Art balinais
L’art balinais est un art d’origine hindou-javanaise issu du travail des artisans du royaume de Majapahit, avec leur expansion à Bali à la fin du 14ème siècle. Du XVIe au XXe siècle, le village de Kamasan, Klungkung (est de Bali), était le centre de l’art classique balinais. Au cours de la première partie du vingtième siècle, de nouvelles variétés d’art balinais se sont développées. Depuis la fin du vingtième siècle, Ubud et ses villages voisins ont acquis la réputation d’être le centre de l’art balinais.
Ubud et Batuan sont connus pour leurs peintures, Mas pour leurs sculptures sur bois, Celuk pour les forgerons d’or et d’argent et Batubulan pour leurs sculptures sur pierre. Covarrubias décrit l’art balinais comme «un art populaire baroque très développé, bien qu’informel, associant la vivacité paysanne au raffinement du classicisme de Java hindouiste, mais exempt du préjugé conservateur et d’une nouvelle vitalité tirée par l’exubérance du esprit démoniaque du primitif tropical « . Eiseman a correctement souligné que l’art balinais est en réalité sculpté, peint, tissé et préparé dans des objets destinés à un usage quotidien plutôt qu’à un objet d’art.
Histoire récente
Avant les années 1920, les peintures traditionnelles balinaises étaient limitées à ce que l’on appelle aujourd’hui le style Kamasan ou Wayang. C’est un récit visuel d’épopées hindou-javanaises: le Ramayana et le Mahabharata, ainsi qu’un certain nombre d’histoires autochtones, telles que le récit de Panji.
Ces dessins en deux dimensions sont traditionnellement dessinés sur du papier tissu ou en écorce (papier Ulantaga) avec des colorants naturels. La coloration se limite aux colorants naturels disponibles: rouge, ocre, noir, etc. De plus, le rendu des figures et des ornements doit suivre des règles strictement prescrites, car elles sont principalement produites pour des objets religieux et des tentures de temple. Ces peintures sont produites en collaboration, et donc pour la plupart anonymement.
Il y a eu beaucoup d’expériences avec de nouveaux types d’art par les Balinais à partir de la fin du XIXe siècle. Ces expériences ont été stimulées par l’accès à de nouveaux matériaux (papier occidental et encres importées et peinture) et, dans les années 1930, de nouveaux marchés touristiques ont incité de nombreux jeunes balinais à s’impliquer dans de nouveaux types d’art.
Dans les années 20, avec l’arrivée de nombreux artistes occidentaux, Bali devient une enclave d’artistes (comme Tahiti était pour Paul Gauguin) pour des artistes d’avant-garde tels que Walter Spies (allemand), Rudolf Bonnet (néerlandais), Adrien-Jean Le Mayeur ( Belge), Arie Smit (Néerlandais) et Donald Friend (Australien) ces dernières années. La plupart de ces artistes occidentaux ont eu très peu d’influence sur les Balinais jusqu’à la période qui a suivi la Seconde Guerre mondiale, même si certains témoignent de la présence occidentale au détriment de la reconnaissance de la créativité balinaise.
Lors de sa première visite à Bali en 1930, l’artiste mexicain Miguel Covarrubias a noté que les peintures locales servaient principalement des fonctions religieuses ou cérémonielles. Ils ont été utilisés comme tissus décoratifs pour être accrochés dans les temples et les maisons importantes, ou comme calendriers pour déterminer les horoscopes des enfants. Pourtant, en quelques années, il a découvert que la forme artistique avait connu une « révolution libératrice ». Les artistes balinais ont commencé à produire des scènes de la vie rurale. Ces peintres avaient développé une individualité croissante.
