La sculpture baroque est la sculpture associée au style baroque de la période entre le début du XVIIe et le milieu du XVIIIe siècle. Dans la sculpture baroque, des groupes de personnages ont pris une nouvelle importance, et il y avait un mouvement dynamique et une énergie de formes humaines – ils ont tourné en spirale autour d’un vortex central vide, ou ont atteint l’extérieur dans l’espace environnant.
La sculpture baroque avait souvent de multiples angles de vue idéaux et reflétait une continuation générale de la renaissance, passant du relief à la sculpture créée en rond et conçue pour être placée au milieu d’un grand espace. Une grande partie de la sculpture baroque a ajouté des éléments extra-sculpturaux, par exemple, un éclairage caché ou des fontaines d’eau, ou la fusion de la sculpture et de l’architecture pour créer une expérience transformatrice pour le spectateur. Les artistes se considéraient comme dans la tradition classique, mais admiraient la sculpture hellénistique et plus tard romaine, plutôt que celle des périodes plus « classiques » comme on les voit aujourd’hui.
La sculpture baroque a suivi la sculpture Renaissance et maniériste et a été remplacée par la sculpture rococo et néoclassique. Rome a été le premier centre où le style a été formé. Le style s’est répandu dans le reste de l’Europe, et surtout la France a donné une nouvelle direction à la fin du XVIIe siècle. Finalement, il s’est étendu au-delà de l’Europe aux possessions coloniales des puissances européennes, en particulier en Amérique latine et aux Philippines.
La Réforme protestante avait mis un terme presque total à la sculpture religieuse dans une grande partie de l’Europe du Nord, et bien que la sculpture profane, en particulier pour les bustes de portraits et les monuments funéraires, se soit poursuivie, l’âge d’or néerlandais n’a pas de composante sculpturale significative en dehors de l’orfèvrerie. En partie en réaction directe, la sculpture était aussi importante dans le catholicisme qu’à la fin du Moyen Âge. Les statues des dirigeants et de la noblesse sont devenues de plus en plus populaires. Au XVIIIe siècle, beaucoup de sculptures se sont poursuivies sur des lignes baroques – la fontaine de Trevi n’a été achevée qu’en 1762. Le style rococo était mieux adapté aux œuvres plus petites.
Les origines
Le style baroque est né de la sculpture de la Renaissance qui, s’inspirant de la sculpture grecque et romaine classique, avait idéalisé la forme humaine. Cela a été modifié par le maniérisme, lorsque l’artiste et érudit Giorgio Vasari (1511-1574) a exhorté les artistes à donner à leurs œuvres un style unique et personnel. Le maniérisme a introduit l’idée de sculptures présentant de forts contrastes; jeunesse et âge, beauté et laideur, hommes et femmes. Le maniérisme a également introduit la figura serpentina, qui est devenue une caractéristique majeure de la sculpture baroque. C’était l’arrangement de figures ou de groupes de figures en spirale ascendante, qui donnait légèreté et mouvement à l’œuvre.
Michel-Ange avait introduit la figure serpentine dans The Dying Slave (1513-1516) et Genius Victorious (1520-1525), mais ces œuvres devaient être vues d’un seul point de vue. À la fin du XVIe siècle, œuvre du sculpteur italien Giambologna, Le viol des femmes sabines (1581-1583). introduit un nouvel élément; cette œuvre devait être vue non pas d’un seul, mais de plusieurs points de vue, et changée selon le point de vue. Cela est devenu une caractéristique très courante de la sculpture baroque. L’œuvre de Giambologna a eu une forte influence sur les maîtres de l’époque baroque, en particulier le Bernin.
Une autre influence importante menant au style baroque était l’Église catholique, qui cherchait des armes artistiques dans la bataille contre la montée du protestantisme. Le Concile de Trente (1545-1563) a donné au Pape de plus grands pouvoirs pour guider la création artistique et a exprimé une forte désapprobation des doctrines de l’humanisme, qui avaient été au centre des arts pendant la Renaissance. Pendant le pontificat de Paul V (1605-1621), l’église a commencé à développer des doctrines artistiques pour contrer la Reformatuon et a chargé de nouveaux artistes de les réaliser.
