Bartolomé Esteban Murillo (Séville, 1617-3 Avril, 1682) était un peintre andalou du 17ème siècle. Formé à la fin du naturalisme, il a évolué dans des formules de style baroque pleine de sensibilité qui Rococo anticipe parfois dans certains des ses plus étranges et imités créations iconographique. Il est surtout connu pour ses œuvres religieuses, Murillo a également produit un nombre considérable de tableaux de femmes contemporaines et les enfants. Esteban Murillo était Bartolomé personnalité centrale de l’école de Séville, avec un grand nombre de disciples et qui a conduit à leur influence jusque dans le dix-huitième siècle, était aussi le peintre le plus connu et le plus apprécié espagnol en dehors de l’Espagne.

Peut-être il est né les derniers jours de l’année 1617, car il a été baptisé dans la paroisse de Santa María Magdalena de Séville le 1er Janvier 1618. Il était le fils le plus jeune d’une famille de quatorze frères. Son père, Gaspar Esteban, était un chirurgien barbier qui a parfois été traité comme un célibataire, et sa mère a été appelée María Pérez Murillo, qui a pris le nom de famille de signer son travail quand ses parents sont morts quand il était à seulement 10 ans, il était sous la tutelle d’une de ses sœurs aînées, Ana, mariée à un chirurgien-barbier nommé Juan Agustín de Lagares Barthélemy, resterait très bien avec le couple, parce qu’il n’a pas été déplacé de son domicile jusqu’à son mariage, en 1656, déjà veuf, son beau-frère l’a nommé exécuteur testamentaire

En 1645 Murillo a épousé Beatriz Cabrera, la fille d’une famille de Silvermen, avec qui il avait au moins neuf enfants, dont cinq seulement – le plus petit de quinze jours – ont survécu à la mère, qui est morte le 31 Décembre 1663 Un seul des enfants , Gabriel (1655-1700), semble avoir suivi pour qui le bureau du père, si nous croyons en Palomino, il a été un sujet de bonnes qualités et les « plus grands espoirs » Gabriel laissé dans les Indiens en 1678, presque pas rempli les vingt ans , où il est arrivé à être Corregidor de Naturales, de Ubaque (Colombie),

Il n’y a guère de nouvelles de documentaire sur les premières années de Murillo de la vie et sa formation en tant que peintre. Il a dit que, en 1633, quand il avait quinze ans, il a demandé une licence pour voyager en Amérique avec quelques parents. Selon la coutume du temps, Au cours de ces années ou un peu plus tôt, il devrait commencer sa formation artistique. Bien qu’il n’y ait pas de document, il est très possible qu’il a été formé dans l’atelier de son parent, Juan del Castillo, comme l’a dit Antonio Palomino, un artiste respecté de Séville, et où Murillo a commencé bientôt à se démarquer parmi les disciples. L’influence du Castillo se voit clairement dans ce qui, probablement, sont les œuvres conservées plus tôt de Murillo, dont la date d’exécution pourrait correspondre autour 1638- 1640: Notre-Dame livrer le chapelet à Saint-Domingue (Séville, Palais de l’archevêque et l’ancienne collection du Comte de Toreno) et La Mare de Déu avec f. Lauteri, San Francisco de Asís et Santo Tomàs de Aq Uino (Cambridge, Fitzwilliam Museum), avec un dessin coloré et coloré

Selon Palomino, en laissant l’atelier de Juan del Castillo, Murillo était suffisamment qualifié pour « garder la peinture à la foire (qui régnaient alors beaucoup), et a fait un jeu de peintures pour charger les Indiens. Ayant acquis par ce moyen un « morceau de flux », il est allé à Madrid, où, avec la protection de Diego Velázquez, son compatriote (), il voyait souvent les peintures éminents de Palau « Bien qu’il ne soit pas improbable que dans ses débuts , comme d’autres peintres sévillans, peint des tableaux de dévotion pour le commerce lucratif américain, rien indique qu’il est rendu à Madrid à ces dates, ni il risque de faire le voyage en Italie qu’il attribuait à Sandrart. Palomino lui-même a nié ce voyage, Après avoir étudié la question, dit-il, avec « diligence exacte. » En plus de cela, la supposition infondée d’un voyage en Italie, comme on le pensait par le Cordouan, est né du fait que « les étrangers ne veulent pas accorder dans cet art et Laurel of Fame « à l’Espagnol, s’il n’a pas passé par les douanes de l’Italie: sans avertissement, que l’Italie a été transféré en Espagne en statues, peintures, estampes et éminents livres; Et que l’étude de la nature -avec ces antecedents- abonde partout »Palomino lui-même, qui était venu lui faire savoir, même s’il n’a pas le traiter, a dit qu’il avait entendu d’autres peintres qui, dans ses premières années avaient » été » fermé pendant tout ce temps à la maison, son élève pour le naturel, et qu’il avait acquis sa capacité de cette façon. « Cette capacité artistique est celui qui, lors de l’exposition de ses premiers travaux publics, peint pour le couvent franciscain, a permis pour lui, il a gagné le respect et l’admiration de ses compatriotes, qui jusqu’à ce moment, rien ne connaissait leur existence et les progrès dans l’art. Dans tous les cas, le style qui se manifeste dans ses premières œuvres majeures, comme les peintures cités du petit cloître du couvent de San Francisco, il pouvait l’apprendre sans quitter Séville étudier les artistes de la génération précédente, comme Zurbarán et Francisco Herrera el Vell

Séville était au début du 17ème siècle, le « paradigme de la ville ». Il a montré le monopole du commerce avec les Indes et a eu l’audience royale de Séville, plusieurs cours de justice, y compris l’Inquisition, l’archevêché, la maison des Embauche des Indes, la Monnaie, les consulats et les coutumes Bien que les 130000 habitants qui il comptait à la fin du siècle XVI avait diminué en raison de la peste de 1599 et l’expulsion des Morisques, lorsque Murillo est né il a continué d’être une ville cosmopolite, la plus peuplée d’Espagne et l’un des plus grands du continent européen . A partir de 1627, il est apparu des symptômes de la crise en raison de la baisse du commerce avec les Indes, qui se déplaçait lentement vers Cadix, Le déclenchement de la guerre de Trente Ans et la séparation du Portugal Mais le plus grave problème est venu avec la peste de 1649, avec des effets dévastateurs, où le peintre aurait pu perdre certains fils. Le village Le coût a été réduit de moitié, comptant environ 600 000 morts, et il a été récupéré plus: les grandes zones urbaines, en particulier autour des paroisses populaires de la zone nord, étaient semi-détachés et leurs maisons transformées en terrains

Bien que la crise a affecté les différents inégalement segments de la population, le niveau de vie général diminua. classes populaires, les plus touchés, a joué dans 1652 sur une mutinerie à court terme causée par la faim; Mais, grosso modo, la charité a fonctionné comme un palliatif de l’injustice et de la misère, qui a touché uniformément les mendiants qui se pressaient autour du palais épiscopal pour recevoir le pain rond qui a été distribué par l’archevêque, comme les centaines de pauvres « honteuses » comptés dans chaque paroisse ou dans des institutions dédiées spécifiquement à leur attention. Parmi ces institutions, les Frères de la Charité mis en surbrillance, revitalisée après 1663 par Miguel Manara, qui en 1650 et 1651 avait agi en tant que parrain du baptême de deux des enfants de Murillo Le peintre était un homme pieux, comme en témoigne son admission à la Confrérie du Rosaire en 1644; De plus, il a reçu l’habitude de l’ordre de San Francisco en 1662 et a été souvent engagé dans la distribution du pain organisée par les paroisses où il a ensuite été attaché

Bien que moins touchés par la crise, l’Eglise a également remarqué ses conséquences: après 1649 presque pas de nouveaux couvents seront établis: deux ou trois jusqu’au XIXe siècle, devant les neuf couvents de barons et l’une des femmes qui ils avaient été fondées depuis la naissance de Murillo jusqu’à cette date. Leurs soixante couvents étaient sans doute plus que suffisant pour une ville qui avait vu sa population diminuer de façon drastique; Mais l’absence de nouvelles fondations conventuels n’a pas mis fin à la demande des œuvres d’art, parce que les temples et les monastères ne cessent de s’enrichir artistiquement par leurs propres moyens ou par des dons de particuliers fortunés, comme le même Mañara

Le commerce avec les Indes, bien qu’il ne générait pas de réseau industriel, a continué de fournir du travail aux tisserands, des libraires et des artistes acheteurs d’argent, qui étaient responsables de la finition des lingots et de les prendre à la Chambre de Mint, ils étaient des professionnels exclusifs à Séville; Ils ne manquaient pas le travail des officiers de la Monnaie, au moins temporairement, lorsque la flotte est arrivée au port. Il y avait aussi des marchands étrangers portés disparus de Séville, qui a fait Séville une ville cosmopolite. On estime qu’en 1665, le nombre de résidents étrangers à Séville était d’environ sept mille, même si bien sûr pas tous étaient engagés dans le commerce. Certains avaient pleinement intégré dans la ville après avoir fait une fortune: Justino de Neve, protecteur de l’église de Santa María la Blanca et l’Hôpital de Vénérables, pour qui il a commandé Murillo certaines de ses oeuvres, est venu d’une de ces familles d’anciens marchands flamands établis dans la ville au XVIe siècle. D’autres ont été incorporés dans les dates plus avancées: le Néerlandais Josua van Belle et le flamenco Nicolás de Omazur, qu’il dépeint Murillo, est arrivé dans la ville après 1660. hommes de culture, ainsi que riches, devaient se rendre à Séville avec des portraits et des peintures d’origine , ce qui expliquerait l’influence, entre autres, de Bartholomeus van der Helst présent dans les portraits de Séville. Ils sont également responsables de l’extension de la réputation de Murillo au-delà de la péninsule; D’une certaine manière singulière, Nicolas de Omazur, dont l’amitié avec le peintre l’a amené à commander, à sa mort, une gravure du Autoportrait aujourd’hui conservé à la National Gallery de Londres.