Cette période de créativité révolutionnaire a atteint son apogée à la fin des années 1930. Un flux de visiteurs célèbres, dont Charlie Chaplin et les anthropologues Gregory Bateson et Margaret Mead, ont encouragé les locaux talentueux à créer des œuvres très originales. Durant leur séjour à Bali au milieu des années 1930, Bateson et Mead ont recueilli plus de 2000 peintures, principalement du village de Batuan, mais aussi du village côtier de Sanur. Parmi les artistes occidentaux, Spies et Bonnet sont souvent crédités pour la modernisation des peintures traditionnelles balinaises. À partir des années 1950, les artistes de Baliese ont intégré des aspects de la perspective et de l’anatomie de ces artistes. Plus important encore, ils ont agi en tant qu’agents de changement en encourageant l’expérimentation et en favorisant les écarts par rapport à la tradition. Le résultat a été une explosion d’expression individuelle qui a augmenté le taux de changement dans l’art balinais. Les styles des années 1930 ont été consolidés dans les années 1950 et, plus récemment, ils ont reçu le titre déroutant de «peinture balinaise traditionnelle moderne». Les peintres d’Ubud, bien que minoritaires parmi les artistes travaillant dans les années 1930, sont devenus les représentants du nouveau style grâce à la présence du grand artiste Gusti Nyoman Lempad dans ce village et au patronage des chefs traditionnels d’Ubud. Les points clés du style Ubud comprenaient une concentration sur la représentation de la vie quotidienne et du drame à Bali; le changement du patron de ces artistes des temples religieux et des maisons royales aux touristes / collectionneurs occidentaux; Déplacement de la composition de l’image du focus multiple au focus simple. Malgré l’adoption des traditions de la peinture occidentale moderne par de nombreux peintres balinais et indonésiens, la «peinture balinaise traditionnelle moderne» continue de prospérer et se poursuit chez les descendants / étudiants des artistes de l’époque moderniste d’avant-guerre (1928-1942). Les écoles de peinture traditionnelle balinaise moderne comprennent: les écoles de peinture Ubud, Batuan, Sanur, Young Artist et Keliki.
Peinture traditionnelle moderne
La modernisation de l’art balinais d’avant-guerre émanait de trois villages: Ubud, où les espions se sont installés, Sanur sur la côte sud, et Batuan, centre traditionnel de musiciens, de danseurs, de sculpteurs et de peintres. Les artistes peignaient principalement sur papier, bien que la toile et le carton soient également utilisés. Souvent, les œuvres comprenaient des grappes répétitives de feuillage stylisé ou des vagues qui donnaient une impression de texture, voire de perspective. Chaque village a développé un style qui lui est propre. Les artistes d’Ubud ont davantage utilisé les espaces ouverts et mis l’accent sur les figures humaines. Les peintures de Sanur comportaient souvent des scènes et des animaux érotiques, et le travail de Batuan était moins coloré, mais avait tendance à être plus occupé.
Ubud peinture
Ubud a été le centre de l’art pendant des siècles, avec les maisons royales et les temples environnants comme principaux patrons. Avant les années 1920, les peintures traditionnelles de style wayang dominaient le sujet, bien que Jean Couteau pense que les peintures à la fois laïques et religieuses coexistent depuis longtemps sous la forme de l’expression de l’unité des opposés (Rwabhinneda dans le système de croyance balinais).
Sous le patronage de la famille royale d’Ubud, en particulier Tjokorda Gde Agung Sukawati, et avec Rudolf Bonnet en tant que consultant en chef, la Pitamaha Art Guild fut fondée en 1936 pour professionnaliser la peinture balinaise. Sa mission était de préserver la qualité de l’art balinais dans la ruée du tourisme à Bali. Les membres du conseil d’administration de Pitamaha se sont réunis régulièrement pour sélectionner les peintures soumises par ses membres et pour organiser des expositions dans tout le pays et à l’étranger. Pitamaha a été actif jusqu’au début de la seconde guerre mondiale en 1942. Le sujet est passé de la narration religieuse à la vie quotidienne balinaise. Les artistes d’Ubud membres de Pitamaha venaient d’Ubud et des villages environnants; Pengosekan, Peliatan et Tebasaya. Parmi eux: Ida Bagus Made Kembeng du village de Tebesaya et ses trois fils: Ida Bagus Wiri, Ida Bagus Made et Ida Bagus Belawa; Tjokorda Oka de la maison royale de Peliatan; Anak Agung Gde Sobrat, Anak Agung Gde Meregeg, Je Dewa Putu Bedil, Je Dewa Nyoman Leper, Anak Agung Dana de Padangtegal; Je Gusti Ketut Kobot, I Gusti Made Baret, I Wayan Gedot, Dewa Putu Mokoh de Pengosekan; et moi Gusti Nyoman Lempad. Des artistes d’autres régions ont également participé, notamment Pan Seken de Kamasan, I Gusti Made Deblog de Denpasar et certains des artistes de Sanur.
