Art abstrait

L’art abstrait appliqué dans son sens le plus strict à des formes de l’art occidental du 20e siècle qui rejettent la représentation et qui ont pas ou de finition de départ points dans la nature distincte des processus d’abstraction de la nature ou des objets (une tendance récurrente à travers de nombreuses cultures et périodes peut être retracée aussi loin que la peinture rupestre paléolithique), l’art abstrait comme une esthétique consciente basée sur des hypothèses d’autosuffisance est un phénomène tout à fait moderne

L’art abstrait utilise un langage visuel de la forme, la forme, la couleur et la ligne pour créer une composition qui peut exister avec un degré d’indépendance des références visuelles dans le monde. l’art occidental avait été, de la Renaissance jusqu’au milieu du 19ème siècle, sous-tendue par la logique de la perspective et une tentative de reproduire une illusion de la réalité visible. Les arts des cultures autres que l’Europe étaient devenus accessibles et a montré d’autres moyens de décrire une expérience visuelle à l’artiste. de nombreux artistes d’ici la fin du 19ème siècle ont ressenti le besoin de créer un nouveau genre d’art qui entourerait les changements fondamentaux qui se produisent dans la technologie, la science et la philosophie. Les sources dont les différents artistes ont tiré leurs arguments théoriques ont été diverses,

art abstrait, l’art non figuratif, art non-objectif, et l’art non figuratif sont des termes vaguement apparentés. Ils sont semblables, mais peut-être pas de sens identique.

Abstraction indique un écart de la réalité dans la représentation des images dans l’art. Ce départ de représentation précise peut être légère, partielle ou complète. Abstraction existe le long d’un continuum. Même l’art qui vise le plus haut de vraisemblance degré peut être considéré comme abstrait, au moins en théorie, puisque la représentation parfaite est susceptible d’être extrêmement difficile à atteindre. Création qui prend des libertés, modifiant pour exemple la couleur et la forme d’une manière qui brillent, peut être considéré comme partiellement abstraite. Total des prélèvements ne porte pas trace de toute référence à quoi que ce soit reconnaissable. Dans l’abstraction géométrique, par exemple, il est peu probable de trouver des références à des entités naturalistes. Art figuratif et l’abstraction totale sont presque mutuellement exclusifs. Mais figuratif et figuratif (ou réaliste) l’art contient souvent abstraction partielle.

Les deux abstraction géométrique et l’abstraction lyrique sont souvent totalement abstraites. Parmi les très nombreux mouvements artistiques qui incarnent l’abstraction partielle serait par exemple fauvisme dont la couleur est manifestement et délibérément modifiée vis-à-vis de la réalité, et le cubisme, qui modifie de façon flagrante les formes des entités réelles représentées.

Début Abstraction:
Une grande partie de l’art des cultures antérieures – des signes et des marques sur la poterie, des textiles et des inscriptions et peintures sur roche – utilisé simples, des formes géométriques et linéaires qui aurait pu avoir un but symbolique ou décoratif. Il est à ce niveau de sens visuel que l’art abstrait communique. On peut profiter de la beauté de la calligraphie chinoise ou de la calligraphie islamique sans être capable de le lire.

Dans la peinture chinoise, l’ abstraction peut être attribuée au peintre de la dynastie Tang Wang Mo ( 王墨), qui est crédité d’avoir inventé le style de la peinture à l’ encre éclaboussé. Bien qu’aucun de ses peintures restent, ce style est clairement vu dans quelques peintures de la dynastie Song. Le Chan peintre Liang Kai Bouddhiste ( 梁楷, c.1140 -1210) a appliqué le style à la peinture figurative dans son « immortel à l’encre éclaboussé » où une représentation exacte est sacrifiée pour améliorer la spontanéité liée à l’esprit non-rationnel des esprits éclairés. A la fin de la chanson peintre nommé Yu Jian, adepte de Tiantai buddhism, a créé une série de paysages d’encre éclaboussé qui a finalement inspiré de nombreux peintres zen japonais. Ses peintures montrent des montagnes très brumeux où les formes des objets sont à peine visibles et extrêmement simplifiée. Ce type de peinture a été poursuivie par Sesshū dans ses dernières années.