En 1645, Murillo a peint treize peintures pour le petit cloître du couvent de San Francisco de Séville, où il a travaillé de 1645 à 1648. Les tableaux ont été dispersés après la guerre d’indépendance. La série narre, dans un but didactique, quelques histoires parfois représentés par les saints de l’ordre franciscain, dans un disciples de manière particulière de l’Observance espagnole à laquelle le couvent a été attribué. Lors de l’élection de leurs affaires, l’accent a été mis sur l’exaltation de la vie contemplative et de la Prière – représentée à San Francisco, construite par un ange, de l’Académie Royale des Beaux-Arts de San Fernando et La Cuina dels Àngels (Musée du Louvre) -, la joie franciscaine – illustré par le Solano San Francisco et le taureau (national Heritage, Real Alcázar de Sevilla) -, et l’amour de ceux voisins,

Par exemple, l’illumination céleste floue qui enveloppe Il est la procession des saints qui accompagnent Maria sur la toile qui représente la mort de Santa Clara (Dresde, Gemäldegalerie, daté 1646); Dans les figures des saints de ce travail, le sens de la beauté avec laquelle Murillo est habitué à dépeindre les personnages féminins se manifeste ou le dynamisme des personnages qui peuplent la cuisine des Anges, représentant l’ennemi mort Francisco d ‘Alcalá dans un état de lévitation et les anges qui font du travail de la cuisine. Malgré tout, et à côté de ces succès, il est également possible de remarquer dans l’ensemble de la série une certaine turpitude de la manière de résoudre les problèmes de perspective en plus de la L’utilisation d’estampes flamandes comme source d’inspiration Il est dû en grande partie à la dynamique des figures angéliques,

Au cours des années immédiatement après le terrible impact de la peste de 1649 on ne sait pas qu’il avait un grand nombre de commandes, mais il a demandé un grand nombre d’images de dévotion, dont quelques-unes des œuvres les plus populaires du peintre Fr Ces peintures, dans l’éclairage de compensation, sont éloignés de Zurbarán aller à la recherche d’une plus grande mobilité et l’intensité émotionnelle, l’interprétation des thèmes sacrés avec une humanité délicate et intime. Les différentes versions de la Vierge Marie avec le » nourrisson ou le soi-disant la Vierge du Rosaire avec l’enfant – dont celles du Musée Castres, le Palais Pitti et le Prado Museum-, l’Adoration des bergers et la Sagrada Familia de l’oiseau – tous deux d’entre eux Museo del Prado-, le jeune pénitencier Magdalena -dans la Galerie nationale d’Irlande et Madrid, la collection Arango-, ou l’évasion en Egypte -Detroit Institute of Arts- appartiennent à cette période. De plus à ce moment-Tackle pour pr Dans le même temps, le sujet de l’Immaculée Conception a été appelée Grand Conception ou la conception franciscaine (Séville, Musée des Beaux-Arts), avec laquelle il a lancé la rénovation de son iconographie à Séville selon la modèle Ribera

Dans le domaine de la peinture profane, le garçon exploiteraient ou jeune Montés, du musée du Louvre, appartient également à cette période, le premier témoin connu de l’attention et le dévouement du peintre aux motifs populaires avec les protagonistes des enfants. En elle, elle observe une note de mélancolie, de pessimisme, quand il montre le petit chameau, emportant les parasites seuls, un pessimisme qui abandonnera complètement ses œuvres ultérieures et les plus animés. D’une autre catégorie sont l’Ancien Spinner réapparu de Stourhead House – Connu auparavant que par une copie médiocre enregistrée au musée du Prado, et La Vieille avec une poule et un panier d’œufs (Munich, Alte Pinakothek), qui appartenait à Nicolás de Omazur. Ce sont des genres conçus presque comme des portraits à partir de l’observation directe, immédiate,

Au XVIIe siècle, avec un archevêque et plus de soixante couvents, Séville était un aspect important de la culture religieuse. En elle, la religiosité populaire, encouragé par les institutions ecclésiastiques, se manifeste parfois avec véhémence. Cela se passait en 1615 quand, selon Diego Ortiz de Zúñiga et d’autres chroniqueurs de l’époque, toute la ville a été jeté dans les rues pour proclamer la « Conception de Marie sans péché originel », en réponse au sermon d’un père dominicain qui avait exprimé une « opinion pieuse» En ce qui concerne le mystère de cette année et les suivantes, entre les actes de négligence ont été célébrées les processions et les fêtes tumultueuses auxquelles ils ne manquaient pas de noir et mulâtre, et comme il a été dit,

Dans cette atmosphère de religiosité intense, la clientèle ecclésiastique ne constituait qu’une partie, et peut-être pas le plus grand, de la grande demande pour les travaux religieux, ce qui permettrait d’expliquer la production de murillesca de ces années pour les clients privés et non pas dans des temples ou des couvents Dans cette artistique la production, la répétition des motifs et l’existence de copies de l’atelier sont observés, comme cela est le cas avec Santa Caterina de Alejandría demi-cœur, connu pour plusieurs copies, mais que l’original est le moment, il trouve la focus-Abengoa Fondation à Séville de nombreuses personnes ont mis leur base pour la fourniture d’églises, de couvents et chapelles; Et, d’ailleurs, ils ne pouvaient pas manquer dans toute la maison, assez modestement, des peintures ou des plaques simples sur des thèmes religieux. Une étude statistique faite sur 224 inventaires Séville entre les années 1600 et 1670, avec un total de 5179 peintures exposées, donne le nombre de 1741 cadres religieux détenus par des personnes, qui est, un peu plus d’un tiers du total peu plus, 1820, correspondu à la peinture profane de tout genre et le reste 1618 n’a pas déterminé la raison, mais sûrement beaucoup d’entre eux « Ils contiennent aussi une affaire religieuse. Comme dans d’autres endroits en Espagne, le pourcentage de peintures profanes était plus élevé dans les collections de la noblesse et du clergé, de plus en plus la peinture à motif religieux en descendant sur l’échelle sociale, être presque le seul genre présents dans les stocks des agriculteurs et les travailleurs en général un peu plus d’un tiers du total peu plus, 1820, correspondait à la peinture profane de tout genre et le reste 1618 n’a pas déterminé la raison, mais sûrement beaucoup d’entre eux « Ils contiennent aussi une affaire religieuse. Comme dans d’autres endroits en Espagne, le pourcentage de peintures profanes était plus élevé dans les collections de la noblesse et du clergé, de plus en plus la peinture à motif religieux en descendant sur l’échelle sociale, être presque le seul genre présents dans les stocks des agriculteurs et les travailleurs en général un peu plus d’un tiers du total peu plus, 1820, correspondait à la peinture profane de tout genre et le reste 1618 n’a pas déterminé la raison, mais sûrement beaucoup d’entre eux « Ils contiennent aussi une affaire religieuse. Comme dans d’autres endroits en Espagne, le pourcentage de peintures profanes était plus élevé dans les collections de la noblesse et du clergé, de plus en plus la peinture à motif religieux en descendant sur l’échelle sociale, être presque le seul genre présents dans les stocks des agriculteurs et les travailleurs en général

En 1655, de Madrid, il est arrivé à Séville Francisco de Herrera el Joven après un séjour probable de quelques années en Italie Peu après son arrivée, il a peint le Triomphe du sacrement de la cathédrale de Séville; Ce travail présente la nouveauté de ses grandes figures situées à contraclaror au premier plan et la rotation des enfants traités anges avec un coup de pinceau fluide et presque transparent, comme si elles étaient dans les langues. Leur influence pourra être vu immédiatement dans la Vision de Sant Antoni de Padoue, un grand tableau que Murillo a peint pour la chapelle de baptême de la cathédrale seulement un an plus tard. La séparation claire des espaces célestes et terrestres avec une composition équilibrée et la présence de figures monumentales, sont caractéristiques de la peinture sévillane qui est brisé de façon décisive dans ce travail, où la diagonale est renforcée et place la rupture de la gloire déplacée vers la gauche. Le saint, à droite, étend ses bras vers la figure de l’enfant
Jésus, qui apparaît isolé sur un fond vivement éclairé La distance qui les sépare met en évidence l’intensité des sentiments du saint et de son désir d’attente. Le saint se trouve dans un espace intérieur dans l’obscurité, mais ouvert à une galerie; De cette façon, un second foyer de l’éclairage intense est créé, et donc une profondeur spatiale admirable est atteint tout en évitant le contraste violent entre un ciel illuminé et une terre d’ombre. Avec tout cela, les espaces sont unifiés à travers une lumière diffuse mais dynamique où certains anges au premier plan sont également counterclarant

