Arte Povera

Le pauvre art (italien: Arte Povera) est un mouvement artistique né en Italie dans la seconde moitié des années 1960, auquel les auteurs adhèrent au domaine principalement turinés. Il a été nommé d’après Germano Celant, car des matériaux humbles et pauvres, généralement non industriels (plantes, sacs de toile, graisses, cordes, terre, rondins) sont utilisés pour sa création. Ces matériaux sont valorisés principalement dans leurs évolutions, car à mesure qu’ils se dégradent, ils transforment l’œuvre.

Arte Povera est un mouvement d’art contemporain. Le mouvement Arte Povera s’est déroulé entre la fin des années 60 et le début des années 70 dans les grandes villes d’Italie et surtout à Turin. Les autres villes où le mouvement était également important sont Milan, Rome, Gênes, Venise, Naples et Bologne. Le terme a été inventé par le critique d’art italien Germano Celant en 1967 et introduit en Italie pendant la période de bouleversement à la fin des années 1960, lorsque les artistes adoptaient une position radicale. Les artistes ont commencé à attaquer les valeurs des institutions établies du gouvernement, de l’industrie et de la culture.

Mario Merz se démarque parmi les artistes italiens qui ont pratiqué cet art. Ses travaux partent d’une loi structurelle très élémentaire, celle du mathématicien médiéval Fibonacci, pour qui le développement ne dérive pas de la simple succession de nombres, mais de la progression dans laquelle chaque nombre résulte de la somme des deux précédents. Cette progression mathématique est celle publiée par Merz dans l’une de ses œuvres, qu’il s’agisse d’objets, d’espaces, de légumes, etc. Par exemple, la disposition des paquets de journaux sur le sol, avec des numéros de Fibonacci faits dans un groupe néonor de fruits et légumes éparpillés sur le sol, qui se détériore comme cela se produit avec d’autres phénomènes naturels, ou la fabrication d’un igloo recouvert d’une structure néon, où apparaît la série des nombres de Fibonacci, etc.

L’exposition « Im Spazio » (L’espace des pensées), organisée par Celant et tenue à la Galleria La Bertesca à Gênes, en Italie, de septembre à octobre 1967, est souvent considérée comme le point de départ officiel d’Arte Povera. Celant, qui est devenu l’un des principaux partisans d’Arte Povera, a organisé deux expositions en 1967 et 1968, suivies d’un livre influent publié par Electa en 1985 intitulé Arte Povera Storie e protagonisti / Arte Povera. Histoires et protagonistes, promouvant la notion d’un art révolutionnaire, libre de toute convention, du pouvoir de la structure et du marché.

Bien que Celant ait tenté d’englober les éléments radicaux de l’ensemble de la scène internationale, le terme s’est correctement concentré sur un groupe d’artistes italiens qui ont attaqué la mentalité d’entreprise avec un art de matériaux et de styles non conventionnels. Les figures clés étroitement associées au mouvement sont Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Enrico Castellani, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini et Gilberto Zorio. Ils ont souvent utilisé des objets trouvés dans leurs œuvres. Parmi les autres premiers représentants de changements radicaux dans les arts visuels figurent les artistes proto Arte Povera: Antoni Tàpies et le mouvement Dau al Set, Alberto Burri, Piero Manzoni et Lucio Fontana and Spatialism. Le marchand d’art Ileana Sonnabend était une championne du mouvement.

À noter également: Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Richard Serra; et chez les Allemands Joseph Beuys (1921-1985). Le matériau préféré de ce dernier était le gras, avec lequel il fabriquait des objets énigmatiques ou en recouvrait d’autres, dans lequel la valeur expressive du matériau lui-même se distinguait principalement. Dans les années 1960 (1960), avec un autre artiste allemand, Wolf Vostell, et les Viennois du groupe Fluxus, Beuys a réalisé d’innombrables Happenings dans lesquels sa non-conformité marquée était évidente.