Pitamaha a été par les descendants des artistes Ubud, et a maintenant été identifié avec la période des années 1930. Les artistes Ubudiens importants sont Ida Bagus Sena (neveu d’Ida Bagus Made Poleng), AA Gde Anom Sukawati (fils de AA Raka Pudja), I Ketut Budiana, I Nyoman Kayun et I Nyoman Meja. Budiana est l’artiste qui possède le plus impressionnant palmarès d’expositions en solo. Ses peintures sont collectées par le musée des arts de Fukuoka, Bentara Budaya Jakarta, le musée Puri Lukisan, le musée Neka et le musée Arma. Ida Bagus Sena a également développé un style unique et a une compréhension profonde de la philosophie balinaise dans ses peintures. Anom Sukawati est le coloriste balinais le plus titré. Je Nyoman Meja a développé un style qui est étroitement copié par plusieurs de ses étudiants. Je Nyoman Kayun a reçu le prix de Bali Bangkit en 2008.
Batuan peinture
L’école de peinture de Batuan est pratiquée par des artistes dans le village de Batuan, situé à 10 kilomètres au sud d’Ubud. Les artisans de Batuan sont des danseurs, des sculpteurs et des peintres doués. Parmi les artistes les plus en vue des années 1930 figuraient I Nyoman Ngendon et un certain nombre de membres de grandes familles de brahmanes, dont Ida Bagus Made Togog. Dewa Nyoman Mura (1877-1950) et I Dewa Putu Kebes (1874-1962), connus sous le nom de sang, sont d’autres artistes majeurs de Batuan. des peintres traditionnels de style Wayang pour les textiles de cérémonie des temples.
L’influence occidentale à Batuan n’a pas atteint l’intensité qu’il avait à Ubud. Selon Claire Holt, les tableaux de Batuan étaient souvent des représentations sombres et encombrées de scènes légendaires ou de thèmes de la vie quotidienne, mais ils représentaient surtout des moments nocturnes effrayants lorsque des épouvantables grotesques, des monstres animaux bizarres et des sorcières accostaient. Cela est particulièrement vrai pour les peintures collectées par Margaret Mead et Gregory Bateson lors de leurs études sur le terrain à Bali en 1936-1939. Des dégradés d’encre noire à blanche ont été déposés sur la majeure partie de la surface pour créer une atmosphère sombre. Dans les dernières années, les dessins couvraient tout l’espace, ce qui contribuait souvent à la surpopulation de ces peintures.
Parmi les premiers artistes de Batuan, I Ngendon (1903-1946) était considéré comme le peintre de l’école Batuan le plus innovant. Ngendon n’était pas seulement un bon peintre, mais un homme d’affaires avisé et un activiste politique. Il a encouragé et mobilisé ses voisins et amis à peindre pour la consommation touristique. Sa capacité à faire du portrait a joué un rôle important dans l’enseignement de ses collègues villageois de Batuan plus que Spies et Bonnet. Les principaux artistes Batuan de cette période étaient: I Patera (1900-1935), I Tombos (né en 1917), Ida Bagus Togog (1913-1989), Ida Bagus Made Jatasura (1917-1946), Ida Bagus Ketut Diding (1914). -1990), I Made Djata (1920-2001) et Ida Bagus Widja (1912-1992). L’esprit de la période Pitamaha reste fort et se poursuit chez les artistes contemporains Batuan tels que I Made Budi, I Wayan Bendi (né en 1950), I Ketut Murtika (né en 1952), I Made Sujendra (né en 1964) et plusieurs autres. autres. I Made Budi et I Wayan Bendi représentent l’influence du tourisme dans la vie moderne à Bali. Ils placent les touristes avec leur appareil photo, conduisent une moto ou surfent au milieu des activités traditionnelles villageoises balinaises. La dichotomie entre la vie balinaise moderne et traditionnelle est fortement en harmonie. I Ketut Murtika (peint encore l’histoire traditionnelle du Mahabharata et du Ramayana dans des détails minutieux aux couleurs tamisées. Sa peinture de la roue de la vie vue du système de croyances balinais montre sa maîtrise des légendes locales et son attention minutieuse aux détails.
