Charles Alston

Charles Henry Alston (28 novembre 1907 – 27 avril 1977) était un peintre, sculpteur, illustrateur, muraliste et enseignant afro-américain qui vivait et travaillait dans le quartier new-yorkais de Harlem. Alston était actif dans la Renaissance de Harlem; Alston a été le premier superviseur afro-américain du Federal Art Project de la Works Progress Administration. Alston a conçu et peint des peintures murales à l’hôpital de Harlem et dans le bâtiment de Golden State Mutual Life Insurance. En 1990, le buste de Martin Luther King, Alston, créé par Alston, est devenu la première image d’un afro-américain à la Maison-Blanche.

Vie privée

Jeunesse
Charles Henry Alston est né le 28 novembre 1907 à Charlotte, Caroline du Nord, du révérend Primus Priss Alston et d’Anna Elizabeth (Miller) Alston, alors qu’elle était la cadette d’une famille de cinq enfants. Trois enfants ont survécu à leur enfance passée: Charles, sa soeur aînée Rousmanière et son frère aîné Wendell. Son père était né en esclavage en 1851 à Pittsboro, en Caroline du Nord. Après la guerre de Sécession, il a fait ses études et est diplômé du St. Augustine’s College à Charlotte. Il devint un éminent ministre et fondateur de l’église épiscopale St. Michael, au sein d’une congrégation afro-américaine. Le senior Alston a été décrit comme un « homme de course »: un Afro-Américain qui a mis ses compétences au service de la promotion de la race noire. Le révérend Alston a rencontré son épouse alors qu’elle était étudiante à son école. Charles a été surnommé « Spinky » par son père et a gardé le surnom à l’âge adulte. En 1910, alors que Charles avait trois ans, son père mourut subitement d’une hémorragie cérébrale. Les habitants ont décrit son père comme le « Booker T. Washington of Charlotte ».

En 1913, Anna Alston s’est remariée avec Harry Bearden, frère du père de Romare Bearden. Par le mariage, Charles et Romare sont devenus des cousins. Les deux familles Bearden vivaient en face l’une de l’autre. l’amitié entre Romare et Charles durerait toute une vie. Enfant, Alston a été inspiré par les dessins de trains et de voitures de son frère aîné Wendell, que le jeune artiste a copiés. Charles a également joué avec de l’argile, créant une sculpture de Caroline du Nord. Adulte, il a évoqué ses souvenirs de sculpture avec l’argile alors qu’il était enfant: « J’en aurais des seaux, je les ferais filtrer et je ferais des choses. Je pense que c’est la première expérience artistique que je me souvienne, faire des choses. » Sa mère était une brodeuse chevronnée. Elle avait commencé à peindre à 75 ans. Son père était également doué en dessin, après avoir courtisé la mère d’Alston, Anna, avec de petits croquis dans les médianes de lettres qu’il lui avait écrites.

En 1915, la famille Bearden / Alston s’installa à New York, à l’instar de nombreuses familles afro-américaines lors de la Grande Migration. Le beau-père d’Alston, Henry Bearden, est parti avant sa femme et ses enfants afin de trouver du travail. Il a obtenu un travail de supervision des opérations d’ascenseur et du personnel du kiosque à journaux de l’hôtel Bretton dans l’Upper West Side. La famille vivait à Harlem et était considérée comme appartenant à la classe moyenne. Pendant la Grande Dépression, les habitants de Harlem ont souffert économiquement. La « force stoïque » observée au sein de la communauté s’exprima plus tard dans les beaux-arts de Charles. À Public School 179 à Manhattan, les capacités artistiques du garçon ont été reconnues et il lui a été demandé de dessiner toutes les affiches de l’école pendant ses années là-bas.

Harry et Anna Bearden ont eu une fille ensemble, Aida C. Bearden (1917-2007). Le 9 juin 1943, à Manhattan, elle épouse le baryton d’opéra Lawrence Whisonant.

