Dessin

Le dessin est une forme d’art visuel dans laquelle une personne utilise divers instruments de dessin pour marquer le papier ou un autre support bidimensionnel. Les instruments comprennent des crayons graphite, stylo et encre, des pinceaux encrés, des crayons de cire, des crayons, du fusain, de la craie, des pastels, divers types de gommes, des marqueurs, des stylets, divers métaux (silverpoint) et un dessin électronique.

Un instrument de dessin libère une petite quantité de matériau sur une surface, laissant une marque visible. Le support le plus courant pour le dessin est le papier, bien que d’autres matériaux, tels que le carton, le plastique, le cuir, la toile et le carton, puissent être utilisés. Dessins temporaires peuvent être faites sur un tableau noir ou tableau blanc ou en effet presque n’importe quoi. Le médium a été un moyen populaire et fondamental d’expression publique tout au long de l’histoire humaine. C’est l’un des moyens les plus simples et les plus efficaces de communiquer des idées visuelles. La grande disponibilité des instruments de dessin fait du dessin l’une des activités artistiques les plus courantes.

En plus de ses formes plus artistiques, le dessin est fréquemment utilisé dans l’illustration commerciale, l’animation, l’architecture, l’ingénierie et le dessin technique. Un dessin rapide et à main levée, qui n’est généralement pas conçu comme un travail fini, est parfois appelé un croquis. Un artiste qui pratique ou travaille dans un dessin technique peut être appelé un dessinateur, un dessinateur ou un dessinateur.

Le dessin est l’une des principales formes d’expression dans les arts visuels. Il s’agit généralement du marquage des lignes et des zones de ton sur papier / autre matériau, où la représentation précise du monde visuel est exprimée sur une surface plane. Les dessins traditionnels étaient monochromes, ou du moins avaient peu de couleur, tandis que les dessins modernes au crayon de couleur peuvent approcher ou franchir une frontière entre le dessin et la peinture. Dans la terminologie occidentale, le dessin est distinct de la peinture, même si des médias similaires sont souvent employés dans les deux tâches. Les milieux secs, normalement associés au dessin, tels que la craie, peuvent être utilisés dans les peintures pastel. Le dessin peut être fait avec un milieu liquide, appliqué avec des pinceaux ou des stylos. Des supports similaires peuvent également servir à la fois: la peinture implique généralement l’application de peinture liquide sur des toiles ou des panneaux préparés, mais parfois un tirage est d’abord effectué sur ce même support. Le dessin est souvent exploratoire, avec un accent particulier sur l’observation, la résolution de problèmes et la composition. Le dessin est également utilisé régulièrement pour la préparation d’une peinture, masquant davantage leur distinction. Les dessins créés à ces fins sont appelés études.

Il y a plusieurs catégories de dessin, y compris le dessin, la caricature, le griffonnage, la main libre et l’ombrage. Il existe également de nombreuses méthodes de dessin, comme le dessin au trait, le pointillé, l’ombrage, la méthode surréaliste de la graphomanie entopique (où des points sont faits sur les sites d’impuretés dans une feuille de papier vierge, et tracer (dessiner sur un papier translucide, tel que du papier calque, autour du contour des formes préexistantes qui apparaissent à travers le papier).

Un dessin rapide, non raffiné peut être appelé un croquis.

Dans les domaines hors art, les dessins techniques ou les plans de bâtiments, de machines, de circuits et d’autres choses sont souvent appelés «dessins» même lorsqu’ils ont été transférés sur un autre support par impression.

Le dessin comme forme de communication Le dessin est l’une des plus anciennes formes d’expression humaine, avec des preuves de son existence précédant celle de la communication écrite. On pense que le dessin a été utilisé comme une forme de communication spécialisée avant l’invention de la langue écrite, démontrée par la production de peintures rupestres et rupestres créées par Homo sapiens sapiens il y a environ 30 000 ans. Ces dessins, connus sous le nom de pictogrammes, représentent des objets et des concepts abstraits. Les esquisses et les peintures produites à l’époque préhistorique ont été stylisées et simplifiées, ce qui a conduit au développement de la langue écrite telle que nous la connaissons aujourd’hui.

Dessiner dans les arts Le dessin est utilisé pour exprimer sa créativité, et a donc été important dans le monde de l’art. Tout au long de l’histoire, le dessin était considéré comme le fondement de la pratique artistique. Au départ, les artistes utilisaient et réutilisaient des tablettes de bois pour la réalisation de leurs dessins. Suite à la disponibilité généralisée du papier au 14ème siècle, l’utilisation du dessin dans les arts a augmenté. À ce stade, le dessin était couramment utilisé comme un outil de réflexion et d’investigation, servant de support d’étude pendant que les artistes se préparaient pour leurs derniers travaux. Dans une période de prospérité artistique, la Renaissance a produit des dessins présentant des qualités de représentation réalistes, où la géométrie et la philosophie ont exercé une grande influence.