La même évolution de sa peinture rendu possible cette assimilation rapide des nouveautés introduites par Herrera. Ils sont également de 1655, la paire de cadres des saints saint Sant Isidor et Sant Leandre terminé au mois d’Août qui ont été placés dans la sacristie de la cathédrale; Les peintures ont été déposées par le bien-aimé canon Juan Federigui. Compte tenu des chiffres monumentaux – plus grand que naturel, car ils devaient se rendre sur les murs – ils apparaissent baignés dans une lumière argentée qui provoque les flashes lumineux dans les tuniques blanches obtenues grâce à un pastel gracieux, fluide La lactancia de San Bernardo et l’imposition de la chasuble à San Ildefonso, aussi bien dans le Museo del Prado, sont d’origine inconnue et de datation controversée mais pourrait être de la même période. Les peintures sont-ils citent pour la première fois dans l’inventaire du Palais Royal de La Granja en 1746 comme appartenant à Isabel de Farnesio, probablement acquise au cours des années du séjour de la cour à Séville. Pour sa taille, plus de trois mètres dimensions élevées et similaires peuvent être supposés être des tableaux d’autel, bien qu’il soit inconnu l’église pour laquelle ils ont été peints et si l’origine, comme il semble, est le même pour les deux encore, il est évalué à eux et le goût pour l’éclairage clair-obscur et les figures monumentales, avec une composition sobre et plusieurs détails décoratifs qui reconnaissent l’influence de Juan de Roelas, principalement sur la toile de Sant Bernat, bien que Murillo fait un traitement des plus accessoires Naturalist Dans le même temps, il convient de noter que le placement subtil des lumières,

Il y a deux ensembles importants, dont les commissions ne pouvaient pas être documentées, ce qui pourrait aussi appartenir à cette période en raison de leur sens riche de couleurs et la disposition de quelques chiffres à contraclaror. Ce sont les trois toiles monumentales dédiées à la vie de saint Jean-Baptiste, dont un seul sait que 1781 ils ont accroché dans le réfectoire du monastère des moines augustins de San Leandro de Sevilla, vendu par le couvent en 1812 et actuellement dispersées entre les musées de Berlin, Cambridge et Chicago, et la série de fils prodigue (Dublin, national Gallery of Ireland), dont certaines esquisse est conservée dans le Musée du Prado; Cette série est inspirée par les gravures de Jacques Callot, mais que Murillo a su adapter à son style pictural et à l’atmosphère sévillane du moment, comme on le voit dans la robe et l’apparence de ses protagonistes. Cette approche historique est particulièrement digne d’être mentionné dans la toile appelée rend la vie dissolue, où une scène contemporaine costumbrista avec tous les éléments d’une cave et d’autres est vu les détails naturalistes habilement résolu le fils prodigue; Par exemple, la figure du musicien qui, situé à contraclaror, rend le banquet plus agréable, le chiot qui vient sous les nappes ou les généreux décolletés des dames parées avec des vêtements de couleurs colorées et un érotisme mesuré

En 1658, il a fait un séjour à Madrid, où il semble avoir rencontré Diego Velázquez et en 1660 il a participé à la fondation de l’Académie de peinture à Séville. Son but était de permettre aux deux peintres et sculpteurs que les jeunes Apprentis perfectionnent le dessin anatomique; L’académie a facilité la pratique avec des modèles vivants, l’activité pris en charge par les enseignants qui ont également contribué de l’argent pour les dépenses en bois et des bougies, parce que les séances ont eu lieu la nuit Murillo était son premier coprésident, ainsi que Francisco de Herrera el Jove, qui il a quitté la même année à Madrid pour régler définitivement dans la cour en 1663 Novembre, il a participé encore à la session où l’écriture des statuts de l’académie a été convenu, mais il avait déjà quitté sa présidence; A la tête de celui-ci,

De 1660, il est l’une des œuvres les plus importantes et les plus admirés de sa production: La naissance de Maria du Musée du Louvre, peint pour le transport de la chapelle de la Conception de la cathédrale de Séville Au centre, sous une petite gloire, un un groupe de matrones et des anges dans la composition en diminuant la -in imitation de Rubens illuminer brillamment autour du nouveau-né, à partir de laquelle émerge une ampoule qui éclaire intensément le premier plan et se dégrade au fond. De cette façon, il est créé des effets atmosphériques sur les scènes secondaires, qui sont plus en arrière et avec les ampoules autonomes, où le Père Noël Anna apparaît à gauche – dans un lit sous un dais, contrastant son éclairage tamisé avec celui de la chaise située dans un premier terme contraclaror-, et deux ânes sur la droite,

influences hollandaises et flamandes sont également vus dans leurs paysages, fait l’éloge déjà par Palomino, qui a quitté l’écriture: « on ne peut ignorer la célèbre compétence que notre Murillo avait dans les paysages » Si nous laissons de côté un certain paysage pur d’attribution Douteux, comme le paysage avec chute d’eau du Musée du Prado, ils sont traités comme des fonds de paysage dans des compositions narratives. Les meilleurs exemples correspondent aux quatre toiles qui ont été conservés dans la série Jacob d’histoires qu’il peignait pour le marquis de Villamanrique; Ils ont été exposés à la façade de leur palais pendant les fêtes de consécration de l’église de Santa María la Blanca en 1665, et aurait probablement dû être peint en 1660

Palomino, qui confond le sujet, comme il parle d’histoires sur la vie de David, dit que le marquis de Villamanrique a commandé les paysages à Ignacio de Iriarte, un spécialiste du genre, et les chiffres de Murillo. Mais on voit que quand il a accepté les peintres sur qui devait faire sa part Murillo, en colère, a déclaré: «s’il pensait, il avait besoin pour les paysages, il se trompait: et ainsi, lui seul, a fait ces peintures avec Histoires et des paysages, quelque chose d’aussi merveilleux que le vôtre; Qui a ce qui précède M. Marqués Madrid »

La série – devrait être à l’origine composée de cinq tableaux dont quatre seulement étaient connus – au XVIIIe siècle, il était à Madrid sous le marquis de Santiago, et au début du 19ème siècle, il avait déjà été dispersée. Maintenant, deux sont situés les histoires du Musée de l’Ermitage, que Jacob est béni pour les escaliers d’Isaac et de Jacob. Les deux autres sont aux États-Unis: Jacob cherche des idoles de la maison au magasin Raquel, conservé au Cleveland Museum of Art, et Jacob a mis les bâtons sur le troupeau de Laban, qui appartient au Meadows Museum à Dallas. Ce type de grands paysages – en particulier les deux derniers qui sont disposés autour d’un motif central et ouvert à un fond lumineux lointain sur lequel ils sont coupés les profils diffus de nature dans les montagnes, suggèrent la connaissance des paysagistes de flamenco comme Joos de Momper ou Jan Wildens; Peut-être qu’il connaissait aussi les paysages italiens de Gaspard Dughet, peintre contemporain. En ce qui concerne l’attention qu’il donne aux bovins, qui est nombreux dans les deux tableaux, il semble se référer à Pedro de Orrente mais adapté au style de Murillo Al Jacob met Vous tenez au troupeau de Labán, avec un grand naturalisme, même l’apparition du les moutons sont représentés, l’acte que les allusions du texte biblique (Genèse, 30, 31), et qu’en raison de la modestie était cachée dans les peintures plus tard, avant d’être réintégrée dans le XXe siècle

En 1655, lorsque le pape Alexandre VII a été nommé, Philippe IV a demandé l’annulation d’un décret de l’année 1644 faite par la Congrégation romaine du Saint-Office, qui interdit l’attribution du terme « immaculé » associés à la conception de Maria, en plus demande également l’approbation du parti Immaculée Conception avait été célébrée en Espagne depuis longtemps Après les nombreux efforts des émissaires espagnols, le 8 Décembre, 1661 le pape Alexandre VII Promulguée le Bula Sollicitudo omnium ecclesiarum, qui, bien que ce ne fut pas le dogmatique définition que certains attendus, a proclamé l’ancienneté de la pieuse croyance et a reconnu sa célébration. Le taureau a été reçu en Espagne avec enthousiasme et partout célébrations ont été célébrées, dont il y a eu de nombreux témoignages artistiques

