Baroque

Le baroque est un style d’architecture, de musique, de danse, de peinture, de sculpture et d’autres arts qui a prospéré en Europe du début du XVIIe siècle jusqu’aux années 1740. Dans les territoires des empires espagnol et portugais, y compris la péninsule ibérique, elle a continué, avec de nouveaux styles, jusqu’à la première décennie des années 1800. Il a suivi l’art de la Renaissance et le maniérisme et a précédé les styles rococo (dans le passé souvent appelés « baroque tardif ») et néoclassique. Il a été encouragé par l’Église catholique comme moyen de contrer la simplicité et l’austérité de l’architecture, de l’art et de la musique protestants, bien que l’art baroque luthérien se soit également développé dans certaines parties de l’Europe.

Le style baroque a utilisé le contraste, le mouvement, les détails exubérants, les couleurs profondes, la grandeur et la surprise pour créer un sentiment d’admiration. Le style a commencé au début du XVIIe siècle à Rome, puis s’est rapidement étendu à la France, au nord de l’Italie, à l’Espagne et au Portugal, puis à l’Autriche, au sud de l’Allemagne et à la Russie. Dans les années 1730, il avait évolué vers un style encore plus flamboyant, appelé rocaille ou rococo, qui est apparu en France et en Europe centrale jusqu’au milieu à la fin du XVIIIe siècle.

Aperçu

Baroque: un concept polysémique
Le terme « baroque » vient d’un mot d’origine portugaise (barrôco), dont le féminin appelait des perles de forme irrégulière (comme en espagnol le mot « barruecas »). C’était à l’origine un mot désobligeant qui désignait un type d’art fantaisiste, bombastique, excessivement surchargé. C’est ainsi qu’il apparaît pour la première fois dans le Dictionnaire de Trévoux (1771), qui définit «en peinture, une peinture ou une figure du goût baroque, où les règles et les proportions ne sont pas respectées et où tout est représenté au gré du artiste ».

Une autre théorie le dérive du nom baroque, un syllogisme d’origine aristotélicienne de la philosophie scolastique médiévale, qui dénote une ambiguïté qui, basée sur un contenu logique faible, confond le vrai avec le faux. Ainsi, cette figure indique un type de raisonnement pédant et artificiel, généralement sur un ton sarcastique et non sans controverse. En ce sens, Francesco Milizia l’a appliqué dans son Dizionario delle belle arti del disegno (1797), où il exprime que «le baroque est le superlatif du bizarre, l’excès de ridicule».

Le terme « baroque » a été utilisé à partir du XVIIIe siècle dans un sens péjoratif, pour souligner l’excès d’accentuation et l’abondance de l’ornementation, contrairement à la rationalité la plus claire et la plus sobre des Lumières. À cette époque, le baroque était synonyme d’autres adjectifs comme « absurde » ou « grotesque ». Les penseurs éclairés ont vu dans les réalisations artistiques du siècle précédent une manipulation des préceptes classicistes, si proche de leur conception rationaliste de la réalité, de sorte que leur critique de l’art du XVIe siècle a transformé le terme « baroque » en un concept péjoratif: dans son Dictionnaire d’Architecture (1792), Antoine Chrysostome Quatremère de Quincyhe définit le baroque comme «une nuance de l’extravagant. C’est, si vous voulez, son raffinement ou si l’on peut dire, son abus. Quelle sévérité est à la sagesse du goût, le baroque est à l’étrange, c’est-à-dire qu’il est son superlatif. L’idée du baroque implique celle du ridicule conduit à l’excès ».

Cependant, l’historiographie de l’art tendit plus tard à revaloriser le concept du baroque et à le valoriser pour ses qualités intrinsèques, en même temps qu’il commençait à traiter le baroque comme une période spécifique de l’histoire de la culture occidentale. Le premier à rejeter la signification négative du baroque fut Jacob Burckhardt (Cicerone, 1855), déclarant que «l’architecture baroque parle le même langage de la Renaissance, mais dans un dialecte dégénéré».

Bien qu’il ne s’agisse pas d’une déclaration élogieuse, elle a ouvert la voie à des études plus objectives, telles que celles de Cornelius Gurlitt (Geschichte des Barockstils in Italien, 1887), August Schmarsow (Barock und Rokoko, 1897), Alois Riegl (Die Entstehung der Barockkunst in Rom , 1908) et Wilhelm Pinder (Deutscher Barock, 1912), dont le point culminant est l’œuvre de Heinrich Wölfflin (Renaissance und Barock, 1888; Kunstgeschichtliche Grundbegriffe, 1915), le premier Il confère au baroque une autonomie stylistique propre et différenciée, soulignant ses propriétés et caractéristiques stylistiques d’une manière réévaluée. Plus tard, Benedetto Croce (Saggi sulla letteratura italiana del Seicento, 1911) a effectué une étude historiciste du baroque, l’encadrant dans son contexte socio-historique et culturel, et essayant de ne faire aucun jugement de valeur. Cependant, dans Storia dell’età barocca in Italia (1929), il donne une fois de plus un caractère négatif au baroque, qu’il qualifie de « décadent », juste au moment où de nombreux traités qui naissent revendiquent la valeur artistique de l’époque, tels que Der Barock als Kunst der Gegenreformation (1921), par Werner Weisbach, Österreichische Barockarchitektur (1930) par Hans Sedlmayr ou Art religieux après le Concile de Trente (1932), par Émile Mâle.

Des études ultérieures ont définitivement établi le concept actuel de baroque, avec des mises en garde mineures, telles que la distinction faite par certains historiens entre « baroque » et « baroque », la première étant la phase classique, pure et primitive de l’art du XVIIe siècle, et la ensuite une phase maniérée, rechargée et exagérée, qui convergerait avec le Rococó – de la même manière que le maniérisme serait la phase maniérée de la Renaissance -. En ce sens, Wilhelm Pinder (Das Problem der Generation in der Kunstgeschichte, 1926) fait valoir que ces styles «générationnels» se succèdent sur la base de la formulation et de la déformation ultérieure de certains idéaux culturels: tout comme le maniérisme jouait avec les formes classiques de Renaissance d’un style humaniste et classiciste, le baroque représentait une reformulation dans la clé formaliste du substrat idéologique baroque, basée principalement sur l’absolutisme et la contre-réforme.

En revanche, contre le baroque comme une certaine période de l’histoire de la culture, au début du XXe siècle émerge un second sens, celui du « baroque » comme phase présente dans l’évolution de tous les styles artistiques. Nietzsche affirmait déjà que « le style baroque surgit à chaque fois qu’un grand art meurt ». Le premier à donner au baroque un sens esthétique transhistorique est Heinrich Wölfflin (Kunstgeschichtliche Grundbegriffe, 1915), qui établit un principe général d’alternance entre le classicisme et le baroque, qui régit l’évolution des styles artistiques.

Le témoin a été recueilli par Eugenio d’Ors (The Baroque, 1936), qui l’a défini comme un « eon », une forme d’art transhistorique (« le baroque » contre « le baroque » comme période), une modalité récurrente à travers l’histoire de l’art par opposition au classique. Si le classicisme est un art rationnel, masculin, apollinien, le baroque est irrationnel, féminin, dionysiaque. Pour d’Ors, «les deux aspirations [classicisme et style baroque] se complètent. Un style d’économie et de raison prend place, et un autre musical et abondant. L’un est attiré par les formes stables et lourdes, l’autre par les formes arrondies et montantes. De l’un à l’autre, il n’y a ni pourriture ni dégénérescence. Ce sont deux formes éternelles de sensibilité ».

Contexte historique et culturel
Le XVIIe siècle a été généralement une période de dépression économique, conséquence de l’expansion prolongée du siècle précédent causée principalement par la découverte de l’Amérique. De mauvaises récoltes ont entraîné une augmentation du prix du blé et d’autres produits de base, avec des famines ultérieures. Le commerce a stagné, surtout dans la région méditerranéenne, et n’a prospéré qu’en Angleterre et aux Pays-Bas grâce au commerce avec l’Est et à la création de grandes sociétés commerciales, qui ont jeté les bases du capitalisme et la montée de la bourgeoisie. La mauvaise situation économique a été aggravée par les fléaux de peste qui ont ravagé l’Europe au milieu du XVIIe siècle, qui ont particulièrement touché la région méditerranéenne. Un autre facteur qui a engendré la misère et la pauvreté a été les guerres, causées principalement par la confrontation entre catholiques et protestants, comme c’est le cas de la guerre de Trente Ans (1618-1648). Tous ces facteurs ont provoqué un appauvrissement grave de la population; dans de nombreux pays, le nombre de pauvres et de mendiants atteint le quart de la population.

D’autre part, la puissance hégémonique en Europe est passée de l’Espagne impériale à la France absolutiste, qui après la paix de Westphalie (1648) et la paix des Pyrénées (1659) s’est consolidée comme l’État le plus puissant du continent, pratiquement incontesté jusqu’à la l’essor de l’Angleterre au XVIIIe siècle. Ainsi, la France des Luises et la Rome papale étaient les noyaux principaux de la culture baroque, comme centres de pouvoir politique et religieux – respectivement – et centres de diffusion de l’absolutisme et de la contre-réforme. L’Espagne, bien qu’en déclin politique et économique, a néanmoins connu une splendide période culturelle – le soi-disant âge d’or – qui, bien que marquée par son aspect religieux de prosélytisme contre-réformiste incontournable, avait une forte composante populaire, et a apporté à la fois la littérature et le plastique arts à des niveaux élevés de qualité. Dans le reste des pays où la culture baroque est arrivée (Angleterre, Allemagne, Pays-Bas), son implantation était irrégulière et avec différents cachets propres à ses caractéristiques nationales distinctives.