Un autre exemple de l’abstraction dans la peinture chinoise se voit dans Zhu Derun de « Cercle cosmique». Sur le côté gauche de ce tableau est un arbre de pin dans le sol rocheux, ses branches de pampres qui se prolongent de manière désordonnée sur le côté droit du tableau dans lequel un flotteurs cercle parfait (sans doute fait avec l’aide d’une boussole) dans le vide. la peinture est le reflet de la métaphysique taoïstes dans lequel le chaos et la réalité sont des étapes complémentaires du cours régulier de la nature. en Tokugawa Japoncertains moines-peintres zen créé Enso, un cercle qui représente l’illumination absolue. Habituellement d’une seule coup de pinceau spontané, il est devenu le paradigme de l’esthétique minimaliste qui a guidé une partie de la peinture zen.

Abstraction période de romantisme:
Patronage de l’église diminuée et mécénat privé du public est devenu plus capable de fournir un moyen de subsistance pour les artistes.

Trois mouvements artistiques qui ont contribué au développement de l’art abstrait étaient le romantisme, l’impressionnisme et l’expressionnisme. l’indépendance artistique des artistes a été avancée au cours du 19ème siècle. Un intérêt objectif à ce qui est vu, peut être discerné à partir des peintures de John Constable, JMW Turner, Camille Corot et d’eux aux Impressionnistes qui a continué la peinture plein air duBarbizon école.

Les premiers pressentiments d’un nouvel art avaient été faites par James McNeill Whistler qui, dans sa peinture en noir et Nocturne Or: Le Rocket tombe, (1872), mis davantage l’accent sur la sensation visuelle que la représentation d’objets.

peintres expressionnistes ont exploré l’utilisation audacieuse de la surface de la peinture, le dessin et les exagérations, des distorsions et des couleurs intenses. Expressionnistes produits peintures chargées d’émotion qui ont été réactions et les perceptions de l’expérience contemporaine; et les réactions à l’impressionnisme et d’autres directions plus conservatrices de la fin de la peinture du 19ème siècle. Les expressionnistes radicalement changé l’accent sur la matière objet en faveur de la représentation des états psychologiques de l’être. Bien que des artistes comme Edvard Munch et James Ensor ont attiré des influences principalement du travail des postimpressionnistes, ils ont joué un rôle à l’avènement de l’abstraction au 20e siècle. Paul Cézanne avait commencé comme un impressionniste mais son but – de faire une construction logique de la réalité basée sur une vue à partir d’un seul point,

De plus à la fin du 19ème siècle L’Europe de l’Estle mysticisme et le début de la philosophie religieuse moderniste exprimée par Mme théosophe. Blavatsky a eu un impact profond sur les artistes pionniers géométriques comme Hilma af Klint et Wassily Kandinsky. L’enseignement mystique de Georges Gurdjieff et PD Ouspensky a également une influence importante sur les premières formations des styles abstraits géométriques de Piet Mondrian et ses collègues du début du 20e siècle.

Abstraction époque moderne:
Post impressionnisme tel qu’il est pratiqué par Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh et Paul Cézanne a eu un impact énorme sur l’art du 20ème siècle et a conduit à l’avènement de l’abstraction du 20e siècle. Le patrimoine des peintres comme Van Gogh, Cézanne, Gauguin et Seurat était essentiel pour le développement de l’art moderne. Au début du 20ème siècle, Henri Matisse et plusieurs autres jeunes artistes dont la pré-cubiste Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy et Maurice de Vlaminck ont ​​révolutionné laParismonde de l’art « sauvage », multicolores, des paysages expressifs et peintures de figures que les critiques appellent fauvisme. Avec son utilisation expressive de la couleur et son libre et imaginatif dessin Henri Matisse est très proche de l’abstraction pure dans la fenêtre française à Collioure (1914), Vue de Notre-Dame (1914), et le rideau jaune de 1915. La langue première de la couleur telle que développée par le Fauves influencé directement un autre pionnier de l’abstraction, Wassily Kandinsky (voir illustration).

Bien que Cubisme dépend finalement de matière, il est devenu, avec le fauvisme, le mouvement artistique qui a ouvert la porte directement à l’abstraction du 20e siècle. Pablo Picasso a fait ses premières peintures cubistes basé sur l’idée de Cézanne que toute représentation de la nature peut être réduite à trois solides: cube, sphère et cône. Avec le tableau Les Demoiselles d’Avignon (1907), Picasso a créé une image radicalement nouvelle et radicale dépeignant une scène de bordel cru et primitif avec cinq prostituées, des femmes peintes avec violence, rappelant les masques tribaux africains et ses nouvelles inventions cubistes. Cubisme analytique a été développé conjointement par Pablo Picasso et Georges Braque, d’environ 1908 à travers 1912. cubisme analytique, la première manifestation claire du cubisme, a été suivie par le cubisme synthétique, pratiqué par Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp et d’autres dans les années 1920. Cubisme synthétique se caractérise par l’introduction de différentes textures, des surfaces, des éléments de collage, papier collé et une grande variété de sujet fusionné. Les artistes de collage comme Kurt Schwitters et Man Ray et d’autres prenant la moindre idée du cubisme ont grandement contribué au développement du mouvement appelé Dada.