Concepts
Le terme arte povera (de l’art pauvre italien) est une tendance publiée à la fin des années 1960, dont les créateurs utilisent des matériaux considérés comme pauvres, très faciles à obtenir, tels que le bois, les feuilles ou les roches, la vaisselle, les assiettes en plomb ou le verre, les légumes, le tissu, du charbon ou de l’argile, ou aussi des déchets, et ne valaient donc rien.

Dans un effort pour fuir la commercialisation de l’objet artistique, ils occupent l’espace et demandent l’intervention du public. Ils tentent de provoquer une réflexion entre l’objet et sa forme, à travers la manipulation de la matière et l’observation de ses qualités spécifiques. Un artiste typique est Mario Merz (né en 1925), célèbre pour ses igloos (structures hémisphériques faites de différents matériaux), par exemple son travail Do We Go Around Houses ou Do Houses Go Around Us? (1977/85).

Arte povera a rejeté les icônes des médias de masse et des images réductrices, ainsi que celles industrielles du pop art et du minimalisme. Il propose un modèle d’extrémisme opérationnel basé sur des valeurs marginales et pauvres. Il utilise un haut degré de créativité et de spontanéité et implique une récupération d’inspiration, d’énergie, de plaisir et d’illusion transformée en utopie. Arte povera préfère le contact direct avec des matériaux sans signification culturelle, des matériaux sans importance d’origine ou d’utilisation, réutilisés ou transformés par l’artiste.

Inventé par le critique d’art et commissaire d’exposition italien Germano Celant en 1967 pour le catalogue de l’exposition «  Arte povera – Im Spazio  », il a essayé de décrire la tendance d’une nouvelle génération d’artistes italiens à travailler avec des matériaux non traditionnels et était un très une réflexion esthétique importante sur les relations entre le matériau, l’œuvre et son processus de fabrication et aussi un rejet clair de l’industrialisation, de la métallisation et de la mécanisation croissantes du monde qui les entoure, y compris celui de l’art. Bien que originaire de villes comme Turin, Milan, Gênes ou Rome et de caractère très hétérogène, le mouvement a tout de suite eu une grande influence, grâce à la documenta V à Kassel, dans les scènes artistiques européennes et américaines.

Le terme a été utilisé pour la première fois dans une exposition vénitienne en 1967. L’artiste de Povera a adopté une nouvelle attitude, où il a pris possession d’une réalité qui est le vrai sens de son être. Il propose un mode de vie inventif et antidogmatique. L’artiste povera a dû travailler sur des choses du monde, produire des faits magiques, découvrir les racines d’événements basés sur des matériaux et des principes donnés dans la nature. Il n’exprime pas de jugement sur son environnement. Arte Povera est également considéré par l’artiste comme une extension de son corps et de son âme, se connectant directement avec l’environnement, la nature et tout ce qui l’entoure, entrant en harmonie. Ses œuvres, bien que non conventionnelles, ont une grande harmonie et un style unique, donné par les matériaux inhabituels avec lesquels il travaille.

Un retour aux objets et messages simples
Le corps et le comportement sont de l’art
Le quotidien prend tout son sens
Des traces de la nature et de l’industrie apparaissent
Le dynamisme et l’énergie s’incarnent dans l’œuvre
La nature peut être documentée dans sa transformation physique et chimique
Explorez la notion d’espace et de langage
Des signes complexes et symboliques perdent leur sens
Ground Zero, pas de culture, pas de système artistique, Art = Life

Histoire
Un premier rassemblement du nouveau mouvement a lieu en septembre 1967 dans l’exposition homonyme, organisée par Germano Celant, qui a lieu à la Galleria La Bertesca de Francesco Masnata à Gênes, où Boetti, Fabro, Kounellis, Paolini, Pascali et Prini exposent. Arte Povera est toujours défini par Celant dans un article publié dans n. 5 de Flash Art de la même année, dans l’exposition Arte povera de 1968 à la Galleria de ‘Foscherari à Bologne avec Anselmo, Boetti, Ceroli, Fabro, Kounellis, Merz, Paolini, Pascali, Piacentino, Pistoletto, Prini, Zorio, qui exposera toujours ensemble à Trieste au Centro Arte Viva-Feltrinelli, où Gilardi sera ajouté, enfin à l’événement Arte Povera – Poor Actions dans les Arsenaux d’Amalfi.

