La peinture sur fond de couleur est un style de peinture abstraite qui a émergé à New York au cours des années 1940 et 1950. Il a été inspiré par le modernisme européen et étroitement lié à l’expressionnisme abstrait, tandis que nombre de ses premiers partisans notables figuraient parmi les pionniers de l’expressionnisme abstrait. Le champ de couleur se caractérise principalement par de grands champs de couleur plate et solide répartis sur ou tachés dans la toile créant des zones de surface ininterrompue et un plan d’image plat. Le mouvement met moins l’accent sur le geste, les coups de pinceau et l’action au profit d’une cohérence globale de la forme et du processus. Dans la peinture de champ de couleur, «la couleur est libérée du contexte objectif et devient le sujet en soi».
La peinture de champ de couleur, y compris la peinture de surface en couleur, est une forme d’expression de l’art contemporain, caractérisée par de grands champs de couleur homogènes remplis. Ce mouvement artistique s’est développé en Amérique au milieu des années 1950 à partir de l’expressionnisme abstrait. Mark Rothko, Barnett Newman (qui a peur du rouge, du jaune et du bleu) et Clyfford Still sont des précurseurs et des représentants importants de ce style.
Les œuvres sont pour la plupart de grand format. Souvent, la peinture est appliquée directement sur la toile non apprêtée (vidée, coulée, pulvérisée) sans utiliser d’ustensiles de peinture classiques et pénètre ainsi directement dans le tissu (technique de trempage-tache) – tout à fait comparable à la teinture d’un tissu,
Le terme peinture de champ de couleur a été inventé par le critique d’art américain Clement Greenberg, dont le favori était Jules Olitski. Morris Louis, Helen Frankenthaler, Kenneth Noland, Larry Poons, Sam Gilliam, Gene Davis, Friedel Dzubas, Wolfgang Hollegha, Jack Bush, Walter Darby sont d’autres représentants importants de la peinture sur fond de couleur (dont les périodes de création les plus importantes peuvent être attribuées à cette tendance). Bannard, Thomas Downing, Howard Mehring et Paul Reed.
À la fin des années 1950 et 1960, des peintres de champs de couleurs ont émergé dans certaines parties de la Grande-Bretagne, du Canada, de l’Australie et des États-Unis, en particulier à New York, Washington, DC et ailleurs, en utilisant des formats de rayures, des cibles, des motifs géométriques simples et des références à l’imagerie du paysage et la nature.
Caractéristiques
Ce style est facilement reconnaissable à ses zones planes de couleurs vives (souvent deux ou trois sur une toile) modulées par des effets de matière, des demi-teintes, des contours clairs ou fugaces … La profondeur est supprimée car ces zones planes n’admettent pas de perspective et développer sur un seul plan. Toute figuration est exclue, l’œuvre méconnaît la forme pour conduire à une phase méditative. La couleur étant ainsi libérée de ses fonctions de localisation et de figuration, elle devient autonome. Dans la peinture Colorfield, « la couleur est libérée de son contexte objectif et devient le sujet en soi ».
Les origines
La définition est due au critique Clément Greenberg qui l’a utilisé pour la première fois en 1955. Le champ de couleur est lié au suprématisme et en partie au courant développé dans les mêmes années, l’expressionnisme abstrait. Les origines de la peinture sur fond de couleur remontent aux années 1920, à l’artiste russe Kazimir Severinovič Malevič, représentant du suprématisme; dans sa poétique, l’art devait être la «suprématie de la forme», exprimée par la pureté des couleurs et des formes géométriques élémentaires.
La peinture au champ de couleur est un sens très générique pour être un courant artistique, étant donné qu’elle se manifeste de manière très différente, selon le pays dans lequel elle s’est développée. Il peut donc être divisé en deux grandes tendances: l’une, dont le plus grand représentant est Mark Rothko, dans laquelle il y avait une tendance à utiliser des contrastes entre différents champs de couleurs. Les œuvres de Rothko sont en effet caractérisées par des bandes de deux ou trois couleurs contrastées, représentées comme des entités gazeuses. Une autre tendance concerne l’étude d’une seule couleur et la recherche du monochrome.
Le plus grand artiste de cette tendance a été Yves Klein, qui a approfondi ses études sur le bleu, jusqu’à ce qu’il brevette une nuance particulière, aujourd’hui appelée bleu Klein. À noter également les recherches d’artistes italiens tels que Lucio Fontana et Enrico Castellani, appartenant au mouvement spatialiste, et à Piero Manzoni, qui a approfondi le thème de l’absence de couleur, à travers une série d’œuvres appelées Achrome. Le magazine fondé par l’artiste milanais Azimuth, qui approfondit la poétique liée aux champs de couleurs, revêt une importance considérable.
Histoire
Le centre d’attention dans le monde de l’art contemporain a commencé à se déplacer de Paris à New York après la Seconde Guerre mondiale et le développement de l’expressionnisme abstrait américain. À la fin des années 40 et au début des années 50, Clement Greenberg a été le premier critique d’art à suggérer et à identifier une dichotomie entre différentes tendances au sein du canon expressionniste abstrait. S’opposant à Harold Rosenberg (un autre grand champion de l’expressionnisme abstrait), qui a écrit sur les vertus de la peinture d’action dans son article « American Action Painters » publié dans le numéro de décembre 1952 d’ARTnews, Greenberg a observé une autre tendance vers la couleur ou la couleur all-over Field dans les travaux de plusieurs des expressionnistes abstraits dits de «première génération».