Sanur peinture
Contrairement à Ubud et Batuan, situées à l’intérieur des terres de Bali, Sanur est une station balnéaire. Sanur était le domicile du célèbre artiste belge Le Mayeur de Mepres, qui vivait avec une femme balinaise (Ni Polok) et avait une maison de plage à la plage de Sanur.
Les touristes des années 1930 sont venus à Bali sur des bateaux de croisière amarrés à Sanur et ont fait des excursions vers Ubud et les sites touristiques voisins. Son emplacement privilégié a permis à l’artiste de Sanur d’accéder rapidement aux touristes occidentaux qui fréquentaient la boutique des frères Neuhaus qui vendaient des souvenirs balinais et des poissons tropicaux. Les frères Neuhaus sont devenus le principal marchand d’art des peintures de Sanur. La plage autour de Sanur, pleine de balancelles et à horizon ouvert, a fourni aux artistes locaux un environnement visuel différent de celui d’Ubud et de Batuan, situés dans l’arrière-pays. L’ambiance ludique imprègne les peintures de Sanur et n’est pas dictée par l’iconographie religieuse. Il est plus léger et aéré que ceux de Batuan et d’Ubud avec des créatures marines, des paysages érotiques et des animaux sauvages dessinés dans des motifs rythmiques; souvent à la manière d’Escher. La plupart des premières œuvres étaient à l’encre noire et blanche sur papier, mais à la demande de Neuhaus, les dernières œuvres étaient ornées de couleurs pastels légères souvent ajoutées par d’autres artistes spécialisés dans la coloration de dessins en noir et blanc. Leur code de nom se trouve souvent à la marge.
L’école de peinture de Sanur est la plus stylisée et la plus décorative de tous les arts balinais modernes. Les principaux artistes de Sanur sont I Rundu, Ida Bagus Nyoman Rai, I Soekaria, I Poegoeg, I Rudin et bien d’autres. I Rudin, qui a commencé à peindre au milieu des années 1930, dessine de simples danseurs balinais à la manière des dessins de Miguel Covarrubias.
Peinture de jeune artiste
Le développement de la Young Artist School of Painting est attribué à l’artiste hollandais Arie Smit, un soldat hollandais qui a servi pendant la 2ème guerre mondiale et a décidé de rester à Bali. Au début des années 1960, il rencontra des enfants dans le village de Penestanan, près de Tjampuhan, dessinant sur le sable. Il a encouragé ces enfants à peindre en leur fournissant du papier et des peintures.
Leurs peintures sont caractérisées par des dessins «enfantins» qui manquent de détails et de couleurs vives dessinées avec de la peinture à l’huile sur toile. Dans les années 1970, il a attiré environ trois cents peintres paysans pour produire des peintures pour les touristes. En 1983, la National Gallery of Malaysia a organisé une grande exposition sur les peintures des jeunes artistes issues de la collection Datuk Lim Chong Kit.
Le tableau de I Wayan Pugur (né en 1945), présenté ici à l’âge de 13 ans, a été exposé au Musée d’art moderne de San Francisco en 1964, dans le cadre d’une exposition itinérante aux États-Unis de 1964 à 1965. . Ce premier dessin, exécuté sur papier, montre l’utilisation de couleurs vives et une composition équilibrée. L’espace de dessin est divisé en trois zones de couleur unie: bleu foncé, jaune vif et magenta entre les deux, montrant l’influence de la tradition de peinture Wayang. Les feuilles du grand arbre avec les serpents montrent la juxtaposition de couleurs complémentaires. Les visages des personnages étaient dessinés sans détails, mais les serpents ont des yeux et de longues langues.