Le baroque a été forgé en Italie, principalement au siège pontifical de Rome, où l’art a été utilisé comme moyen de propagande pour la diffusion de la doctrine contre-réformiste. La Réforme protestante a plongé l’Église catholique dans une crise profonde au cours de la première moitié du XVIe siècle, qui a mis en évidence à la fois la corruption dans de nombreuses couches ecclésiastiques et la nécessité d’un renouvellement du message et du travail catholiques, ainsi qu’une approche plus grande des fidèles. . Le Concile de Trente (1545-1563) a été organisé pour contrer l’avancée du protestantisme et consolider le culte catholique dans les pays où il prévalait encore, jetant les bases du dogme catholique (sacerdoce sacramentel, célibat, culte de la Vierge et des saints, usage liturgique du latin) et la création de nouveaux instruments de communication et d’expansion de la foi catholique, en mettant un accent particulier sur l’éducation, la prédication et la diffusion du message catholique, qui a acquis un timbre de propagande fort – pour lequel la Congrégation pour la propagation de la foi a été créée . Cette idée a été incarnée dans la Société de Jésus nouvellement fondée, qui par la prédication et l’enseignement a eu une diffusion remarquable et rapide à travers le monde, ralentissant l’avancée du protestantisme et récupérant de nombreux territoires pour la foi catholique (Autriche, Bavière, Suisse, Flandre, Pologne).

Un autre effet de la contre-réforme a été la consolidation de la figure du pape, dont le pouvoir a été renforcé, et qui a abouti à un ambitieux programme d’expansion urbaine et de rénovation de Rome, en particulier de ses églises, avec un accent particulier sur la basilique Saint-Pierre .et ses environs. L’Église était le plus grand commissaire artistique de l’époque, et a utilisé l’art comme un cheval de bataille de la propagande religieuse, étant un moyen populaire facilement accessible et intelligible. L’art a été utilisé comme véhicule d’expression ad maiorem Dei et Ecclesiae gloriam, et des papes tels que Sixte V, Clément VIII, Paul V, Grégoire XV, Urbain VIII, Innocent X et Alexandre VII sont devenus de grands mécènes et ont conduit à de grandes améliorations et constructions . dans la ville éternelle, déjà alors classée comme triomphante rom, caput mundi (« Rome triomphante, tête du monde »).

Culturellement, le baroque a été une période de grandes avancées scientifiques: William Harvey a vérifié la circulation du sang; Galileo Galilei a perfectionné le télescope et consolidé la théorie héliocentrique établie au siècle précédent par Copernic et Kepler; Isaac Newton a formulé la théorie de la gravitation universelle; Evangelista Torricelli a inventé le baromètre. Francis Bacon a établi la méthode expérimentale avec son Novum Organumas comme base de la recherche scientifique, jetant les bases de l’empirisme. De son côté, René Descartes a conduit la philosophie vers le rationalisme, avec son fameux «je pense, donc je suis».

En raison des nouvelles théories héliocentriques et de la perte conséquente du sentiment anthropocentrique typique de l’homme de la Renaissance, l’homme baroque a perdu la foi dans l’ordre et la raison, dans l’harmonie et la proportion; la nature, non réglementée et ordonnée, mais libre et volubile, mystérieuse et incompréhensible, est devenue une source directe d’inspiration pour la mentalité baroque. Perdant la foi dans la vérité, tout devient apparent et illusoire (Calderón: la vie est un rêve); Il n’y a plus rien de révélé, donc tout doit être étudié et expérimenté. Descartes a tourné le doute sur le point de départ de son système philosophique: «considérant que toutes les pensées qui nous viennent à l’éveil peuvent aussi nous arriver pendant le sommeil, sans qu’elles soient vraies, j’ai résolu de prétendre que toutes les choses qui jusque-là étaient entrées dans mon l’esprit, elles n’étaient pas plus vraies que les illusions de mes rêves. »(Discours sur la méthode, 1637). Ainsi, alors que la science se cantonne à la recherche de la vérité, l’art est orienté vers l’expression de l’imaginaire, du désir d’infini baroque d’où le goût des effets d’optique et des jeux illusoires, des constructions éphémères et de la valeur du transitoire, ou le goût du suggestif et du séduisant dans la poésie, du merveilleux, du sensuel et de l’évocateur, des effets linguistiques et syntaxiques, du la force de l’image et la puissance de la rhétorique, revitalisées par la revendication d’auteurs comme Aristote ou Cicéron.

La culture baroque était, selon la définition de José Antonio Maravall, «dirigée» – centrée sur la communication -, «massive» – de caractère populaire – et «conservatrice» – pour maintenir l’ordre établi. Tout moyen d’expression artistique doit être principalement didactique et séduisant, il doit facilement atteindre le public et il doit l’exciter, le mettre en accord avec le message qu’il transmet, un message mis au service des instances de pouvoir – politique ou religieux – qui était celui qui l’a payé. les coûts de production des œuvres artistiques, puisque l’Église et l’aristocratie – également naissante la bourgeoisie – étaient les principaux clients des artistes et des écrivains. Si l’Église a voulu transmettre son message contre-réformiste, les monarchies absolues ont vu dans l’art un moyen de magnifier leur image et de montrer leur pouvoir,

Pour cette raison et malgré la crise économique, l’art a prospéré grâce surtout au mécénat ecclésiastique et aristocratique. Les cours des États monarchiques – en particulier les absolutistes – ont privilégié l’art comme moyen de capter la magnificence de leurs royaumes, un instrument de propagande qui attestait de la grandeur du monarque (un exemple paradigmatique est la construction de Versailles par Louis XIV). La montée de la collection, qui a conduit à la circulation des artistes et des œuvres d’art à travers le continent européen, a conduit à l’essor du marché de l’art. Certains des principaux collectionneurs d’art de l’époque étaient des monarques, tels que l’empereur Rudolph II, Carlos I d’Angleterre, Felipe IV d’Espagne ou la reine Cristina de Suède. Le marché artistique s’est particulièrement développé, se concentrant principalement sur les néerlandais (Anvers et Amsterdam) et l’allemand (Nuremberg et Augsbourg). Les académies d’art ont également proliféré – à la suite de celles qui ont émergé en Italie au XVIe siècle – en tant qu’institutions chargées de préserver l’art en tant que phénomène culturel, de réglementer son étude et sa conservation, et de le promouvoir à travers des expositions et des concours; les principales académies qui ont émergé au 17ème siècle étaient l’Académie Royale d’Art, fondée à Paris en 1648, et l’Akademie der Künste à Berlin (1696).

Le style baroque
Le baroque était un style hérité de scepticisme maniériste, qui se reflétait dans un sentiment de fatalité et de drame chez les auteurs de l’époque. L’art est devenu plus artificiel, plus orné, décoratif, orné. Il a souligné l’utilisation illusionniste des effets optiques; la beauté a cherché de nouvelles façons d’expression et les effets étonnants et surprenants sont devenus pertinents. De nouveaux concepts esthétiques tels que « esprit », « perspicacité » ou « netteté » ont émergé. Dans la conduite personnelle, l’aspect extérieur a été particulièrement souligné, de sorte qu’il reflète une attitude hautaine, élégante, raffinée et exagérée qui a pris le nom de préciosité.

Selon Wölfflin, le baroque se définit principalement par opposition à la Renaissance: par rapport à la vision linéaire de la Renaissance, la vision baroque est picturale; par rapport à la composition en plans, celle basée sur la profondeur; devant la forme fermée, la forme ouverte; devant l’unité de composition basée sur l’harmonie, la subordination à un motif principal; par rapport à la clarté absolue de l’objet, la clarté relative de l’effet. Ainsi, le baroque «est le style du point de vue pictural avec perspective et profondeur, qui soumet la multiplicité de ses éléments à une idée centrale, avec une vision illimitée et une obscurité relative qui évite les détails et les profils nets, à la fois être un style qui, au lieu de révéler son art, le cache ».

L’art baroque s’exprime stylistiquement de deux manières: d’une part, l’accent est mis sur la réalité, l’aspect banal de la vie, la vie quotidienne et la nature éphémère de la vie, qui s’est matérialisée dans une certaine « vulgarisation » du phénomène religieux catholique pays, ainsi qu’un plus grand goût pour les qualités sensibles du monde environnant chez les protestants; d’autre part, une vision grandiose et exaltée des concepts nationaux et religieux se manifeste comme une expression du pouvoir, qui se traduit par un goût pour le monumental, le somptueux et fleuri, le magnifique caractère donné à la royauté et à l’Église, souvent avec un timbre de propagande fort.

Le baroque était une culture de l’image, où tous les arts se sont réunis pour créer une œuvre d’art totale, avec une esthétique théâtrale et scénographique, une mise en scène qui révèle la splendeur du pouvoir dominant (Église ou État), avec certains des touches naturalistes mais dans un ensemble qui exprime dynamisme et vitalité. L’interaction de tous les arts exprime l’utilisation du langage visuel comme moyen de communication de masse, incarné dans une conception dynamique de la nature et de l’espace environnant.

