Peinture chinoise

La peinture chinoise est l’une des traditions artistiques continues les plus anciennes du monde. La peinture dans le style traditionnel est aujourd’hui connue en chinois sous le nom de guóhuà (chinois: 國畫), qui signifie «national» ou «peinture indigène», par opposition aux styles d’art occidentaux qui devinrent populaires en Chine au XXe siècle. La peinture traditionnelle implique essentiellement les mêmes techniques que la calligraphie et se fait avec un pinceau trempé dans de l’encre noire ou des pigments colorés; les huiles ne sont pas utilisées. Comme pour la calligraphie, les matériaux les plus populaires sur lesquels sont réalisées des peintures sont le papier et la soie. Le travail fini peut être monté sur des parchemins, tels que des parchemins suspendus ou des défilements. La peinture traditionnelle peut également être faite sur des feuilles d’album, des murs, des laques, des écrans de pliage, et d’autres médias.

Les deux principales techniques de la peinture chinoise sont:

Gongbi (工筆), qui signifie «méticuleux», utilise des coups de pinceau très détaillés qui délimitent les détails très précisément. Il est souvent très coloré et représente habituellement des sujets figuratifs ou narratifs. Il est souvent pratiqué par des artistes travaillant pour la cour royale ou dans des ateliers indépendants.

Encre et lavis de peinture, en chinois shui-mo (水墨, «eau et encre»), aussi appelée «aquarelle» ou «peinture au pinceau», aussi connue sous le nom de «peinture littéraire», comme l’une des «quatre arts» du savant chinois -Classe officielle. En théorie, c’était un art pratiqué par des gentlemen, une distinction qui commence à être faite dans les écrits sur l’art de la dynastie des Song, bien qu’en fait les carrières des principaux exposants puissent bénéficier considérablement. Ce style est également appelé “xieyi” (寫意) ou à main levée.

La peinture de paysage a été considérée comme la forme la plus élevée de la peinture chinoise, et est généralement toujours. L’époque de la période des Cinq Dynasties à la période des Song du Nord (907-1127) est connue sous le nom de «Grand âge du paysage chinois». Dans le nord, des artistes tels que Jing Hao, Li Cheng, Fan Kuan et Guo Xi ont peint des images de montagnes imposantes, utilisant de fortes lignes noires, de l’encre et des coups de pinceau pointus pour suggérer la pierre brute. Dans le sud, Dong Yuan, Juran et d’autres artistes ont peint les collines et les rivières de leur campagne natale dans des scènes paisibles faites avec un pinceau plus doux et frotté. Ces deux types de scènes et de techniques sont devenus les styles classiques de la peinture de paysage chinoise.

Spécificités et étude
La peinture et la calligraphie chinoises se distinguent des arts des autres cultures en mettant l’accent sur le mouvement et le changement avec la vie dynamique. La pratique est traditionnellement d’abord appris par cœur, dans lequel le maître montre la «bonne façon» de dessiner des objets. L’apprenti doit copier ces éléments strictement et continuellement jusqu’à ce que les mouvements deviennent instinctifs. À l’époque contemporaine, le débat a émergé sur les limites de cette tradition copiste dans les scènes d’art moderne où l’innovation est la règle. Changer les modes de vie, les outils et les couleurs influencent également les nouvelles vagues de maîtres.