L’enseignement supérieur
Alston est diplômé de la DeWitt Clinton High School, où il a été mis en nomination pour l’excellence de ses études et a été l’éditeur artistique du magazine de l’école, The Magpie. Il était membre de la société d’honneur Arista – National et a également étudié le dessin et l’anatomie à l’école du samedi de la National Academy of Art. Au lycée, il reçoit ses premières peintures à l’huile et découvre les salons d’art de sa tante Bessye Bearden, suivis par des stars telles que Duke Ellington et Langston Hughes. Après avoir obtenu son diplôme en 1925, il fréquente la Columbia University, refusant une bourse à la Yale School of Fine Arts.

Alston est entré dans le programme pré-architectural mais a perdu tout intérêt après avoir réalisé les difficultés rencontrées par de nombreux architectes afro-américains sur le terrain. Après avoir également suivi des cours de pré-médecine, il a décidé que les mathématiques, la physique et la chimie « n’était pas que mon sac », et il est entré dans le programme des beaux-arts. Pendant son séjour à Columbia, Alston a rejoint Alpha Phi Alpha, a travaillé pour le Columbia Daily Spectator de l’université et a dessiné des dessins pour le magazine de l’école Jester. Il a également exploré les restaurants et les clubs de Harlem, où son amour pour le jazz et la musique noire serait favorisé. En 1929, il obtint son diplôme et reçut une bourse pour étudier au Teachers College, où il obtint sa maîtrise en 1931.

La vie plus tard
Pendant les années 1942-1943, Alston était affecté à l’armée au fort Huachuca, en Arizona. De retour à New York le 8 avril 1944, il épouse la Dre Myra Adele Logan, alors stagiaire à l’hôpital de Harlem. Ils se sont rencontrés alors qu’il travaillait sur un projet de peinture murale à l’hôpital. Leur maison, qui comprenait son studio, était avenue Edgecombe près de Highbridge Park. Le couple vivait près de la famille. lors de leurs fréquentes réunions, Alston aimait cuisiner et Myra jouait du piano. Au cours des années 1940, Alston suivit également des cours d’art occasionnels, étudiant auprès d’Alexander Kostellow.

En janvier 1977, Myra Logan est décédée. Quelques mois plus tard, le 27 avril 1977, Charles Spinky Alston est décédé des suites d’un long cancer. Son service commémoratif a eu lieu à l’église épiscopale St. Martins le 21 mai 1977 à New York.

Carrière professionnelle
Après avoir obtenu son diplôme de maîtrise, Alston était le directeur du travail des garçons à la Maison des enfants Utopia, créée par James Lesesne Wells. Il a également commencé à enseigner au Harlem Community Art Center, fondé par Augusta Savage, dans le sous-sol de l’actuel Centre de recherche sur la culture noire de Schomburg. Le style d’enseignement d’Alston a été influencé par les travaux de John Dewey, Arthur Wesley Dow et Thomas Munro. Au cours de cette période, Alston a commencé à enseigner à Jacob Lawrence, âgé de 10 ans, qu’il a fortement influencé. Alston a été initié à l’art africain par le poète Alain Locke. À la fin des années 1920, Alston rejoignit Bearden et d’autres artistes noirs qui refusaient d’exposer aux salons de la William E. Harmon Foundation, qui présentaient des artistes entièrement noirs dans leurs expositions itinérantes. Alston et ses amis ont pensé que les expositions avaient été conçues pour un public blanc, une forme de ségrégation que les hommes ont protestée. Ils ne voulaient pas être mis de côté, mais étaient exposés au même niveau que leurs pairs d’art de toutes les couleurs de peau.

