Le bouddhisme a joué un rôle important dans le développement de l’art japonais entre le 6ème et le 16ème siècle. L’art bouddhiste et la pensée religieuse bouddhiste venus de Chine au Japon par la Corée et l’art bouddhiste ont été encouragés par le prince héritier Shōtoku à l’époque Suiko au VIe siècle et par l’empereur Shōmu à la période Nara au VIIIe siècle. Au début de la période Heian, l’art et l’architecture bouddhistes ont grandement influencé les arts shintoïstes traditionnels et la peinture bouddhiste est devenue à la mode chez les riches Japonais. La période Kamakura a vu une floraison de la sculpture bouddhiste japonaise, dont les origines se trouvent dans les œuvres du sculpteur de l’époque Heian, Jōchō. La secte bouddhiste Amida a servi de base à de nombreuses œuvres d’art populaires. L’art bouddhiste est devenu populaire parmi les masses grâce à des peintures sur rouleau, des peintures utilisées dans le culte et des peintures de bouddhas, la vie de saint, des enfers et d’autres thèmes religieux. Sous la secte Zen du bouddhisme, les portraits de prêtres tels que Bodhidharma sont devenus populaires, de même que la calligraphie à la volée et la peinture au sumi-e.

Périodes Asuka et Nara
L’art bouddhiste a été introduit au Japon avec la religion bouddhiste au milieu du VIe siècle, lorsque, selon la tradition, Seong de Baekje a envoyé une statue du Bouddha avec des sutras à l’empereur Kinmei. La période Asuka (552-645) a vu la croissance progressive des influences artistiques et religieuses chinoises et coréennes sur la culture japonaise. L’influence chinoise grandit à l’époque de Nara (645-784) alors que la cour japonaise commençait à se modeler sous une forme chinoise et que le bouddhisme continuait à se répandre dans tout le Japon, tout en intégrant la religion japonaise du shintoïsme.

La sculpture de cette période montre, comme la plupart des sculptures subséquentes, l’influence de l’art continental. Tori Busshi, descendant d’un immigrant chinois, a suivi le style de la sculpture de Wei du Nord et a établi ce qui est devenu l’école de sculpture de Tori. Des exemples notables d’œuvres de Tori sont la triade Sakyamuni (ou triade Shaka), qui sont les principales icônes du Golden Hall du temple Hōryū-ji et du kannon Boddhisatva de la salle Yumedono du même temple, également connu sous le nom de Guze Kannon. Construit au début du 7ème siècle en tant que temple privé du prince héritier Shōtoku, Hōryū-ji se compose de 41 bâtiments indépendants. Les plus importants, la principale salle de culte, ou Kondō (Golden Hall), et Gojū-no-tō (Pagode à cinq étages), se trouvent au centre d’une zone ouverte entourée d’un cloître couvert. À l’intérieur du Kondō, sur une grande plate-forme rectangulaire, se trouvent certaines des sculptures les plus importantes de l’époque, notamment la triade Sakyamuni.

Dans la Triade Sakyamuni, Sakyamuni, le centre du Bouddha, accueille deux autres personnages, Bhaisajyaguru à sa droite et Amitābha à sa gauche. Les statues datent de 623. Le style de la statue se caractérise par la dimension bidimensionnelle de la figure et par les représentations répétitives de la toile sur laquelle repose la triade.

La période du début de la période Nara a été marquée par un mouvement vers des styles plus naturalistes émergeant de la Chine. La Triade de Yakushi montre le Bouddha en train de guérir, qui préside la Terre Pure de l’Est, fréquentée par deux Bodhisattvas Nikko et Gakko. La triade, située dans le temple Yakushiji (7ème siècle à Nara), révèle des influences chinoises et asiatiques centrales dans sa définition anatomique, son naturalisme et ses draperies réalistes.