Le poète italien Filippo Tommaso Marinetti publié le Manifeste du futurisme en 1909, que les artistes inspirés par la suite, tels que Carlo Carra dans la peinture des sons, Bruits et Odeurs et Umberto Boccioni train en mouvement, 1911, à une nouvelle étape de l’abstraction qui, en même temps que Cubisme, profondément influencé les mouvements artistiques tout au long L’Europe .

Au cours du Salon 1912 de la Section d’Or le poète Guillaume Apollinaire nommé le travail de plusieurs artistes, dont Robert, orphisme. Il la définit comme l’art de peindre de nouvelles structures sur des éléments qui ne sont pas empruntés à la sphère visuelle, mais avait été créé entièrement par l’artiste … il est un art pur.

Depuis le début du siècle, des liens culturels entre les artistes des grandes villes européennes étaient devenus extrêmement actifs qu’ils se sont efforcés de créer une forme d’art égal aux aspirations élevées du modernisme. Des idées ont pu traverser fertiliser par des livres d’artistes, des expositions et des manifestes de sorte que de nombreuses sources ouvertes à l’expérimentation et la discussion, et constituent une base pour une diversité des modes d’abstraction. L’extrait suivant de « The Backwards World » donne une impression de l’interdépendance de la culture à l’époque: « la connaissance de David Bourliouk des mouvements d’art moderne doit avoir été extrêmement mis à jour, pour la deuxième Knave exposition Diamants, tenue en Janvier 1912 (à Moscou) comprenait non seulement les peintures envoyées de Munich, mais certains membres du groupe Die Brücke allemand, tandis que Paris est venu le travail de Robert Delaunay, Henri Matisse et Fernand Léger, ainsi que Picasso. Au cours du printemps David Bourliouk a donné deux conférences sur le cubisme et prévu une publication polémique, que le diamant était de Knave pour financer. Il est allé à l’étranger en mai et est revenu déterminé à rivaliser avec l’almanach Der Blaue Reiter qui avait émergé des imprimantes alors qu’il était enAllemagne».

De 1909 à 1913 de nombreux travaux expérimentaux dans la recherche de cette « art pur » ont été créés: par Hilma af Klint; Francis Picabia peint Caoutchouc naturel, 1909, Le Printemps, 1912, danse au printemps et la procession, Séville, 1912; Wassily Kandinsky peint Untitled (première aquarelle abstraite), 1910, Improvisation 21A, la série Impression et image avec un cercle (1911); František Kupka avait peint les travaux orphistes, disques de Newton (Étude pour Fugue en deux couleurs), 1912 et Amorpha, Fugue en deux couleurs (Fugue en deux couleurs), 1912; Robert Delaunay peint une série intitulée simultanée Windows et Formes Circulaires, Soleil n ° 2 (1912-1913); Léopold Survage créé couleur Rhythm (étude pour le film), 1913; Piet Mondrian, peint Tableau n ° 1 et la composition N ° 11, 1913.

Et la recherche a continué: Les dessins Rayist (Luchizm) de Natalia Gontcharova et Larionov, utilisé des lignes comme des rayons de lumière pour faire une construction. Kasimir Malevitch réalise sa première œuvre entièrement abstraite, suprématistes, ‘Carré noir«En 1915. Un autre groupe suprématiste » Liubov Popova, a créé les Constructions architectoniques et Constructions force spatiale entre 1916 et 1921. Piet Mondrian était en train d’évoluer son langage abstrait, des lignes horizontales et verticales avec des rectangles de couleur, entre 1915 et 1919, néo-plasticisme était l’esthétique qui Mondrian, Theo van Doesburg et d’autres dans le groupe de Stijl visent à remodeler l’environnement de l’avenir.

Abstraction Musique:
Comme l’art visuel devient plus abstrait, il développe certaines caractéristiques de la musique: une forme d’art qui utilise les éléments abstraits de son et les divisions du temps. Wassily Kandinsky, lui-même musicien, a été inspiré par la possibilité de marques et retentissante couleur associative dans l’âme. L’idée avait été présentée par Charles Baudelaire, que tous nos sens répondent à divers stimuli, mais les sens sont reliés à un niveau esthétique plus profond.