Les premières périodes
Les premières peintures n’étaient pas figuratives mais ornementales; ils consistaient en des motifs ou des dessins plutôt que des images. La première poterie était peinte de spirales, de zigzags, de points ou d’animaux. Ce n’est que pendant la période des Royaumes combattants (475-221 av. J.-C.) que les artistes ont commencé à représenter le monde autour d’eux. A l’époque impériale (en commençant par la dynastie Jin orientale), la peinture et la calligraphie en Chine étaient parmi les arts les plus appréciés de la cour et étaient souvent pratiquées par des amateurs – aristocrates et savants – qui avaient le loisir de perfectionner la technique et la sensibilité nécessaires pour un grand travail de pinceau. La calligraphie et la peinture étaient considérées comme les formes d’art les plus pures. Les outils étaient la brosse en poils d’animaux et les encres noires faites de suie de pin et de colle animale. Dans l’Antiquité, l’écriture et la peinture étaient faites sur de la soie. Cependant, après l’invention du papier au 1er siècle après JC, la soie a été progressivement remplacée par la nouvelle matière moins chère. Les écrits originaux de célèbres calligraphes ont été grandement appréciés dans toute l’histoire de la Chine et sont montés sur des rouleaux et accrochés aux murs de la même manière que les peintures.

Les artistes des Han (206 av. J.-C. – 220 apr. J.-C.) aux dynasties Tang (618-906) ont principalement peint la figure humaine. Une grande partie de ce que nous connaissons de la peinture chinoise précoce provient de sites funéraires, où des peintures ont été conservées sur des bannières en soie, des objets laqués et des murs de tombes. Beaucoup de premières peintures de tombes étaient destinées à protéger les morts ou aider leurs âmes à se rendre au paradis. D’autres ont illustré les enseignements du philosophe chinois Confucius ou ont montré des scènes de la vie quotidienne.

Pendant la période des Six Dynasties (220-589), les gens ont commencé à apprécier la peinture pour sa beauté et à écrire sur l’art. A partir de ce moment, nous commençons à apprendre sur les artistes individuels, tels que Gu Kaizhi. Même lorsque ces artistes ont illustré des thèmes moraux confucéens – tels que le comportement correct d’une femme envers son mari ou des enfants envers leurs parents – ils ont essayé de rendre les figures gracieuses.

Six principes
Les “Six principes de la peinture chinoise” ont été établis par Xie He, écrivain, historien de l’art et critique au 5ème siècle en Chine, dans “Six points à considérer pour juger un tableau” (繪畫 六法), tiré de la préface de son livre ” Le Record de la Classification des Vieux Peintres “(古畫 品 錄). Gardez à l’esprit que cela a été écrit vers 550 EC et fait référence aux pratiques «anciennes» et «anciennes». Les six éléments qui définissent une peinture sont:

“Résonance spirituelle”, ou vitalité, qui fait référence au flux d’énergie qui englobe le thème, le travail et l’artiste. Xie Il a dit que sans Spirit Resonance, il n’y avait pas besoin de regarder plus loin.

“Bone Method”, ou la façon d’utiliser le pinceau, fait référence non seulement à la texture et au coup de pinceau, mais aussi au lien étroit entre l’écriture et la personnalité. À son époque, l’art de la calligraphie était inséparable de la peinture.

“Correspondance à l’objet”, ou la représentation de la forme, qui comprendrait la forme et la ligne.

“Adéquation au type”, ou l’application de la couleur, y compris les calques, la valeur et le ton.

“Division et planification”, ou placement et arrangement, correspondant à la composition, à l’espace et à la profondeur.

“Transmission par copie”, ou la copie de modèles, non seulement de la vie mais aussi des œuvres de l’Antiquité.

Dynasties Sui et Tang (581-907)
Pendant la dynastie Tang, la peinture figurative a prospéré à la cour royale. Des artistes tels que Zhou Fang ont représenté la splendeur de la vie de cour dans des peintures d’empereurs, de dames de palais, et de chevaux impériaux. La peinture figurative a atteint le sommet du réalisme élégant dans l’art de la cour de Tang du Sud (937-975).

La plupart des artistes Tang ont souligné des figures avec de fines lignes noires et utilisé des couleurs brillantes et des détails élaborés. Cependant, un artiste Tang, le maître Wu Daozi, a utilisé seulement de l’encre noire et des coups de pinceau librement peints pour créer des peintures à l’encre qui étaient si excitantes que des foules se sont rassemblées pour le regarder travailler. A partir de ce moment, les peintures à l’encre ne sont plus considérées comme des esquisses préliminaires ou des contours à colorier. Au lieu de cela, ils ont été évalués comme des œuvres d’art finies.