Cette sculpture montre également les racines de l’art japonais au 1er et 3ème siècle de notre ère, l’art gréco-bouddhiste du Gandhara, caractérisé par des motifs de robes fluides et des rendus réalistes, sur lesquels se superposaient des traits artistiques chinois et coréens. Après que l’art bouddhiste chinois du nord de Wei se soit infiltré dans une péninsule coréenne, les immigrants coréens ont amené des icônes bouddhistes au Japon. En particulier, la forme semi-assise de Maitreya a été adaptée en un style d’art grec ancien très développé qui a été transmis au Japon, comme en témoignent les statues Kōryū-ji Miroku Bosatsu et Chūgū-ji Siddhartha. Les Trois Royaumes de Corée, et particulièrement Baekje, ont joué un rôle déterminant dans l’introduction et la formation d’une tradition bouddhiste au Japon en 538 ou 552. Ils illustrent le point final de la transmission de la Route de la soie au cours des premiers siècles de notre histoire. ère. D’autres exemples peuvent être trouvés dans le développement de l’iconographie du dieu japonais de Fūjin Wind, des gardiens de Niō et des motifs floraux quasi-classiques dans les décorations de temple.

La construction du temple au 8ème siècle était concentrée autour du Tōdai-ji à Nara. Construit comme siège d’un réseau de temples dans chacune des provinces, le Tōdaiji est le complexe religieux le plus ambitieux érigé au début du culte bouddhiste au Japon. À juste titre, le Bouddha de 16,2 m (53 pi) (achevé en 752) inscrit dans la salle principale de Bouddha, ou Daibutsuden, est un Bouddha Rushana, la figure qui représente l’essence de la bouddhéité, tout comme le Tōdaiji. sa diffusion à travers le Japon. Seuls quelques fragments de la statue originale survivent et la salle actuelle et le Bouddha central sont des reconstitutions de la période Edo.

Sous le système de gouvernement Ritsuryō à l’époque de Nara, le bouddhisme était fortement réglementé par l’État à travers le Sōgō (Bureau des affaires sacerdotales). Pendant ce temps, Tōdai-ji a servi de temple administratif central pour les temples provinciaux des six écoles bouddhistes du Japon à cette époque.

Exemple:
Le bronze Shakyamuni Daibutsu (4,8 mètres) est la plus ancienne sculpture connue du Bouddha au Japon, réalisée par Tori Busshi en 609.
Kannon (Avalokitesvara) ou Guze Kannon, bois plaqué or, couronne: bronze ajouré ajouré. Début du VIIème siècle, Horyu-ji, Nara.
Bodhisattva, période Asuka, 7ème siècle. Musée national de Tokyo.
Tuile avec Bouddha assis
Tuile du temple du Nara datant du 7ème siècle et montrant l’influence gréco-bouddhiste.
Triade de Yakushi à Yakushi-ji, Nara. Construit à l’origine à Fujiwara-kyō en 680, transporté à Nara en 718.
Hall d’or de Hōryū-ji
Pagode à cinq étages de Hōryū-ji
Hall d’Or du Tōshōdai-ji à Nara
Salle de conférences de Tōshōdai-ji à Nara
Pagode Est de Yakushi-ji, Nara.
Grande salle du Bouddha de Tōdai-ji à Nara
Grand Bouddha de Tōdai-ji à Nara

Période Heian (794-1185)
En 784, l’empereur Kanmu, menacé par le pouvoir séculier croissant des institutions bouddhistes de Nara, transféra la capitale à Heian-kyō (Kyōto), qui resta la capitale impériale pour les 1000 prochaines années. Le terme période de Heian se réfère aux années entre 794 et 1185, date à laquelle le shogunat de Kamakura fut établi à la fin de la guerre de Genpei. La période est divisée en deux périodes: Heian et Heian, ou Fujiwara, avec 894 ans, date à laquelle les ambassades impériales en Chine ont officiellement cessé leurs activités.