L’invention de la première forme de photographie largement disponible a conduit à un changement dans l’utilisation du dessin dans les arts. La photographie a pris le relais du dessin comme méthode supérieure pour représenter avec précision les phénomènes visuels, et les artistes ont commencé à abandonner les pratiques de dessin traditionnelles. Le modernisme dans les arts encourageait «l’originalité imaginative» et l’approche du dessin par les artistes devint plus abstraite.

Dessiner en dehors des arts Bien que l’utilisation du dessin soit étendue dans les arts, sa pratique ne se limite pas à ce domaine. Avant la généralisation du papier, les moines du XIIe siècle des monastères européens utilisaient des dessins complexes pour préparer des manuscrits illustrés et enluminés sur vélin et parchemin. Le dessin a également été largement utilisé dans le domaine de la science, en tant que méthode de découverte, de compréhension et d’explication. En 1616, l’astronome Galileo Galilei a expliqué les phases changeantes de la lune à travers ses dessins télescopiques d’observation. De plus, en 1924, le géophysicien Alfred Wegener a utilisé des illustrations pour démontrer visuellement l’origine des continents.

Le milieu est le moyen par lequel l’encre, le pigment ou la couleur sont délivrés sur la surface de dessin. La plupart des supports de dessin sont soit secs (graphite, charbon de bois, pastels, Conté, silverpoint), soit utilisent un solvant fluide ou un support (marqueur, stylo et encre). Les crayons aquarelle peuvent être utilisés secs comme des crayons ordinaires, puis humidifiés avec une brosse humide pour obtenir divers effets picturaux. Très rarement, les artistes ont dessiné avec de l’encre invisible (généralement décodée). Le dessin de métal en métal emploie habituellement l’un ou l’autre de deux métaux: argent ou plomb. Plus rarement utilisé sont l’or, le platine, le cuivre, le laiton, le bronze et le tinpoint.

Le papier vient dans une variété de différentes tailles et qualités, s’étendant du papier de qualité de journal au papier de qualité et relativement cher vendu en tant que feuilles individuelles. Les papiers peuvent varier en texture, teinte, acidité et force lorsqu’ils sont mouillés. Le papier lisse est bon pour le rendu des détails fins, mais un papier plus «dentelé» retient mieux le matériau du dessin. Ainsi, un matériau plus grossier est utile pour produire un contraste plus profond.

Le papier journal et le papier de frappe peuvent être utiles pour la pratique et les ébauches. Le papier calque est utilisé pour expérimenter sur un dessin à moitié fini, et pour transférer un dessin d’une feuille à l’autre. Le papier cartonné est le type de papier à dessin de base vendu sous forme de tampons. Le carton bristol et même les planches sans acide les plus lourdes, souvent avec des finitions lisses, sont utilisés pour dessiner des détails fins et ne se déforment pas lorsque des milieux humides (encre, lavages) sont appliqués. Le vélin est extrêmement lisse et adapté aux très fins détails. Le papier aquarelle à froid peut être préféré pour le dessin à l’encre en raison de sa texture.

Le papier de qualité archivistique sans acide conserve sa couleur et sa texture beaucoup plus longtemps que le papier à base de pâte de bois, comme le papier journal, qui jaunit et devient plus fragile plus rapidement.

Les outils de base sont une planche à dessin ou une table, un taille-crayon et une gomme, et pour le dessin à l’encre, le papier buvard. Les autres outils utilisés sont la boussole, la règle et le carré. Fixatif est utilisé pour empêcher les marques de crayon et de crayon de maculer. Le ruban à dessin est utilisé pour fixer le papier à la surface de dessin, et aussi pour masquer une zone pour le garder libre de marques accidentelles, telles que des matériaux pulvérisés ou éclaboussés et des lavages. Un chevalet ou une table inclinée est utilisé pour maintenir la surface de dessin dans une position appropriée, qui est généralement plus horizontale que la position utilisée dans la peinture.

Presque tous les dessinateurs utilisent leurs mains et leurs doigts pour appliquer les médias, à l’exception de certaines personnes handicapées qui dessinent avec la bouche ou les pieds.

Avant de travailler sur une image, l’artiste explore généralement comment fonctionnent les différents médias. Ils peuvent essayer différents outils de dessin sur des feuilles de pratique pour déterminer la valeur et la texture, et comment appliquer l’outil pour produire divers effets.