Mark Rothko était l’un des peintres que Greenberg appelait un peintre Color Field illustré par Magenta, Black, Green on Orange, bien que Rothko lui-même ait refusé d’adhérer à aucune étiquette. Pour Rothko, la couleur n’était «qu’un instrument». Dans un sens, ses œuvres les plus connues – les « multiformes » et ses autres peintures de signature – sont, en substance, la même expression, quoique de moyens plus purs (ou moins concrets ou définissables, selon votre interprétation), qui est celui de les mêmes «émotions humaines de base» que ses peintures mythologiques surréalistes antérieures. Ce qui est commun à ces innovations stylistiques, c’est le souci de «tragédie, extase et malheur». En 1958, quelle que soit l’expression spirituelle que Rothko voulait représenter sur la toile, elle devenait de plus en plus sombre. Ses rouges vifs, jaunes et oranges du début des années 1950 subtilement transformés en bleus foncés, verts, gris et noirs. Sa dernière série de peintures du milieu des années 1960 était grise et noire avec des bordures blanches, des paysages apparemment abstraits d’un pays inconnu, sombre et ressemblant à la toundra.
Rothko, au milieu des années 40, était au milieu d’une période cruciale de transition, et il avait été impressionné par les champs de couleurs abstraites de Clyfford Still, qui étaient influencés en partie par les paysages du Dakota du Nord natif de Still. En 1947, lors d’un semestre subséquent d’enseignement à la California School of Fine Art (connue aujourd’hui sous le nom de San Francisco Art Institute), Rothko et Still ont flirté avec l’idée de fonder leur propre programme ou école. Still était considéré comme l’un des peintres les plus importants de Color Field – ses peintures non figuratives sont largement concernées par la juxtaposition de différentes couleurs et surfaces. Ses éclairs de couleur irréguliers donnent l’impression qu’une couche de couleur a été «arrachée» de la peinture, révélant les couleurs en dessous, rappelant les stalactites et les cavernes primordiales. Encore’
Robert Motherwell est un autre artiste dont les œuvres les plus connues se rapportent à la fois à l’expressionnisme abstrait et à la peinture sur fond de couleur. Le style d’expressionnisme abstrait de Motherwell, caractérisé par des champs ouverts et lâches de surfaces picturales accompagnés de lignes et de formes vaguement dessinées et mesurées, a été influencé à la fois par Joan Miró et par Henri Matisse. L’élégie à la République espagnole n ° 110 (1971) de Robert Motherwell est l’œuvre d’un pionnier de l’expressionnisme abstrait et de la peinture de champ de couleur. La série Elegy to The Spanish Republic de Robert Motherwell incarne les deux tendances, tandis que la série ouverte de Motherwell à la fin des années 1960, 1970 et 1980 le place fermement dans le camp Color Field. En 1970, Motherwell a déclaré: « Tout au long de ma vie, le peintre du XXe siècle que j’ai le plus admiré a été Matisse »,
Barnett Newman est considéré comme l’une des figures majeures de l’expressionnisme abstrait et l’un des plus grands peintres de couleur. L’œuvre mature de Newman se caractérise par des zones de couleur pures et plates séparées par de fines lignes verticales, ou «zips» comme les appelait Newman, illustrées par Vir Heroicus Sublimis dans la collection du MoMA. Newman lui-même pensait avoir atteint son style complètement mature avec la série Onement (de 1948) vue ici. Les zips définissent la structure spatiale de la peinture tout en divisant et en unissant la composition. Bien que les peintures de Newman semblent être purement abstraites et que beaucoup d’entre elles étaient à l’origine sans titre, les noms qu’il leur a donnés plus tard faisaient allusion à des sujets spécifiques abordés, souvent avec un thème juif. Par exemple, deux tableaux du début des années 50,
Jackson Pollock, Adolph Gottlieb, Hans Hofmann, Barnett Newman, Clyfford Still, Mark Rothko, Robert Motherwell, Ad Reinhardt et Arshile Gorky (dans ses dernières œuvres) figuraient parmi les principaux peintres expressionnistes abstraits que Greenberg a identifiés comme étant liés à la peinture Color Field dans les années 1950 et 1960.
Bien que Pollock soit étroitement associé à la peinture d’action en raison de son style, de sa technique, de sa « touche » picturale et de son application physique à la peinture, les critiques d’art ont comparé Pollock à la fois à la peinture d’action et à la peinture de champ de couleur. Une autre vision critique avancée par Clement Greenberg relie les toiles allover de Pollock aux nénuphars à grande échelle de Claude Monet réalisées dans les années 1920. Greenberg, le critique d’art Michael Fried et d’autres ont observé que le sentiment général dans les œuvres les plus célèbres de Pollock – ses peintures au goutte à goutte – se lisait comme de vastes champs d’éléments linéaires construits se lisant souvent comme de vastes complexes de skin de peinture de valeur similaire qui se lisaient partout domaines de la couleur et du dessin,
L’utilisation par Pollock d’une composition intégrale confère un lien philosophique et physique à la façon dont les peintres de champs de couleurs comme Newman, Rothko et Still construisent leurs surfaces ininterrompues et, dans le cas de Still, cassées. Dans plusieurs tableaux que Pollock a peints après sa période de peinture au goutte-à-goutte classique de 1947-1950, il a utilisé la technique de la coloration de la peinture à l’huile fluide et de la peinture maison sur de la toile brute. En 1951, il a produit une série de peintures semi-figuratives à base de taches noires, et en 1952, il a produit des peintures à base de couleurs. Dans son exposition de novembre 1952 à la Sidney Janis Gallery de New York, Pollock a montré le numéro 12, 1952, un grand tableau de taches magistral qui ressemble à un paysage coloré aux couleurs vives (avec une superposition de peinture sombre largement dégoulinée); le tableau a été acquis de l’exposition par Nelson Rockefeller pour sa collection personnelle. En 1960, le tableau a été gravement endommagé par un incendie dans le Governors Mansion d’Albany, qui a également gravement endommagé un tableau d’Arshile Gorky et plusieurs autres œuvres de la collection Rockefeller. Cependant, en 1999, il avait été restauré et installé dans le centre commercial d’Albany.