La référence à un art médiocre comme la guérilla asystématique mise en avant par Celant dans l’article sur Flash Art est acceptée grâce à la reconnaissance internationale, pourtant fermement poursuivie. La consécration internationale a eu lieu en 1969 avec l’exposition d’art pauvre et d’art conceptuel Quand les attitudes deviennent forme organisée par Szeemann à la Kunsthalle de Berne (qui comprend Boetti, Calzolari, Kounellis, Merz, Pascali, Pistoletto, Prini et Zorio) et quand elle sort le volume de Celant Arte povera illustré l’année suivante dans l’exposition Art conceptuel arte povera land art organisée à la Galerie Civique d’Art Moderne et Contemporain de Turin.

En plus de ceux déjà mentionnés, d’autres représentants du mouvement étaient Claudio Cintoli, Sergio Lombardo, Gino Marotta, Fabio Mauri, Giuseppe Penone, Cesare Tacchi, Renato Mambor.

Oeuvres et poétique
Le mouvement est né dans une polémique ouverte avec l’art traditionnel, dont il refuse les techniques et supports pour utiliser, en effet, des matériaux « pauvres » comme la terre, le bois, le fer, les chiffons, le plastique, les déchets industriels, dans le but d’évoquer les structures originales du langage de la société contemporaine après avoir corrodé les habitudes sémantiques et les conformismes. Une autre caractéristique du travail des artistes du mouvement est l’utilisation de la forme de l’installation, comme lieu de la relation entre l’œuvre et l’environnement, et celle de l ‘«action» performative. Germano Celant, qui emprunte le nom du mouvement au théâtre de Jerzy Grotowski, dit que le mauvais art se manifeste essentiellement « en réduisant au minimum, en appauvrissant les signes, en les réduisant à leurs archétypes ». La plupart des artistes du groupe manifestent un intérêt explicite pour les matériaux utilisés tandis que certains – en particulier Alighiero Boetti et Giulio Paolini – ont dès le départ un penchant plus conceptuel.

Le mauvais art fait partie du panorama de la recherche artistique de l’époque en raison des consonances significatives qu’il montre non seulement en ce qui concerne l’art conceptuel proprement dit, qui, au cours de ces années, a vu l’étoile de Joseph Beuys monter, mais aussi en ce qui concerne des expériences comme la pop , minimal et Land Art (Richard Long).

Le but de ces artistes était de dépasser l’idée traditionnelle selon laquelle l’œuvre d’art occupe un niveau de réalité super-temporel et transcendant. Pour cette raison, la provocation qui découle du travail de Giovanni Anselmo Sculpture qui mange (1968, collection Sonnabend, New York) est importante, formée de deux blocs de pierre qui écrasent une tête de laitue, un légume dont le destin inévitable est de périr. .. L’utilisation d’objets vivants est fréquente, comme chez Kounellis, qui a fixé un vrai perroquet sur une toile peinte, démontrant que la nature a plus de couleurs que n’importe quelle œuvre picturale.

Une autre critique formulée par les artistes d’Arte Povera était contre la conception du caractère unique et irremplaçable de l’œuvre d’art: Mimesis, de Paolini, se compose de deux moulages en plâtre identiques représentant une sculpture de l’âge classique, placés face à face pour le but de faire semblant d’une conversation.

Pendant la guerre du Vietnam, Arte Povera a approché les mouvements de protestation contre l’intervention américaine: l’œuvre de Pistoletto Vietnam (1965, collection Menil, Houston) dépeint un groupe de manifestants pacifistes, représentés avec des silhouettes fixes sur un miroir, afin que les visiteurs de la galerie se reflètent en elle. De cette façon, les gens sont devenus une partie intégrante de l’œuvre elle-même, créant une sorte d’interaction entre la création artistique et le public spectateur.