En 1938, le Fonds Rosenwald donna de l’argent à Alston pour qu’il se rende dans le Sud, son premier retour dans la région depuis son enfance. Son voyage avec Giles Hubert, inspecteur de la Farm Security Administration, lui a donné accès à certaines situations et il a photographié de nombreux aspects de la vie rurale. Ces photographies ont servi de base à une série de portraits de genre décrivant la vie noire du sud. En 1940, il achève Tobacco Farmer, le portrait d’un jeune paysan noir vêtu d’une combinaison blanche et d’une chemise bleue au visage jeune et sérieux, assis devant le paysage et les bâtiments sur lesquels il travaille. La même année, Alston reçut une deuxième tranche de financement du Rosenwald Fund pour se rendre dans le sud, et il passa plus de temps à l’université d’Atlanta.

Au cours des années 1930 et au début des années 1940, Alston créa des illustrations pour des magazines tels que Fortune, Mademoiselle, The New Yorker, Melody Maker, etc. Il a également conçu des couvertures d’albums pour des artistes tels que Duke Ellington et Coleman Hawkins. Alston est devenu artiste à l’Office de l’information de guerre et des relations publiques en 1940, créant des dessins de personnalités afro-américaines. Le gouvernement a utilisé ces images dans plus de 200 journaux noirs du pays pour « favoriser la bonne volonté des citoyens noirs ».

Finalement, Alston a quitté le travail commercial pour se concentrer sur ses propres créations. En 1950, il est devenu le premier instructeur afro-américain de la Art Students League, où il est resté professeur jusqu’en 1971. En 1950, sa peinture a été exposée au Metropolitan Museum of Art, et ses œuvres ont été l’une des rares pièces achetées par le musée. Il décroche sa première exposition personnelle en 1953 à la John Heller Gallery, qui représente des artistes tels que Roy Lichtenstein. Il y expose cinq fois de 1953 à 1958.

En 1956, Alston est devenu le premier instructeur afro-américain au Museum of Modern Art, où il a enseigné pendant un an avant de se rendre en Belgique pour le compte du MOMA et du département d’État. Il a coordonné le centre communautaire pour enfants de l’Expo 58. En 1958, il a reçu une subvention et a été élu membre de l’Académie américaine des arts et des lettres.

En 1963, Alston cofonda Spiral avec ses cousins ​​Romare Bearden et Hale Woodruff. Spiral a servi de collectif de conversation et d’exploration artistique à un grand groupe d’artistes qui « ont expliqué comment les artistes noirs devraient être en relation avec la société américaine en période de ségrégation ». Artistes et supporters artistiques se sont réunis pour Spiral, tels que Emma Amos, Perry Ferguson et Merton Simpson. Ce groupe a servi de version des années 60 de « 306 ». Alston a été décrit comme un « activiste intellectuel » et, en 1968, il a parlé à Columbia de son activisme. Au milieu des années 1960, Spiral organisa une exposition d’œuvres d’art en noir et blanc, mais l’exposition ne fut jamais officiellement sponsorisée par le groupe, en raison de désaccords internes.

En 1968, Alston a reçu une nomination présidentielle de Lyndon Johnson au Conseil national de la culture et des arts. Le maire John Lindsay l’a nommé à la Art Commission de la ville de New York en 1969.

En 1973, il fut nommé professeur ordinaire au City College de New York, où il enseignait depuis 1968. En 1975, il reçut le premier Distinguished Alumni Award du Teachers College. La Art Student’s League a créé une bourse de mérite de 21 ans en 1977 sous le nom d’Alston afin de commémorer chaque année de son mandat.