À partir de la dynastie Tang, de nombreux tableaux étaient des paysages, souvent des peintures de shanshui (山水, «eau de montagne»). Dans ces paysages, monochromes et clairsemés (un style qui s’appelle collectivement shuimohua), le but n’était pas de reproduire exactement l’apparence de la nature mais de saisir une émotion ou une atmosphère, comme si elle prenait le “rythme” de la nature.

Dynasties Liao, Song, Jin et Yuan (907-1368)
Pendant la dynastie des Song (960-1279), la peinture atteignit un nouveau développement de la peinture de paysage; des distances incommensurables étaient véhiculées par l’utilisation de contours flous, les contours des montagnes disparaissant dans la brume et le traitement impressionniste des phénomènes naturels. La peinture de style shan shui – “Shan” signifiant montagne, et “shui” signifiant rivière – devint prédominante dans l’art paysager chinois. L’accent mis sur le paysage était fondé sur la philosophie chinoise; Le taoïsme a souligné que les humains n’étaient que de minuscules points dans le vaste et plus grand cosmos, tandis que les écrivains néo-confucianistes poursuivaient souvent la découverte de modèles et de principes qui, selon eux, causaient tous les phénomènes sociaux et naturels. La peinture des portraits et des objets étroitement vus comme les oiseaux sur les branches étaient tenus en haute estime, mais la peinture de paysage était primordiale. Au début de la dynastie des Song, un style de paysage distinctif avait émergé. Les artistes maîtrisent la formule de scènes complexes et réalistes placées au premier plan, tandis que le fond conserve les qualités d’un espace vaste et infini. Des pics montagneux lointains émergent des hautes nuages ​​et de la brume, tandis que les rivières coulent de loin au premier plan.

Il y avait une différence significative dans les tendances de peinture entre la période Song du Nord (960-1127) et la période Song du Sud (1127-1279). Les peintures des fonctionnaires de Song du Nord ont été influencées par leurs idéaux politiques de mettre de l’ordre dans le monde et de s’attaquer aux problèmes les plus importants affectant la société entière; leurs peintures représentent souvent des paysages immenses et immenses. D’un autre côté, les fonctionnaires de Song du Sud étaient plus intéressés à réformer la société de bas en haut et à une échelle beaucoup plus petite, une méthode qu’ils croyaient avoir une meilleure chance pour le succès éventuel; leurs peintures se concentraient souvent sur des scènes plus petites, visuellement plus proches et plus intimes, tandis que l’arrière-plan était souvent représenté dépourvu de détails comme un domaine sans souci pour l’artiste ou le spectateur. Ce changement d’attitude d’une époque à l’autre découle en grande partie de l’influence croissante de la philosophie néo-confucéenne. Les adeptes du néo-confucianisme se sont concentrés sur la réforme de la société de bas en haut, et non de haut en bas, comme en témoignent les efforts déployés pour promouvoir les petites académies privées pendant les Song du Sud plutôt que les grandes académies contrôlées par l’État.

Depuis les dynasties du Sud et du Nord (420-589), la peinture est devenue un art de haute sophistication associé à la classe de noblesse comme l’un de leurs principaux passe-temps artistiques, les autres étant la calligraphie et la poésie. Pendant la dynastie Song, il y avait des collectionneurs d’art avides qui se réunissaient souvent en groupes pour discuter de leurs propres peintures, ainsi que de noter ceux de leurs collègues et amis. Le poète et homme d’État Su Shi (1037-1101) et son complice Mi Fu (1051-1107) participaient souvent à ces affaires, empruntant des pièces d’art à l’étude et à la copie, ou admiraient vraiment une pièce alors un échange était souvent proposé. Ils ont créé un nouveau genre d’art basé sur les trois perfections dans lesquelles ils ont utilisé leurs compétences en calligraphie (l’art de la belle écriture) pour faire des peintures à l’encre. À partir de leur époque, de nombreux peintres se sont efforcés d’exprimer librement leurs sentiments et de capter l’esprit intérieur de leur sujet au lieu de décrire son apparence extérieure. Les petites peintures rondes populaires dans la chanson du sud étaient souvent rassemblées dans des albums comme les poètes écriraient des poèmes le long du côté pour assortir le thème et l’humeur de la peinture.