En commémoration du taureau, le recteur de l’église de Santa María la Blanca, Domingo Velázquez Soriano, a accepté de procéder à un remodelage du temple, dont les travaux ont été partiellement coûteuses par Canon Justino de Neve, qui était responsable de la commission Quatre tableaux à Murillo qui devaient décorer les murs les travaux, qui ont transformé l’ancien bâtiment médiéval dans un temple baroque spectaculaire, a débuté en 1662 et ont été achevés en 1665; Elle sera inaugurée avec les célébrations solennelles décrites minutieusement par Fernando de la Torre Farfán Fiestas qui ont célébré l’église paroissiale de S Maria la Blanca, Chapelle de la Sainte Eglise métropolitaine, et patriarcale de Séville: en réponse à la brève nef accordée par N SMO Padre Alexandro VII en faveur du mystère pseudo de la Conception sans faute originale de María Santiisima Nuestra Señora,

Sur les quatre peintures Murillo sous la forme d’un demi-point, il y a deux plus grands qui sont situés dans la nef centrale et sont illuminées par les puits de lumière de la coupole; Ils représentent des histoires de la fondation de la basilique Sainte-Marie-Majeure à Rome Ces deux œuvres font partie de ce que sont considérés comme les chefs-d’œuvre du peintre. Il est le rêve de Joan patricienne et sa femme où le moment est représenté dans lequel Août, dans les rêves, la Vierge semble leur demander le dévouement d’un temple à l’endroit où ils verront dessiné avec de la neige sur le mont Esquilin Murillo, au lieu de en leur montrant endormi dans le lit, les représente Vaincu par le son: il, couché sur la table recouverte par un couvercle rouge sur lequel est déjà fermé un livre épais qu’il lisait; Et elle, sur un oreiller, selon la coutume du temps,

L’histoire se poursuit dans l’autre tableau qui montre la scène de Patrici John et sa femme devant le pape Liberi Murillo divise la scène et a, sur la gauche, le patricien et son épouse devant le pape, qui a eu le même je dream-; Et à droite, au loin, apparaît la procession qui va vers la montagne afin de vérifier le contenu des rêves; Le pape Liberi réapparaît sous la palette La scène principale est disposé dans une vaste scène de l’architecture classique et éclairée par la gauche. La lumière affecte principalement la femme et le moine qui l’accompagne, la création d’un contre-jour où la figure du pape se distingue par l’architecture nue, peut-être dépeints avec les traces d’Alexandre VII. Le même goût pour le rétro-éclairage est dans la procession, peinte avec une légère, presque esquissés coup de pinceau, dans lequel les chiffres de personnes au premier plan apparaissent comme des silhouettes plongés dans l’ombre; Ainsi, il est possible de mettre l’accent sur la luminosité de la même procession

Les deux autres tableaux, de plus petite taille, ont été trouvés dans le cours supérieur des nefs latérales du temple et représentés, l’un, l’Immaculée Conception, et l’autre, le triomphe de l’Eucharistie. Les quatre œuvres ont quitté l’Espagne pendant la guerre française et que les deux premiers, destiné au musée Napoléon, ont été retournés en 1816 et incorporées dans la collection du Musée du Prado. Les deux autres, après les ventes successives, est allé au Musée du Louvre – le tableau qui représente l’Immaculée Conception, et celle de la Eucarist Triumph fait partie d’une collection anglaise particulier

En 1664, il peint des œuvres pour le couvent de Saint Augustin, dont nous pouvons mettre en évidence celui qui représente saint Augustin contemplant la Vierge Marie et le Christ crucifié (Museo del Prado). Entre 1665 et 1669, il peint, en deux étapes, 16 pour l’église Canevas du couvent des Capucins de Séville; Ils étaient destinés à le retable principal, dans les retables des chapelles latérales et au cœur, qui dans ce cas a été Immaculée. Après la confiscation de Mendizabal en 1836 les peintures se sont rendus au Musée des Beaux-Arts de Séville, à l’exception du Jubilé Porciúncula Il occupait le centre du retable principal, qui est actuellement conservé au Musée Wallraf-Richartz de Cologne. Le répertoire des saints qui composent cet ensemble comprend quelques-unes des « œuvres de capital de son meilleur moment » Les chiffres paires de Saint Leandre et Saint Bonaventure et le Santes Justa et Rufina, qui occupaient les côtés du premier corps du retable, ont ce caractère si caractéristique du peintre: portraits vivants et l’humanité profonde dans les expressions, qui sont calmes et mélancoliques le Saint Sevillanas Justa et Rufina, accompagné de quelques récipients en céramique de belle facture -in allusion à leur profession de potiers et de leur martyrdom- cale une reproduction de la Giralda dans la mémoire du tremblement de terre de 1504 où, selon la tradition, ils ont empêché leur chute en l’embrassant. cependant, leur présence dans le retable est justifiée parce que l’église avait été construite à l’endroit qui occupait l’amphithéâtre antique où ils avaient souffert le martyre En ce qui concerne Saint Leandre, ils faisaient allusion à l’histoire du temple, car, selon la tradition, en ce sens placer un couvent avait été construit avant la omeyyades Commémoration de l’Hispanie et il n ‘Il a été le fondateur alhora, Saint Bonaventure apparaît, comme l’un des principaux saints de l’ordre, et Murillo fait un transfert allégorique; Contrairement à son iconographie habituelle, elle représente un barbecue, pour être un couvent capucin, et le modèle d’une église gothique, probablement copiée à partir d’une gravure, pour faire comprendre son ancienneté à cet endroit un couvent avait été construit avant la omeyyades Commémoration de l’Hispanie et il n ‘Il a été le fondateur alhora, Saint Bonaventure apparaît, comme l’un des principaux saints de l’ordre, et Murillo fait un transfert allégorique; Contrairement à son iconographie habituelle, elle représente un barbecue, pour être un couvent capucin, et le modèle d’une église gothique, probablement copiée à partir d’une gravure, pour faire comprendre son ancienneté à cet endroit un couvent avait été construit avant la omeyyades Commémoration de l’Hispanie et il n ‘Il a été le fondateur alhora, Saint Bonaventure apparaît, comme l’un des principaux saints de l’ordre, et Murillo fait un transfert allégorique; Contrairement à son iconographie habituelle, elle représente un barbecue, pour être un couvent capucin, et le modèle d’une église gothique, probablement copiée à partir d’une gravure, pour faire comprendre son ancienneté

Parmi les peintures dédiées aux saints franciscains -Sant Antoni de Padua, Sant Feliu Cantalici- se distingue en particulier celle de saint François embrassant le Christ sur la croix, qui est parmi les plus populaires du peintre La douceur à la lumière et les couleurs qui harmonisent sans violence avec lui ton brun de l’habit franciscain, avec arrière-plans verdâtre ou avec le corps nu du Christ, intensifie le caractère intime des visions mystiques qui sont dépourvus de toute dramaturgie. Il est également très représentatif de l’évolution du peintre l’Adoration de travail des bergers, réalisé par l’autel d’une chapelle latérale Par rapport aux autres versions précédentes des œuvres qui traitent du même sujet – comme celle conservée au musée du Prado réalisé autour 1650, très naturaliste -,

Sant Tomàs de Villanueva, le tableau que le peintre a appelé « ma toile » – à l’origine, se trouvait dans la première chapelle à droite – illustre bien le niveau technique atteint par le peintre dans cette série Tomàs de Villanueva, bien que augustinien et non franciscain, récemment, il avait été canonisé par Alexandre VII et comme archevêque de Valence, il se détachait pour son esprit de charité, un fait que Murillo met l’accent sur l’entourant de mendiants qu’il aide à une table où il y a un livre ouvert, il ne lit plus, avec ce qu’il feint de donner à comprendre que la science théologique sans la charité est rien. La scène passe par un intérieur classique, avec une profondeur remarquable mis en évidence par l’alternance des ombres et des espaces,

Les Frères de la Charité a été fondée au milieu du 15ème siècle par Pedro Martínez, le prédicateur de la cathédrale. Il a commencé son travail un peu avant 1578, lorsque ses membres loué la chapelle de Saint-Georges à la Couronne; Cette chapelle est située dans les Drassanes royales et lorsque sa première règle est définie, un document dans lequel le but de la confrérie a été fixé: pour enterrer les exécuté Pendant des années, il a fallu une vie languissante, au point que, en 1640, la chapelle était en ruines et les frères ont décidé que leur démolition; De cette façon, la construction d’une nouvelle chapelle a commencé, qui prendrait plus de 25 ans à accomplir. Peste de 1649 a favorisé sa revitalisation avec l’incorporation de nouveaux frères, mais ce fut l’entrée de Miguel Mañara – Une famille de marchands de chorales d’origine et de leur choix comme un grand frère en Décembre 1663 -, ce qui a conduit à la conclusion des travaux de l’église. En outre, un entrepôt des chantiers navals a été transformé en hospice et est allé à réformer la même fraternité, qui à partir de ce moment aurait également le but d’accueillir le clochard et les nourrir à l’hospice. De cette façon, il est devenu un dispensaire incurable, la collecte des patients abandonnés à les transférer, sur les épaules des frères si nécessaire, aux hôpitaux où ils pourraient participer