Peindre une personne et une culture
Alston partageait un espace de travail avec Henry Bannarn au 306 W. 141st Street, qui servait d’espace ouvert pour les artistes, photographes, musiciens, écrivains et autres. D’autres artistes ont occupé des locaux au 306, tels que Jacob Lawrence, Addison Bate et son frère Leon. Pendant ce temps, Alston a fondé la Harlem Artists Guild avec Savage et Elba Lightfoot afin de promouvoir l’égalité dans les programmes artistiques WPA à New York. Au début de l’année 306, Alston se concentra sur la maîtrise du portrait. Ses premières œuvres telles que Portrait of a Man (1929) montrent le style détaillé et réaliste d’Alston décrit à travers pastels et fusains, inspiré du style de Winold Reiss. Dans sa fille en robe rouge (1934) et The Blue Shirt (1935), Alston utilise des techniques modernes et innovantes pour ses portraits de jeunes individus à Harlem. Blue Shirt est pensé pour être un portrait de Jacob Lawrence. Pendant ce temps, il créa également Man assis avec un sac de voyage (v. 1938–1940), montrant l’environnement sordide et sombre, contrastant avec un travail comme le Vaudeville (env. 1930) chargé racialement et son style caricature représentant un homme au visage noir.

Inspiré par son voyage dans le sud, Alston a commencé sa « série familiale » dans les années 1940. L’intensité et l’angularité transparaissent dans les visages de la jeunesse dans ses portraits Sans titre (Portrait de fille) et Sans titre (Portrait de garçon). Ces œuvres montrent également l’influence de la sculpture africaine sur son portrait, Portrait de garçon montrant des traits plus cubistes. Plus tard, des portraits de famille montrent l’exploration par Alston du symbolisme religieux, de la couleur, de la forme et de l’espace. Les portraits de son groupe familial sont souvent sans visage, ce qui, selon Alston, est la façon dont l’Amérique blanche considère les Noirs. Des peintures telles que Family (1955) montrent une femme assise et un homme debout avec deux enfants – les parents semblent presque solennels tandis que les enfants sont décrits comme pleins d’espoir et avec une utilisation de la couleur rendue célèbre par Cézanne. Dans Family Group (c. 1950), l’utilisation par Alston de tons de gris et d’ocre réunit les parents et le fils comme si l’un des motifs géométriques les reliait les uns aux autres comme un puzzle. La simplicité du regard, du style et de l’émotion sur la famille est réflexive et probablement inspirée par le voyage d’Alston au sud. Son travail à cette époque a été décrit comme « caractérisé par son utilisation réductrice de la forme associée à une palette teintée de soleil ». Pendant ce temps, il commence également à expérimenter avec la peinture à l’encre et au lavis, comme dans Portrait de femme (1955), et crée des portraits pour illustrer la musique qui l’entoure à Harlem. La chanteuse n ° 4 de Blues présente une chanteuse sur scène avec une fleur blanche à l’épaule et une robe rouge audacieuse. On pense que la jeune fille à la robe rouge est Bessie Smith, qu’il a dessinée plusieurs fois lorsqu’elle a enregistré et joué. Le jazz a exercé une influence importante sur le travail et la vie sociale d’Alston, qu’il a exprimé dans des œuvres telles que Jazz (1950) et Harlem at Night.

Le mouvement des droits civiques des années 1960 a profondément influencé son travail et il a créé des œuvres d’art exprimant des sentiments liés aux inégalités et aux relations raciales aux États-Unis. L’une de ses rares œuvres d’art religieux est Christ Head (1960), qui présente un portrait angulaire « Modiglianiesque » de Jésus-Christ. Sept ans plus tard, il a créé «Vous ne l’avez jamais vraiment voulu dire, n’est-ce pas, monsieur Charlie? qui, dans un style similaire à celui de Christ Head, montre un homme noir debout contre un ciel rouge « ayant l’air aussi frustré que n’importe quel individu », selon Alston.

Modernisme
Expérimentant l’utilisation de l’espace négatif et des formes organiques à la fin des années 1940, Alston commença au milieu des années 50 à créer des peintures de style notamment moderniste. Woman with Flowers (1949) a été décrite comme un hommage à Modigliani. Cérémonial (1950) montre qu’il a été influencé par l’art africain. Les œuvres sans titre de cette époque montrent son utilisation de la superposition de couleurs, utilisant des couleurs en sourdine pour créer de simples résumés superposés de natures mortes. Symbol (1953) se rapporte à Guernica de Picasso, une des œuvres préférées d’Alston.