L’une des principales caractéristiques de l’art baroque est sa nature illusoire et artificielle: « l’ingéniosité et le design sont l’art magique à travers lequel on peut tromper l’œil de l’étonnement » (Gian Lorenzo Bernini). Le visuel et l’éphémère ont été particulièrement appréciés, pour lesquels le théâtre et les différents genres d’arts du spectacle et de spectacles ont gagné en popularité: danse, pantomime, drame musical (oratoire et mélodrame), spectacles de marionnettes, acrobates, cirques, etc. le monde est un théâtre (theatrum mundi) et la vie une fonction théâtrale: « tout le monde est une scène, et tous les hommes et les femmes sont de simples acteurs » (comme vous voulez, William Shakespeare, 1599).

De même, il y avait une tendance à théâtraliser les autres arts, en particulier l’architecture. C’est un art qui repose sur l’inversion de la réalité: sur la «simulation», sur la transformation du faux en vrai et sur le «déguisement», en passant le vrai pour le faux. Les choses ne sont pas montrées telles qu’elles sont, mais comme elles voudraient qu’elles soient, surtout dans le monde catholique, où la Contre-Réforme a eu peu de succès, puisque la moitié de l’Europe s’est tournée vers le protestantisme. En littérature, il s’est manifesté en laissant libre cours à l’artifice rhétorique, comme moyen d’expression de propagande dans lequel la somptuosité du langage cherchait à refléter la réalité d’une manière plus sucrée, en recourant à des figures rhétoriques telles que la métaphore, le paradoxe, l’hyperbole, l’antithèse, l’hyperbaton. , ellipses, etc. Cette transposition de la réalité, qui est déformée et agrandie, altérée dans ses proportions et soumise au critère subjectif de la fiction, est également passée dans le domaine de la peinture, où le raccourci et la perspective illusionniste sont abusés pour le plus grand, effets saisissants. et surprenant.

L’art baroque a cherché à créer une réalité alternative à travers la fiction et l’illusion. Cette tendance avait son expression maximale dans la fête et la célébration ludique; des bâtiments tels que des églises ou des palais, ou un quartier ou une ville entière, sont devenus des théâtres de vie, des scénarios où la réalité et l’illusion se mélangeaient, où les sens étaient soumis à la tromperie et à l’artifice. À cet égard, l’Église contre-réformiste avait un rôle spécial, qui cherchait, par pompe et apparat, à montrer sa supériorité sur les Églises protestantes, avec des actes tels que des messes solennelles, des canonisations, des jubilés, des processions ou des dotations papales. Mais les célébrations de la monarchie et de l’aristocratie étaient tout aussi somptueuses, avec des événements tels que les couronnements, les mariages et les naissances royales, les funérailles, les visites d’ambassadeurs ou tout autre événement qui permettait au monarque de montrer son pouvoir d’admirer le peuple. Les festivals baroques étaient une conjugaison de tous les arts, de l’architecture et des arts plastiques à la poésie, la musique, la danse, le théâtre, les feux d’artifice, les compositions florales, les jeux d’eau, etc. Des architectes comme Bernini ou Pietro da Cortona, ou Alonso Cano et Sebastián Herrera Barnuevo en Espagne, a contribué leur talent à de tels événements, en concevant des structures, des chorégraphies, des illuminations et d’autres éléments, qui ont souvent servi de terrain d’essai pour de futures réalisations plus sérieuses: ainsi, la verrière pour la canonisation de sainte Élisabeth du Portugal a servi Bernini pour son conception future de la verrière de Saint-Pierre et de la quarantaine (Théâtre sacré jésuite) de Carlo Rainaldi était un modèle de l’église de Santa Maria in Campitelli.

Pendant le baroque, le caractère orné, artificiel et fleuri de l’art de cette époque révèle un sens vital transitoire, lié au memento mori, la valeur éphémère des richesses face à l’inévitabilité de la mort, parallèle au genre pictural de la vanitas. Ce sentiment a conduit à une appréciation vitaliste de la fugacité du moment, à profiter des légers moments de récréation que la vie accorde, ou à des célébrations et des actes solennels. Ainsi, les naissances, mariages, décès, actes religieux, ou les couronnements royaux et autres actes ludiques ou cérémoniels, ont été recouverts d’une pompe et d’un artifice de nature scénographique, où de grandes assemblées ont été produites qui réunissaient architecture et décorations pour fournir une magnificence éloquente à toute célébration, devenue un spectacle presque cathartique, où l’élément illusoire, l’atténuation de la frontière entre réalité et fantaisie, revêtait une importance particulière.

Il convient de noter que le baroque est un concept hétérogène qui ne présente pas une unité stylistique ni géographiquement ni chronologiquement, mais plutôt en son sein, diverses tendances stylistiques, principalement dans le domaine de la peinture. Les principaux seraient: le naturalisme, un style basé sur l’observation de la nature mais soumis à certaines directives établies par l’artiste, basées sur des critères moraux et esthétiques ou, tout simplement, dérivées de la libre interprétation de l’artiste lors de la conception de son œuvre; le réalisme, tendance issue de la stricte imitation de la nature, ni interprétée ni édulcorée, mais représentée dans les moindres détails jusqu’au moindre détail; le classicisme, actuel axé sur l’idéalisation et la perfection de la nature, évoquant des sensations fortes et des reflets profonds, avec l’aspiration à refléter la beauté dans toute sa plénitude.

Enfin, il convient de noter que dans le baroque de nouveaux genres picturaux sont apparus ou se sont développés. Si jusque-là la représentation de thèmes historiques, mythologiques ou religieux avait prédominé dans l’art, les profonds changements sociaux vécus au XVIIe siècle ont suscité l’intérêt pour de nouveaux thèmes, notamment dans les pays protestants, dont la moralité sévère empêchait la représentation d’images religieuses en les considérant comme de l’idolâtrie. .

D’un autre côté, l’essor de la bourgeoisie qui, pour souligner son statut investi de manière décisive dans l’art, a amené avec elle la représentation de thèmes nouveaux loin des scènes grandiloquentes préférées par l’aristocratie. Parmi les genres abondamment développés dans le baroque se distinguent les suivants: la peinture de genre, qui prend ses modèles de la réalité environnante, de la vie quotidienne, des thèmes ruraux ou urbains, des pauvres et des mendiants, des marchands et des artisans, ou des festivals et folkloriques réglages; le paysage, qui élève la représentation de la nature à une catégorie indépendante, qui jusque-là ne servait de toile de fond qu’à des scènes de personnages historiques ou religieux; le portrait, qui centre sa représentation sur la figure humaine, généralement avec une composante réaliste, bien que parfois non exempte d’idéalisation; la nature morte ou nature morte, qui consiste en la représentation d’objets inanimés, qu’il s’agisse de morceaux de trousseau domestique, de fleurs, de fruits ou d’autres aliments, de meubles, d’instruments de musique, etc .; et les vanitas, un type de nature morte qui fait allusion à la nature éphémère de l’existence humaine, généralement symbolisée par la présence de crânes ou de squelettes, ou de bougies ou de sabliers.

Architecture: origines et caractéristiques
L’architecture de style baroque est le résultat de doctrines adoptées par l’Église catholique lors du Concile de Trente en 1545-1563, en réponse à la Réforme protestante. La première phase de la contre-réforme avait imposé un style académique sévère à l’architecture religieuse, qui avait séduit les intellectuels mais pas la masse des fidèles. Le Conseil de Trente a plutôt décidé de faire appel à un public plus populaire et a déclaré que les arts devraient communiquer des thèmes religieux avec une implication directe et émotionnelle. L’art baroque luthérien s’est développé comme marqueur confessionnel de l’identité, en réponse au grand iconoclasme des calvinistes.

Les églises baroques ont été conçues avec un grand espace central, où les fidèles pouvaient être près de l’autel, avec un dôme ou une coupole au-dessus de la tête, permettant à la lumière d’éclairer l’église en dessous. Le dôme était l’une des caractéristiques symboliques centrales de l’architecture baroque illustrant l’union entre les cieux et la terre, l’intérieur de la coupole était richement décoré de peintures d’anges et de saints, et de statuettes d’anges en stuc, donnant l’impression à ceux ci-dessous de regarder vers le ciel. Une autre caractéristique des églises baroques est la quadratura; peintures en trompe-l’œil au plafond dans des cadres en stuc, réels ou peints, remplis de peintures de saints et d’anges et reliés par des détails architecturaux avec les balustrades et les consoles. Les peintures en quadratura d’Atlantes sous les corniches semblent soutenir le plafond de l’église. Contrairement aux plafonds peints de Michel-Ange dans la chapelle Sixtine, qui combinaient différentes scènes, chacune avec sa propre perspective, à regarder une à la fois, les peintures du plafond baroque ont été soigneusement créées pour que le spectateur sur le sol de l’église puisse voir la tout le plafond dans une perspective correcte, comme si les chiffres étaient réels.