Alors qu’Arshile Gorky est considéré comme l’un des pères fondateurs de l’expressionnisme abstrait et surréaliste, il a également été l’un des premiers peintres de la New York School à avoir utilisé la technique de la «coloration». Gorki a créé de vastes champs de couleurs vives, ouvertes et ininterrompues qu’il a utilisées dans ses nombreuses peintures comme motifs. Dans les peintures les plus efficaces et les plus accomplies de Gorky entre les années 1941 et 1948, il a constamment utilisé des champs de couleurs tachées intenses, laissant souvent la peinture couler et couler, sous et autour de son lexique familier de formes organiques et biomorphiques et de lignes délicates.
James Brooks est un autre expressionniste abstrait dont les œuvres des années 40 rappellent les peintures tachées des années 60 et 70. Brooks a fréquemment utilisé la tache comme technique dans ses peintures de la fin des années 40. Brooks a commencé à diluer sa peinture à l’huile afin d’avoir des couleurs fluides avec lesquelles verser, couler et tacher dans la toile principalement brute qu’il utilisait. Ces œuvres combinaient souvent la calligraphie et les formes abstraites. Au cours des trois dernières décennies de sa carrière, le style d’expressioniste abstrait à grande échelle de Sam Francis était étroitement associé à la peinture Color Field. Ses peintures chevauchaient les deux camps dans la rubrique expressionniste abstraite, la peinture d’action et la peinture Color Field.
Après avoir vu les peintures de Jackson Pollock de 1951 de peinture à l’huile noire amincie tachée dans de la toile brute, Helen Frankenthaler a commencé à produire des peintures de teintes dans différentes couleurs à l’huile sur toile brute en 1952. Sa peinture la plus célèbre de cette période est Mountains and Sea (comme on le voit ci-dessous). Elle est l’une des créatrices du mouvement Color Field né à la fin des années 1950. Frankenthaler a également étudié avec Hans Hofmann.
Les peintures de Hofmann sont une symphonie de couleurs comme on le voit dans The Gate, 1959–1960. Hofmann était renommé non seulement en tant qu’artiste mais aussi en tant que professeur d’art, à la fois dans son Allemagne natale et plus tard aux États-Unis. Hofmann, qui est venu aux États-Unis d’Allemagne au début des années 1930, a apporté avec lui l’héritage du modernisme. Hofmann était un jeune artiste travaillant à Paris qui y a peint avant la Première Guerre mondiale. Hofmann a travaillé à Paris avec Robert Delaunay, et il a connu de première main le travail innovant de Pablo Picasso et Henri Matisse. L’œuvre de Matisse a eu une énorme influence sur lui et sur sa compréhension du langage expressif de la couleur et de la potentialité de l’abstraction. Hofmann a été l’un des premiers théoriciens de la peinture sur fond de couleur, et ses théories ont influencé les artistes et les critiques, en particulier Clément Greenberg, ainsi qu’à d’autres au cours des années 1930 et 1940. En 1953, Morris Louis et Kenneth Noland ont tous deux été profondément influencés par les peintures aux taches de Frankenthaler après avoir visité son atelier à New York. De retour à Washington, DC, ils ont commencé à produire les œuvres majeures qui ont créé le mouvement des champs de couleurs à la fin des années 1950.
En 1972, le conservateur du Metropolitan Museum of Art Henry Geldzahler a déclaré:
Clement Greenberg a inclus le travail de Morris Louis et de Kenneth Noland dans une exposition qu’il a faite à la Kootz Gallery au début des années 1950. Clem a été le premier à voir leur potentiel. Il les a invités à New York en 1953, je pense que c’était, dans l’atelier d’Helen pour voir une peinture qu’elle venait de faire intitulée Mountains and Sea, une très, très belle peinture, qui était en quelque sorte, de Pollock et de de Gorki. C’était aussi l’une des premières images colorées, l’une des premières grandes images sur le terrain dans lesquelles la technique de coloration a été utilisée, peut-être la première. Louis et Noland ont vu l’image déroulée sur le sol de son atelier et sont retournés à Washington, DC, et ont travaillé ensemble pendant un certain temps, travaillant sur les implications de ce genre de peinture.
La peinture de Morris Louis Where 1960, a été une innovation majeure qui a fait avancer la peinture expressionniste abstraite dans une nouvelle direction vers le champ de couleur et le minimalisme. Parmi les œuvres majeures de Louis figurent ses diverses séries de peintures à champs de couleurs. Certaines de ses séries les plus connues sont les Unfurleds, les Veils, les Florals et les Stripes ou Pillars. De 1929 à 1933, Louis a étudié au Maryland Institute of Fine and Applied Arts (aujourd’hui Maryland Institute College of Art). Il a travaillé à divers petits boulots pour subvenir à ses besoins tout en peignant et en 1935 il a été président de la Baltimore Artists ‘Association. De 1936 à 1940, il a vécu à New York et a travaillé dans la division chevalet du projet d’art fédéral de la Works Progress Administration.