Selon toute vraisemblance, Mañara est l’auteur de la proposition décorative, ajustée à un discours narratif cohérent, et la personne en charge de choisir les artistes: Murillo et Valdés Leal -pintura-, Bernardo Simón de Pineda -architecture du altarpieces-, et Pedro Roldán, la sculpture

Les cités « Hiéroglyphes », une illustration des œuvres de miséricorde, peuvent être identifiés dans les six tableaux de Murillo que, selon les descriptions de Antonio Ponz et Juan Agustín Ceán Bermúdez, accroché sur les murs du navire de la » Eglise en dessous du corniche, formant un autre de la série capitale de la phase de maturité du peintre quatrième a été volé par le maréchal Soult pendant la guerre française et sont actuellement dispersés par les différents musées, en conservant à leur place que les deux plus grandes, en forme et décorées dans la croisière. Ces représentations picturales des œuvres de miséricorde sont: La guérison du paralytique (Londres, National Gallery) -visite les malades, Saint-Pierre libéré par l’ange (Saint-Pétersbourg, Musée de l’Ermitage) -redemption de captives-, de multiplication pains et les poissons (in situ) -Donner nourriture à ceux qui sont hungry-,

Diego Angulo souligne que, en même temps que la capacité du peintre de ne pas se répéter et la maîtrise de la gesticulation dans les personnages secondaires, qui, avec la diversité de leurs réactions approfondissent le contenu narratif, il est l’étendue de l’espace architectural représenté dans les porches de l’homologation piscine où, entre la lumière et le flou progressif des formes, des effets significatifs de la perspective aérienne sont atteints. Dans les deux plus grands tableaux, les plus complexes en ce qui concerne la composition et le nombre de caractères, Murillo a également été inspiré par d’autres artistes probablement, pour Moïse, il se fonde sur une toile du même sujet de la génoise Gioacchino Assereto -qui était bien -connu à Séville et que son travail est actuellement dans le Museo del Prado-, et la multiplication des pains et des poissons, à Francisco Herrera el Viejo;

Le cycle des œuvres de miséricorde en charge de Murillo a été complété par le groupe sculptural, enterrement du Christ, exécuté par Pedro Roldán, et parce qu’elle représentait l’œuvre de bienfaisance le plus important selon l’origine de l’institution, pour enterrer les morts, était en le retable majeur Outre cette série, la confrérie a payé quatre autres tableaux fournis par Murillo et Valdés Leal en 1672, avec des sujets qui ont terminé les travaux antérieurs selon les préoccupations et les lignes directrices de Manara, recueillies dans son discours de vérité

Ces quatre toiles, semi-finis, ont été les célèbres « Hiéroglyphes du dernier » de Valdés Leal. Ils étaient situés au pied de la nef, près de l’entrée du temple, de rappeler à ceux qui sont entrés dans l’expiration des biens terrestres et de la proximité de l’arrêt particulier, à quel moment l’équilibre pourrait se pencher sur le côté du salut par l’exercice des œuvres de grâce représenté dans la série précédente. Mais comme tous les motifs de cette série ont été tirés de la Bible, les deux nouvelles peintures sur les autels du navire de Murillo est venu de proposer des modèles de charité avec laquelle ils pourraient être identifiés plus facilement, en raison d’une plus grande proximité de leurs protagonistes: Saint Jean de Dieu et Saint-Elisabet de la Hongrie, de guérir le petit Murillo a montré ses entrées malades, en se concentrant sur l’interprétation réaliste et montrant la partie désagréable des ulcérations, qui a donné lieu à des critiques lorsque l’image de Santa Elisabet d Hongrie est venu à Paris, dirigé par les troupes françaises. Mais avec la critique, en France elle-même, peu après fait son éloge de la capacité des « Espagnols » pour conjuguer le plus sublime et vulgaire

Une vingtaine de peintures sur le thème de l’Immaculée sont peints par Murillo, un chiffre seulement dépassé par José Antolínez et qu’il a eu le « peintre de l’Immaculée », dont l’iconographie était pas le » inventeur mais un pilote à Séville, où la dévotion était profondément enracinée

Le est le plus primitif probablement la soi-disant Concepció Grand (Séville, Musée des Beaux-Arts), peint pour l’église des Franciscains, où il se trouvait sur la voûte de la plus grande chapelle, à haute altitude, ce qui permet d’expliquer la corpulence de son chiffre pour la technique utilisée, il pourrait être d’une date proche de 1650, quand la croisière de l’église a été reconstruite après avoir subi un effondrement. Dans cette première approche du sujet, Murillo a cassé décidément la staticism qu’Elle caractérisée Séville Immaculée, toujours attentif aux modèles établis par Pacheco et Zurbarán, lui donnant un dynamisme vigoureux et ascendant à travers le mouvement de la couche, peut-être influencé par la Immaculée de José de Ribera fait pour les descalzas augustins de Salamanque, et que Murillo pouvait savoir pour une gravure. Maria porte une robe blanche et d’un manteau bleu, conformément à la vision du Portugais Beatriz da Silva, rappelé par Pachec Ou dans ses instructions iconographique. Mais dans d’autres détails, Murillo a complètement ignoré l’habituel attribue marial avec caractère didactique a abondé dans les représentations précédentes. Il a également quitté la tradition iconographique des femmes apocalyptiques et à gauche que la lune sous ses pieds et la « robe de soleil », comprise comme l’arrière-plan atmosphérique d’une couleur orange sur lequel la silhouette de la Vierge Marie est coupée. Elle place sur une base de nuages ​​soutenu par quatre anges et réduit le paysage à une courte bande brumeuse; Pour Murillo, l’image que Maria était suffisant pour expliquer sa conception immaculée Murillo a complètement ignoré l’habituel attribue marial avec caractère didactique a abondé dans les représentations précédentes. Il a également quitté la tradition iconographique des femmes apocalyptiques et à gauche que la lune sous ses pieds et la « robe de soleil », comprise comme l’arrière-plan atmosphérique d’une couleur orange sur lequel la silhouette de la Vierge Marie est coupée. Elle place sur une base de nuages ​​soutenu par quatre anges et réduit le paysage à une courte bande brumeuse; Pour Murillo, l’image que Maria était suffisant pour expliquer sa conception immaculée Murillo a complètement ignoré l’habituel attribue marial avec caractère didactique a abondé dans les représentations précédentes. Il a également quitté la tradition iconographique des femmes apocalyptiques et à gauche que la lune sous ses pieds et la « robe de soleil », comprise comme l’arrière-plan atmosphérique d’une couleur orange sur lequel la silhouette de la Vierge Marie est coupée. Elle place sur une base de nuages ​​soutenu par quatre anges et réduit le paysage à une courte bande brumeuse; Pour Murillo, l’image que Maria était suffisant pour expliquer sa conception immaculée entendu que le fond atmosphérique d’une couleur ambre sur lequel la silhouette de la Vierge est coupée. Elle place sur une base de nuages ​​soutenu par quatre anges et réduit le paysage à une courte bande brumeuse; Pour Murillo, l’image que Maria était suffisant pour expliquer sa conception immaculée entendu que le fond atmosphérique d’une couleur ambre sur lequel la silhouette de la Vierge est coupée. Elle place sur une base de nuages ​​soutenu par quatre anges et réduit le paysage à une courte bande brumeuse; Pour Murillo, l’image que Maria était suffisant pour expliquer sa conception immaculée

deuxième approche au sujet de Murillo est également liée aux Franciscains, les grands défenseurs du mystère; En fait, il est un portrait du Père Juan de Quirós, qui en 1651 a publié en deux volumes Glòries de Maria La grande peinture, et au moment du Palais de l’archevêque de Séville, a été chargé de Murillo par le Hermandad de la Vera Cruz qui elle a son siège au couvent de Saint Francis; Il était en 1652 Fray Juan de Quirós apparaît dépeint devant une image de l’Immaculée, qui est accompagné d’anges portant les symboles des litanies; Il a interrompu l’écriture du livre à regarder le spectateur, et est assis devant une table où les deux gros volumes, il a écrit en l’honneur de Maria reposèrent Le dossier de la chaise de frises, superposé au bord d’or encadrant l’image, subtilement,