Les intérieurs des églises baroques sont devenus de plus en plus ornés dans le haut baroque et se sont concentrés autour de l’autel, généralement placé sous le dôme. Les œuvres décoratives baroques les plus célèbres du haut baroque sont la Chaire de Saint-Pierre (1647–53) et le Baldachino de Saint-Pierre (1623–34), toutes deux de Gian Lorenzo Bernini, dans la basilique Saint-Pierre de Rome. Le Baldequin de Saint-Pierre est un exemple de l’équilibre des contraires dans l’art baroque; les proportions gigantesques de la pièce, avec la légèreté apparente de la verrière; et le contraste entre les colonnes solides torsadées, le bronze, l’or et le marbre de la pièce avec les draperies fluides des anges sur la verrière. La Frauenkirche de Dresde est un exemple éminent de l’art baroque luthérien, achevé en 1743 après avoir été commandé par le conseil municipal luthérien de Dresde et « comparé par des observateurs du XVIIIe siècle à Saint-Pierre de Rome ».

La colonne torsadée à l’intérieur des églises est l’un des traits caractéristiques du baroque. Il donne à la fois une sensation de mouvement et une nouvelle façon spectaculaire de réfléchir la lumière. Le cartouche était une autre caractéristique de la décoration baroque. C’étaient de grandes plaques sculptées de marbre ou de pierre, généralement ovales et avec une surface arrondie, qui portaient des images ou du texte en lettres dorées, et ont été placées comme décoration intérieure ou au-dessus des portes des bâtiments, délivrant des messages à ceux en dessous. Ils ont montré une grande variété d’invention, et ont été trouvés dans tous les types de bâtiments, des cathédrales et des palais aux petites chapelles.

Les architectes baroques ont parfois utilisé la perspective forcée pour créer des illusions. Pour le Palazzo Spada à Rome, Borromini a utilisé des colonnes de taille décroissante, un sol rétréci et une statue miniature dans le jardin au-delà pour créer l’illusion qu’un passage faisait trente mètres de long, alors qu’il ne faisait en fait que sept mètres de long. Une statue à la fin du passage semble être grandeur nature, bien qu’elle ne mesure que soixante centimètres de haut. Borromini a conçu l’illusion avec l’aide d’un mathématicien.

Architecture baroque italienne
Le premier bâtiment à Rome à avoir une façade baroque a été l’église du Gesù en 1584; il était simple selon les normes baroques ultérieures, mais a marqué une rupture avec les façades traditionnelles de la Renaissance qui l’ont précédé. L’intérieur de cette église est resté très austère jusqu’au haut baroque, quand il a été richement orné.

À Rome en 1605, Paul V est devenu le premier d’une série de papes qui ont commandé des basiliques et des bâtiments d’église conçus pour inspirer l’émotion et la crainte à travers une prolifération de formes et une richesse de couleurs et d’effets dramatiques. Parmi les monuments les plus influents du début du baroque se trouvaient la façade de la basilique Saint-Pierre (1606-1619), et la nouvelle nef et la loggia qui reliaient la façade au dôme de Michel-Ange dans l’ancienne église. Le nouveau design a créé un contraste spectaculaire entre le dôme en flèche et la façade d’une largeur disproportionnée, et le contraste sur la façade elle-même entre les colonnes doriques et la grande masse du portique.

Du milieu à la fin du XVIIe siècle, le style a atteint son apogée, appelé plus tard le haut baroque. De nombreuses œuvres monumentales ont été commandées par les papes Urbains VIII et Alexandre VII. Le sculpteur et architecte Gian Lorenzo Bernini a conçu une nouvelle colonnade quadruple autour de la place Saint-Pierre (1656 à 1667). Les trois galeries de colonnes dans une ellipse géante équilibrent le dôme surdimensionné et donnent à l’église et à la place une unité et le sentiment d’un théâtre géant.

Un autre innovateur majeur du haut baroque italien était Francesco Borromini, dont l’œuvre majeure était l’église de San Carlo alle Quattro Fontane ou Saint Charles des Quatre Fontaines (1634-1646). Le sens du mouvement n’est pas donné par la décoration, mais par les murs eux-mêmes, qui ondulent et par des éléments concaves et convexes, y compris une tour ovale et un balcon insérés dans une traverse concave. L’intérieur était tout aussi révolutionnaire; l’espace principal de l’église était ovale, sous un dôme ovale.

Les plafonds peints, remplis d’anges et de saints et d’effets architecturaux en trompe-l’œil, étaient une caractéristique importante du haut baroque italien. Parmi les œuvres majeures, citons L’entrée de saint Ignace au paradis d’Andrea Pozzo (1685–1695) dans l’église Saint-Ignace de Rome et Le triomphe du nom de Jésus par Giovanni Battista Gaulli dans l’église du Gesù à Rome (1669–1669). 1683), qui présentait des figures débordant du cadre photo et un éclairage oblique dramatique et des contrastes clair-sombre. Le style s’est rapidement propagé de Rome à d’autres régions d’Italie: il est apparu à Venise dans l’église de Santa Maria della Salute (1631-1687) de Baldassare Longhena, une forme octogonale très originale couronnée d’une énorme coupole. Il est également apparu à Turin, notamment dans la chapelle du Saint Suaire (1668-1694) de Guarino Guarini. Le style a également commencé à être utilisé dans les palais; Guarini a conçu le Palazzo Carignano à Turin, tandis que Longhena a conçu le Ca ‘Rezzonico sur le Grand Canal, (1657), terminé par Giorgio Massari avec des peintures de Giovanni Battista Tiepolo. Une série de tremblements de terre massifs en Sicile a nécessité la reconstruction de la plupart d’entre eux et plusieurs ont été construits dans le style exubérant du baroque tardif ou du rococo.

Architecture baroque espagnole
L’Église catholique en Espagne, et en particulier les jésuites, ont été le moteur de l’architecture baroque espagnole. La première œuvre majeure de ce style fut la Chapelle San Isidro à Madrid, commencée en 1643 par Pedro de la Torre. Il contrastait une extrême richesse d’ornements à l’extérieur avec une simplicité à l’intérieur, divisée en plusieurs espaces et utilisant des effets de lumière pour créer un sentiment de mystère. La cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle a été modernisée avec une série d’ajouts baroques commençant à la fin du XVIIe siècle, en commençant par un clocher très orné (1680), puis flanqué de deux tours encore plus hautes et plus ornées, appelées Obradorio, ajoutées entre 1738 et 1750 par Fernando de Casas Novoa. Un autre point de repère du baroque espagnol est la tour de la chapelle du palais de San Telmo à Séville par Leonardo de Figueroa.

Grenade n’a été libérée des Maures qu’au XVe siècle et possède sa propre variété baroque. Le peintre, sculpteur et architecte Alonso Cano a conçu l’intérieur baroque de la cathédrale de Grenade entre 1652 et sa mort en 1657. Il présente des contrastes spectaculaires des colonnes blanches massives et du décor doré.

L’architecture la plus ornementale et richement décorée du baroque espagnol est appelée style churrigueresque, du nom des frères Churriguera, qui ont travaillé principalement à Salamanque et à Madrid. Leurs travaux comprennent les bâtiments de la place principale de la ville, la Plaza Mayor de Salamanque (1729). Ce style baroque hautement ornemental était très influent dans de nombreuses églises et cathédrales construites par les Espagnols dans les Amériques.

Pedro de Ribera, un élève de Churriguera, qui a conçu l’hospice royal de San Fernando à Madrid, et Narciso Tomé, qui a conçu le célèbre retable El Transparente de la cathédrale de Tolède (1729-1732), sont d’autres architectes baroques espagnols notables du baroque tardif. donne l’illusion, sous une certaine lumière, de flotter vers le haut.

Les architectes du baroque espagnol ont eu un effet bien au-delà de l’Espagne; leur travail a été très influent dans les églises construites dans les colonies espagnoles d’Amérique latine et des Philippines. L’église construite par les jésuites pour un collège à Tepotzotlán, avec sa façade et sa tour baroques ornées, en est un bon exemple.

Europe centrale et rococo (1740-1770)
De 1680 à 1750, de nombreuses cathédrales, abbayes et églises de pèlerinage très ornées ont été construites en Europe centrale, en Bavière, en Autriche, en Bohême et dans le sud-ouest de la Pologne. Certains étaient de style rococo, un style distinct, plus flamboyant et asymétrique qui a émergé du baroque, puis l’a remplacé en Europe centrale dans la première moitié du XVIIIe siècle, jusqu’à ce qu’il soit remplacé à son tour par le classicisme.

Les princes de la multitude d’États de cette région ont également choisi le baroque ou le rococo pour leurs palais et résidences, et ont souvent utilisé des architectes formés en Italie pour les construire. Parmi les architectes les plus connus figurent Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt et Dominikus Zimmermann en Bavière, Balthasar Neumann à Bruhl et Matthäus Daniel Pöppelmann à Dresde. En Prusse, Frédéric II de Prusse s’inspire du Grand Trianon du château de Versailles, et s’en sert comme modèle pour sa résidence d’été, Sanssouci, à Potsdam, conçue pour lui par Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745-1747). Une autre œuvre de l’architecture du palais baroque est le Zwinger à Dresde, l’ancienne orangerie du palais des ducs de Saxe au XVIIIe siècle.

L’un des meilleurs exemples d’une église rococo est la Basilika Vierzehnheiligen, ou Basilique des Quatorze Saints Assistants, une église de pèlerinage située près de la ville de Bad Staffelstein près de Bamberg, en Bavière, dans le sud de l’Allemagne. La basilique a été conçue par Balthasar Neumann et a été construite entre 1743 et 1772, son plan une série de cercles imbriqués autour d’un ovale central avec l’autel placé au centre exact de l’église. L’intérieur de cette église illustre le sommet de la décoration rococo.