Walking, son dernier ouvrage des années 1950, s’inspire du Montgomery Bus Boycott. Il est censé représenter « la poussée d’énergie parmi les Afro-Américains à s’organiser dans leur lutte pour la pleine égalité ». Alston aurait déclaré: « L’idée d’une marche était en train de grandir … c’était dans l’air … et ce tableau vient d’arriver. Je l’ai appelé Marche volontaire. Ce n’est pas le militantisme que vous avez vu plus tard. C’était une promenade bien définie: ne pas revenir en arrière, sans hésiter.  »

Noir et blanc
Le mouvement des droits civiques des années 1960 a eu une influence majeure sur Alston. À la fin des années 50, il commence à travailler en noir et blanc, qu’il poursuit jusqu’au milieu des années 60. Cette période est considérée comme l’une de ses plus puissantes. Certaines œuvres sont de simples résumés à l’encre noire sur papier blanc, similaires à un test de Rorschach. Untitled (c. 1960s) montre un match de boxe, avec une tentative d’exprimer le drame de la lutte à travers quelques coups de pinceau. Alston a également travaillé avec de l’huile sur masonite au cours de cette période, en utilisant des empâtements, de la crème et de l’ocre pour créer une œuvre d’art sinistre ressemblant à une grotte. Black and White # 1 (1959) est l’une des œuvres les plus « monumentales » d’Alston. Gris, blanc et noir s’unissent pour se disputer l’espace sur une toile abstraite, dans une forme plus douce que celle de Franz Kline, plus sévère. Alston poursuit l’exploration de la relation entre les nuances monochromatiques tout au long de la série décrite par Wardlaw comme « certaines des œuvres les plus profondes de l’art américain du XXe siècle ».

Murales
Au début, les peintures murales de Charles Alston ont été inspirées par les travaux de Aaron Douglas, Diego Rivera et José Clemente Orozco. Il a rencontré Orozco quand ils ont fait un travail mural à New York. En 1943, Alston a été élu au conseil d’administration de la Société nationale des peintres aux peintures murales. Il a réalisé des peintures murales pour l’hôpital de Harlem, le Golden State Mutual, le musée américain d’histoire naturelle, l’école publique 154, le tribunal de la famille et le tribunal pénal du Bronx et le lycée Abraham Lincoln à Brooklyn, à New York.

Peintures murales de l’hôpital de Harlem
À l’origine engagé comme peintre de chevalet, Alston devint en 1935 le premier superviseur afro-américain à travailler pour le Federal Art Project (FAP) du WPA à New York. C’était sa première murale. À ce moment-là, il a reçu le numéro de projet WPA 1262 – une opportunité de superviser un groupe d’artistes créant des peintures murales et de superviser leur peinture pour l’hôpital de Harlem. Il s’agissait de la première commission gouvernementale attribuée à des artistes afro-américains, parmi lesquels figuraient Beauford Delaney, Seabrook Powell et Vertis Hayes. Il a également eu la chance de créer et de peindre sa propre contribution à la collection: Magic in Medicine et Modern Medicine. Ces peintures faisaient partie d’un diptyque achevé en 1936 décrivant l’histoire de la médecine dans la communauté afro-américaine et Beauford Delaney en était l’assistant. Lors de la création des peintures murales, Alston s’inspire du travail d’Aaron Douglas, qui avait créé un an plus tôt la pièce d’art publique Aspects of Negro Life pour la New York Public Library. Il avait étudié la culture africaine traditionnelle, y compris la médecine africaine traditionnelle. Magic in Medicine, qui décrit la culture africaine et la guérison holistique, est considéré comme l’une des « premières scènes publiques de l’Afrique en Amérique ». Toutes les esquisses murales soumises ont été acceptées par le FAP; Cependant, le directeur de l’hôpital, Lawrence T. Dermody, et le commissaire des hôpitaux, S.S. Goldwater, ont rejeté quatre propositions, en raison de ce qu’ils disaient être une représentation excessive des Afro-Américains dans les travaux. Les artistes ont combattu leur réponse en écrivant des lettres pour obtenir du soutien. Quatre ans plus tard, ils ont réussi à obtenir le droit de compléter les peintures murales. Les esquisses de Magic en médecine et de la médecine moderne ont été exposées dans « New Horizons in American Art » du Museum of Modern Art.