Dans l’Immaculée, peint pour l’église de Santa María la Blanca, il a également inclus des portraits de dévots du mystère Torre Farfán identifié parmi eux le recteur, Domingo Velázquez, qui pourrait suggérer au peintre le contenu théologique complexe de celui-ci en toile et leur paire artistique, le triomphe de l’Eucharistie les deux sont liés et sont expliqués par les textes inscrits dans les phylactries dessinés en eux – « eN PRINCIPE dilexit EAM » ( « au début, [Dieu] aimait son ») -, à l’image de l’Immaculée et le texte formé avec les premiers mots de la Genèse et un verset du livre de la sagesse (VIII, 3) – «eN FINEM dilexit EOS» (Jean chapitre XIII) – Il y a aussi la • héritage de l’Eucharistie, avec les mots pris de l’histoire de la Cène dans l’Evangile de Jean: « Jésus sachant que le temps était venu pour lui de passer de ce monde au Père,ayant aimé ses proches, jusqu’à la fin « L’Immaculée, dont la définition dogmatique qu’ils ont demandé ses partisans ont ainsi été associés à l’Eucharistie, l’élément central de la doctrine catholique: la même manifestation de l’amour pour les hommes qui avaient conduit Jésus à la fin de son jours pour être incorporés dans le pain, avait conservé Marie du péché avant tout le temps, il faut se rappeler que, lors de l’entrée de l’académie de dessin, les peintres sévillans devaient jurer fidélité au Saint-sacrement et la doctrine de l’Immaculéeavait conservé Marie du péché avant tout le temps, il faut se rappeler que, lors de l’entrée de l’académie de dessin, les peintres sévillans devaient jurer fidélité au Saint-Sacrement et la doctrine de l’Immaculéeavait conservé Marie du péché avant tout le temps, il faut se rappeler que, lors de l’entrée de l’académie de dessin, les peintres sévillans devaient jurer fidélité au Saint-Sacrement et la doctrine de l’Immaculée

L’Immaculée de Santa María la Blanca répond au prototype créé par le peintre vers 1660, ou un peu plus tard, des années où le soi-disant Immaculada del Escorial appartient (Museo del Prado). Il est l’une des œuvres les plus belles et bien connues du peintre, qui a été utilisé ici comme un modèle adolescent, plus jeune que les modèles des autres versions. Les caractéristiques qu’il présente dans ce travail – le contour ondulé de la figure, la couche juste désengagés du corps en diagonale, et l’harmonie des couleurs bleu et blanc de la robe avec le gris argentin des nuages ​​à la lueur légèrement dorée qui enveloppe la figure de Marie – sont déjà dans toutes les versions ultérieures. Celui qui est probablement le dernier, l’Immaculée des Vénérables, aussi appelé Immaculada de Soult (Museo del Prado), aurait pu être mis en service en 1678 par Justino de Neve pour l’un des autels de l’Hôpital vénérable de Séville. Malgré sa taille, Maria apparaît ici avec quelques dimensions réduites, car ils augmentent le nombre d’anges qui scintillaient autour de leur environnement, en anticipant le goût délicat du Rococo Elle a été prise de l’Espagne par le maréchal Soult et a été acquise en 1852 par le Musée du Louvre pour 586.000 francs d’or, le plus élevé payé jusqu’à ce moment-là par une peinture Selon Ceán Bermúdez, il a été considéré comme une œuvre « supérieure à tous la main ». Son entrée plus tard au Museo del Prado a eu lieu à la suite d’un accord signé entre les gouvernements espagnol et le Français de Philippe Pétain en 1940, avait décru l’évaluation du peintre,

La Madre de Dios con el Infante, dans une figure isolée et debout, est une autre question qui est souvent traitée par Murillo. Dans ce cas, il est généralement de petits travaux, probablement destinés à oratoires privés. La plupart des conservées Ils ont été peints entre 1650 et 1660, avec la technique encore clair-obscur et, indépendamment de son caractère dévotionnel, avec un sens naturaliste défendeur de la beauté féminine et la grâce enfantine. On observe l’influence de Rafael, qu’il faut savoir par la gravure, comme l’élégance des modèles minces jeunes de sa marraine et l’expression délicate des sentiments maternels; Cette caractéristique rend inutile d’accompagner d’autres symboles, plus typique de la religiosité médiévale, mais qui pourrait encore être trouvés dans les compositions de Francisco de Zurbarán dédiés au même thème.

Avec le même souffle naturaliste, il a abordé d’autres raisons pour le cycle de l’enfance du Christ, comme la fuite en Egypte (Detroit Institute of Arts) ou la Sainte Famille (Prado, Derbyshire, Chatsworth House). L’intérêt de l’artiste dans les thèmes de l’enfance et de la même évolution du sentimentalisme baroque sera également reflétée dans les chiffres isolés de l’enfant Jésus endormi sur la croix, ou la bénédiction, et de Jean l’enfant Baptiste, ou « Saint John ». La version conservée au Musée du Prado, une œuvre tardive (environ 1675) et l’un des plus populaires du peintre, où l’Enfant Jésus, avec un geste mystique, et l’agneau accompagnant sont tirés avec un coup de pinceau fluide sur un paysage plaqué argent coups Très

la production extensive de Murillo comprend également environ 25 peintures de genre, principalement avec les motivations des enfants, mais pas exclusivement. Les premières nouvelles qui est tirée de la quasi-totalité d’entre eux proviennent de l’extérieur de l’Espagne, ce qui suggère qu’ils ont été faites par ordre de marchands flamands établis à Séville, les clients aussi de peintures religieuses; Parmi eux, il pourrait être Nicolás de Omazur, un grand collectionneur d’œuvres du peintre, et qu’il avait un intérêt à ce type de peintures séculaires pour le marché nordique contrairement à ceux qui se consacrent à l’enfance de Jésus. Certains d’entre eux Ils, comme des enfants jouant les dés (Alte Pinakothek de Munich), ont déjà été cités au nom de Murillo dans un inventaire à Anvers en 1698. Au début du XVIIIe siècle, ils ont été acquis par Maximilien de Bavière pour le royal collection bavaroise

Les influences qu’il aurait pu recevoir du peintre danois Eberhard Keil -installed à Rome en 1656- et néerlandais bambous, ne suffisent pas à expliquer l’approche de Murillo à la création d’une peinture de genre sans précédent. L’échelle des Leurs figures, intégré dans les petits milieux de paysage – mais en tout cas plus grand que la peinture de Keil, qui remplit l’espace avec leurs chiffres – et le choix des thèmes, anecdotique, de nature joyeuse et spontanée, sont nés de la naturaliste l’esprit de son temps et l’attrait du peintre pour la psychologie de l’enfant, également présent dans sa peinture religieuse

Bien que leurs protagonistes sont généralement des enfants qui mendient ou les familles modestes, mal habillés, leurs chiffres traduisent toujours l’optimisme, comme le peintre cherche le moment heureux du jeu ou une collation La solitude et l’air de commisération avec laquelle il dépeint le jeune mendiante (Musée le Louvre), que par la technique et le traitement de la lumière peut dater vers 1650 ou un peu avant, disparaîtra dans les travaux plus tard, entre 1665 et 1675 la comparaison, déjà proposé par Diego Angle, entre le garçon mendiante et un autre similaire, mais plus tard ce jour, grand-mère scrutant son petit-fils (Alte Pinakothek de Munich) illustre le changement d’attitude: les détails de la tristesse et la solitude ont complètement disparu et ce qui attire le peintre est l’esprit de l’enfance toujours prêt à jouer;Dépeint l’enfant divertissant avec une miche de pain et la boucle d’oreille du chien qu’il joue entre ses jambes tandis que grand-mère est responsable de son hygiène

Tableaux comme deux enfants manger une carmanyola et des enfants jouant les dés – un jeu non autorisé par les moralistes -, aussi bien conservés dans la Pinacothèque de Munich, pourrait être inspiré par paroles ou non identifiées des contes de la cour picaresques, mais ils ne semblent pas répondre à tout autre l’intention est de dépeindre avec des groupes de ton aimable d’enfants heureux, jouer ou manger des bonbons, et qui sont capables de survivre avec peu de ressources grâce à la vitalité de la jeunesse. Un ton similaire, mais peut-être avec un argument plus contenu, sont les deux tableaux conservés dans la Dulwich Picture Gallery: Invitation au jeu de balle dans la pelle – qui reflète les doutes d’un garçon envoyé pour faire une commission, tandis qu’un autre Pisses l’invitent à participer au jeu, et Tres niños en Ce dernier, Murillo, traite de plusieurs réactions psychologiques à un acte spontané: un enfant noir portant une cruche sur son épaule -Murillo aurait dépeint Juan, son esclave né en 1657-, adressée aux gars sont sur le point de prendre une collation et, d’un geste amical, ils demandent un morceau de gâteau; L’un d’eux sourit alors que celui qui a le gâteau essaie de le protéger avec les mains avec un geste effrayé

Toujours attiré par la déshérité et les réactions spontanées des gens simples, deux femmes dans la fenêtre (Washington, National Gallery of Art) dépeint avec le même ton aimable et anecdotique ce qui pourrait être une scène de bordel Le soi-disant Fille avec des fleurs (Dulwich Picture Galerie), parfois classés comme « genre » peinture et confondu avec un vendeur de fleurs, répond plutôt au genre allégorique et peut être interprété comme une représentation du « printemps », dont la paire Il pourrait être la personnification de «l’été» sous forme de un jeune homme couvert d’un turban et des pointes, un travail récemment incorporé à la national Gallery of Scotland. Celles-ci pourraient être deux peintures sur les stations de Nicolás Omazur acquises dans le testamentaires de Justino de Neve; Ils ne seraient pas, en plus, les seuls allégories peintes par Murillo,

Bien que dans un nombre relativement faible, les portraits peints par Murillo sont distribués tout au long de leur carrière et présentent une variété formelle remarquable, qui ne serait pas étrangère au goût des différents clients. Canino Justino de Neve (Londres, National Gallery) répond parfaitement aux propres modèles du portrait espagnol, avec l’accent mis sur la dignité du caractère dépeint; Il est assis à son bureau, a un chien à ses pieds et se trouve en face d’un élégant fond architectural, ouvert sur un jardin portraits debout comme celui de Lord Andres de Andrade (Metropolitan de New York) ou Chevalier avec gorgera (Chevalier golilla, du musée du Prado) accuse la double influence de Diego Velázquez et Anton van Dyck.