Un autre exemple notable du style est l’église de pèlerinage de Wies (en allemand: Wieskirche). Il a été conçu par les frères J. B. et Dominikus Zimmermann. Il est situé dans les contreforts des Alpes, dans la municipalité de Steingaden dans le district de Weilheim-Schongau, en Bavière, en Allemagne. La construction a eu lieu entre 1745 et 1754, et l’intérieur a été décoré de fresques et de stucs dans la tradition de l’école Wessobrunner. C’est maintenant un site du patrimoine mondial de l’UNESCO.

Un autre exemple notable est l’église Saint-Nicolas (Malá Strana) à Prague (1704-1555), construite par Christoph Dientzenhofer et son fils Kilian Ignaz Dientzenhofer. La décoration couvre tous les murs de l’intérieur de l’église. L’autel est placé dans la nef sous le dôme central, et entouré de chapelles, la lumière descend du dôme au-dessus et des chapelles environnantes. L’autel est entièrement entouré d’arcs, de colonnes, de balustrades courbes et de pilastres en pierre colorée, richement décorés de statues, créant une confusion délibérée entre l’architecture réelle et la décoration. L’architecture se transforme en théâtre de lumière, de couleur et de mouvement.

En Pologne, le baroque polonais d’inspiration italienne a duré du début du 17e au milieu du 18e siècle et a souligné la richesse des détails et des couleurs. Le premier édifice baroque de la Pologne actuelle et probablement l’un des plus reconnaissables est l’église Saint-Pierre et Paul de Cracovie, conçue par Giovanni Battista Trevano. La colonne de Sigismond à Varsovie, érigée en 1644, était le premier monument baroque laïque du monde construit sous la forme d’une colonne. Le style de résidence palatiale a été illustré par le palais de Wilanów, construit entre 1677 et 1696. L’architecte baroque le plus célèbre actif en Pologne était le Néerlandais Tylman van Gameren et ses œuvres notables comprennent l’église St. Kazimierz de Varsovie et le palais Krasiński, Sainte-Anne à Cracovie et Palais Branicki à Bialystok. Cependant, l’œuvre la plus célèbre du baroque polonais est l’église de Fara à Poznań, avec des détails de Pompeo Ferrari.

Baroque ou classicisme français
La France a largement résisté au style baroque fleuri de l’Italie, de l’Espagne, de Vienne et du reste de l’Europe. Le style baroque français (souvent appelé Grand Classicisme ou simplement Classicisme en France) est étroitement associé aux œuvres construites pour Louis XIV et Louis XV; il présente un ordre et des mesures plus géométriques que baroques et une décoration moins élaborée sur les façades et les intérieurs. Louis XIV a invité le maître du baroque, le Bernin, à soumettre un dessin pour la nouvelle aile du Louvre, mais l’a rejeté en faveur d’un dessin plus classique de Claude Perrault et Louis Le Vau.

Les principaux architectes du style comprenaient François Mansart (Château de Balleroy, 1626-1636), Pierre Le Muet (Église du Val-de-Grâce, 1645-1665), Louis Le Vau (Vaux-le-Vicomte, 1657-1661) et surtout Jules Hardouin Mansart et Robert de Cotte, dont les travaux comprennent la Galerie des Glaces et le Grand Trianon à Versailles (1687-1688). Mansart est également responsable du classicisme baroque de la place Vendôme (1686-1699).

Le projet royal majeur de l’époque est l’expansion du château de Versailles, commencée en 1661 par Le Vau avec la décoration du peintre Charles Le Brun. Les jardins ont été conçus par André Le Nôtre spécifiquement pour compléter et amplifier l’architecture. La Galerie des Glaces, la pièce maîtresse du château, avec des peintures de Le Brun, a été construite entre 1678 et 1686. Mansart a achevé le Grand Trianon en 1687. La chapelle, conçue par de Cotte, a été achevée en 1710. Après la mort de Louis XIV, Louis XV a ajouté le Petit Trianon plus intime et le théâtre très orné. Les fontaines dans les jardins ont été conçues pour être vues de l’intérieur et pour ajouter à l’effet dramatique. Le palais a été admiré et copié par d’autres monarques d’Europe, en particulier Pierre le Grand de Russie, qui a visité Versailles au début du règne de Louis XV et a construit sa propre version au palais de Peterhof près de Saint-Pétersbourg, entre 1705 et 1725.

Baroque portugais
L’architecture baroque au Portugal a duré environ deux siècles (fin du XVIIe siècle et XVIIIe siècle). Les règnes de Jean V et de Joseph I avaient accru les importations d’or et de diamants, au cours d’une période appelée absolutisme royal, qui a permis au baroque portugais de s’épanouir.

L’architecture baroque au Portugal jouit d’une situation particulière et d’une chronologie différente du reste de l’Europe.

Elle est conditionnée par plusieurs facteurs politiques, artistiques et économiques, à l’origine de plusieurs phases, et différents types d’influences extérieures, résultant en un mélange unique, souvent mal compris par ceux qui recherchent l’art italien, trouvent à la place des formes et un caractère spécifiques qui lui confèrent un caractère unique. Variété portugaise. Un autre facteur clé est l’existence de l’architecture jésuite, également appelée «style simple» (Estilo Chão ou Estilo Plano) qui, comme son nom l’indique, est plus simple et semble quelque peu austère.

Les bâtiments sont des basiliques d’une pièce, une chapelle principale profonde, des chapelles latérales (avec de petites portes de communication), sans décoration intérieure et extérieure, un portail et des fenêtres très simples. C’est un bâtiment très pratique, ce qui lui permet d’être construit dans tout l’empire avec des ajustements mineurs, et prêt à être décoré plus tard ou lorsque les ressources économiques sont disponibles.

En fait, le premier baroque portugais ne manque pas de construction car le «style simple» est facile à transformer, par la décoration (peinture, carrelage, etc.), transformant les zones vides en scénarios baroques pompeux et élaborés. La même chose pourrait être appliquée à l’extérieur. Par la suite, il est facile d’adapter le bâtiment au goût du temps et du lieu et d’ajouter de nouvelles fonctionnalités et détails. Pratique et économique.

Avec plus d’habitants et de meilleures ressources économiques, le nord, en particulier les zones de Porto et Braga, a connu un renouveau architectural, visible dans la grande liste des églises, couvents et palais construits par l’aristocratie.

Porto est la ville baroque du Portugal. Son centre historique fait partie de la liste du patrimoine mondial de l’UNESCO.

Beaucoup d’œuvres baroques dans le quartier historique de la ville et au-delà appartiennent à Nicolau Nasoni, un architecte italien vivant au Portugal, dessinant des bâtiments originaux avec un emplacement scénographique tels que l’église et la tour de Clérigos, la logie de la cathédrale de Porto, l’église de Misericórdia, le palais de São João Novo, le palais de Freixo, le palais épiscopal (en portugais: Paço Episcopal do Porto) avec bien d’autres.

Baroque russe
Les débuts du baroque russe, ou baroque pétrinien, ont suivi une longue visite de Pierre le Grand en Europe occidentale en 1697–1698, où il a visité les châteaux de Fontainebleu et de Versailles ainsi que d’autres monuments architecturaux. Il a décidé, à son retour en Russie, de construire des monuments similaires à Saint-Pétersbourg, qui est devenue la nouvelle capitale de la Russie en 1712. Les premiers grands monuments du baroque pétrinien comprennent la cathédrale Pierre et Paul et le palais Menshikov.

Pendant le règne de l’impératrice Anna et d’Elizaveta Petrovna, l’architecture russe était dominée par le style baroque luxueux de Bartolomeo Rastrelli, né en Italie, qui est devenu le baroque élisabéthain. Les bâtiments emblématiques de Rastrelli comprennent le Palais d’hiver, le Palais Catherine et la cathédrale Smolny. D’autres monuments distinctifs du baroque élisabéthain sont le clocher de la laure Troitse-Sergiyeva et la porte rouge.

À Moscou, le baroque Narychkine s’est répandu, en particulier dans l’architecture des églises orthodoxes orientales à la fin du XVIIe siècle. C’était une combinaison du baroque d’Europe occidentale avec des styles folkloriques russes traditionnels.

Baroque dans les Amériques coloniales espagnoles et portugaises
En raison de la colonisation des Amériques par les pays européens, le baroque s’est naturellement déplacé vers le Nouveau Monde, trouvant un terrain particulièrement favorable dans les régions dominées par l’Espagne et le Portugal, les deux pays étant des monarchies centralisées et irréductiblement catholiques, par extension soumises à Rome et aux adhérents de le contre-réformiste baroque le plus typique. Les artistes européens ont émigré en Amérique et ont fait l’école, et avec la pénétration généralisée des missionnaires catholiques, dont beaucoup étaient des artistes qualifiés, ont créé un baroque multiforme souvent influencé par le goût populaire. Les artisans Criollo et Indidenous ont beaucoup fait pour donner à ce baroque des caractéristiques uniques. Les principaux centres de culture baroque américaine, qui sont toujours debout, sont (dans cet ordre) le Mexique, le Brésil, le Pérou, l’Équateur, Cuba, la Colombie, la Bolivie, le Guatemala et Porto Rico.