Pendant cette période, il a connu Arshile Gorky, David Alfaro Siqueiros et Jack Tworkov, de retour à Baltimore en 1940. En 1948, il a commencé à utiliser Magna – peintures acryliques à base d’huile. En 1952, Louis a déménagé à Washington, DC, y vivant quelque peu en dehors de la scène new-yorkaise et travaillant presque en vase clos. Lui et un groupe d’artistes comprenant Kenneth Noland ont joué un rôle central dans le développement de la peinture Color Field. Le point de base sur le travail de Louis et celui d’autres peintres Color Field, parfois connu sous le nom de Washington Color School contrairement à la plupart des autres nouvelles approches de la fin des années 1950 et du début des années 1960, est qu’ils ont grandement simplifié l’idée de ce qui constitue le look d’une peinture finie.
Kenneth Noland, travaillant à Washington, DC, a également été un pionnier du mouvement des champs de couleurs à la fin des années 1950, qui a utilisé les séries comme formats importants pour ses peintures. Certaines des principales séries de Noland s’appelaient Targets, Chevrons and Stripes. Noland a fréquenté le Black Mountain College expérimental et a étudié l’art dans son État d’origine, la Caroline du Nord. Noland a étudié avec le professeur Ilya Bolotowsky qui l’a initié au néo-plasticisme et au travail de Piet Mondrian. Là, il a également étudié la théorie et la couleur du Bauhaus avec Josef Albers et il s’est intéressé à Paul Klee, en particulier sa sensibilité à la couleur. En 1948 et 1949, il a travaillé avec Ossip Zadkine à Paris, et au début des années 1950 a rencontré Morris Louis à Washington, DC.
En 1970, le critique d’art Clement Greenberg a déclaré:
Je placerais Pollock avec Hofmann et Morris Louis dans ce pays parmi les plus grands peintres de cette génération. En fait, je ne pense pas qu’il y ait quelqu’un de la même génération en Europe qui soit tout à fait à leur hauteur. Pollock n’aimait pas les peintures de Hofmann. Il ne pouvait pas les distinguer. Il n’a pas pris la peine de le faire. Et Hofmann n’aimait pas les peintures intégrales de Pollock, et la plupart des amis artistes de Pollock ne pouvaient pas en faire la tête ou la queue, ce qu’il a fait de 1947 à 1950. Mais les tableaux de Pollock vivent ou meurent dans le même contexte que les tableaux de Rembrandt ou Titien ou Velázquez ou Goya ou David ou … ou les tableaux de Manet ou Ruben ou Michel-Ange. Il n’y a pas d’interruption, pas de mutation ici.
Mouvement du champ de couleur
À la fin des années 50 et au début des années 60, de jeunes artistes ont commencé à se détacher stylistiquement de l’expressionnisme abstrait; expérimenter de nouvelles façons de faire des images; et de nouvelles façons de manipuler la peinture et la couleur. Au début des années 1960, plusieurs et divers nouveaux mouvements de la peinture abstraite étaient étroitement liés les uns aux autres et, superficiellement, étaient classés ensemble; bien qu’ils se soient révélés profondément différents à long terme. Certains des nouveaux styles et mouvements qui sont apparus au début des années 1960 comme réponses à l’expressionnisme abstrait ont été appelés: Washington Color School, Hard-edge painting, Geometric abstraction, Minimalism et Color Field.
Gene Davis était également un peintre connu spécialement pour ses peintures de bandes verticales de couleur, comme Black Gray Beat, 1964, et il était également membre du groupe de peintres abstraits à Washington, DC pendant les années 1960, connu sous le nom de Washington Color School. Les peintres de Washington étaient parmi les plus éminents des peintres Color Field du milieu du siècle.
Les artistes associés au mouvement Color Field dans les années 1960 s’éloignaient du geste et de l’angoisse au profit de surfaces claires et gestalt. Du début au milieu des années 1960, la peinture Color Field était le terme pour le travail d’artistes comme Anne Truitt, John McLaughlin, Sam Francis, Sam Gilliam, Thomas Downing, Ellsworth Kelly, Paul Feeley, Friedel Dzubas, Jack Bush, Howard Mehring, Gene Davis, Mary Pinchot Meyer, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Robert Goodnough, Ray Parker, Al Held, Emerson Woelffer, David Simpson et d’autres dont les œuvres étaient auparavant liées à l’expressionnisme abstrait de deuxième génération; et aussi à des artistes plus jeunes comme Larry Poons, Ronald Davis, Larry Zox, John Hoyland, Walter Darby Bannard et Frank Stella.
Bien que Color Field soit associé à Clement Greenberg, Greenberg a en fait préféré utiliser le terme d’abstraction post-peintre. En 1964, Clement Greenberg a organisé une exposition influente qui a parcouru le pays appelée l’abstraction post-picturale. L’exposition a élargi la définition de la peinture de champ de couleur. La peinture Color Field indiquait clairement une nouvelle direction dans la peinture américaine, loin de l’expressionnisme abstrait. En 2007, la conservatrice Karen Wilkin a organisé une exposition intitulée Color As Field: American Painting 1950–1975 qui a voyagé dans plusieurs musées aux États-Unis. L’exposition a présenté plusieurs artistes représentant deux générations de peintres Color Field.