Les portraits de Nicolás de Omazur (Museo del Prado) et celui de sa femme, Isabel de Malcampo, connu seulement pour une copie, sont demi-corps et seraient inscrits dans un cadre illusionnistes. Dans ce cas, ils répondent au goût plus spécifiquement flamand et néerlandais, tant pour son format et son contenu allégorique: ils apportent à ses mains, elle fleurs et il un crâne, des symboles typiques de la peinture Vanitas, de la tradition nordique. Est-ce le format choisi aussi pour ses deux autoportraits: l’un des plus jeune – prétend-il, il peint sur une pierre de marbre de la manière d’un relief classique – et celle de la National Gallery de Londres, peint pour ses enfants, inscrits dans un cadre ovale, un trompe-l’œil et accompagné des outils typiques de son métier

Très singulier et étranger à tous ces modèles est le Portrait de M. Antonio Hurtado de Salcedo, appelé aussi chasseur El (vers 1664, collection privée). Il est de grand format, car il serait destiné à occuper une place privilégiée dans la maison de son client, quel serait le marquis de Legarda Il dépeint au milieu du mintry, devant et debout, avec le fusil de chasse sur le terrain et en compagnie d’un serviteur et trois chiens. Rien en lui rappelle les portraits peints par Vélasquez des membres de la famille royale en costume de chasse; Et, au contraire, il semble plus proche de quelques œuvres de Carreño et avec une influence possible par van Dyck

Après la série de l’hôpital de la Charité, splendidement payé, Murillo n’a pas reçu de nouvelles commandes de cette ampleur Un nouveau cycle de mauvaises récoltes a provoqué la faim de 1678 et deux ans plus tard, un tremblement de terre a causé des dommages graves à la ville des ressources Église Els ont été consacrées à la charité, en laissant de côté l’embellissement des temples. Cependant, Murillo n’a pas manqué le travail grâce à la protection offerte par de vieux amis, tels que Canon Justino de Neve et les marchands étrangers établis à Séville; Il a reçu l’ordre de peindre des œuvres de dévotion pour les oratoires privés et aussi Nicolás de Omazur, une scène créée à Séville en 1669, a réuni jusqu’à 31 œuvres de Murillo, certains aussi importants que le mariage de Cana (Birmingham, Barber Institute) Un autre marchand établie à Cadix en 1662, les Génois Giovanni Bielat, quand il est mort en 1681 quitté le couvent des capucins de Gênes les sept tableaux qu’il possédait de Murillo, qui appartiennent à des périodes différentes, et qui sont actuellement dispersées par divers musées Parmi ces œuvres, il est une nouvelle version en format paysage du sujet de Saint Thomas de Villanueva faire l’aumône (Londres, Wallace Collection, vers 1670), avec un répertoire nouveau et admirable des mendiants. En outre, il a atteint capucins de Cadix une certaine somme d’argent qu’ils ont utilisé dans les peintures pour le retable de l’église, à l’ordre adopté Murillo vers 1670), avec un répertoire nouveau et admirable des mendiants. En outre, il a atteint capucins de Cadix une certaine somme d’argent qu’ils ont utilisé dans les peintures pour le retable de l’église, à l’ordre adopté Murillo vers 1670), avec un répertoire nouveau et admirable des mendiants. En outre, il a atteint capucins de Cadix une certaine somme d’argent qu’ils ont utilisé dans les peintures pour le retable de l’église, à l’ordre adopté Murillo

La légende de sa mort, comme Palomino explique, est liée précisément à cette tâche. Il serait mort à la suite d’une chute de l’échafaud quand il peint dans l’église de ce couvent de Cadix; Le travail qu’il faisait était le grand tableau sur les expositions mystiques de Sainte-Catherine. La chute a produit une hernie qui « par son honnêteté très » ne veut pas reconnaître, et qu’il a causé la mort peu après la vérité est que le peintre a commencé à travailler dans ce travail sans quitter Séville à la fin de 1681 ou début de 1682, et il est mort le 3 de cette année seulement quelques jours avant, le 28 Mars Avril, il avait encore participé à une distribution de pain organisée par les Frères de la Charité son testament, où il a nommé exécuteurs à son fils Gaspar Esteban Murillo, religieux, Justino de Neve et Pedro Núñez de Villavicencio, a été daté à Séville le jour même de sa mort dans le Le document a déclaré qu’il a quitté sans fin, entre autres œuvres, quatre petites toiles commandées par Nicolás de Omazur et la grande toile des expositions mystiques de Santa Caterina pour le maître-autel de la capucin de Cadix. Ra, il ne pouvait compléter le dessin sur la toile et commencer l’application de la couleur aux trois figures principales. Son disciple Francisco Meneses Osorio a terminé ses toiles, toutes les toiles du retable appartiennent, tous conservés au Musée de Cadix il ne pouvait compléter le dessin sur la toile et commencer l’application de la couleur aux trois figures principales. Son disciple Francisco Meneses Osorio a terminé ses toiles, toutes les toiles du retable appartiennent, tous conservés au Musée de Cadix il ne pouvait compléter le dessin sur la toile et commencer l’application de la couleur aux trois figures principales. Son disciple Francisco Meneses Osorio a terminé ses toiles, toutes les toiles du retable appartiennent, tous conservés au Musée de Cadix

A Séville, au cours de la seconde moitié du XVIIe siècle, la peinture de Murillo – calme, calme, avec ses modèles de phoques et saints imprégnés de sentimentalisme délicat – a été imposée à celui de Valdes Leal – plus résolument baroque et dramatique scenes-; Murillo rempli de son influence une bonne partie de la peinture sévillane du siècle suivant. Cependant, il est une influence superficielle, centrée sur l’imitation des modèles et des compositions, sans qu’aucun de ses disciples réalisant la maîtrise du dessin, de la lumière et lâche, ni la luminosité et la transparence de la couleur du maître des disciples directs les plus connus est Francisco Meneses Osorio, qui a terminé les travaux entrepris par Murillo dans le retable du capucin de Cadix; Il était un peintre indépendant depuis 1663. Dans ses œuvres les plus personnelles, on observe, à côté de l’influence de Murillo, aussi celle de Zurbarán. La même chose se produit avec Cornelio Schut, qui sont arrivés à Séville probablement déjà formés en tant que peintre, dont certains dessins sont très proches de ceux de Murillo. Ses travaux sur l’huile sont néanmoins discret et accusent une variété d’influences. Quant à Pedro Núñez de Villavicencio, il est une personnalité unique; Il était un ami plutôt qu’un disciple et un chevalier de l’Ordre de Malte, ce qui lui a permis de venir en contact avec la peinture de Mattia Preti. Ses peintures, avec des affaires pour les enfants (Enfants jouant dices, Museo del Prado), rappelez-vous à peine le de Murillo par le sujet, car il séparé de lui à la fois à la composition – plus bigots -, comme dans la technique, où il a utilisé une brosse -strokes chargé avec des pâtes qui est arrivé à Séville probablement déjà formés en tant que peintre, dont certains dessins sont très proches de ceux de Murillo. Ses travaux sur l’huile sont néanmoins discret et accusent une variété d’influences. Quant à Pedro Núñez de Villavicencio, il est une personnalité unique; Il était un ami plutôt qu’un disciple et un chevalier de l’Ordre de Malte, ce qui lui a permis de venir en contact avec la peinture de Mattia Preti. Ses peintures, avec des affaires pour les enfants (Enfants jouant dices, Museo del Prado), rappelez-vous à peine le de Murillo par le sujet, car il séparé de lui à la fois à la composition – plus bigots -, comme dans la technique, où il a utilisé une brosse -strokes chargé avec des pâtes qui est arrivé à Séville probablement déjà formés en tant que peintre, dont certains dessins sont très proches de ceux de Murillo. Ses travaux sur l’huile sont néanmoins discret et accusent une variété d’influences. Quant à Pedro Núñez de Villavicencio, il est une personnalité unique; Il était un ami plutôt qu’un disciple et un chevalier de l’Ordre de Malte, ce qui lui a permis de venir en contact avec la peinture de Mattia Preti. Ses peintures, avec des affaires pour les enfants (Enfants jouant dices, Museo del Prado), rappelez-vous à peine le de Murillo par le sujet, car il séparé de lui à la fois à la composition – plus bigots -, comme dans la technique, où il a utilisé une brosse -strokes chargé avec des pâtes Quant à Pedro Núñez de Villavicencio, il est une personnalité unique; Il était un ami plutôt qu’un disciple et un chevalier de l’Ordre de Malte, ce qui lui a permis de venir en contact avec la peinture de Mattia Preti. Ses peintures, avec des affaires pour les enfants (Enfants jouant dices, Museo del Prado), rappelez-vous à peine le de Murillo par le sujet, car il séparé de lui à la fois à la composition – plus bigots -, comme dans la technique, où il a utilisé une brosse -strokes chargé avec des pâtes Quant à Pedro Núñez de Villavicencio, il est une personnalité unique; Il était un ami plutôt qu’un disciple et un chevalier de l’Ordre de Malte, ce qui lui a permis de venir en contact avec la peinture de Mattia Preti. Ses peintures, avec des affaires pour les enfants (Enfants jouant dices, Museo del Prado), rappelez-vous à peine le de Murillo par le sujet, car il séparé de lui à la fois à la composition – plus bigots -, comme dans la technique, où il a utilisé une brosse -strokes chargé avec des pâtes