Le bouddhisme a commencé à se répandre dans tout le Japon pendant la période Heian, principalement à travers deux grandes sectes ésotériques, Tendai et Shingon. Tendai est originaire de Chine et est basé sur le Sutra du Lotus, l’un des sutras les plus importants du bouddhisme Mahayana; Saichō était la clé de sa transmission au Japon. Shingon (école de mots vrais) est une secte indigène étroitement liée à la pensée bouddhiste influencée par les Chinois fondée par Kūkai (mieux connu sous son titre posthume Kōbō Daishi, 774-835) qui a voyagé en Chine et étudié le bouddhisme indien et chinois calligraphie et poésie. L’empereur Kanmu lui-même était un mécène remarquable de la secte Tendai, qui a connu un grand succès au cours des siècles suivants. Kūkai a beaucoup impressionné les empereurs qui ont succédé à l’empereur Kanmu, ainsi que des générations de japonais, non seulement avec sa sainteté, mais aussi avec sa poésie, sa calligraphie, sa peinture et sa sculpture. La pratique du bouddhisme Shingon est basée sur divers rituels, y compris le chant des mantras, des puja, des gestes de la main (mudras) et la méditation à travers la visualisation des mandalas. Le rôle central du rituel dans le bouddhisme ésotérique japonais a conduit à l’épanouissement des arts religieux à l’époque de Heian. Ces peintures religieuses, mandalas et statues ont fourni aux pratiquants un moyen de contempler les divinités et les concepts bouddhistes. Un exemple célèbre de Shingon Mandala est le mandala Taizokai (Womb World). Partie intégrante du Mandala des Deux Royaumes, le monde utérin est composé de 12 zones représentant différentes dimensions de la nature de Bouddha. Au centre se trouve le Bouddha Vairocana dans le lotus de compassion entouré de Bouddhas et de Bodhisattvas. La secte Shingon croyait que tous les êtres avaient une nature innée de Bouddha.

Les temples érigés pour la secte Shingon comme celle du mont Kōya ont été construits dans les montagnes Kii, loin de la cour et des laïcs de la capitale. La topographie irrégulière de ces sites a obligé les architectes japonais à repenser les problèmes de construction des temples et à choisir des éléments de conception plus indigènes. Les toits en écorce de cyprès ont remplacé ceux des carreaux de céramique, des planches de bois ont été utilisées à la place des sols en terre et un lieu de culte séparé pour les laïcs a été ajouté devant le sanctuaire principal. Le temple qui reflète le mieux l’esprit des premiers temples Heian Shingon est le Murō-ji (début du IXe siècle), situé au cœur d’un peuplement de cyprès sur une montagne au sud-est de Nara.

À l’époque de Fujiwara, le bouddhisme de la Terre Pure, qui offrait un salut facile grâce à la croyance en Amida (le Bouddha du Paradis occidental), devint populaire. Cette période porte le nom du clan Fujiwara, alors le plus puissant du pays, qui a régné en tant que régent pour l’Empereur, devenant en effet des dictateurs civils. Parallèlement, la noblesse de Kyoto a développé une société vouée à la poursuite d’élégantes esthétiques. Le Hō-ō-dō (la salle Phoenix, achevée en 1053) du Byōdō-in, un temple d’Uji au sud-est de Kyoto, est un exemple des salles Fujiwara Amida. Il consiste en une structure rectangulaire principale flanquée de deux couloirs d’ailes en forme de L et d’un couloir de queue, au bord d’un grand étang artificiel. À l’intérieur, une seule image dorée d’Amida (c. 1053) est installée sur une plate-forme haute. La sculpture Amida a été exécutée par Jōchō, qui a popularisé la technique chinoise de création d’une œuvre à partir de plusieurs petites pièces de bois sculpté (yosegi). Bien que la quantité de détails de surface que l’artiste puisse graver dans chaque pièce soit limitée, la méthode oblige le sculpteur à transmettre son message dans ces limites. Cela a abouti à des pièces plus raffinées et d’apparence éphémère. Plus important encore, cela a permis à plusieurs assistants de travailler sur la sculpture à la fois, ce qui a considérablement accéléré le processus. Jōchō, en tant que maître, a fait le travail de finition. La technique a également conduit à des proportions systématisées de parties du corps et de détails de surface simples, qui ont accéléré la création des pièces constitutives et la formation de la pièce finie.

Les historiens de l’art citent souvent ce nouveau canon de proportions comme preuve du génie de Jōchō. Il a basé les mesures sur une unité égale à la distance entre le menton et la ligne des cheveux. La distance entre chaque genou est égale à la distance entre le bas des jambes et les cheveux. Les genoux largement espacés et nivelés forment ainsi la base d’un dessin triangulaire, transmettant un sentiment de stabilité et de paix. L’effet est encore accentué par le contraste des autres éléments du dessin, en particulier les halos des personnages. Ceux-ci sont minutieusement détaillés, mettant en vedette le tennin dansant, les nuages ​​et les flammes. Les expressions des sculptures de Jōchō traduisent la compassion et l’élégance, et la sculpture détaillée et précise des traits du visage projette une certaine gentillesse.