État
Les peintures murales d’Alston ont été suspendues dans le pavillon des femmes de l’hôpital au-dessus de radiateurs non coiffés, ce qui a provoqué la détérioration des peintures sous l’effet de la vapeur. Les plans n’ont pas réussi à récapituler les radiateurs. En 1959, Alston estima, dans une lettre au ministère des Travaux publics, que la conservation coûterait 1 500 dollars, mais les fonds ne furent jamais acquis. En 1968, après la mort de Martin Luther King, Alston fut invité à créer une autre peinture murale pour l’hôpital, qui serait placée dans un pavillon baptisé du nom du responsable des droits de l’homme assassiné. Il devait s’intituler Homme émergeant des ténèbres de la pauvreté et de l’ignorance à la lumière d’un monde meilleur.

Un an après la mort d’Alston en 1977, un groupe d’artistes et d’historiens, dont le célèbre peintre et collagiste Romare Bearden et l’historienne de l’art Greta Berman, ainsi que des administrateurs de l’hôpital et de la NY Art Commission, ont examiné les peintures murales et présenté une proposition pour leur restauration à Ed-Koch, alors maire de la ville. La demande fut approuvée et le conservateur Alan Farancz se mit au travail en 1979, sauvant les peintures murales d’une nouvelle dégradation. De nombreuses années ont passé et les peintures murales ont commencé à se détériorer à nouveau, en particulier l’usine Alston, qui a continué à subir les effets des radiateurs. En 1991, le programme «Adoptez un mur» de la Municipal Art Society a été lancé et les peintures murales de l’hôpital de Harlem ont été retenues pour être restaurées (Greta Berman. Expérience personnelle). Une subvention de la soeur d’Alston, Rousmaniere Wilson, et de la belle-soeur, Aida Bearden Winters, a permis de restaurer les travaux en 1993. En 2005, l’Hôpital Harlem a annoncé un projet de conservation des peintures murales d’Alston et de trois autres pièces du projet commandé une expansion de l’hôpital de 225 millions de dollars.

Peintures murales mutuelles Golden State
À la fin des années 1940, Alston participa à un projet de peinture murale commandé par Golden State Mutual Life Insurance Company, qui demandait aux artistes de créer une œuvre en rapport avec les contributions afro-américaines à la colonisation de la Californie. Alston a travaillé avec Hale Woodruff sur les peintures murales dans un grand studio à New York; ils utilisaient des échelles pour atteindre les parties supérieures de la toile. Les œuvres, considérées comme « des contributions inestimables à l’art narratif américain », se composent de deux panneaux: Exploration et Colonisation par Alston et Settlement and Development de Woodruff. La pièce d’Alston couvre la période de 1527 à 1850. Les images de l’homme de montagne James Beckwourth, Biddy Mason et William Leidesdorff sont décrites dans la peinture murale historique bien détaillée. Les deux artistes sont restés en contact avec des Afro-Américains de la côte ouest lors de la création des peintures murales, qui ont influencé leur contenu et leurs représentations. Les peintures murales ont été dévoilées en 1949 et ont été exposées dans le hall du siège du Golden State Mutual.