En 1970, le peintre Jules Olitski a déclaré:
Je ne sais pas ce que signifie la peinture Color Field. Je pense qu’il a probablement été inventé par un critique, ce qui est bien, mais je ne pense pas que l’expression signifie quelque chose. Peinture de champ de couleur? Je veux dire, quelle est la couleur? La peinture a à voir avec beaucoup de choses. La couleur fait partie des choses qu’elle a à voir avec. Cela a à voir avec la surface. Cela a à voir avec la forme, cela a à voir avec les sentiments qui sont plus difficiles à atteindre.
Jack Bush était un peintre expressionniste abstrait canadien, né à Toronto, Ontario en 1909. Il était membre de Painters Eleven, le groupe fondé par William Ronald en 1954 pour promouvoir la peinture abstraite au Canada, et fut bientôt encouragé dans son art par l’Américain. critique d’art Clement Greenberg. Avec les encouragements de Greenberg, Bush est devenu étroitement lié à deux mouvements qui sont nés des efforts des expressionnistes abstraits: la peinture de champ de couleur et l’abstraction lyrique. Sa peinture Big A est un exemple de ses peintures de champ de couleurs de la fin des années 1960.
À la fin des années 1950 et au début des années 1960, Frank Stella a joué un rôle important dans l’émergence de la peinture sur le minimalisme, l’abstraction post-peintre et le champ de couleurs. Ses toiles façonnées des années 1960 comme Harran II, 1967, ont révolutionné la peinture abstraite. L’une des caractéristiques les plus importantes des peintures de Stella est son utilisation de la répétition. Ses peintures Black Pin Stripe de 1959 ont surpris et choqué un monde de l’art qui n’était pas habitué à voir des images monochromatiques et répétitives, peintes à plat, sans presque aucune inflexion. Au début des années 1960, Stella a réalisé plusieurs séries de peintures en aluminium à encoches et de peintures en cuivre façonnées avant de réaliser des toiles multicolores et asymétriques de la fin des années 1960. L’approche et la relation de Frank Stella avec la peinture Color Field n’étaient ni permanentes ni centrales dans sa production créative;
À la fin des années 1960, Richard Diebenkorn a commencé sa série Ocean Park; créé au cours des 25 dernières années de sa carrière et ce sont des exemples importants de la peinture de champ de couleur. La série Ocean Park illustrée par Ocean Park No.129, relie ses premières œuvres expressionnistes abstraites à la peinture de champ Color. Au début des années 1950, Richard Diebenkorn était connu comme un expressionniste abstrait, et ses abstractions gestuelles étaient proches de la New York School en termes de sensibilité mais fermement basées sur la sensibilité expressionniste abstraite de San Francisco; un endroit où Clyfford Still a une influence considérable sur les jeunes artistes en raison de son enseignement au San Francisco Art Institute.
Vers le milieu des années 1950, Richard Diebenkorn et David Park, Elmer Bischoff et plusieurs autres fondent la Bay Area Figurative School avec un retour à la peinture figurative. Entre l’automne 1964 et le printemps 1965, Diebenkorn a voyagé à travers l’Europe, il a obtenu un visa culturel pour visiter et voir les peintures d’Henri Matisse dans d’importants musées soviétiques. Il s’est rendu dans l’Union soviétique de l’époque pour étudier les peintures d’Henri Matisse dans des musées russes rarement vues en dehors de la Russie. Quand il est retourné à la peinture dans la région de la baie au milieu de 1965, ses œuvres résultantes résumaient tout ce qu’il avait appris de ses plus d’une décennie en tant que peintre figuratif de premier plan. Quand, en 1967, il revient à l’abstraction, ses œuvres sont parallèles à des mouvements comme le mouvement Color Field et Lyrical Abstraction, mais il reste indépendant des deux.
À la fin des années 1960, Larry Poons, dont les peintures Dot antérieures étaient associées à l’Op Art, a commencé à produire des peintures plus lâches et plus libres, appelées ses peintures Lozenge Ellipse de 1967-1968. Avec John Hoyland, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronald Davis, Ronnie Landfield, John Seery, Pat Lipsky, Dan Christensen et plusieurs autres jeunes peintres, un nouveau mouvement lié à la peinture Color Field a commencé à se former; finalement appelé abstraction lyrique. À la fin des années 1960, les peintres se sont tournés vers l’inflexion de surface, la représentation dans l’espace lointain et le toucher pictural et la manipulation de la peinture fusionnant avec le langage de la couleur. Parmi une nouvelle génération de peintres abstraits qui ont émergé en combinant la peinture de champ de couleur avec l’expressionnisme, l’ancienne génération a également commencé à infuser de nouveaux éléments d’espace et de surface complexes dans leurs œuvres.
Dans les années 1970, Poons a créé des peintures à peau épaisse, fissurées et lourdes appelées peintures de peau d’éléphant; tandis que Christensen a pulvérisé des boucles, des bandes colorées de lignes et de calligraphie, à travers des champs multicolores de motifs délicats; Les peintures de bandes colorées de Ronnie Landfield sont des reflets à la fois de la peinture de paysage chinoise et de l’idiome Color Field, et de la peinture tachée de John Seery illustrée par East, 1973, de la National Gallery of Australia. Poons, Christensen, Davis, Landfield, Seery, Lipsky, Zox et plusieurs autres ont créé des peintures qui font le pont entre la peinture Color Field et l’abstraction lyrique et soulignent une réinsistance sur le paysage, le geste et le toucher.