La méthode de l’atelier consistant à répartir le travail entre plusieurs artisans a été adoptée, tout comme le style de Jōchō. Pendant plus de 150 ans, ses sculpteurs à travers le Japon ont imité son école, car la sculpture japonaise est devenue une orthodoxie conformiste avant d’être réinventée à l’époque de Kamakura.

Avec la montée en puissance des sectes Pure Land du bouddhisme japonais au Xe siècle, de nouveaux types d’images ont été développés pour satisfaire les besoins de dévotion de ces sectes. Ceux-ci incluent Raigozu (来 迎 図), qui représente Amida Buddha avec les Bodhisattvas Kannon et Seishi qui arrivent pour accueillir les âmes des fidèles partis au Paradis occidental d’Amida. Un exemple connu datant de 1053 est peint à l’intérieur de la salle Phoenix du Byōdō-in, un temple d’Uji, à Kyoto. Ceci est également considéré comme un exemple ancien de ce qu’on appelle Yamato-e (大 和 絵), ou « peinture de style japonais », dans la mesure où il inclut des éléments de paysage tels que des collines qui semblent refléter l’apparence réelle du paysage. du Japon occidental. Du point de vue stylistique, cependant, ce type de peinture continue à être inspiré par les traditions de peinture de paysage «style bleu et vert» de la dynastie Tang. « Yamato-e » est un terme imprécis qui continue à être débattu parmi les historiens de l’art japonais.

Exemple:
Oagida de Daigo-ji à Kyoto. Il a été construit en 951.
Kongokai (vajra) mandala – Ecole bouddhiste tantrique de Shingon
Fugen Enmei, le Bodhisattva de la vertu universelle qui prolonge la vie, 12ème siècle. Encre, couleur, or et argent sur soie.
Mandarado de Taima-dera à Katsuragi. Il a été construit en 1161.
Pagode d’Ichijō-ji. Il a été construit en 1171.
Le Nirvana du Bouddha. Parchemin suspendu, 267,6 cmx 271,2 cm. Couleur sur soie. Situé à Kongōbu-ji, Mt. Kōya.
Pagode à cinq étages à Murō-ji. Il a été construit en 800.
Shaka s’élevant du cercueil d’or. Heian tardif, rouleau de pendaison.
Peinture murale sur la porte est de Byōdō-in, détail
Peinture murale sur la porte sud de Byōdō-in
Achala Vidyaraja (roi de la sagesse), 1100-1185.
Bodhisattva Samantabhadra.
Amitabha Bouddha. Heian tardif, couleur sur la soie du temple Yushihachimanko Juhachika-in. Central de trois rouleaux suspendus.

Période Kamakura (1185-1333)
Le Japon a connu une série de guerres civiles à la fin du 12ème siècle entre plusieurs familles rivales, ce qui a finalement conduit à la montée du shogunat féodal de Kamakura, nommé ainsi parce que la famille victorieuse, le clan Minamoto, avait établi sa base politique à Kamakura. L’Empereur resta à Kyoto en tant que figure de proue, mais le véritable pouvoir politique incombait au shōgun. La période Kamakura a vu le rétablissement des liens culturels avec la Chine, ainsi que la croissance du bouddhisme zen et du bouddhisme de la terre pure comme les deux branches principales du bouddhisme japonais.

Ces nouveaux mécènes de Kamakura ont également privilégié un art plus réaliste et naturaliste, illustré par la sculpture de l’école Kei. L’école Kei est née de celle menée par le busshi (sculpteur bouddhiste) Jōchō, son successeur Kakujō et le fils Raijō de Kakujō, les principaux sculpteurs des générations précédentes. On dit parfois que ces artistes ont fondé l’école Kei; cependant, l’école ne serait pas à elle-même et deviendrait associée au nom « Kei » jusqu’à ce que Rōjō soit remplacé par Kōkei et Unkei vers l’an 1200.