Il convient de noter en particulier le soi-disant « baroque missionnaire », développé dans le cadre des réductions espagnoles dans des zones s’étendant du Mexique et des parties sud-ouest des États-Unis actuels jusqu’au sud de l’Argentine et du Chili, colonies indigènes organisées par des catholiques espagnols missionnaires afin de les convertir à la foi chrétienne et de les cultiver dans la vie occidentale, formant un baroque hybride influencé par la culture indigène, où fleurissaient les Criollos et de nombreux artisans et musiciens indiens, même alphabétisés, dont certains avaient une grande capacité et un talent propre. Les récits des missionnaires répètent souvent que l’art occidental, en particulier la musique, a eu un impact hypnotique sur les forestiers, et les images des saints étaient considérées comme ayant de grands pouvoirs. De nombreux Indiens se sont convertis et une nouvelle forme de dévotion a été créée, d’une intensité passionnée, chargée de mysticisme, de superstition et de théâtralité, qui ravissait les messes festives, les concerts sacrés et les mystères.

L’architecture baroque coloniale en Amérique espagnole se caractérise par une décoration abondante (portail de l’église La Profesa, Mexico; façades recouvertes d’azulejos de style Puebla, comme dans l’église de San Francisco Acatepec à San Andrés Cholula et l’église du couvent de San Francisco de Puebla), qui sera exacerbée dans le style dit churrigueresque (façade du tabernacle de la cathédrale de Mexico, par Lorenzo Rodríguez; église de San Francisco Javier, Tepotzotlán; église de Santa Prisca de Taxco). Au Pérou, les constructions principalement développées dans les villes de Lima, Cusco, Arequipa et Trujillo depuis 1650 présentent des caractéristiques originales qui sont même avancées jusqu’au baroque européen, comme dans l’utilisation de murs rembourrés et de colonnes solomoniques (église de la Compañía de Jesús, Cusco; Basilique et couvent de San Francisco, Lima). D’autres pays incluent: la cathédrale métropolitaine de Sucre en Bolivie; Basilique cathédrale d’Esquipulas au Guatemala; La cathédrale de Tegucigalpa au Honduras; Cathédrale de León au Nicaragua; l’église de la Compañía de Jesús à Quito, Équateur; l’église de San Ignacio à Bogotá, Colombie; la cathédrale de Caracas au Venezuela; le Cabildo de Buenos Aires en Argentine; l’église de Saint-Domingue à Santiago, au Chili; et la cathédrale de La Havane à Cuba. Il convient également de rappeler la qualité des églises des missions jésuites espagnoles en Bolivie, des missions jésuites espagnoles au Paraguay, des missions espagnoles au Mexique et des missions franciscaines espagnoles en Californie.

Au Brésil, comme dans la métropole, au Portugal, l’architecture a une certaine influence italienne, généralement de type Borrominesque, comme on peut le voir dans la co-cathédrale de Recife (1784) et l’église de Nossa Senhora da Glória do Outeiro à Rio de Janeiro (1739). Dans la région du Minas Gerais, a souligné le travail d’Aleijadinho, auteur d’un groupe d’églises qui se distinguent par leur planimétrie incurvée, des façades aux effets dynamiques concaves-convexes et un traitement plastique de tous les éléments architecturaux (Église de São Francisco de Assis en Ouro Preto, 1765–1788).

Baroque dans l’Asie coloniale espagnole et portugaise
Dans les colonies portugaises de l’Inde (Goa, Daman et Diu), un style architectural de formes baroques mélangées à des éléments hindous a prospéré, comme la cathédrale de Goa et la basilique de Bom Jesus de Goa, qui abrite le tombeau de Saint François Xavier. L’ensemble des églises et des couvents de Goa a été déclaré site du patrimoine mondial en 1986.

Aux Philippines, qui faisait partie de l’Empire espagnol depuis longtemps, un grand nombre de constructions baroques sont préservées, y compris les églises baroques des Philippines dont quatre d’entre elles, et la ville baroque et néoclassique de Vigan, sont à la fois UNESCO World Sites du patrimoine. C’était également très remarquable la ville fortifiée de Manille (Intramuros). Tayabas est une autre ville avec un baroque de l’époque espagnole préservé.

La peinture
Les peintres baroques ont délibérément cherché à se démarquer des peintres de la Renaissance et de la période maniériste postérieure. Dans leur palette, ils ont utilisé des couleurs intenses et chaudes, et ont particulièrement utilisé les couleurs primaires rouge, bleu et jaune, mettant fréquemment les trois à proximité. Ils évitaient l’éclairage uniforme de la peinture de la Renaissance et utilisaient de forts contrastes de lumière et d’obscurité sur certaines parties de l’image pour attirer l’attention sur les actions centrales ou les figures.

Dans leur composition, ils évitaient les scènes tranquilles des peintures de la Renaissance et choisissaient les moments du plus grand mouvement et drame. Contrairement aux visages tranquilles des peintures de la Renaissance, les visages des peintures baroques expriment clairement leurs émotions. Ils ont souvent utilisé l’asymétrie, l’action se produisant loin du centre de l’image, et ont créé des axes qui n’étaient ni verticaux ni horizontaux, mais inclinés vers la gauche ou la droite, donnant un sentiment d’instabilité et de mouvement. Ils ont rehaussé cette impression de mouvement en faisant souffler les costumes des personnages par le vent, ou les faire bouger par leurs propres gestes. Les impressions générales étaient le mouvement, l’émotion et le drame. Un autre élément essentiel de la peinture baroque était l’allégorie; chaque tableau racontait une histoire et comportait un message, souvent chiffré en symboles et en caractères allégoriques, qu’un spectateur averti devait connaître et lire.

Les premières preuves des idées baroques italiennes dans la peinture se sont produites à Bologne, où Annibale Carracci, Agostino Carracci et Ludovico Carracci ont cherché à ramener les arts visuels au classicisme ordonné de la Renaissance. Leur art, cependant, incorporait également des idées au centre de la Contre-Réforme; il s’agissait notamment d’émotions intenses et d’images religieuses qui faisaient plus appel au cœur qu’à l’intellect.

Un autre peintre influent de l’époque baroque était Michelangelo Merisi da Caravaggio. Son approche réaliste de la figure humaine, peinte directement de la vie et dramatiquement éclairée sur un fond sombre, a choqué ses contemporains et a ouvert un nouveau chapitre dans l’histoire de la peinture. D’autres peintres majeurs associés étroitement au style baroque comprennent Artemisia Gentileschi, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo et Paolo de Matteis en Italie; Francisco de Zurbarán et Diego Velázquez en Espagne; Adam Elsheimer en Allemagne; et Nicolas Poussin et Georges de La Tour en France (bien que Poussin ait passé la majeure partie de sa vie professionnelle en Italie). Poussin et La Tour ont adopté un style baroque « classique » avec moins d’attention à l’émotion et une plus grande attention à la ligne des figures du tableau qu’à la couleur.

Peter Paul Rubens était le peintre le plus important du style baroque flamand. Les compositions très chargées de Rubens font référence à des aspects érudits de l’histoire classique et chrétienne. Son style baroque unique et immensément populaire met l’accent sur le mouvement, la couleur et la sensualité, qui suivent le style artistique dramatique immédiat promu dans la Contre-Réforme. Rubens s’est spécialisé dans la réalisation de retables, portraits, paysages et peintures d’histoire de sujets mythologiques et allégoriques.

Un domaine important de la peinture baroque était Quadratura, ou peintures en trompe-l’œil, qui « a trompé l’œil ». Ceux-ci étaient généralement peints sur le stuc des plafonds ou des murs supérieurs et des balustrades, et donnaient l’impression à ceux qui étaient au sol en levant les yeux qu’ils voyaient le ciel peuplé de foules d’anges, de saints et d’autres figures célestes, contre des cieux peints et architecture imaginaire.

En Italie, les artistes collaborent souvent avec des architectes sur la décoration intérieure; Pietro da Cortona était l’un des peintres du XVIIe siècle qui a utilisé cette façon illusionniste de peindre. Parmi ses commandes les plus importantes figurent les fresques qu’il a peintes pour le palais de la famille Barberini (1633-1639), afin de glorifier le règne du pape Urbain VIII. Les compositions de Pietro da Cortona sont les plus grandes fresques décoratives exécutées à Rome depuis le travail de Michel-Ange à la Chapelle Sixtine.

François Boucher était une figure importante du style rococo français plus délicat, apparu à la fin du baroque. Il conçoit des tapisseries, des tapis et des décors de théâtre ainsi que de la peinture. Son travail était extrêmement populaire auprès de Madame Pompadour, la maîtresse du roi Louis XV. Ses peintures présentent des thèmes mythologiques romantiques et légèrement érotiques.

Amériques coloniales
Dans les Amériques espagnoles, les premières influences provenaient du ténébrisme sévillan, principalement de Zurbarán – dont certaines œuvres sont encore préservées au Mexique et au Pérou – comme on peut le voir dans les travaux des Mexicains José Juárez et Sebastián López de Arteaga, et du Bolivien Melchor Pérez de Holguín. L’école de peinture de Cusco est née après l’arrivée du peintre italien Bernardo Bitti en 1583, qui a introduit le maniérisme dans les Amériques. Il a souligné le travail de Luis de Riaño, disciple de l’italien Angelino Medoro, auteur des peintures murales de l’église de San Pedro d’Andahuaylillas. Il a également mis en évidence les peintres indiens (Quechua) Diego Quispe Tito et Basilio Santa Cruz Pumacallao, ainsi que Marcos Zapata, auteur des cinquante grandes toiles qui couvrent les hautes arches de la cathédrale de Cusco. En Équateur, l’école de Quito a été créée, principalement représentée par le métis Miguel de Santiago et le criollo Nicolás Javier de Goríbar.