Les caractéristiques
Ses caractéristiques générales sont:
Le naturalisme, c’est-à-dire la représentation de la nature telle qu’elle est, sans l’idéaliser.
Intégration dans l’architecture, qui fournit une intensité dramatique.
Schémas de composition sans géométrie et proportion équilibrée typique de la sculpture de la pleine Renaissance. La sculpture baroque recherche le mouvement; il est projeté vers l’extérieur de manière dynamique avec des lignes de tension complexes, notamment hélicoïdales ou serpentines, et une multiplicité de plans et de points de vue. Cette instabilité se manifeste dans l’agitation des personnages et des scènes, dans l’étendue et la magnificence des vêtements, dans le contraste des textures et des surfaces, parfois dans l’inclusion de matériaux différents, qui produisent tous un fort éclairage et des effets visuels.
Représentation du nu à l’état pur, comme une action figée, réalisée au moyen d’une composition asymétrique, où prédominent les diagonales et les formes serpentines, les poses inclinées et obliques, raccourcissant et les contours diffus et intermittents, qui dirigent le travail vers le spectateur avec une grande expressivité.
Malgré l’identification du baroque à un « art de la contre-réforme », propre au sentiment de dévotion populaire, la sculpture baroque, même dans les pays catholiques, avait une grande pluralité de thèmes (religieux, funéraires, mythologiques, portraits, etc.). .)
La principale manifestation est la statuaire, utilisée pour la décoration des espaces intérieurs et extérieurs des bâtiments, ainsi que des espaces ouverts, privés (jardins) et publics (places). Les fontaines étaient de type sculptural qui s’accordaient très bien avec le style baroque. En particulier en Espagne, l’imagerie et les retables ont connu un développement extraordinaire.
Bernini et sculpture baroque romaine
La figure dominante de la sculpture baroque était Gian Lorenzo Bernini (1598-1680). Il était le fils d’un sculpteur florentin, Pietro Bernini, qui avait été appelé à Rome par le pape Paul V. Le jeune Bernini a fait ses premières œuvres solo à l’âge de quinze ans, et en 1618-1625 a reçu une importante commande de statues pour le villa du cardinal Scipion Borghese. Ses œuvres, très dramatiques, conçues pour être vues de multiples ponts et en spirale vers le haut, ont eu un impact immense sur la sculpture européenne. Il a continué à dominer la sculpture italienne à travers ses œuvres sur les fontaines romaines, le baldequin de Saint-Pierre et le tombeau du pape Alexandre VII dans la basilique Saint-Pierre, et son ensemble d’autel pour l’église de Santa-Maria della Vittoria à Rome. Il a reçu sa dernière commande de sculpture-fontaine pour la Fontaine de l’éléphant (1665-1667), suivie d’une série d’anges pour le pont de Sant Angelo à Rome (1667-169).
Bernini est décédé en 1680, mais son style a influencé les sculpteurs à travers l’Europe, en particulier en France, en Bavière, en France et en Autriche.
Maderno, Mochi et les autres sculpteurs baroques italiens
De généreuses commandes papales ont fait de Rome un aimant pour les sculpteurs en Italie et à travers l’Europe. Ils ont décoré des églises, des places et, une spécialité de Rome, les nouvelles fontaines populaires créées autour de la ville par les papes. Stefano Maderna (1576-1636), originaire de Bissone en Lombardie, a précédé l’œuvre de Bernini. Il a commencé sa carrière en réalisant des copies réduites d’œuvres classiques en bronze. Son œuvre majeure à grande échelle est une statue de sainte Cécile (1600, pour l’église Sainte-Cécile dans le Trastevere à Rome. Le corps de la sainte est allongé, comme s’il était dans un sarcophage, évoquant un sentiment de pathos.
Francesco Mochi (1580–1654), né à Montevarchi, près de Florence, était un autre sculpteur romain important. Il a fait une célèbre statue équestre en bronze d’Alexandre Farnèse pour la place principale de Plaisance (1620-1625), et une statue vivante de Sainte Véronique pour la basilique Saint-Pierre, si active qu’elle semble sur le point de sauter de la niche.