Parmi les sculpteurs de l’école Kei, Unkei est le sculpteur le plus célèbre de l’époque. Parmi ses œuvres, une paire de gros Nio (ou Kongō Rikishi) de Tōdai-ji représente des gardiens musclés dans une position de contre-attaque dramatique. Les sculptures d’Unkei de prêtres indiens Mujaku et Seshin à Kōfuku-ji témoignent d’un nouveau réalisme de type portrait. Les deux statues arborent des vêtements sacerdotaux qui encadrent leur corps de manière réaliste. Ils sont grandeur nature et sont entièrement sculptés dans la ronde comme s’ils étaient destinés à être vus sous n’importe quel angle. Mujaku est représenté comme un homme mince manipulant une sorte d’objet sacré et enveloppé de tissu. Il semble réservé et réfléchi. Seshin, en revanche, est représenté en pleine conversation, faisant des gestes et parlant, un contrepoids extraverti à la solennelle Mujaku. Les hommes sont représentés en tant que personnes spécifiques, pas simplement membres d’un type de stock.

Unkei a eu six fils sculpteurs et leur travail est également imprégné du nouvel humanisme. Tankei, le fils aîné et un sculpteur brillant est devenu le chef du studio. Kōshō, le 4ème fils, a réalisé une sculpture remarquable du professeur bouddhiste japonais du Xe siècle, Kuya (903-972). Kaikei collabora avec Unkei et travailla avec lui sur les statues de Nio en 1203. Il travailla avec le prêtre Chogen (1121-1206): le directeur du projet de reconstruction Tōdai-ji. Beaucoup de ses personnages sont plus idéalisés que l’Unkei et ses fils et se caractérisent par une surface finement décorée, richement décorée de pigments et d’or. Ses œuvres ont survécu à plus de 40, dont beaucoup sont signées par lui-même.

Une grande partie des villes de Nara et de Kyoto ont été détruites lors de la guerre de Genpei de 1180-1185. L’école Kei a eu l’occasion de restaurer les plus grands temples de Nara, le Tōdai-ji et le Kōfuku-ji, en remplacement de leurs sculptures bouddhistes. Shunjobo Chogen (1121-1206), qui avait fait trois voyages en Chine pour étudier la sculpture, était la figure principale de cet effort. Le projet de restauration du Tōdai-ji a duré plusieurs générations, de 1180 à 1212 environ, et a largement puisé dans les styles chinois Tang et Song, introduisant de nouveaux éléments stylistiques tout en restant fidèles à la tradition.

Certaines des peintures les plus populaires de la période Kamakura représentent un Bouddha Amida ascendant. Le principe fondamental du bouddhisme de la Terre Pure est que chanter le nom d’Amida pourrait mener à une réincarnation dans la terre pure. Ainsi, les rouleaux d’Amida seraient suspendus dans la chambre des mourants qui seraient sauvés en chantant le mantra Amida.

Dans la période Kamakura, de nouvelles sectes bouddhistes, telles que Kegon et Nichiren, ont émergé et ont gagné en popularité. Ces sectes ont produit plusieurs genres distincts de peinture, y compris les peintures de Suijako, qui ont essayé de réconcilier les deux principales croyances japonaises en dépeignant les divinités shinto comme premières manifestations de Bouddha. Des œuvres comme le Kegon Engi Emaki, un livre illustré pour aider les gens à comprendre le caractère compliqué du chinois, sont devenues plus populaires auprès des gens ordinaires. Les Emakimono, ou longs manuscrits illustrés, ont également servi à illustrer la vie du Bouddha et l’histoire des principaux dirigeants bouddhistes.