Au XVIIIe siècle, les retables sculpturaux ont commencé à être remplacés par des peintures, développant notamment la peinture baroque des Amériques. De même, la demande de travaux de génie civil, principalement des portraits des classes aristocratiques et de la hiérarchie ecclésiastique, a augmenté. L’influence principale était le Murillesque, et dans certains cas – comme dans le criollo Cristóbal de Villalpando – celui de Valdés Leal. La peinture de cette époque a un ton plus sentimental, avec des formes douces et plus douces. Il met en lumière Gregorio Vásquez de Arce en Colombie, ainsi que Juan Rodríguez Juárez et Miguel Cabrera au Mexique.

Sculpture
La figure dominante de la sculpture baroque était Gian Lorenzo Bernini. Sous le patronage du pape Urbain VIII, il réalise une remarquable série de statues monumentales de saints et de figures dont les visages et les gestes expriment avec éclat leurs émotions, ainsi que des bustes de portraits d’un réalisme exceptionnel, et des œuvres très décoratives pour le Vatican, dont l’imposante chaise de Saint-Pierre sous le dôme de la basilique Saint-Pierre. En outre, il a conçu des fontaines avec des groupes monumentaux de sculpture pour décorer les principales places de Rome.

La sculpture baroque a été inspirée par l’ancienne statuaire romaine, en particulier par la célèbre statue de Laocoön du premier siècle après JC, qui était exposée dans la galerie du Vatican. Lors de sa visite à Paris en 1665, Bernini s’adresse aux étudiants de l’Académie de peinture et de sculpture. Il a conseillé aux étudiants de travailler à partir de modèles classiques plutôt que de la nature. Il a dit aux étudiants: « Quand j’ai eu des problèmes avec ma première statue, j’ai consulté Antinous comme un oracle. »

Parmi les sculpteurs baroques français tardifs notables figuraient Étienne Maurice Falconet et Jean Baptiste Pigalle. Pigalle a été chargé par Frédéric le Grand de faire des statues pour la propre version de Versailles de Frédéric à Sanssouci à Potsdam, en Allemagne. Falconet a également reçu une importante commission étrangère, créant la célèbre statue de Pierre le Grand à cheval trouvée à Saint-Pétersbourg.

En Espagne, le sculpteur Francisco Salzillo a travaillé exclusivement sur des thèmes religieux, en utilisant du bois polychrome. Certains des plus beaux savoir-faire sculpturaux baroques ont été trouvés dans les autels en stuc doré des églises des colonies espagnoles du Nouveau Monde, fabriqués par des artisans locaux; les exemples incluent la chapelle du Rosaire de l’église de Saint-Domingue à Oaxaca, au Mexique (1724-1731).

Musique et ballet
Le terme baroque est également utilisé pour désigner le style de musique composé pendant une période qui chevauche celle de l’art baroque. Les premières utilisations du terme «baroque» pour la musique ont été des critiques. Dans une critique anonyme et satirique de la première en octobre 1733 d’Hippolyte et Aricie de Rameau, imprimée au Mercure de France en mai 1734, le critique laissa entendre que la nouveauté de cet opéra était «du barocque», se plaignant que la musique manquait de mélodie cohérente. , était rempli de dissonances ininterrompues, changeait constamment de clé et de compteur, et parcourait rapidement tous les appareils de composition. Jean-Jacques Rousseau, qui était musicien et compositeur réputé ainsi que philosophe, a fait une observation très similaire en 1768 dans le célèbre Encylopedié de Denis Diderot: « La musique baroque est celle dans laquelle l’harmonie est confuse, chargée de modulations et de dissonances . Le chant est dur et contre nature, l’intonation difficile et le mouvement limité. Il semble que le terme vient du mot « baroco » utilisé par les logiciens.  »

L’utilisation courante du terme pour la musique de l’époque n’a commencé qu’en 1919, par Curt Sachs, et ce n’est qu’en 1940 qu’il a été utilisé pour la première fois en anglais dans un article publié par Manfred Bukofzer.

Le baroque a été une période d’expérimentation musicale et d’innovation. De nouvelles formes ont été inventées, notamment le concerto et la sinfonia. L’opéra est né en Italie à la fin du 16ème siècle (avec le Dafne le plus perdu de Jacopo Peri, produit à Florence en 1598) et s’est rapidement répandu dans le reste de l’Europe: Louis XIV a créé la première Académie Royale de Musique, en 1669, le poète Pierre Perrin a ouvert une académie d’opéra à Paris, le premier théâtre d’opéra en France ouvert au public, et a créé Pomone, le premier grand opéra en français, avec la musique de Robert Cambert, avec cinq actes, des machines de scène élaborées et un ballet. Heinrich Schütz en Allemagne, Jean-Baptiste Lully en France et Henry Purcell en Angleterre ont tous contribué à établir leurs traditions nationales au XVIIe siècle.

Le ballet classique est également né à l’époque baroque. Le style de la danse de cour a été introduit en France par Marie de Médicis, et au début les membres de la cour eux-mêmes étaient les danseurs. Louis XIV lui-même se produit en public dans plusieurs ballets. En mars 1662, l’Académie Royale de Danse est fondée par le roi. C’était la première école et compagnie de danse professionnelle, et a établi les normes et le vocabulaire pour le ballet à travers l’Europe au cours de la période.

Plusieurs nouveaux instruments, dont le piano, ont été introduits au cours de cette période. L’invention du piano est attribuée à Bartolomeo Cristofori (1655-1731) de Padoue, en Italie, qui était employé par Ferdinando de ‘Medici, Grand Prince de Toscane, en tant que gardien des instruments. Cristofori a nommé l’instrument un cimbalo di cipresso di piano e forte (« un clavier de cyprès doux et fort »), abrégé au fil du temps par pianoforte, fortepiano, et plus tard, simplement, piano.

Théâtre
La période baroque était un âge d’or pour le théâtre en France et en Espagne; les dramaturges comprenaient Corneille, Racine et Molière en France; et Lope de Vega et Pedro Calderón de la Barca Espagne.

Pendant la période baroque, l’art et le style du théâtre évoluent rapidement, parallèlement au développement de l’opéra et du ballet. La conception de théâtres plus récents et plus grands, l’invention de l’utilisation de machines plus élaborées, l’utilisation plus large de l’arc du proscenium, qui encadrait la scène et cachait les machines au public, encourageait des effets et des spectacles plus scéniques.

Le baroque avait un caractère catholique et conservateur en Espagne, suivant un modèle littéraire italien à la Renaissance. Le théâtre baroque hispanique visait un contenu public avec une réalité idéale qui manifestait trois sentiments fondamentaux: la religion catholique, la fierté et l’honneur monarchistes et nationaux provenant du monde chevaleresque et chevaleresque.

Deux périodes sont connues dans le théâtre baroque espagnol, la division ayant lieu en 1630. La première période est représentée principalement par Lope de Vega, mais aussi par Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente ou Juan Pérez de Montalbán. La deuxième période est représentée par Pedro Calderón de la Barca et ses collègues dramaturges Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto et Francisco Bances Candamo . Ces classifications sont floues car chaque auteur avait sa propre voie et pouvait parfois adhérer à la formule établie par Lope. Il se peut même que la «manière» de Lope soit plus libérale et structurée que celle de Calderón.

Lope de Vega a présenté à travers son Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) la nouvelle comédie. Il a établi une nouvelle formule dramatique qui a brisé les trois unités d’Aristote de l’école de poésie italienne (action, temps et lieu) et une quatrième unité d’Aristote qui concerne le style, mélangeant des éléments tragiques et comiques montrant différents types de vers et de strophes sur ce qui est représenté. Bien que Lope ait une grande connaissance des arts plastiques, il ne l’a pas utilisé pendant la majeure partie de sa carrière ni en théâtre ou en scénographie. La comédie de Lope a accordé un deuxième rôle aux aspects visuels de la représentation théâtrale.

Tirso de Molina, Lope de Vega et Calderón étaient les auteurs de pièces de théâtre les plus importants de l’ère d’or en Espagne. Leurs œuvres, connues pour leur intelligence subtile et leur profonde compréhension de l’humanité d’une personne, pourraient être considérées comme un pont entre la comédie primitive de Lope et la comédie plus élaborée de Calderón. Tirso de Molina est surtout connu pour ses deux œuvres, The Convicted Suspicions et The Trickster of Seville, l’une des premières versions du mythe de Don Juan.

À son arrivée à Madrid, Cosimo Lotti a présenté à la cour espagnole les techniques théâtrales les plus avancées d’Europe. Ses techniques et connaissances mécaniques ont été appliquées dans des expositions de palais appelées « Fiestas » et dans des expositions somptueuses de rivières ou de fontaines artificielles appelées « Naumaquias ». Il a été chargé de styliser les jardins de Buen Retiro, de Zarzuela et d’Aranjuez et de construire le bâtiment théâtral de Coliseo del Buen Retiro.