Parmi les autres sculpteurs baroques italiens notables, on compte Alessandro Algardi (1598-1654), dont la première grande commande fut la tombe du pape Léon XI au Vatican. Il était considéré comme un rival du Bernin, même si son travail était de style similaire. Ses autres œuvres majeures comprenaient un grand bas-relief sculpté de la rencontre légendaire entre le pape Léon Ier et Attila le Hun (1646-1653), dans lequel le pape persuada Attila de ne pas attaquer Rome
François Duquesnoy (1597-1643) né en Flandre, était une autre figure importante du baroque italien. Il était un ami du peintre Poussin, et était surtout connu pour sa statue de Sainte Susanna à Santa Maria de Loreto à Rome et sa statue de Saint André (1629-1633) au Vatican. Il fut nommé sculpteur royal de Louis XIII de France, mais mourut en 1643 lors du voyage de Rome à Paris.
À la fin de la période, les grands sculpteurs comprenaient Niccolo Salvi (1697-1751), dont l’œuvre la plus célèbre était la conception de la fontaine de Trevi (1732-1751). La fontaine contenait également des œuvres allégoriques d’autres éminents sculpteurs baroques italiens, dont Filippo della Valle Pietro Bracci et Giovanni Grossi. La fontaine, dans toute sa grandeur et son exubérance, représentait l’acte final du style baroque italien.
France
La majeure partie de la sculpture baroque française était destinée à glorifier non pas l’Église, mais le monarque français, Louis XIV de France, et son successeur, Louis XV. Une grande partie a été produite par les sculpteurs de la nouvelle Académie royale de peinture et de sculpture, fondée en 1648 et plus tard étroitement supervisée par Jean-Baptiste Colbert, ministre des Finances du roi. Les sculpteurs français ont travaillé en étroite collaboration avec des peintres, des architectes et des paysagistes tels qu’André Le Notre pour créer les effets sculpturaux trouvés dans le château de Versailles et ses jardins, les autres résidences royales et les statues de nouvelles places de la ville créées à Paris et dans d’autres Villes françaises. Colbert a également créé l’Académie française de Rome afin que les sculpteurs et peintres français puissent étudier les modèles classiques.
Au début de la période baroque, les sculpteurs français étaient largement influencés par les peintres de Flandre et des Pays-Bas. en particulier le maniérisme de Giambologna, plutôt que la sculpture de l’Italie. Ces artistes comprenaient Germain Pilon (1525-1590), Jean Varin (1604-1672) et Jacques Sarrazin (1592-1660). Bernini lui-même, au sommet de sa gloire, est venu à Paris en 1665 pour présenter son propre plan du Louvre à Louis XIV. Le roi n’aimait pas Bernini ou son œuvre, et le plan fut rejeté, bien que Bernini ait produit un beau buste de Louis XIV maintenant exposé au château de Versailles.
Les meilleurs sculpteurs français ont été engagés pour réaliser des statues pour les jardins des fontaines du château de Versailles et d’autres résidences royales. Il s’agit notamment de Pierre Puget, Jacques Sarazin, François Girardon, Jean-Baptiste Tuby, Antoine Coysevox et Edme Bouchardon. Guillaume Coustou a créé un groupe de chevaux particulièrement fin pour les jardins du Château de Marly.
Dans les dernières années de l’ère baroque, Jean Baptiste Lemoyne (1704-1778), directeur de l’Académie française de Rome, était considéré comme le meilleur sculpteur rococo, bien que sa renommée ait été éclipsée par son élève, Jean-Antoine Houdon, qui dirigeait le passage de la sculpture française du baroque au classicisme.
Pays-Bas et Belgique
Après avoir rompu avec la domination espagnole, les Provinces-Unies à prédominance calviniste des Pays-Bas ont produit un sculpteur de renommée internationale; Hendrick de Keyser (1565-1621). Il était également l’architecte en chef d’Amsterdam et créateur des principales églises et monuments. Son œuvre de sculpture la plus célèbre est la tombe de Guillaume le Silencieux (1614-1622) dans la Nieuwe Kerk à Delft. Le tombeau était sculpté de marbre, à l’origine noir mais maintenant blanc, avec des statues en bronze représentant Guillaume le Silence, la gloire à ses pieds et les quatre vertus cardinales aux coins. Puisque l’église était calviniste, les figures féminines des vertus cardinales étaient complètement habillées de la tête aux pieds.