Les artistes majeurs de la Young Artist School sont I Wayan Pugur, I Ketut Soki, I Ngurah KK, I Nyoman Londo, I Ketut Tagen, MD Djaga, I Nyoman Cakra, Ni Ketut Gampil, I Nyoman Mundik, I Wayan Regug et bien d’autres.
Keliki peinture miniature
Dans les années 1970, des peintures miniatures ont émergé de Keliki, un petit village au nord d’Ubud, dirigé par un agriculteur local, I Ketut Sana. Les tailles vont de 2 x 3 pouces à 10 x 15 pouces. J’ai appris à peindre avec I Gusti Nyoman Sudara Lempad d’Ubud et d’I Wayan Rajin de Batuan. Il a combiné le dessin au trait de Lempad et les détails de l’école de Batuan. Chaque centimètre de l’espace est recouvert de détails minutieux de la vie du village balinais et de légendes dessinées à l’encre et colorées à l’aquarelle. Le résultat est un mariage entre la jeunesse de l’école d’Ubud et les détails de l’école de Batuan. Les artistes Keliki sont fiers de leur patience pour peindre minutieusement les moindres détails de tous les objets qui occupent l’espace de dessin.
À gauche, un dessin de I Lunga (c. 1995) illustrant l’histoire de Rajapala est illustré. Rajapala est souvent appelée le premier voyeur balinais ou «voyeur Tom». Selon l’histoire, Rajapala aperçoit un groupe de nymphes célestes se baignant dans une piscine. Il s’approche furtivement, et à leur insu, vole la jupe (kamben) de la plus belle, Sulaish. Comme ses vêtements contiennent des pouvoirs magiques lui permettant de voler, la nymphe ne peut pas rentrer chez elle. Rajapala propose de l’épouser. Elle accepte à condition qu’elle retourne au ciel après la naissance d’un enfant. Avec le temps, elle et Rajapala ont un jeune fils en bonne santé. Les années passent et un jour, Sulaish découvre accidentellement ses vêtements cachés dans la cuisine. Comprenant qu’elle a été trompée, elle prend congé de son mari et de son fils et retourne dans sa demeure céleste.
Les principaux artistes de l’école des artistes de Keliki sont Sang Ketut Mandera (Dolit), I Ketut Sana, I Wayan Surana, I Lunga, I Wayan Nengah, Made Ocen, Gong Juna, Widi, Wayan Lanus, I Wayan Lodra, Ida Bagus Putra, Gusti Ngurah Putra Riong et beaucoup d’autres.
Autres écoles de peinture
Peinture d’empreintes digitales
Un balinais d’origine royale, je Gusti Ngurah Gede Pemecutan fait ses peintures avec des empreintes digitales. Si nous utilisons la technique du pinceau, nous pouvons la brosser si nécessaire, mais la technique des empreintes digitales doit placer chaque point avec précision. Ses peintures d’empreintes digitales n’ont aucune signature, mais ont beaucoup de ses empreintes digitales. La technique de peinture par empreintes digitales est considérée comme faisant partie de la technique de peinture par pointilisme (avec le pinceau).
Sculpture sur bois
Comme la peinture balinaise, la sculpture sur bois balinaise a subi une transformation similaire au cours des années 1930 et 1940. L’explosion créative qui a émergé pendant cette période de transition est souvent attribuée aux influences occidentales. En 2006, une exposition au musée Nusantara, à Delft, aux Pays-Bas, Leidelmeijer a retracé l’influence de l’art déco sur la sculpture sur bois balinaise. Leidelmeijer a en outre conjecturé que l’influence de l’Art déco s’est poursuivie jusque dans les années 1970.
Pendant les années de transition, la Pitamaha Artist Guild a été le moteur principal non seulement des peintures balinaises, mais aussi du développement de sculptures sur bois balinaises modernes. I Tagelan (1902-1935) a réalisé une sculpture allongée d’une femme balinaise à partir d’un long morceau de bois donné par Walter Spies, qui lui a demandé à l’origine de produire deux statues. Cette sculpture est dans la collection du musée Puri Lukisan à Ubud.