Exemple:
Jōdo-dō de Jōdo-ji à Ono. Il a été construit en 1194.
Danjogaran Fudodo à Mt. Kōya. Il a été construit en 1197.
Nio gardien à Tōdai-ji, par Unkei
Mujaku (Asanga) à Kōfuku-ji, par Unkei
Portrait de moine Kūya (CE 930-972), total d’environ cm de hauteur, bois, coloré, CE13ème siècle par Kosho
Statue en polychrome, or et cristal. Cette statue représente Zocho-ten, gardien (shitenno) du sud.
Statue de Raijin à Sanjūsangen-dō, Kyoto, Japon. Environ 1m de haut, daté du 13ème siècle
Amida venant de la montagne depuis le musée national de Kyoto datant du 13ème siècle. Parchemin suspendu, 120,6 cm x 80,3 cm. Couleur sur soie.
Kamakura Daibutsu (Amida Buddha) à Kōtoku-in.
Monju traversant la mer Parchemin suspendu, 143,0 × 106,4 cm. Couleur sur soie. Situé à Daigo-ji, Kyoto.
La biographie illustrée du prêtre Hōnen. Partie du rouleau de mains (Emakimono), biographies illustrées de prêtres célèbres.
Biographie illustrée du prêtre Ippen, volume 7, détail des mains libres. Couleur sur soie. Taille du rouleau complet: 37,8 cm x 802,0 cm.

Période Muromachi (1333-1573)
Pendant la période Muromachi, également appelée période Ashikaga, un changement profond a eu lieu dans la culture japonaise. Le clan Ashikaga a pris le contrôle du shogunat et a ramené son quartier général à Kyoto, dans le district de Muromachi. Avec le retour du gouvernement dans la capitale, les tendances à la popularisation de la période Kamakura ont pris fin et l’expression culturelle a pris un caractère plus aristocratique et élitiste. Au cours de la période Muromachi, le bouddhisme zen a pris de l’importance, en particulier parmi la classe d’élite samouraï, qui a adopté les valeurs zen de discipline personnelle, de concentration et de développement personnel.

Le développement des grands monastères zen à Kamakura et à Kyoto a eu un impact majeur sur les arts visuels. En raison des entreprises laïques et des missions commerciales en Chine organisées par des temples zen, de nombreuses peintures et objets d’art chinois ont été importés au Japon et ont profondément influencé les artistes japonais travaillant pour les temples zen et le shogunat. Non seulement ces importations ont-elles modifié l’objet de la peinture, mais elles ont également modifié l’utilisation de la couleur; les couleurs vives de Yamato-e ont cédé aux monochromes de la peinture à la manière chinoise de Sui-boku-ga (水墨画) ou sumi-e (墨 絵), ce style n’utilisant principalement que de l’encre noire .

Sesshū Tōyō (1420-1506), un prêtre de Rinzai qui se rendit en Chine en 1468-69 et étudia la peinture contemporaine Ming, fut le principal peintre du nouveau style Sumi-e. Certaines de ses œuvres les plus dramatiques sont dans le style chinois à encre éclaboussée (Haboku). À son retour au Japon, Sesshū s’est construit un studio et a établi un grand nombre de peintres, appelés maintenant l’école Unkoku-rin ou «école de Sesshū». Pour en faire l’une des peintures calligraphiques et hautement stylisées de Haboku, le peintre visualisait l’image et faisait ensuite de grands traits rapides dans le papier, donnant lieu à une composition abstraite, le tout avec une concentration méditative. Ce style de peinture impressionniste était censé capturer la vraie nature du sujet. Le style Sumi-e a été fortement influencé par la calligraphie, utilisant les mêmes outils et le même style, ainsi que sa philosophie zen. Pour peindre dans ce style, le pratiquant devait se vider l’esprit et appliquer les coups de pinceau sans trop réfléchir, appelé mushin («pas d’état mental») par le philosophe japonais Nishida Kitaro. Le concept de mushin est au centre de nombreux arts japonais, y compris l’art de l’épée, le tir à l’arc et la cérémonie du thé.

À la fin du XIVe siècle, les peintures de paysage monochromes (sansuiga) avaient été favorisées par la famille dominante Ashikaga et constituaient le genre préféré des peintres zen, passant progressivement de ses racines chinoises à un style plus japonais. Un autre peintre important de cette période est Tenshō Shūbun, un moine du temple de Shōkoku-ji à Kyoto, qui a voyagé en Corée et étudié avec des peintres chinois. Il rentre au Japon en 1404 et s’installe à Kyoto, alors capitale. Il est devenu directeur du bureau de peinture du tribunal, établi par les shoguns Ashikaga, qui étaient des mécènes influents. La peinture de paysage la plus connue de Shūbun, désignée comme trésor national au Japon, est «Reading in a Bamboo Grove», maintenant conservée au Musée national de Tokyo.