L’attention aux modes de vie de nombreuses cultures autres que celle de l’Ouest est présente dans les œuvres de Merz: ses nombreux igloos, créés avec des matériaux différents (par exemple le métal, le verre, le bois, etc.), soulignent l’adaptabilité d’un peuple à son certain environnement.

L’identification homme-nature est l’un des thèmes les plus traités par divers artistes. Dans Marotta et Gilardi (Orto, 1967), cependant, la nature est revisitée dans une clé artificielle, comme pour actualiser le matériau et le rapprocher d’un sentiment de changement d’époque impliquant l’homme et sa perception du monde. Perception rendue incertaine dans les peintures miroirs de Pistoletto, qui s’ouvrent littéralement au monde en absorbant tout ce qui se trouve devant lui et en changeant à mesure que l’environnement qui les contient change.

Au contraire de ceux-ci, les « écrans » sans image avec lesquels Mauri reproduit la toile cinématographique et qui vont influencer les premières œuvres de Mario Schifano. Cependant, ses créations s’ouvrent parfois à la réalité quotidienne la plus populaire (Casetta Objects Achetés, 1960), ou à l’actualité la plus impressionnante (La luna, 1968), ce qui l’amènera à développer une profonde réflexion sur l’art et l’histoire.

De nombreux artistes travaillent sur l’idée d’une image stéréotypée, comme Ceroli (Si / No, 1963), qui traite les silhouttes tirés de l’histoire de l’art de manière sérielle, ou des ensembles de figures humaines multipliées ou sérialisées avec une technique qui rappelle le bricolage. Les «gestes typiques» de Lombardo (gestes typiques-Kennedy et Fanfani, 1963), les traces d’images de Mambor ou les scènes d’héliogravure ou de célèbres tableaux revisités en tissu coloré par Tacchi sont également considérés comme des stéréotypes (Quadro per un mito, 1965).

Artistes
Michelangelo Pistoletto a commencé à peindre sur des miroirs en 1962, reliant la peinture aux réalités en constante évolution dans lesquelles l’œuvre se trouve. À la fin des années 1960, il a commencé à rassembler des chiffons avec des moulages de statuaire classique omniprésente d’Italie pour briser les hiérarchies de « l’art » et des choses communes. Un art des matériaux appauvris est certainement un aspect de la définition de l’Arte Povera. Dans son Muretto di Stracci (Mur de chiffon) de 1967, Pistoletto fait une tapisserie exotique et opulente enveloppant des briques communes dans des bouts de tissu jetés.

Jannis Kounellis et Mario Merz ont tenté de rendre l’expérience de l’art plus immédiatement réelle tout en reliant plus étroitement l’individu à la nature. Dans son (Untitled / Twelve Horses), Kounellis apporte la vraie vie naturelle dans le cadre de la galerie, en montrant douze chevaux emmitouflés sur les murs de la galerie. Rappelant le mouvement Dada et Marcel Duchamp, son objectif était de défier ce qui pourrait être défini comme de l’art, mais contrairement à Duchamp, maintient les objets réels et vivants, redéfinissant la notion de vie et d’art, tout en gardant les deux entités indépendantes.

L’effet de réalité n’est pas secondaire mais constitutif. (…) Kounellis déplace la frontière de ce qui peut être défini comme art, mais il n’y a jamais l’idée que l’art devrait être dissous dans la vie. Au contraire, l’art reçoit un nouveau message comme rite d’initiation à travers lequel revivre la vie.