Le choix de traits de dessin de l’artiste affecte l’apparence de l’image. Les dessins à la plume et à l’encre utilisent souvent des groupes d’hachures de lignes parallèles. Les hachures croisées utilisent des hachures dans deux ou plusieurs directions différentes pour créer un ton plus sombre. Les hachures brisées, ou les lignes avec des ruptures intermittentes, forment des tons plus clairs – et le contrôle de la densité des ruptures permet d’obtenir une gradation du ton. Stippling utilise des points pour produire du ton, de la texture et de l’ombre. Différentes textures peuvent être obtenues en fonction de la méthode utilisée pour construire le ton.

Dessins en milieu sec utilisent souvent des techniques similaires, bien que les crayons et les bâtons de dessin peuvent obtenir des variations continues dans le ton. Typiquement, un dessin est rempli en fonction de la main que l’artiste préfère. Un artiste droitier dessine de gauche à droite pour éviter de maculer l’image. Les gommes peuvent supprimer les lignes indésirables, éclaircir les tons et nettoyer les marques parasites. Dans un croquis ou un dessin d’esquisse, les lignes dessinées suivent souvent le contour du sujet, créant de la profondeur en se présentant comme des ombres projetées par une lumière dans la position de l’artiste.

Parfois, l’artiste laisse une partie de l’image intacte tout en remplissant le reste. La forme de la zone à préserver peut être peinte avec du liquide de masquage ou découpée dans une frisque et appliquée sur la surface de dessin, protégeant la surface des marques parasites jusqu’à ce que le masque soit enlevé.

Une autre méthode pour préserver une section de l’image consiste à appliquer un fixatif à vaporiser sur la surface. Cela retient plus fermement le matériau en vrac sur la feuille et l’empêche de maculer. Cependant, le spray fixatif utilise généralement des produits chimiques qui peuvent endommager le système respiratoire, il doit donc être utilisé dans un endroit bien ventilé, comme à l’extérieur.

Une autre technique est le dessin soustractif dans lequel la surface de dessin est recouverte de graphite ou de charbon puis effacée pour réaliser l’image.

L’ombrage est la technique de variation des valeurs tonales sur le papier pour représenter la nuance du matériau ainsi que le placement des ombres. Une attention particulière à la lumière réfléchie, aux ombres et aux reflets peut donner un rendu très réaliste de l’image.

Le mélange utilise un outil pour adoucir ou étaler les traits de dessin d’origine. Le mélange se fait le plus facilement avec un support qui ne se fixe pas immédiatement, comme du graphite, de la craie ou du charbon, bien que l’encre fraîchement appliquée puisse être tachée, humide ou sèche, pour certains effets. Pour l’ombrage et le mélange, l’artiste peut utiliser un moignon mélangé, un tissu, une gomme à effacer malaxée, un bout du doigt ou une combinaison d’entre eux. Un morceau de chamois est utile pour créer des textures lisses, et pour enlever le matériel pour alléger le ton. Un ton continu peut être obtenu avec du graphite sur une surface lisse sans se mélanger, mais la technique est laborieuse, impliquant de petits traits circulaires ou ovales avec un point quelque peu émoussé.

Les techniques d’ombrage qui introduisent également de la texture dans le dessin incluent l’hachure et le pointillage. Un certain nombre d’autres méthodes produisent une texture. En plus du choix du papier, le matériau de dessin et la technique affectent la texture. La texture peut être rendue plus réaliste lorsqu’elle est dessinée à côté d’une texture contrastante; une texture grossière est plus évidente lorsqu’elle est placée à côté d’une zone uniformément mélangée. Un effet similaire peut être obtenu en dessinant différents tons proches les uns des autres. Un bord lumineux à côté d’un fond sombre se détache à l’œil et semble presque flotter au-dessus de la surface.

Mesurer les dimensions d’un sujet tout en bloquant le dessin est une étape importante dans la réalisation d’un rendu réaliste du sujet. Des outils tels qu’une boussole peuvent être utilisés pour mesurer les angles de différents côtés. Ces angles peuvent être reproduits sur la surface de dessin, puis revérifiés pour s’assurer qu’ils sont précis. Une autre forme de mesure consiste à comparer les tailles relatives des différentes parties du sujet entre elles. Un doigt placé en un point le long de l’outil de dessin peut être utilisé pour comparer cette dimension avec d’autres parties de l’image. Une règle peut être utilisée à la fois comme une règle et un dispositif pour calculer les proportions.

Lorsque vous essayez de dessiner une forme compliquée comme une figure humaine, il est utile de représenter d’abord la forme avec un ensemble de volumes primitifs. Presque n’importe quelle forme peut être représentée par une combinaison du cube, de la sphère, du cylindre et du cône. Une fois que ces volumes de base ont été assemblés dans une ressemblance, alors le dessin peut être affiné dans une forme plus précise et polie. Les lignes des volumes primitifs sont supprimées et remplacées par la ressemblance finale. Dessiner la construction sous-jacente est une compétence fondamentale pour l’art figuratif, et est enseigné dans de nombreux livres et écoles. Son application correcte résout la plupart des incertitudes sur les petits détails et rend l’image finale cohérente.