Aperçu
La peinture Color Field est liée à l’abstraction post-picturale, au suprématisme, à l’expressionnisme abstrait, à la peinture aux bords durs et à l’abstraction lyrique. Il faisait initialement référence à un type particulier d’expressionnisme abstrait, en particulier les travaux de Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb et plusieurs séries de peintures de Joan Miró. Le critique d’art Clement Greenberg a perçu la peinture Color Field comme liée mais différente de la peinture d’action.
Une distinction importante qui rendait la peinture sur le terrain de couleur différente de l’expression abstraite était la manipulation de la peinture. La technique de définition fondamentale la plus fondamentale de la peinture est l’application de la peinture et les peintres sur le terrain ont révolutionné la façon dont la peinture pouvait être appliquée efficacement.
La peinture Color Field cherchait à débarrasser l’art de la rhétorique superflue. Des artistes comme Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still, Adolph Gottlieb, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Friedel Dzubas et Frank Stella, et d’autres utilisent souvent des formats très réduits, avec des dessins essentiellement simplifiés pour des systèmes répétitifs et réglementés, des références de base à la nature, et une utilisation très articulée et psychologique de la couleur. En général, ces artistes ont éliminé l’imagerie manifestement reconnaissable au profit de l’abstraction. Certains artistes ont cité des références à l’art passé ou présent, mais en général, la peinture au champ de couleur présente l’abstraction comme une fin en soi. En poursuivant cette direction de l’art moderne, ces artistes ont voulu présenter chaque peinture comme une image unifiée, cohésive et monolithique, souvent au sein de séries de types apparentés.
À la différence de l’énergie émotionnelle et des marques de surface gestuelles et de la manipulation de peinture des expressionnistes abstraits tels que Jackson Pollock et Willem de Kooning, la peinture Color Field semblait initialement cool et austère. Les peintres sur le terrain des couleurs effacent la marque individuelle en faveur de grandes zones de couleur plates, tachées et trempées, considérées comme la nature essentielle de l’abstraction visuelle ainsi que la forme réelle de la toile, ce que Frank Stella en particulier a réalisé de manière inhabituelle avec des combinaisons de bords courbes et droits. Cependant, la peinture Color Field s’est révélée à la fois sensuelle et profondément expressive, mais d’une manière différente de l’expressionnisme abstrait gestuel. Nier tout lien avec l’expressionnisme abstrait ou tout autre mouvement artistique Mark Rothko a clairement parlé de ses peintures en 1956:
Je ne suis pas un abstractionniste … Je ne m’intéresse pas à la relation de la couleur ou de la forme ou à quoi que ce soit d’autre … Je ne m’intéresse qu’à l’expression des émotions humaines de base – tragédie, extase, malheur et ainsi de suite – et au fait que beaucoup de gens se décomposent et pleurent lorsqu’ils sont confrontés à mes photos montrent que je communique ces émotions humaines de base …. Les personnes qui pleurent avant mes photos ont la même expérience religieuse que j’ai eue quand je les ai peintes. Et si vous, comme vous le dites, ne vous laissez guider que par leurs relations chromatiques, alors vous manquez le point!
Peinture tache
Joan Miró a été l’un des premiers et des plus brillants peintres de teinture. Bien que la coloration à l’huile soit considérée comme dangereuse pour la toile de coton à long terme, l’exemple de Miró dans les années 1920, 1930 et 1940 a été une inspiration et une influence sur la jeune génération. L’une des raisons du succès du mouvement Color Field était la technique de coloration. Les artistes mélangeaient et diluaient leur peinture dans des seaux ou des canettes de café en faisant un liquide fluide, puis ils la versaient dans une toile brute non apprêtée, généralement du canard de coton.
La peinture pourrait également être brossée ou roulée ou jetée ou versée ou pulvérisée, et se répandrait dans le tissu de la toile. Généralement, les artistes dessinaient des formes et des zones au fur et à mesure qu’ils se coloraient. De nombreux artistes différents ont utilisé la coloration comme technique de choix à utiliser pour réaliser leurs peintures. James Brooks, Jackson Pollock, Helen Frankenthaler, Morris Louis, Paul Jenkins et des dizaines d’autres peintres ont découvert que le coulage et la coloration ouvraient la porte à des innovations et à des méthodes révolutionnaires pour dessiner et exprimer le sens de manière nouvelle. Le nombre d’artistes qui ont taché dans les années 1960 a considérablement augmenté avec la disponibilité de la peinture acrylique. La coloration de la peinture acrylique dans le tissu de la toile de canard de coton était plus bénigne et moins dommageable pour le tissu de la toile que l’utilisation de la peinture à l’huile.
Quand j’ai commencé à peindre les taches, j’ai laissé de grandes zones de toile non peintes, je pense, parce que la toile elle-même a agi avec autant de force et de manière positive que la peinture ou la ligne ou la couleur. En d’autres termes, le sol même faisait partie du médium, de sorte qu’au lieu de le considérer comme un arrière-plan ou un espace négatif ou un endroit vide, cette zone n’avait pas besoin de peinture car elle avait de la peinture à côté. La chose était de décider où le laisser et où le remplir et où dire cela n’a pas besoin d’une autre ligne ou d’un autre seau de couleurs. C’est le dire dans l’espace.