Bien qu’ils fussent de fervents collectionneurs d’art, certains savants de la chanson n’appréciaient pas volontiers les œuvres d’art commandées par ces peintres trouvés dans les magasins ou les marchés communs, et certains savants critiquaient même des artistes d’écoles et d’académies renommées. Anthony J. Barbieri-Low, professeur d’histoire chinoise ancienne à l’Université de Californie à Santa Barbara, souligne que l’appréciation des artistes Song par l’art créé par leurs pairs ne s’étendait pas à ceux qui gagnaient leur vie simplement en tant qu’artistes professionnels:

Au cours de la chanson du Nord (960-1126 EC), une nouvelle classe d’artistes-érudits émergea qui ne possédait pas les compétences de trompe-l’œil des peintres de l’académie ni même la compétence des peintres du marché commun. La peinture des lettrés était plus simple et parfois non-scolarisée, mais ils critiquaient ces deux autres groupes comme de simples professionnels, car ils comptaient sur des commissions rémunérées pour leur subsistance et ne peignaient pas simplement pour le plaisir ou l’expression de soi. Les savants-artistes considéraient que les peintres qui se concentraient sur des représentations réalistes, qui utilisaient une palette colorée ou, pire encore, qui acceptaient le paiement d’une somme d’argent pour leur travail, n’étaient pas meilleurs que les bouchers ou les bricoleurs sur le marché. Ils ne devaient pas être considérés comme de vrais artistes.

Cependant, pendant la période Song, il y avait beaucoup de peintres de cour acclamés et ils étaient très estimés par les empereurs et la famille royale. Zhang Zeduan (1085-1145), l’un des plus grands peintres de paysage parrainés par la cour de Song, a peint l’original du long du fleuve, l’un des chefs-d’œuvre les plus connus de l’art visuel chinois. L’empereur Gaozong de Song (1127-1162) a commandé un projet artistique de nombreuses peintures pour les dix-huit chants d’une flûte nomade, basé sur la femme poète Cai Wenji (177-250 AD) de la dynastie Han antérieure. Yi Yuanji atteint un degré élevé de réalisme en peignant des animaux, en particulier des singes et des gibbons. Pendant la période de Song du Sud (1127-1279), les peintres de cour tels que Ma Yuan et Xia Gui ont utilisé des coups de pinceau noirs forts pour dessiner des arbres et des rochers et des lavages pâles pour suggérer l’espace brumeux.

Au cours de la dynastie des Mongols Yuan (1271-1368), les peintres ont rejoint les arts de la peinture, de la poésie et de la calligraphie en inscrivant des poèmes sur leurs peintures. Ces trois arts ont travaillé ensemble pour exprimer les sentiments de l’artiste plus complètement qu’un seul art pouvait faire seul. L’empereur Yuan Tugh Temur (1328-1329-1332) aimait la peinture chinoise et devint lui-même un peintre honorable.

Chine impériale tardive (1368-1895)
À partir du 13ème siècle, la tradition de peindre des sujets simples – une branche avec des fruits, quelques fleurs, ou un ou deux chevaux – développé. La peinture narrative, avec une gamme de couleurs plus large et une composition beaucoup plus occupée que les peintures de Song, était immensément populaire pendant la période Ming (1368-1644).