Les formules de Lope commencent par un verset qui ne correspond pas à la fondation du théâtre du palais et à la naissance de nouveaux concepts qui ont commencé la carrière de certains auteurs comme Calderón de la Barca. Marquant les principales innovations de la Nouvelle Comédie Lopesienne, le style de Calderón a marqué de nombreuses différences, avec beaucoup de soin constructif et d’attention à sa structure interne. Le travail de Calderón est dans une perfection formelle et un langage très lyrique et symbolique. La liberté, la vitalité et l’ouverture de Lope ont donné un pas à la réflexion intellectuelle et à la précision formelle de Calderón. Dans sa comédie, il reflétait ses intentions idéologiques et doctrinales au-dessus de la passion et de l’action, le travail d’Autos sacramentales a atteint des rangs élevés. Le genre de Comedia est politique, multi-artistique et dans un sens hybride. Le texte poétique entrelacé avec des médias et des ressources provenant de l’architecture, de la musique et de la peinture, libérant la tromperie qui se trouve dans la comédie lopesienne, était composé du manque de paysage et engageait le dialogue de l’action.

Le dramaturge allemand le plus connu était Andreas Gryphius, qui a utilisé le modèle jésuite du Néerlandais Joost van den Vondel et Pierre Corneille. Il y avait aussi Johannes Velten qui combinait les traditions des comédiens anglais et de la commedia del’arte avec le théâtre classique de Corneille et Molière. Sa compagnie de tournée était peut-être la plus importante et la plus importante du XVIIe siècle.

Amériques coloniales espagnoles
Suite à l’évolution marquée de l’Espagne, à la fin du XVIe siècle, les entreprises de comédiens, essentiellement transhumants, ont commencé à se professionnaliser. Avec la professionnalisation est venue la régulation et la censure: comme en Europe, le théâtre a oscillé entre tolérance et même protection gouvernementale et rejet (à quelques exceptions près) ou persécution par l’Église. Le théâtre a été utile aux autorités comme instrument de diffusion des comportements et modèles souhaités, respect de l’ordre social et de la monarchie, école des dogmes religieux.

Les corrales ont été administrées au profit des hôpitaux qui partageaient les avantages des représentations. Les compagnies itinérantes (ou « de la ligue »), qui portaient le théâtre en scènes improvisées en plein air par les régions qui n’avaient pas de locaux fixes, avaient besoin d’une licence vice-royale pour travailler, dont le prix ou pinción était destiné à l’aumône et aux œuvres pieuses. . Pour les entreprises qui travaillaient de manière stable dans les capitales et les grandes villes, l’une de leurs principales sources de revenus était la participation aux festivités du Corpus Christi, qui leur procurait non seulement des avantages économiques, mais aussi une reconnaissance et un prestige social. Les représentations dans le palais vice-royal et les demeures de l’aristocratie, où elles représentaient à la fois les comédies de leur répertoire et des productions spéciales avec de grands effets d’éclairage, des décors et des scènes, étaient également une source importante d’œuvres prestigieuses et bien payées.

Né dans la vice-royauté de la Nouvelle-Espagne mais installé plus tard en Espagne, Juan Ruiz de Alarcón est la figure la plus en vue du théâtre baroque de la Nouvelle-Espagne. Malgré son accommodement à la nouvelle comédie de Lope de Vega, on a noté sa « laïcité marquée », sa discrétion et sa retenue et sa capacité de « pénétration psychologique » en tant que traits distinctifs d’Alarcón contre ses contemporains espagnols. Remarquable parmi ses œuvres La verdad sospechosa, une comédie de personnages qui reflète son constant objectif moralisateur. La production dramatique de Sor Juana Inés de la Cruz la place comme la deuxième figure du théâtre baroque hispano-américain. Il convient de mentionner parmi ses œuvres l’auto sacramentelle El divino Narciso et la comédie Los empeños de una casa.

Jardins
Le jardin baroque, également connu sous le nom de jardin à la française ou jardin à la française, est apparu à Rome au XVIe siècle, puis en France au XVIIe siècle dans les jardins de Vaux le Vicomte et du château de Versailles. Les jardins baroques ont été construits par les rois et les princes en Allemagne, aux Pays-Bas, en Autriche, en Espagne, en Pologne, en Italie et en Russie jusqu’au milieu du XVIIIe siècle, lorsqu’ils ont commencé à être refaits par le jardin paysager anglais plus naturel.

Le jardin baroque avait pour but d’illustrer le pouvoir de l’homme sur la nature, et la gloire de son constructeur, les jardins baroques étaient disposés en motifs géométriques, comme les pièces d’une maison. Ils étaient généralement mieux vus de l’extérieur et regardant vers le bas, soit depuis un château ou une terrasse. Les éléments d’un jardin baroque comprenaient des parterres de parterres de fleurs ou de haies basses ornées de motifs baroques ornés, et des ruelles droites et des allées de gravier qui divisaient et sillonnaient le jardin. Des terrasses, des rampes, des escaliers et des cascades ont été placés là où il y avait des différences d’élévation et ont fourni des points de vue. Des étangs ou des bassins d’eau circulaires ou rectangulaires étaient les paramètres des fontaines et des statues. Des bosquets ou des bosquets soigneusement taillés ou des lignes d’arbres identiques, donnaient l’apparence de murs de verdure et étaient des fonds de statues. Sur les bords, les jardins avaient généralement des pavillons, des orangeries et d’autres structures où les visiteurs pouvaient se mettre à l’abri du soleil ou de la pluie.

Les jardins baroques nécessitaient un grand nombre de jardiniers, une coupe continue et une eau abondante. Dans la dernière partie de la période baroque, les éléments formels ont commencé à être remplacés par des caractéristiques plus naturelles, y compris des sentiers sinueux, des bosquets d’arbres variés laissés à pousser sans coupe; une architecture rustique et des structures pittoresques, telles que des temples romains ou des pagodes chinoises, ainsi que des « jardins secrets » sur les bords du jardin principal, remplis de verdure, où les visiteurs pouvaient lire ou avoir des conversations calmes. Au milieu du XVIIIe siècle, la plupart des jardins baroques ont été partiellement ou entièrement transformés en variations du jardin paysager anglais.

Outre Versailles et Vaux-le-Vicomte, les jardins baroques célèbres conservant une grande partie de leur aspect d’origine incluent le Palais Royal de Caserte près de Naples; Palais de Nymphenburg et Palais d’Augustusburg et Falkenlust, Brühl en Allemagne; Palais Het Loo aux Pays-Bas; le Palais du Belvédère à Vienne; le Palais Royal de La Granja de San Ildefonso en Espagne; et le palais de Peterhof à Saint-Pétersbourg, en Russie.

Différences entre le rococo et le baroque
Voici les caractéristiques du rococo et du baroque: [clarification nécessaire]

L’abandon partiel de la symétrie, tout étant composé de lignes et de courbes gracieuses, similaires à celles de l’Art Nouveau
L’énorme quantité de courbes asymétriques et de volutes en forme de C
L’utilisation très large des fleurs dans l’ornementation, par exemple les festons en fleurs
Motifs chinois et japonais
Couleurs pastel chaudes (jaune blanchâtre, crème, gris perle, bleu très clair)

Fin du style, condamnation et redécouverte académique
Madame de Pompadour, la maîtresse de Louis XV, a contribué au déclin du style baroque et rococo. En 1750, elle envoie son neveu, Abel-François Poisson de Vandières, en mission de deux ans pour étudier les développements artistiques et archéologiques en Italie. Il était accompagné de plusieurs artistes, dont le graveur Nicolas Cochin et l’architecte Soufflot. Ils reviennent à Paris avec une passion pour l’art classique. Vandiéres devint marquis de Marigny et fut nommé directeur royal des bâtiments en 1754. Il tourna l’architecture française officielle vers le néoclassique. Cochin est devenu un critique d’art important; il a dénoncé le petit style de Boucher, et a appelé à un grand style avec un nouvel accent sur l’antiquité et la noblesse dans les académies de peinture d’architecture.

L’historien de l’art et archéologue allemand pionnier Johann Joachim Winckelmann a également condamné le style baroque et a salué les valeurs supérieures de l’art classique et de l’architecture. Au 19ème siècle, le baroque était une cible de ridicule et de critique. Le critique néoclassique Francesco Milizia a écrit: « Borrominini dans l’architecture, Bernini dans la sculpture, Pietro da Cortona dans la peinture … sont un fléau de bon goût, qui a infecté un grand nombre d’artistes. » Au 19e siècle, la critique est allée encore plus loin; le critique britannique John Ruskin a déclaré que la sculpture baroque était non seulement mauvaise, mais aussi moralement corrompue.

L’historien de l’art d’origine suisse Heinrich Wölfflin (1864-1945) a commencé la réhabilitation du mot baroque dans sa Renaissance und Barock (1888); Wölfflin a identifié le baroque comme un «mouvement importé en masse», un art antithétique à l’art de la Renaissance. Il n’a pas fait les distinctions entre le maniérisme et le baroque que les écrivains modernes font, et il a ignoré la phase ultérieure, le baroque académique qui a duré jusqu’au 18ème siècle. L’art et l’architecture baroques sont devenus à la mode entre les deux guerres mondiales et sont restés largement en faveur de la critique. Le terme « baroque » peut encore être utilisé, généralement de manière péjorative, pour décrire des œuvres d’art, d’artisanat ou de design dont on pense qu’elles présentent une ornementation excessive ou une complexité de ligne.