Les parties sud des Pays-Bas, qui restaient largement catholiques, produisaient un style baroque plus élaboré plus proche de celui de Rome. Le sculpteur le plus éminent était Artus Quellinus l’Ancien, membre d’une famille de sculpteurs et peintres célèbres, et fils d’un autre sculpteur, Erasmus Quellinus. Il s’installe à Anvers en 1639. Il se rapproche de Rubens et son travail applique à la sculpture nombre des principes des compositions de Rubens.
Un autre sculpteur baroque belge important était Hendrik Frans Verbrugghen (1654-1724), qui a sculpté des sculptures très élaborées, pleines de scènes bibliques, de flore et de faune, d’allégories et de symboles pour les marionnettes de cérémonie des cathédrales et des églises de Bruxelles, Louvain, Anvers, Malines, et d’autres villes.
Angleterre
La sculpture baroque primitive en Angleterre a été influencée par un afflux de réfugiés des guerres de religion sur le continent. L’un des premiers sculpteurs anglais à adopter le style fut Nicholas Stone (également connu sous le nom de Nicholas Stone the Elder) (1586–1652). Il apprend avec un autre sculpteur anglais, Isaak James, puis en 1601 avec le sculpteur hollandais réputé Hendrick de Keyser, qui avait pris refuge en Angleterre. Stone est retourné en Hollande avec de Keyser, a épousé sa fille et a travaillé dans son atelier en Hollande jusqu’à son retour en Angleterre en 1613. Stone a adapté le style baroque des monuments funéraires, pour lesquels de Keyser était connu, en particulier dans la tombe de Lady Elizabeth Carey (1617-16) et la tombe de Sir William Curle (1617). Comme les sculpteurs hollandais, il a également adapté l’utilisation du marbre noir et blanc contrasté dans les monuments funéraires, des draperies soigneusement détaillées, et fait des visages et des mains avec un naturalisme et un réalisme remarquables. Parallèlement à sa carrière de sculpteur, il collabore également comme architecte avec Inigo Jones.
Louis François Roubiliac (1707–1767) est une autre figure importante de la sculpture baroque anglaise. Roubiliac est né en France, a travaillé dans l’atelier de Nicolas Coustou à Paris, et en 1730 a remporté le grand prix de l’Académie française pour une sculpture en relief biblique. Il s’est rendu en Angleterre, a épousé un protestant et a décidé que lui et sa famille seraient plus en sécurité en Angleterre. En Angleterre, il découvre par hasard un paquet de billets de banque, qu’il rend à son propriétaire. Le propriétaire était Edward Walpole, fils naturel du Premier ministre, qui a aidé à présenter Roubilac aux clients aristocratiques. Ses œuvres les plus célèbres comprenaient un buste du compositeur Handel, réalisé de son vivant pour le patron des jardins de Vauxhall; et le tombeau de Joseph et Lady Elizabeth Nightengale (1760). Lady Elizabeth est morte tragiquement d’un faux accouchement provoqué par un coup de foudre en 1731, et le monument funéraire a capturé avec beaucoup de réalisme le pathétique de sa mort. Ses sculptures et bustes représentaient ses sujets tels qu’ils étaient; ils étaient vêtus de vêtements ordinaires et avaient des postures et des expressions naturelles, sans prétention d’héroïsme.
L’Allemagne et l’empire des Habsbourg
Le mouvement baroque s’est particulièrement développé à la fin du XVIIe siècle et au début du XVIIIe siècle en Allemagne et dans les États de l’Empire des Habsbourg gouvernés depuis Vienne. Un grand nombre d’églises et de statues avaient été détruites par les iconoclastes protestants pendant la Réforme et les guerres de religion, et un grand nombre de nouvelles œuvres ont été faites pour les remplacer. Beaucoup de nouvelles œuvres ont exprimé des thèmes triomphales; Hercule tuant un lion, Saint Michel tuant un dragon et d’autres sujets qui représentaient le triomphe de l’église catholique sur les protestants.