Les autres maîtres de la sculpture sur bois balinaise étaient: Ida Bagus Nyana, Tjokot (1886-1971) et Ida Bagus Tilem. Ida Bagus Nyana était connue pour ses expériences de masse en sculpture. Lors de la sculpture de personnages humains, il a raccourci certaines parties du corps et a allongé les autres, apportant ainsi à son travail une qualité étrange et surréaliste. En même temps, il ne surmenait pas le bois et adoptait des thèmes simples et naïfs de la vie quotidienne. Il évite ainsi le piège « baroque », contrairement à de nombreux sculpteurs de son époque.
Tjokot a acquis la réputation d’exploiter la qualité expressive inhérente au bois. Il allait dans la forêt pour chercher des troncs et des branches aux formes étranges et, les changeant le moins possible, les transformant en fantômes et en figures démoniaques.
Ida Bagus Tilem, le fils de Nyana, a favorisé les innovations de Nyana et Tjokot tant dans son travail du bois que dans son choix de thèmes. Contrairement aux sculpteurs de la génération précédente, il était suffisamment audacieux pour modifier les proportions des personnages représentés dans sa sculpture. Il a permis aux déformations naturelles du bois de guider la forme de sa sculpture, en utilisant des bûches noueuses bien adaptées pour représenter des corps humains tordus. Il a vu chaque bûche ou branche déformée comme un moyen d’exprimer des sentiments humains. Au lieu de dépeindre des mythes ou des scènes de la vie quotidienne, Tilem a abordé des thèmes «abstraits» à contenu philosophique ou psychologique: utiliser des morceaux de bois déformés dotés de puissantes forces expressives. Ida Bagus Tilem n’était cependant pas seulement une artiste, mais aussi une enseignante. Il a formé des dizaines de jeunes sculpteurs des environs du village de Mas. Il leur a appris à sélectionner le bois pour son pouvoir expressif et à établir un dialogue entre le bois et l’homme, qui est devenu le courant dominant de la sculpture sur bois balinaise d’aujourd’hui.
Musées détenant une importante collection de peintures balinaises
De nombreux musées à travers le monde possèdent une importante collection de peintures balinaises.
Europe: Aux Pays-Bas, le Tropenmuseum d’Amsterdam et le musée ethnographique de Leiden, le Museum Nusantara de Delft, présentent un grand nombre de peintures de la période Wayang (avant les années 1920) et d’avant-guerre (1920-1950). Le musée ethnographique de Leiden abrite notamment la collection Rudolf Bonnet et Paul Spies. En Suisse, le musée ethnographique de Bâle présente les peintures de Batuan et Sanur antérieures à la guerre recueillies par Schlager et l’artiste Theo Meier. À la fin de 2010, le Musée ethnographique de Vienne (Autriche) a redécouvert les peintures balinaises d’avant-guerre recueillies par Potjewyd au milieu des années 1930.
Asie: Au Japon, le musée d’art asiatique de Fukuoka possède une excellente collection balinaise après la seconde guerre mondiale. Le musée national d’art de Singapour possède une importante collection de peintures balinaises d’avant-guerre et d’après-guerre.
Australie: Le musée australien de Sydney possède une importante collection de Kamasan et d’autres peintures traditionnelles assemblées par l’anthropologue Anthony Forge. La National Gallery of Australia à Sydney possède des œuvres balinaises.
Indonésie: le musée Sana Budaya à Yogyakarta et le musée Bentara Budaya à Jakarta. À Bali, les dessins balinais d’avant-guerre sont conservés au musée de Bali à Denpasar et au centre de documentation de la culture balinaise à Denpasar. En outre, il y a quatre grands musées à Ubud, à Bali, avec des collections importantes: le musée Puri Lukisan, le musée d’art Agung Rai, le musée d’art Neka et le musée Rudana.
Amérique: Duke University Museum à Durham, Musée américain d’histoire naturelle à New York, Nations Unies à New York.