Étroitement lié à cela, est l’idée que l’art a la dimension spirituelle et peut transcender l’expérience « tous les jours », atteignant un plan spirituel. La Société Théosophique a popularisé l’ancienne sagesse des livres sacrés deInde et Chine dans les premières années du siècle. Il est dans ce contexte que Piet Mondrian, Kandinsky, Hilma af Klint et d’autres artistes qui travaillent à un « état objectless » se sont intéressés à l’occulte comme un moyen de créer un objet « intérieur ». Les formes universelles et intemporelles trouvés dans la géométrie: cercle, carré, triangle deviennent les éléments spatiaux dans l’art abstrait; ils sont, comme la couleur, les systèmes fondamentaux sous-tendant la réalité visible.

Impact:
avant-garde russe:
La plupart des artistes abstraits Russieconstructivistes croire que devenus art n’était plus quelque chose à distance, mais la vie elle-même. L’artiste doit devenir un technicien, apprendre à utiliser les outils et les matériaux de production moderne. Art dans la vie! était le slogan de Vladimir Tatline, et celui de tous les futurs constructivistes. Varvara Stepanova et Alexandre Exter et d’autres ont abandonné la peinture de chevalet et déviées leurs énergies à la conception du théâtre et des œuvres graphiques. De l’autre côté se trouvait Kazimir Malevitch, Anton Pevsner et Naum Gabo. Ils ont fait valoir que l’art était essentiellement une activité spirituelle; pour créer la place de l’individu dans le monde, de ne pas organiser la vie dans un sens pratique, matérialiste. Beaucoup de ceux qui étaient hostiles à l’idée de la production de l’art matérialiste gaucheRussie. Anton Pevsner est alléFrance, Gabo se rendit d’abord Berlin, Puis Angleterre et enfin à Amérique. Kandinsky a étudié enMoscou puis à gauche pour le Bauhaus. Au milieu des années 1920, la période révolutionnaire (1917 à 1921) où les artistes avaient été libres d’expérimenter était terminée; et les années 1930 a été permis que le réalisme socialiste.

Le Bauhaus:
Le Bauhaus à Weimar, Allemagne a été fondée en 1919 par Walter Gropius. La philosophie qui sous-tend le programme d’enseignement était l’unité de tous les arts visuels et plastiques de l’architecture et la peinture à tissage et vitrail. Cette philosophie était devenue des idées du mouvement Arts and CraftsAngleterreet le Deutscher Werkbund. Parmi les professeurs étaient Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers et László Moholy-Nagy. En 1925, l’école a été déplacéDessauet, comme le parti nazi a pris le contrôle en 1932, le Bauhaus a été fermé. En 1937, une exposition d’art dégénéré, « Entartete Kunst » contenait tous les types d’art d’avant-garde désapprouvé par le parti nazi. Puis l’exode a commencé: pas seulement du Bauhaus, mais de l’Europe en général; àParis, Londres et Amérique. Paul Klee est alléSuisse mais bon nombre des artistes du Bauhaus est allé à Amérique.

abstraction Paris et Londres:
Au cours des années 1930 Paris est devenu l’hôte d’artistes de Russie, Allemagne, la Pays-Baset d’autres pays européens touchés par la montée du totalitarisme. Sophie Tauber et Jean Arp ont collaboré à peintures et des sculptures en utilisant des formes organiques / géométriques. Le polonais Katarzyna Kobro appliqué des idées mathématiques basés à la sculpture. Les nombreux types d’abstraction maintenant à proximité conduit à des tentatives par des artistes d’analyser les différents groupes conceptuels et esthétiques. Une exposition de quarante-six membres du groupe Cercle et Carré organisé par Joaquin Torres-Garcia assisté de Michel Seuphor contenait travail par les néo-Plasticists ainsi que abstractionnistes aussi variés que Kandinsky, Anton Pevsner et Kurt Schwitters. Critiqué par Theo van Doesburg être trop indéfinie collection, il publie la revue Art Concret exposant un manifeste définissant un art abstrait dans lequel la ligne, la couleur et la surface ne sont la réalité concrète. Abstraction-Création fondée en 1931 en tant que groupe plus ouvert, a fourni un point de référence pour les artistes abstraits, comme la situation politique a empiré en 1935, et les artistes encore regroupa, beaucoup à Londres. La première exposition de l’art abstrait britannique a eu lieu àAngleterreen 1935. L’année suivante, l’exposition internationale plus abstraite et concrète a été organisée par Nicolete gris, y compris le travail de Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth et Ben Nicholson. Hepworth, Nicholson et Gabo déplacé vers le groupe St. IvesCornouailles de poursuivre leur travail « constructiviste ».