Peinture aérosol
Étonnamment, peu d’artistes ont utilisé la technique du pistolet pour créer de grandes étendues et des champs de couleur pulvérisés sur leurs toiles dans les années 1960 et 1970. Certains peintres qui ont utilisé efficacement les techniques de peinture au pistolet comprennent Jules Olitski, qui a été un pionnier dans sa technique de pulvérisation qui a couvert ses grandes peintures couche après couche de couleurs différentes, changeant souvent progressivement de teinte et de valeur dans une progression subtile. Une autre innovation importante a été l’utilisation par Dan Christensen d’une technique de pulvérisation très efficace dans les boucles et les rubans de couleur vive; aspergé de marques claires et calligraphiques sur ses peintures à grande échelle. William Pettet, Richard Saba et Albert Stadler ont utilisé la technique pour créer des champs multicolores à grande échelle; tandis que Kenneth Showell a pulvérisé sur des toiles froissées et a créé une illusion d’intérieurs abstraits de natures mortes.
Rayures
Les rayures étaient l’un des véhicules les plus populaires pour la couleur utilisée par plusieurs peintres Color Field différents dans une variété de formats différents. Barnett Newman, Morris Louis, Jack Bush, Gene Davis, Kenneth Noland et David Simpson, ont tous réalisé d’importantes séries de peintures à rayures. Bien qu’il ne les ait pas appelés rayures mais zips, les rayures de Barnett Newman étaient principalement verticales, de largeurs variables et utilisées avec parcimonie. Dans le cas de Simpson et Noland, leurs peintures à rayures étaient toutes principalement horizontales, tandis que Gene Davis peignait des peintures à rayures verticales et Morris Louis peignait principalement des peintures à rayures verticales parfois appelées Pillars. Jack Bush avait tendance à faire des peintures à rayures horizontales et verticales ainsi que des peintures angulaires.
Peinture Magna
Magna, une peinture acrylique spécialement utilisée par les artistes, a été développée par Leonard Bocour et Sam Golden en 1947 et reformulée en 1960, spécifiquement pour Morris Louis et d’autres peintres de teinture du mouvement des champs de couleurs. Chez Magna, les pigments sont broyés dans une résine acrylique avec des solvants à base d’alcool. Contrairement aux acryliques modernes à base d’eau, Magna est miscible avec l’essence de térébenthine ou les essences minérales et sèche rapidement en une finition mate ou brillante. Il a été largement utilisé par Morris Louis et Friedel Dzubas ainsi que par l’artiste pop Roy Lichtenstein. Les couleurs Magna sont plus vives et plus intenses que les peintures acryliques classiques à base d’eau. Louis a utilisé Magna avec grand effet dans sa série Stripe, où les couleurs sont utilisées non diluées et sont versées sans mélange directement à partir de la boîte.
Peinture acrylique
En 1972, l’ancien conservateur du Metropolitan Museum of Art Henry Geldzahler a déclaré:
Le champ de couleur, curieusement ou peut-être pas, est devenu un moyen viable de peindre exactement au moment où la peinture acrylique, la nouvelle peinture plastique, a vu le jour. C’était comme si la nouvelle peinture exigeait une nouvelle possibilité dans la peinture, et les peintres y sont arrivés. La peinture à l’huile, dont le médium est assez différent, qui n’est pas à base d’eau, laisse toujours une nappe d’huile ou une flaque d’huile autour du bord de la couleur. La peinture acrylique s’arrête à son bord. La peinture au champ de couleur est entrée en même temps que l’invention de cette nouvelle peinture.
Les acryliques ont été commercialisés pour la première fois dans les années 1950 sous la forme de peintures à base d’alcool minéral appelées Magna proposées par Leonard Bocour. Les peintures acryliques à base d’eau ont ensuite été vendues comme peintures d’intérieur « latex », bien que la dispersion acrylique n’utilise pas de latex dérivé d’un arbre à caoutchouc. Les peintures d’intérieur «latex» pour la maison ont tendance à être une combinaison de liant (parfois acrylique, vinyle, pva et autres), de charge, de pigment et d’eau. Les peintures d’extérieur «latex» pour la maison peuvent également être un mélange «copolymère», mais les meilleures peintures extérieures à base d’eau sont 100% acrylique.
Peu de temps après l’introduction des liants acryliques à base d’eau en tant que peintures maison, les deux artistes – dont les premiers étaient des muralistes mexicains – et les entreprises ont commencé à explorer le potentiel des nouveaux liants. Les peintures acryliques pour artistes peuvent être diluées avec de l’eau et utilisées comme lavages à la manière des peintures à l’aquarelle, bien que les lavages soient rapides et permanents une fois secs. Les peintures acryliques hydrosolubles de qualité artiste sont devenues disponibles sur le marché au début des années 1960, proposées par Liquitex et Bocour sous le nom commercial d’Aquatec. Liquitex et Aquatec hydrosolubles se sont avérés parfaitement adaptés à la peinture aux taches. La technique de coloration avec des acryliques hydrosolubles a fait couler et retenir les couleurs diluées dans la toile brute. Des peintres tels que Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Dan Christensen, Sam Francis, Larry Zox, Ronnie Landfield, Larry Poons, Jules Olitski, Gene Davis,
Héritage: influences et influence
L’héritage pictural de la peinture du XXe siècle est un courant dominant long et entrelacé d’influences et d’interrelations complexes. L’utilisation de grands champs ouverts de couleurs expressives appliquées dans de généreuses portions picturales, accompagnées d’un dessin lâche (vagues linéaires et / ou contour figuratif) peut être vue pour la première fois dans les œuvres du début du XXe siècle d’Henri Matisse et de Joan Miró. Matisse et Miró, ainsi que Pablo Picasso, Paul Klee, Wassily Kandinsky et Piet Mondrian ont directement influencé les expressionnistes abstraits, les peintres Color Field de Post-Painterly Abstraction et les Lyrical Abstractionists.