Les premiers livres illustrés de gravures sur bois colorées sont apparus à cette époque; Comme les techniques d’impression couleur ont été perfectionnées, des manuels illustrés sur l’art de la peinture ont commencé à être publiés. Jieziyuan Huazhuan (Manuel du jardin des graines de moutarde), ouvrage en cinq volumes publié pour la première fois en 1679, est utilisé depuis comme manuel technique pour les artistes et les étudiants.

Certains peintres de la dynastie Ming (1368-1644) ont continué les traditions des savants-peintres Yuan. Ce groupe de peintres, connu sous le nom de Wu School, était dirigé par l’artiste Shen Zhou. Un autre groupe de peintres, connu sous le nom de l’école Zhe, a ravivé et transformé les styles de la cour de la chanson.

Au début de la dynastie Qing (1644-1911), les peintres connus sous le nom d’individualistes se sont rebellés contre de nombreuses règles traditionnelles de la peinture et ont trouvé des moyens de s’exprimer plus directement par le biais d’un pinceau libre. Aux XVIIIe et XIXe siècles, de grandes villes commerciales telles que Yangzhou et Shanghai devinrent des centres d’art où de riches marchands-mécènes encourageaient les artistes à produire de nouvelles œuvres audacieuses.

À la fin du XIXe et au XXe siècle, les peintres chinois sont de plus en plus exposés à l’art occidental. Certains artistes qui ont étudié en Europe ont rejeté la peinture chinoise; d’autres ont essayé de combiner le meilleur des deux traditions. Parmi les peintres modernes les plus appréciés se trouvait Qi Baishi, qui a commencé sa vie comme un pauvre paysan et est devenu un grand maître. Ses œuvres les plus connues représentent des fleurs et des petits animaux.

Peinture moderne
En commençant par le New Culture Movement, les artistes chinois ont commencé à adopter des techniques occidentales. Parmi les artistes éminents chinois qui ont étudié la peinture occidentale figurent Li Tiefu, Yan Wenliang, Xu Beihong, Lin Fengmian, Fang Ganmin et Liu Haisu.

Dans les premières années de la République populaire de Chine, les artistes ont été encouragés à utiliser le réalisme socialiste. Un certain réalisme socialiste de l’Union soviétique fut importé sans modification, et les peintres furent assignés à des sujets et attendus pour produire en masse des peintures. Ce régime fut considérablement assoupli en 1953, et après la Campagne des Cent Fleurs de 1956-57, la peinture traditionnelle chinoise connut un renouveau significatif. Parallèlement à ces développements dans les cercles d’art professionnels, il y avait une prolifération de l’art paysan représentant la vie quotidienne dans les zones rurales sur des peintures murales et dans des expositions de peinture en plein air.

Depuis 1978
Après la Révolution culturelle, les écoles d’art et les organisations professionnelles ont été rétablies. Des échanges ont été établis avec des groupes d’artistes étrangers, et les artistes chinois ont commencé à expérimenter de nouveaux sujets et techniques. Un cas particulier de style à main levée (xieyi hua) peut être noté dans le travail de l’enfant prodige Wang Yani (né en 1975) qui a commencé à peindre à l’âge de 3 ans et a considérablement contribué à l’exercice du style dans l’art contemporain.

Après la réforme économique chinoise, de plus en plus d’artistes ont mené avec audace des innovations dans la peinture chinoise. Les innovations comprennent: le développement de nouvelles compétences de brossage telles que l’eau et les éclaboussures verticales, avec l’artiste représentatif Tiancheng Xie, la création d’un nouveau style en intégrant des techniques de peinture traditionnelles chinoises et occidentales telles que Heaven Style Painting, avec l’artiste Shaoqiang Chen styles qui expriment le thème contemporain et la scène de la nature typique de certaines régions telles que Lijiang Painting Style, avec l’artiste représentatif Gesheng Huang. Une série de peintures de Cai Jin en 2008, la plus connue pour son utilisation de couleurs psychédéliques, a montré des influences de sources occidentales et chinoises traditionnelles, bien que les peintures aient été des abstractions organiques.