Un autre style qui s’est développé dans la période Muromachi est Shigajiku (詩 画軸). Il s’agit généralement d’une peinture accompagnée de poésie et ayant ses racines en Chine, où la peinture et la poésie étaient considérées comme intrinsèquement liées. Ce style est né des cercles littéraires, un artiste recevait généralement un sujet à peindre et les poètes écrivaient des versets à écrire au-dessus de l’œuvre. Un exemple célèbre est le rouleau « Catching a Catfish with a Gourde » (Hyōnen-zu 瓢 鮎 図) situé à Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto. Créé par le prêtre-peintre Josetsu (vers 1386 – vers 1428), il comprend 31 vers de nombreux prêtres zen inscrits au-dessus du tableau. Au premier plan du tableau, un homme est représenté sur la rive d’un ruisseau, tenant une petite calebasse et regardant un grand poisson-chat glissant. Mist remplit le terrain d’entente et l’arrière-plan, les montagnes semblent être loin dans le lointain. La peinture a été commandée par le 4ème Shogun de la période Muromachi, Ashikaga Yoshimochi (1386-1428) et était basée sur l’énigme absurde « Comment attrapez-vous un poisson-chat avec une gourde? ». Un exemple d’un des Koans illustre le style de la poésie inscrite au-dessus du tableau.

Poised! Avec la gourde
Il essaie d’épingler ce poisson glissant.
De l’huile sur la gourde
Serait ajouter de la joie à la chasse.
(Shusu [1423] Trans. Matsushita, 1974)

La peinture et les poèmes qui l’accompagnent rendent compte à la fois du caractère ludique et de la nature déconcertante des kōans bouddhistes zen censés aider le pratiquant zen dans sa méditation et constituaient une pratique centrale de l’école Rinzai.

À la fin de la période Muromachi, la peinture à l’encre avait migré des monastères zen vers le monde de l’art en général, les artistes de l’école Kano et de l’école Ami adoptant le style et les thèmes, introduisant un effet plus plastique et décoratif. les temps modernes.

Exemple:
Pagode de Myōō-in à Fukuyama. Il a été construit en 1348.
Salle principale de Kakurin-ji à Kakogawa. Il a été construit en 1397.
Le pavillon d’argent de Ginkaku-ji à Kyoto. Il a été construit en 1489 (Art de Wabi-sabi, Higashiyama Bunka).
Jardin de Kinkaku-ji à Kyoto (Art de Miyabi, Kitayama Bunka).
Ryōan-ji jardin sec à Kyoto.
Jardin de Saihō-ji à Kyoto.
Jardin de Tenryū-ji à Kyoto.
Pagode de Negoro-ji à Iwade, Wakayama. Il a été construit en 1547.
Paysages d’automne et d’hiver de Sesshū.
Huike offrant son bras à Bodhidharma (1496) par Sesshū
Paysage de Shubun, rouleau suspendu, 108 cm x 32,7 cm. Encre et couleur claire sur papier, 1445. Situé dans le musée national de Nara.
Obtenir le bœuf, une des dix images de Shubun, copie du 15ème siècle de l’original perdu du 12ème siècle.
Kano Motonobu, Kannon en robe blanche, v. première moitié du 16ème siècle. Défilement suspendu. Encre, couleur et or sur soie. 157,2 x 76,4 cm.

Période Azuchi-Momoyama (1573-1603)
Cette période a vu la montée de l’école Kanō (派 野 派 Kanō-ha?) Qui est l’une des écoles les plus célèbres de la peinture japonaise. L’école de peinture kanō était le style dominant de la peinture jusqu’à l’époque Meiji. Il a été fondé par Kanō Masanobu (1434-1530), contemporain de Sesshū et élève de Shūbun, devenu peintre officiel à la cour du Shogun. Les artistes qui l’ont suivi, y compris son fils, ont amélioré son style et ses méthodes. Son fils, Kanō Motonobu (1476-1559) établit le style Kano comme principale école de peinture japonaise à l’époque de Muromachi.