Les Américains de la fin du XIXe siècle comme Augustus Vincent Tack et Albert Pinkham Ryder, ainsi que les premiers modernistes américains comme Georgia O’Keeffe, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove et Milton Avery ont également fourni des précédents importants et ont influencé les expressionnistes abstraits, les peintres Color Field et les abstractionnistes lyriques. Henri Matisse peint La fenêtre française à Collioure et Vue de Notre-Dame de 1914 ont exercé une influence énorme sur les peintres américains de Color Field en général (y compris la série ouverte de Robert Motherwell) et sur les peintures d’Ocean Park de Richard Diebenkorn en particulier. Selon l’historienne de l’art Jane Livingston, Diebenkorn a vu les deux tableaux de Matisse lors d’une exposition à Los Angeles en 1966, et ils ont eu un impact énorme sur lui et son travail.
Il est difficile de ne pas attribuer un poids énorme à cette expérience pour l’orientation de son travail à partir de ce moment. Deux images qu’il y a vues résonnent dans presque toutes les toiles d’Ocean Park. Une vue de Notre-Dame et de la porte-fenêtre de Collioure, toutes deux peintes en 1914, a été vue pour la première fois aux États-Unis.
Livingston poursuit en disant que Diebenkorn doit avoir vécu la porte-fenêtre à Collioure, comme une épiphanie.
Joan Miró était l’un des artistes les plus influents du XXe siècle. Miró a lancé la technique de la coloration; créer des arrière-plans nuageux multicolores flous dans une peinture à l’huile diluée dans les années 1920 et 1930; au-dessus desquels il a ajouté sa calligraphie, ses personnages et son abondant lexique de mots et d’images. Arshile Gorky admirait ouvertement le travail de Miró et peignait des peintures de Gorky comme Miró, avant de finalement découvrir sa propre originalité au début des années 40. Au cours des années 1960, Miró peignit de grands champs rayonnants (échelle expressionniste abstraite) de peinture vigoureusement brossée en bleu, en blanc et d’autres champs de couleurs monochromes; avec des orbes noirs flous et des formes calligraphiques ressemblant à des pierres, flottant au hasard. Ces œuvres ressemblaient aux peintures Color Field de la jeune génération. Le biographe Jacques Dupin a dit ceci à propos de Miró ‘
Ces toiles révèlent des affinités – Miró n’essaie nullement de le nier – avec les recherches d’une nouvelle génération de peintres. Beaucoup d’entre eux, Jackson Pollock pour sa part, ont reconnu leur dette envers Miró. Miró, à son tour, manifeste un vif intérêt pour leur travail et ne manque jamais une occasion de les encourager et de les soutenir. Il ne considère pas non plus qu’il est digne de sa dignité d’utiliser leurs découvertes à certaines occasions.
Prenant son exemple d’autres modernistes européens comme Joan Miró, le mouvement Color Field englobe plusieurs décennies, du milieu du 20e siècle au début du 21e siècle. La peinture Color Field englobe en fait trois générations distinctes mais apparentées de peintres. L’expressionnisme abstrait, l’abstraction post-peintre et l’abstraction lyrique sont des termes couramment utilisés pour désigner les trois groupes distincts mais liés. Certains artistes ont réalisé des œuvres dans les trois époques, qui se rapportent à chacun des trois styles.
Les pionniers de Color Field tels que Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb et Robert Motherwell sont principalement considérés comme des expressionnistes abstraits. Des artistes comme Helen Frankenthaler, Sam Francis, Richard Diebenkorn, Jules Olitski et Kenneth Noland étaient d’une génération légèrement plus jeune, ou dans le cas de Morris Louis, esthétiquement alignés avec le point de vue de cette génération; qui a commencé comme des expressionnistes abstraits, mais qui est rapidement passé à l’abstraction post-peintre. Alors que des artistes plus jeunes comme Frank Stella, Ronald Davis, Larry Zox, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Ronnie Landfield, Dan Christensen, ont commencé avec Post-Painterly Abstraction et ont finalement évolué vers un nouveau type d’expressionnisme, appelé Lyrical Abstraction. De nombreux artistes mentionnés, ainsi que de nombreux autres,
Pendant les phases ultérieures de la peinture Color Field; comme des reflets de l’esprit de la fin des années 1960 (où tout commençait à se déchaîner) et l’angoisse de l’époque (avec toutes les incertitudes de l’époque) fusionnèrent avec la gestalt de l’abstraction post-peintre, produisant une abstraction lyrique qui combinait précision de l ‘idiome du champ de couleur avec le malerische des expressionnistes abstraits. Au cours de la même période de la fin des années 1960 et du début des années 1970 en Europe, Gerhard Richter, Anselm Kiefer et plusieurs autres peintres ont également commencé à produire des œuvres d’expression intense, fusionnant l’abstraction avec des images, incorporant des images de paysage et des figurations qui, à la fin des années 1970, étaient mentionnées comme néo-expressionnisme.