Un certain nombre de sculpteurs sont venus des Pays-Bas pour participer à la reconstruction. Parmi eux, Hubert Gerhard (1550-1622) d’Amsterdam, élève de Giambologna, qui avait été chargé par le banquier allemand Hans Fugger de réaliser une fontaine monumentale pour son château de Kirchheim. Ce fut la première fontaine de style baroque italien réalisée au nord des Alpes. Gerhard fut bientôt chargé de réaliser une fontaine de style italo-baroque pour la place de la ville d’Augsbourg et une statue de Saint Michel tuant un dragon pour la résidence du prince à Munich. Les sculpteurs Hans Krumper (1570-1634), Hans Reichle (1570-1624) et le Néerlandais Adrien de Vries (1545-1626) ont fait des fontaines et des statues monumentales en bronze, pleines d’action et de drame, pour les façades d’églises et les places de la ville en Bavière.
Franz Xaver Messerschmidt, l’un des sculpteurs allemands les plus insolites de la fin du baroque, était connu à la fois pour la sculpture religieuse et pour une série de portraits sculptés représentant des expressions extrêmes.
Balthasar Permoser (1651-1732) a passé quatorze ans en Italie, de 1675 à 1689, avant de devenir sculpteur de cour à Dresde. Il a travaillé à Venise, Rome et Florence, et a apporté le baroque italien à Dresde, en particulier dans les jardins et la décoration intérieure du palais Zwinger. Son œuvre la plus célèbre était une sculpture de l’Apothéose du prince Eugène de Savoie, le général qui avait vaincu l’invasion des Turcs ottomans. Le prince est représenté avec son pied sur un Turc vaincu et avec les attributs d’Hercule. Sa chaire sculptée pour la Hofkirche à Drsdsen est un autre chef-d’œuvre de la sculpture baroque.
Le théâtre le plus dramatique de la sculpture baroque en Allemagne était l’architecture de l’église. Retables particulièrement complexes et hauts autels. bondé de statues et montant presque les plafonds, ont été créés par Hans Riechle, Jorg Zurn, Hans Degler et d’autres artistes. La famille Michael Zürn a produit plusieurs générations de sculpteurs très productifs, réalisant des figures de bois polychrome ou doré et de stuc. Parmi les autres artistes produisant des retables remarquables, citons Thomas Schwanthaler.
À Vienne, les dernières années du XVIIIe siècle ont produit des œuvres extraordinaires, qui ont marqué la transition du baroque au rococo. Il s’agit notamment de la chute des anges dans l’église Saint-Michel de Vienne, par Karl Georg Merville.
Espagne
L’émergence du style baroque en Espagne, comme en Italie, a été largement motivée par l’Église catholique, qui l’a utilisé pendant la Contre-Réforme comme une arme puissante contre les protestants. La grande majorité des œuvres ont été réalisées pour des tombes, des autels et des chapelles. Dans le même temps, le XVIIe siècle a été une période de déclin économique et d’isolement politique et culturel; peu d’artistes espagnols ont voyagé à l’étranger et seule une poignée de sculpteurs d’Europe du Nord, notamment l’artiste flamand José de Arce, sont venus en Espagne. En conséquence, le baroque espagnol s’est développé indépendamment du reste de l’Europe et avait ses propres caractéristiques spécifiques.
Le couronnement du français Philippe V, petit-fils de Louis XIV, en tant que roi d’Espagne, et les débuts de la dynastie des Bourbons au début du XVIIIe siècle ont apporté un changement radical dans la politique culturelle et dans le style. Par la suite, les commandes d’œuvres d’art majeures ont été contrôlées par le roi, et non par l’église, et l’Académie royale des arts. comme en France, a déterminé les sujets, le style et les matériaux. Cette période s’est poursuivie jusqu’en 1770 environ.
Un grand nombre de sculptures ont été commandées pour des retables, des reliquaires et des monuments funéraires dans des églises, ainsi que des statues pour des processions religieuses. De nouveaux thèmes sont apparus, notamment des œuvres consacrées au culte de la Vierge Marie. Le style, conçu pour populaire, incliné vers le réalisme. Les matériaux les plus couramment utilisés étaient le bois, qui était fréquemment peint de différentes couleurs. À partir d’environ 1610, un élément du réalisme spécifiquement espagnol est apparu; les sculpteurs ont donné à leurs statues des perruques de vrais cheveux, utilisé des morceaux de cristal pour les larmes, des dents d’ivoire véritable et des couleurs de peau peintes avec un réalisme prudent.