Lié à la peinture de Murillo, sans qu’il soit possible de préciser le degré de relation personnelle, il faut citer Juan Simón Gutiérrez et Esteban Márquez de Velasco, qui ont reçu des œuvres d’une certaine qualité et très influencé par l’enseignant également Sebastián Gómez, a propos de qui tricotait une légende pour le placer comme le « peintre esclave » de Murillo, sans doute d’établir un parallélisme avec la relation entre Velázquez et Juan de Pareja. Avec Alonso Miguel de Tovar et Bernardo Lorente Germán, le peintre du Divines Pastores, l’influence de Murillo va dans la première moitié du 18ème siècle. Les deux, en collaboration avec Domingo Martínez – avec une peinture délicate et tendre – a servi à la cour lors de son séjour à Séville de 1729 à 1733. L’arrivée de la cour de Séville a représenté un moment de gloire pour la peinture de Murillo, depuis que la reine Isabel Farnese acheta toutes les œuvres qu’elle pouvait et, parmi eux, une grande partie de ceux qui sont actuellement conservés au Musée de L Prado Pour ces dates, il n’y avait pas de gauche à Séville pour l’un de ses tableaux de genre et Palomino a quitté l’écriture : « donc, aujourd’hui, en dehors de l’Espagne, il est considéré comme plus un tableau de Murillo, d’un par ticia ou van Dyck il est si colorée, pour obtenir l’aura populaire! »

Il y a des peintures murillo déjà documentées dans les anciennes collections flamandes et allemandes, principalement des scènes de genre: Les enfants qui mangent des raisins et des melons – à Anvers, peut-être depuis 1658 -, et des enfants qui jouent les dés, documentés en 1698 dans la même ville où les deux tableaux ont été achetés par Maximilien II. A la fin du 17ème siècle, certaines de ses œuvres sont arrivés en Italie et en Angleterre. En Italie, ils étaient des œuvres de nature religieuse donnée par le marchand Génois Giovanni Bielat En Angleterre, ils sont arrivés de la main d’un seigneur Godolphin qui en 1693 aurait acheté pour un prix élevé un tableau intitulé Enfants de Morella; Probablement le travail est actuellement connu sous le nom de trois garçons et a été vendu aux enchères avec la collection du ministre plénipotentiaire anglais à Rome. Mais l’impulsion décisive à la diffusion de sa gloire est venu avec la première biographie consacrée au peintre, y compris dans l’édition latine de 1683 de l’Académie nobilissimae artis pictoriae par le peintre et tractadist Joachim von Sandrart. Dans le livre, Diego Velázquez mentionne – dont les portraits avaient surpris les Romains – et il a consacré une biographie à Josep de Ribera – mais y compris – Parmi les painters- italienne, et une biographie à Murillo illustrée, en plus, avec son autoportrait fait, à l’exception de la date de naissance de Séville et l’année de sa mort, rien dans la biographie de Sandrart Il était véridique; Mais avec son inclusion il a démontré la haute estime qu’il avait pour lui, en le plaçant au niveau des peintres italiens et lui disant qu’il était comme un « nouveau Paolo Veronese ». Comme les détails,

Cependant, aucun de ses tableaux était entré dans les collections royales lorsque son inventaire a été fait en 1700, bien que Palomino explique qu’un Immaculée de Murillo avait été exposé à Madrid en 1670, provoquant une surprise générale, et que Charles II aurait appelé la cour , une offre, mais que le peintre aurait exclu de son âge avancé. Ce fut précisément la biographie que Palomino dédiée à lui, publié en 1724 – mais avec quelques inexactitudes -, la meilleure référence pour à la connaissance et l’évaluation ultérieure de l’artiste En elle, elle a informé du prix élevé qui a obtenu leurs œuvres à l’étranger, ce qui pourrait influence dans l’acquisition de dix-sept œuvres du peintre de la part de la reine Isabel Farnese pendant la « demeure de la Cour à Séville (1729-1733) Anton Raphael Mengs,

Le prestige de Murillo a continué d’augmenter tout au long du 18e siècle, et avec lui l’exportation de ses œuvres, au point que, en 1779, une ordonnance a été rendue, signée par le comte de Floridablanca, expressément interdit de vendre à des acheteurs étrangers les ses peintures, parce que « le roi avait entendu dire que certains étrangers achetés à Séville tous les tableaux qu’ils peuvent acheter de Bartolomé Murillo, et d’autres peintres célèbres, de les faire sortir du royaume. L’ordre a ajouté que ceux qui voulaient vendre des œuvres du peintre pourrait en tout cas être adressées au roi pour les offrir à la vente et qu’ils ont ainsi été incorporés dans les collections royales, mais les effets de cette disposition devrait être très limité , parce que trois de leurs œuvres Ils ont rejoint le Corona l’un d’eux, un pénitent Magdalena, dans cette période,

Un bon exemple de l’intérêt que représente la peinture de Murillo en Angleterre au XVIIIe siècle est l’autoportrait du peintre William Hogarth avec son grand danois, inspiré par l’autoportrait de Séville. Aussi des copies des oeuvres de Murillo par Gainsborough, qui a obtenu de posséder un San Juan Bautista dans le désert, considéré au moment comme une œuvre de l’usine

La réception de Murillo en France a été plus tard être réduits au silence par André Félibien. Cependant, au cours du 18ème siècle, certaines de ses œuvres sont arrivés au pays, y compris deux tableaux du genre appartenant à la comtesse de Verrue et quatre œuvres religieuses et la jeune mendiante, peintures acquises par Louis XVI et destinés au Louvre Au dix-neuvième siècle, la popularité du peintre a atteint son apogée avec le transfert par le maréchal Jean de Dieu Soult à plusieurs de ses œuvres destinées au Musée Napoléon Soult Il confisqua de nombreuses œuvres du peintre à Séville, quatorze d’entre eux pour sa propre collection, dont beaucoup ont jamais retourné en Espagne. En 1852, lors de la vente aux enchères de la collection du maréchal à Paris, 586.000 ont été payés francs pour la Soult Inmaculada de Soult,

Parmi ceux qui ont fait l’éloge du travail de Murillo en France, il a souligné le peintre romantique Eugène Delacroix, qui a copié son Santa Caterina, un modèle de beauté féminine, de la même manière que le peintre réaliste Henri Fantin-Latour laisserait sa version personnelle de l’enfant mendiante ( Castres, Musée Goya) Théophile Gautier consacrerait Murillo comme le « peintre du ciel », alors que Velazquez était de la terre, bien que les critiques comme Louis Viardot ne manquaient pas non plus accusé le peintre de tomber trop dans la vulgarité avec son petit idéalisée personnages populaires Jacob Burckhardt, après avoir visité la galerie espagnole du Louvre, examinera Murillo comme l’un des plus grands artistes de tous les temps, admirables pour le réalisme de ses toiles où « la beauté est encore un morceau de la nature », mais aussi pour son » idéalisme curieux « ;Il en vient à considérer l’auto-portrait de Londres supérieurs aux portraits de Velázquez

Dans la seconde moitié du 19ème siècle, Carl Justi, le grand biographe de Velázquez, et Wilhelm von Bode ont gardé le prestige du peintre en Allemagne. A cette époque, la réputation de Murillo a commencé à décliner parmi les critiques en Europe, accusés d’être peintre qui flambait, avec un excès de douceur, et manque de tension dramatique; En outre, un propagandiste de la religion catholique. Une grande responsabilité dans cette baisse parmi les critiques sont les multiples copies de mauvaise qualité qui ont été faites de ses œuvres, copies dans tous les types de supports, de gravures dédiées et des calendriers dans des boîtes de chocolats Selon Enrique Lafuente Ferrari, ces critiques avaient oublié de juge dans « leurs moyens et leur temps », tâche à laquelle ils seront livrés, déjà au 20ème siècle, Août l Mayer ou Diego Angulo Iñiguez,