Amérique: Au milieu du siècle
Lors de la montée des nazis au pouvoir dans les années 1930, de nombreux artistes ont fui l’Europe à la États Unis. Au début des années 1940, les principaux mouvements de l’art moderne, l’expressionnisme, le cubisme, l’abstraction, le surréalisme et dada étaient représentés à New York: Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, André Masson, Max Ernst, André Breton, étaient tout simplement quelques-unes des Européens exilés qui sont arrivés à New York. Les riches influences culturelles apportées par les artistes européens ont été distillés et construits sur des peintres locaux de New York. Le climat de libertéNew Yorkont permis à tous ces influences pour se développer. Les galeries d’art qui avaient surtout porté sur l’art européen a commencé à remarquer la communauté artistique locale et le travail des jeunes artistes américains qui avaient commencé à mûrir. Certains artistes à cette époque sont devenus nettement abstrait dans leur travail de maturité. Au cours de cette période peinture de Piet Mondrian Composition n ° 10, 1939-1942, caractérisé par des couleurs primaires, des lignes fond blanc et noir grille clairement défini son approche radicale, mais classique du rectangle et l’art abstrait en général. Certains artistes de la période ont défié la catégorisation, comme Georgia O’Keeffe qui, tandis qu’un abstractionniste moderniste, était un franc-tireur pur qu’elle peint des formes très abstraites sans se joindre à un groupe spécifique de la période.

Finalement, les artistes américains qui travaillaient dans une grande diversité de styles ont commencé à se regrouper en groupes stylistiques cohérents. Le groupe le plus connu des artistes américains est devenu connu sous le nom et la expressionnistes abstraitsNew York École. DansLa ville de New York il y avait une atmosphère qui a encouragé la discussion et il y avait une nouvelle occasion d’apprendre et de plus en plus. Les artistes et les enseignants John D. Graham et Hans Hofmann chiffres sont devenus des ponts importants entre les modernistes européens nouvellement arrivés et les jeunes artistes américains qui viennent de l’âge. Mark Rothko, né en Russie, A commencé avec des images fortement surréaliste qui dissout plus tard dans ses compositions de couleurs puissantes du début des années 1950. Le geste expressionniste et l’acte même de la peinture, est devenu d’une importance primordiale à Jackson Pollock, Robert Motherwell, et Franz Kline. Alors que dans les années 1940 de Arshile Gorky et le travail figuratif de Willem de Kooning ont évolué vers l’abstraction à la fin de la décennie. La ville de New Yorkest devenu le centre et artistes du monde entier gravitent vers elle; d’autres endroitsAmérique ainsi que.

Les développements ultérieurs:
art numérique, la peinture hard-edge, abstraction géométrique, minimalisme, abstraction lyrique, art op, l’expressionnisme abstrait, la peinture de champ de couleur, peinture monochrome, assemblage, néo-Dada, la peinture de la toile en forme, quelques directions relatives à l’abstraction dans la seconde moitié du 20ème siècle.

dans le États Unis, L’art comme objet comme vu dans la sculpture de Donald Judd Minimaliste et les peintures de Frank Stella sont considérés aujourd’hui comme des permutations plus récentes. D’autres exemples comprennent et l’Abstraction Lyrique utilisation de couleurs sensuelle vu dans le travail des peintres aussi divers que Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell.

Lien de causalité:
Une explication socio-historique qui a été offert à la prévalence croissante de l’abstrait dans l’art moderne – une explication liée au nom de Theodor W. Adorno – est que cette abstraction est une réponse, et une réflexion de l’abstraction croissante de les relations sociales dans la société industrielle.

Frédéric Jameson voit de la même abstraction moderniste en fonction de la puissance abstraite de l’argent, ce qui équivaut tout aussi comme valeur d’échange. Le contenu social de l’art abstrait est alors précisément la nature abstraite de l’existence sociale – formalités légales, dépersonnalisation bureaucratique, information / puissance – dans le monde de la modernité tardive.

Post-jungiens par contraste verrait les théories quantiques avec leur désintégration des idées conventionnelles de la forme et de la matière sous-jacente comme le divorce du concret et l’abstrait dans l’art moderne.