Il y avait deux écoles importantes de sculpture espagnole au début du XVIe siècle, celle de Castille et celle d’Andalousie. L’accent dans l’école de Castille était plus sur le sacrifice et le martyre, avec une souffrance vive et abondante. L’école d’Andalousie utilisait généralement plus d’ornements et moins de violence; l’enfant Christ et la Vierge Marie étaient des sujets plus fréquents qu’en Castille. Le premier centre du style castillan était Valladolid, où le roi Philippe III d’Espagne résida de 1601 à 1606. L’artiste le plus important de l’école castillane primitive était Gregorio Fernández (1576–1636). Ses premiers travaux ont montré un réalisme et un naturalisme extraordinaires, montrant toutes les blessures. Sa Descente de Croix à Valladolid, très détaillée et réaliste, a été faite pour être portée en processions. Son succès lui a permis de créer un grand atelier avec de nombreux assistants, et de réaliser des œuvres de très grande envergure, notamment le retable de la cathédrale de Plasencia réalisé entre 1625 et 1632, considéré comme l’un des temps forts de l’art espagnol au premier semestre. du 17ème siècle.
L’autre premier centre de la sculpture baroque espagnole était la ville de Séville, qui avait été grandement enrichie par la richesse des colonies espagnoles du Nouveau Monde. Le sculpteur le plus important de la première école de Séville était Juan Martínez Montañés (1568-1649), dont les œuvres dépeignaient l’équilibre et l’harmonie, avec un minimum de violence et de sang. Un autre sculpteur important de Séville était Pedro Roldán (1624-1699), dont l’œuvre majeure était le somptueux retable représentant la descente de la Croix du Christ, réalisé pour l’hôpital de Caidad à Séville (1670-1672). La fille de Roldán, Luisa Roldán (1654-1704), est également devenue célèbre pour son travail et est devenue la première femme nommée sculpteur royal en Espagne.
D’autres sculpteurs baroques espagnols notables incluent Alonso Cano de Grenade 1601–1634), qui était également actif en tant que peintre et sculpteur, et dont les œuvres présentaient un naturalisme idéalisé. Son élève, Pedro de Mena (1628-1688), est devenu l’un des sculpteurs les plus importants de l’école de Séville, avec ses délicates et réalistes statues grandeur nature de Saints.
Le début du XVIIIe siècle a vu la création de plusieurs œuvres somptueusement baroques, dont l’autel El Transparente de Narciso Tomé à Tolède, un énorme autel créé de telle sorte que, à mesure que la lumière change, il semble bouger. C’était l’une des rares œuvres en Espagne à être faite de bronze et de marbre, plutôt que de bois. C’était la pièce maîtresse d’un énorme complexe d’art composé de sculpture, peinture et architecture qui occupe le centre de la cathédrale.
Avec l’arrivée de la dynastie des Bourbons au pouvoir, le centre du monde de l’art s’est déplacé vers Madrid, la source des commandes royales. L’isolement de l’art espagnol de l’art du reste de l’Europe prend fin avec l’arrivée d’artistes français et italiens, invités à décorer le palais royal. Il a également amené de nouvelles œuvres d’art se penchant vers l’extrême, y compris la tête torturée de Saint Paul de Juan Alonso Villabrille y Ron, ainsi que des œuvres plus délicates, y compris une sculpture de Saint Florentin de Francisco Salzillo.
Le règne de Charles III d’Espagne (1760-1788), a mis un terme brutal au baroque espagnol et une transition vers le néoclassicisme. Le roi a décrété en 1777 que toutes les sculptures et retables d’autel devaient être approuvés à l’avance par l’Académie royale de San Fernando, et que le marbre et la pierre, et non le bois, devaient être utilisés autant que possible dans la sculpture.
Amérique latine
Le premier sculpteur et architecte baroque à travailler en Amérique latine était Pedro de Noguera (1580-), né à Barcelone et apprenti à Séville. En 1619, il s’installe à la vice-royauté du Pérou, où, avec Martín Alonso de Mesa, il sculpte les stalles du chœur baroque de la basilique cathédrale de Lima (1619-).