Piero Gilardi, tout comme l’objectif d’Arte Povera lui-même, était soucieux de faire le pont entre le naturel et l’artificiel. Dans son (Nature Carpets), 1965, qui lui a valu la reconnaissance et l’assimilation dans le mouvement Arte Povera, Gilardi a construit des tapis tridimensionnels en polyuréthane qui utilisaient des feuilles, des roches et du sol « naturels » comme décoration, design et art questionner les sensibilités sociétales vis-à-vis de ce qui est réel et naturel et comment l’artificialité était enracinée dans le monde commercialisé contemporain.

Giovanni Anselmo (1934-), sculpteur italien.
Alighiero Boetti (1940-1994), artiste italien.
Ferruccio Bortoluzzi (1920-2007), artiste italien.
Pier Paolo Calzolari (1943-), artiste italien.
Enrico Castellani (1930-2017), peintre italien.
Rossella Cosentino
Luciano Fabro (1936-2007), peintre et sculpteur.
Lucio Fontana (1899-1968), peintre et sculpteur argentin.
Piero Gilardi (1942-), sculpteur italien.
Kichinevsky
Jannis Kounellis (1936-2017), peintre et sculpteur grec.
Mario Merz (1925-2003), artiste, peintre et sculpteur italien.
Marisa Merz (1931-2019), artiste italienne.
Piero Manzoni (1933-1963), artiste italien.
Giulio Paolini (1940-), sculpteur et peintre italien.
Claudio Parmiggiani (1943-), artiste italien.
Pino Pascali (1935-1968), artiste italien.
Giuseppe Penone (1947-), artiste et sculpteur italien.
Michelangelo Pistoletto (1933-), artiste, peintre et sculpteur italien.
Azar Salman
Edoardo Tresoldi (1987-), sculpteur scénographe italien.
Gilberto Zorio (it)

Marché de l’art
Depuis longtemps, les œuvres d’arte povera ont échappé à la logique du marché. En effet, refusant de considérer l’œuvre d’art comme un «produit», leurs auteurs n’hésitent pas à créer des œuvres éphémères, ou bien ils utilisent des matériaux jugés «pauvres» comme la terre, le tissu, les plantes, etc. Cependant, l’aventure a pris fin peu avant le milieu des années 1970, de nombreux artistes du groupe ont ensuite adopté des approches individuelles.

L’art de la povera n’est pas un art d’accès facile: la conservation de certaines pièces nécessite une grande attention; d’autres, qui se présentent sous la forme d’installations, ne peuvent évidemment avoir lieu que dans des intérieurs adaptés.

Cependant, les grandes institutions et collectionneurs américains commencent à s’intéresser de près à ce courant après l’avoir longtemps mis de côté.

Bien que lié à l’art conceptuel pratiqué dans d’autres pays – aux États-Unis, il était notamment le résultat d’expériences pop et minimalistes, du happening et du cinéma underground – arte povera proprement dit a produit des œuvres d’une individualité incontestable.

La première exposition « Arte povera in spazio » de arte povera qui a eu lieu à la galerie La Bertesca à Gênes en 1967 a été suivie de nombreuses autres manifestations, tant en Europe qu’aux États-Unis.

Critique
L’Arte povera utilise des produits pauvres (d’où son nom): sable, chiffons, terre, bois, goudron, corde, toile de jute, vêtements usagés, etc. et les positionne comme des éléments artistiques de composition. Cependant, certaines œuvres, comme Mario Merz Igloo di Giap, utilisent des matériaux plus sophistiqués tels que les néons.

La «pauvreté» pourrait alors être celle de l’artiste qui utilise des moyens légers qui assurent son indépendance vis-à-vis de l’économie et des institutions culturelles.

Nous avons également vu dans l’utilisation du mot «pauvre» une référence chrétienne à l’ascétisme et au renoncement franciscain car nous trouvons dans les œuvres de l’arte povera un matérialisme spirituel, une révélation du mystère de l’existence dans les objets les plus banals, les plus insignifiants , le plus quotidien.

Le terme Pauvre a également été interprété au sens politique car les artistes de l’arte povera ont adopté des positions radicales et marginales, proches de la mentalité des mouvements protestataires de 1968.