Contrairement à la période précédente de Muromachi, la période Azuchi Momoyama se caractérisait par un style grandiose polychrome, avec une utilisation extensive de feuilles d’or et d’argent et par des œuvres à très grande échelle. Les peintres des écoles kanō ont été fréquentés par Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu et leurs partisans. Kanō Eitoku a développé une formule pour la création de paysages monumentaux sur les portes coulissantes entourant une pièce. Ces énormes écrans et peintures murales ont été commandés pour décorer les châteaux et les palais de la noblesse militaire. Ce statut a continué pendant la période Edo suivante, alors que le bakufu Tokugawa continuait à promouvoir les œuvres de l’école Kanō en tant qu’art officiellement reconnu par les shōgun, les daimyōs et la cour impériale. L’ascension de l’école kanō a marqué le début d’un éloignement des thèmes bouddhistes, les commanditaires des écoles de Kano ayant commandé des peintures de nature plus laïque pour décorer leurs palais.

Cependant, certains peintres de cette époque continuèrent à se tourner vers les prêtres-peintres bouddhistes qui avaient initialement influencé l’école de Kano. L’un de ces peintres était Hasegawa Tōhaku, influencé par les peintures à l’encre monochrome du peintre Muromachi Sesshū et développant son propre style Sumi-e, qui revenait au minimalisme de ses prédécesseurs. Tōhaku était en fait tellement épris des techniques de Sesshū Tōyō qu’il tenta de revendiquer ses droits en tant que son cinquième successeur, bien qu’il ait perdu dans une bataille judiciaire contre Unkoku Togan. Cependant, l’influence de Sesshū est évidente dans de nombreuses œuvres de Tōhaku du milieu à la fin, comme son célèbre écran de Pine Tree Shōrin-zu byōbu (松林 図 屏風), déclaré trésor national du Japon. leur échelle pour représenter uniquement les pins comme matière.

L’école fondée par Hasegawa Tōhaku est aujourd’hui connue sous le nom d’école Hasegawa. Cette école était petite, composée principalement de Tōhaku et de ses fils. Si petits soient-ils, ses membres conservent l’esthétique discrète et réservée de Tōhaku, que beaucoup attribuent à l’influence de Sesshū, ainsi qu’à son contemporain et ami, Sen no Rikyū. On soupçonne que ces esthétiques simples protestent contre l’usage de l’intimidation et de la richesse qui sévissent à l’école Kanō.

Exemple:
Pagode de Shoman-in à Osaka. Il a été reconstruit en 1597.
Hall d’or de Daigo-ji à Kyoto. Il a été reconstruit en 1600.
Kaizando et Nyoirindo de Daigo-ji à Kyoto. Ils ont été reconstruits en 1606.
Pagode de Kirihata-ji à Awa. Il a été construit en 1607.

Art zen
Sous la secte Zen du bouddhisme, qui est devenue très populaire au Japon aux XIVe et XVe siècles, des portraits de prêtres zen ont souvent été réalisés. Le zen était une secte du bouddhisme qui encourageait la simplicité et était moins impliqué dans le culte, de sorte que les peintures religieuses n’étaient pas nécessaires pour cette raison. Au lieu de cela, les prêtres zen ont souvent peint des images de professeurs et de maîtres zen. Contrairement à la période Heian antérieure, où il avait été considéré comme « impoli à l’époque de Heian de copier la ressemblance d’une personne » (Stanley-Baker 2000, 115), les portraits zen étaient des portraits rapprochés montrant des traits et des détails du visage. Un portrait du maître zen Muso Kokushi, peint par son élève Muto Shui, montre un portrait détaillé du visage, l’image entière ne représentant qu’un portrait de la tête et des épaules. Ceci est différent de la peinture japonaise antérieure qui représenterait des personnages beaucoup plus petits. Les prêtres zen ont également peint des paysages, tels que le suiboku-ga, ou la peinture à l’eau et à l’encre noire, inspirée de la doctrine zen.

Architecture
Le bouddhisme a exercé une influence considérable sur l’art japonais de diverses manières et à travers de nombreuses périodes de l’histoire japonaise. Des temples bouddhistes avec leurs salles et leurs tours de cinq étages ont été construits dans tout le Japon et d’énormes sculptures de Bouddha ont été faites pour ces temples.