Le style baroque de la sculpture a été transporté dans d’autres parties de l’Amérique latine par des missionnaires espagnols et portugais au XVIIIe siècle, qui ont commandé des artistes locaux. Il a été utilisé principalement dans les églises. L’école de Quito en Équateur était un groupe important de sculpteurs baroques. Bernardo de Legarda et Caspicara étaient des artistes éminents de l’école.
Caspicara (1723–1796) était un artiste équatorien qui a fait des figures élégantes et ornées pour l’affichage dans les églises. Il était une figure centrale de ce qu’on appelle l’école de Quito.
Aleijadinho (1730 ou 1738 à 1814), était le fils d’un colon portugais et d’un esclave africain. Il est remarquable pour un groupe de statues monumentales en stéatite de saints (1800-1805) pour le Santuário de Bom Jesus de Matosinhos à Congonhas, maintenant un site du patrimoine mondial de l’UNESCO. Il a également réalisé une série de figurines de la Passion grandeur nature, illustrant les événements menant à la crucifixion du Christ (1780–90).
Sculpture baroque dans d’autres pays
Aux Pays-Bas, la sculpture est devenue pertinente, bien que loin de la peinture. Dans le sud des Pays-Bas (catholiques, appartenant à la monarchie hispanique – généralement génériquement appelés « Flandres » -), où l’imagerie religieuse prédominait mettant en évidence la construction de chaires, celles-ci étaient couvertes d’une décoration toujours croissante arrivant bien au XVIIIe siècle, pour construire des œuvres notables dans lesquelles la scène sculpturale occupe une place centrale devant sa fonction de meuble liturgique. Un exemple remarquable est la chaire de la cathédrale de Bruxelles due à Hendrik Frans Verbruggen. Parmi les sculpteurs à considérer, on peut citer Jeroen Duquesnoy (Manneken Pis, son fils François Duquesnoy (qui a travaillé principalement à Rome) et Lucas Faydherbe.
Dans le nord des Pays-Bas (à prédominance protestante, indépendante – généralement appelée génériquement « Hollande » -), où le portrait se détachait, sur des bustes ou des effigies de tombes richement décorées, Hendrik de Keyser et Rombout Verhuls travaillaient. Artus Quellinus a travaillé dans les deux domaines.
Au Portugal, comme en Espagne, la sculpture sur bois polychrome à thème religieux prédomine. Fray Cipriano da Cruz et Antonio Ferreira se sont démarqués. Ferreira était l’un des barristas portugais renommés du XVIIIe siècle qui a créé des crèches monumentales composées de personnages en terre cuite de petit format.
Au début du XVIIIe siècle, les richesses provenant des mines brésiliennes favorisent l’arrivée d’artistes étrangers: Claude Laprade, d’origine française, travaille à Coimbra et à Lisbonne, tandis que des œuvres et artistes italiens sont amenés pour décorer le Palais national de Mafra. qui a introduit les modèles du baroque de ces pays au Portugal. Mais c’est dans le travail de sculpture que les œuvres les plus originales ont été produites. Le style baroque des retables a débordé de leur superficie, couvrant les murs et les plafonds de menuiserie dorée.
Et aussi au même titre que l’Espagne, le Portugal a exporté vers ses colonies les modèles, techniques et thèmes des différents arts. Aleijadinho était le plus grand sculpteur et architecte brésilien exceptionnel à cheval sur le baroque et le rococo.
En Pologne, à cette époque rattachée au Grand-Duché de Lituanie, la tradition de la sculpture funéraire de la Renaissance s’est maintenue, qui s’est progressivement adaptée au goût baroque. Dans l’ornementation des églises, la décoration en stuc ainsi que les retables de sculptures polychromes avec des vêtements d’or étaient très répandus.
C’est dans la seconde moitié du XVIIIe siècle que l’école de sculpture de Lviv s’est développée en Galitzia, la plus remarquable de la période au cours de laquelle il est possible d’observer des similitudes avec la sculpture bavaroise ou autrichienne. Des sculpteurs tels que Sebastián Fesinger d’origine allemande ou Antoni Osiński ont produit des images dans des compositions dynamiques avec des tissus plissés d’aspect métallique très marqués. Son personnage principal était Johann Georg Pinsel. Dans son œuvre préservée, avec les caractéristiques communes à l’école, on observe une forte charge dramatique et une expressivité très prononcée.