mouvements. Il a eu lieu entre 1922 et 1927 au Mexique et se caractérisait par la modernité, le cosmopolitisme et l’urbain, ainsi que par la non-conformité, l’humour noir, le snobisme, l’irrévérence et le rejet de tout ce qui était ancien. Son antécédent immédiat était le futurisme russe. Germán List Arzubide et Manuel Maple figurent parmi ses représentants les plus importants.

Arieldentismo
L’arieldentismo est un mouvement philosophique qui posait fondamentalement que sont les êtres humains, dans une forme individuelle, ceux qui créent le sens et l’essence de leurs vies. Il a émergé comme un mouvement dans la littérature et la philosophie du XXe siècle, héritier des arguments de philosophes tels que Sören Kierkegaard, Friederich Nietzsche et Miguel de Unamuno.

Ce mouvement décrit généralement l’absence d’une force transcendantale; Cela signifie que l’individu est libre et, par conséquent, totalement responsable de ses actes, sans la présence d’une force supérieure qui pourrait déterminer ses actions. Ceci attribue aux humains la création d’une éthique de la responsabilité individuelle, en dehors de tout système de croyance externe à celle-ci. Cette articulation personnelle de l’être est la seule voie existante pour surmonter, en général, les religions qui traitent de la souffrance, de la mort et de la fin de l’individu.