En raison du ralentissement économique du début du 21ème siècle, Golden State a été contraint de vendre l’intégralité de sa collection d’art pour écarter ses dettes croissantes. Au printemps 2011, le Musée national d’histoire et de culture afro-américaine avait offert 750 000 dollars pour l’achat d’œuvres d’art. Cela a généré une controverse, car les œuvres d’art ont été estimées à au moins 5 millions de dollars. Les supporters ont tenté de protéger les peintures murales en obtenant des protections historiques de la ville par le Los Angeles Conservancy. L’État de Californie avait décliné toute proposition philanthropique visant à conserver les peintures murales à leur emplacement d’origine, et le Smithsonian a retiré leur offre. La disposition des peintures murales est sujette à une affaire judiciaire concernant la compétence, qui n’était pas résolue au printemps 2011.

Sculpture
Alston a également créé des sculptures. Head of a Woman (1957) montre son évolution vers une « approche réductrice et moderne de la sculpture […] où les traits du visage étaient suggérés plutôt que formulés en trois dimensions ». En 1970, l’église communautaire de New York chargea Alston de créer un buste de Martin Luther King Jr. pour 5 000 $, dont cinq exemplaires seulement furent produits. En 1990, le buste en bronze de Martin Luther King Jr. (1970) d’Alston est devenu la première image d’un Afro-Américain à être affichée à la Maison Blanche.

accueil
La critique d’art Emily Genauer a déclaré qu’Alston « refusait d’être catalogué », en raison de ses diverses explorations dans ses œuvres. Le patron Lemoine Pierce a déclaré à propos du travail d’Alston: « Jamais considéré comme un artiste novateur, Alston a généralement ignoré les tendances de l’art populaire et a violé de nombreuses conventions artistiques traditionnelles; il a souvent peint simultanément des peintures abstraites et figuratives, refusant ainsi une cohérence stylistique. Au cours de sa carrière, il a travaillé de manière prolifique et sans excuse dans le domaine commercial et artistique.  » Romare Bearden a décrit Alston comme « … l’un des artistes les plus polyvalents dont l’énorme talent l’a conduit à une diversité de styles … ». Bearden décrit également le professionnalisme et l’impact d’Alston sur Harlem et la communauté afro-américaine: « ‘ était un artiste accompli et une voix dans le développement de l’art afro-américain qui n’a jamais douté de l’excellence de la sensibilité et de la créativité de chacun. Au cours de sa longue carrière professionnelle, Alston a considérablement enrichi la vie culturelle de Harlem. homme qui a construit des ponts entre des artistes noirs dans divers domaines et entre d’autres Américains.  » L’écrivain June Jordan a décrit Alston comme « un artiste américain de premier ordre et un artiste noir américain d’une intégrité intacte ».

Grandes expositions
Une force pour le changement, exposition de groupe, 2009, Spertus Museum, Chicago
Canvasing the Movement, exposition de groupe, 2009, musée Reginald F. Lewis du Maryland, histoire et culture afro-américaines
On Higher Ground: Sélections de la collection Walter O. Evans, exposition de groupe, 2001, Henry Ford Museum, Michigan
Rhapsodies in Black: l’art de la Renaissance de Harlem, exposition collective, 1998, Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C.
Dans l’esprit de la résistance: Les modernistes afro-américains et la Muralist School mexicaine, exposition collective, 1996, The Studio Museum à Harlem, New York.
Charles Alston: artiste et professeur, 1990, Kenkeleba Gallery, New York
Maîtres et élèves: l’éducation de l’artiste noir à New York, 1986, Jamaica Arts Centre, New York
Exposition du centième anniversaire de la peinture et de la sculpture, 1975, Art Students League de New York, New York
Exposition personnelle, 1969, Galerie d’art moderne Huntington Hartford, New York.
Exposition personnelle, 1968, Université Fairleigh Dickinson, New Jersey
Hommage aux artistes noirs en l’honneur du centième anniversaire de la proclamation d’émancipation, exposition de groupe, 1963, Institut d’histoire et d’art d’Albany

Collections majeures
Université de Hampton
Fondation Harmon et Harriet Kelly pour les arts
Association nationale pour l’avancement des gens de couleur
Musée national d’histoire et de culture afro-américaine
Musée d’art américain Whitney