Un art plus raffiné du dessin de figure repose sur l’artiste possédant une profonde compréhension de l’anatomie et des proportions humaines. Un artiste formé connaît la structure du squelette, l’emplacement des articulations, le positionnement des muscles, le mouvement des tendons et la façon dont les différentes parties travaillent ensemble pendant le mouvement. Cela permet à l’artiste de rendre des poses plus naturelles qui n’apparaissent pas artificiellement raides. L’artiste est également familier avec la façon dont les proportions varient en fonction de l’âge du sujet, en particulier lors de la réalisation d’un portrait.

La perspective linéaire est une méthode de représentation d’objets sur une surface plane de sorte que les dimensions se rétrécissent avec la distance. Chaque ensemble de bords droits et parallèles d’un objet, qu’il s’agisse d’un bâtiment ou d’une table, suit des lignes qui convergent finalement vers un point de fuite. Généralement, ce point de convergence se situe quelque part à l’horizon, car les bâtiments sont construits au même niveau que la surface plane. Lorsque plusieurs structures sont alignées les unes avec les autres, comme des bâtiments le long d’une rue, les sommets horizontaux et les fonds des structures convergent généralement vers un point de fuite.

Lorsque les fronts et les côtés d’un bâtiment sont dessinés, les lignes parallèles formant un côté convergent vers un second point le long de l’horizon (qui peut être hors du papier à dessin). C’est une perspective à deux points. Convertir les lignes verticales en un troisième point au-dessus ou en dessous de l’horizon produit alors une perspective en trois points.

Profondeur peut également être représenté par plusieurs techniques en plus de l’approche en perspective ci-dessus. Les objets de taille similaire devraient apparaître de plus en plus petits, plus ils viennent du spectateur. Ainsi, la roue arrière d’un chariot apparaît légèrement plus petite que la roue avant. La profondeur peut être représentée par l’utilisation de la texture. Au fur et à mesure que la texture d’un objet s’éloigne, il devient plus compressé et occupé, prenant un caractère complètement différent de ce qu’il était si proche. La profondeur peut également être représentée en réduisant le contraste dans des objets plus éloignés, et en rendant leurs couleurs moins saturées. Cela reproduit l’effet de la brume atmosphérique et fait que l’œil se concentre principalement sur les objets dessinés au premier plan.

La composition de l’image est un élément important dans la production d’un travail intéressant de mérite artistique. L’artiste prévoit le placement d’éléments dans l’art pour communiquer des idées et des sentiments avec le spectateur. La composition peut déterminer le point de mire de l’art et aboutir à un ensemble harmonieux esthétiquement attrayant et stimulant.

L’illumination du sujet est également un élément clé dans la création d’une pièce artistique, et le jeu de la lumière et de l’ombre est une méthode précieuse dans la boîte à outils de l’artiste. Le placement des sources de lumière peut faire une différence considérable dans le type de message qui est présenté. De multiples sources de lumière peuvent par exemple effacer les rides du visage d’une personne et donner une apparence plus jeune. En revanche, une seule source de lumière, telle que la lumière du jour, peut servir à mettre en évidence toute texture ou caractéristiques intéressantes.

Lors du dessin d’un objet ou d’une figure, l’artiste qualifié fait attention à la fois à la zone de la silhouette et à ce qui se trouve à l’extérieur. L’extérieur est appelé espace négatif et peut être aussi important dans la représentation que la figure. Les objets placés en arrière-plan de la figure doivent apparaître correctement placés là où ils peuvent être visualisés.

Une étude est un dessin brouillon préparé en vue d’une image finale planifiée. Des études peuvent être utilisées pour déterminer les apparences de parties spécifiques de l’image complétée, ou pour expérimenter avec la meilleure approche pour atteindre l’objectif final. Cependant, une étude bien conçue peut être une œuvre d’art à part entière, et de nombreuses heures de travail attentif peuvent être nécessaires pour compléter une étude.

Les individus affichent des différences dans leur capacité à produire des dessins visuellement précis. Un dessin visuellement précis est décrit comme étant «reconnu comme un objet particulier à un moment donné et dans un espace particulier, rendu avec peu de détails visuels qui ne peuvent être vus dans l’objet représenté ou avec une légère suppression des détails visuels».

Des études d’investigation ont cherché à expliquer les raisons pour lesquelles certaines personnes tirent mieux que d’autres. Une étude postule quatre capacités clés dans le processus de dessin: la perception des objets dessinés, la capacité à prendre de bonnes décisions de représentation, les habiletés motrices requises pour la fabrication des marques et la propre perception du dessin par le dessinateur. Suivant cette hypothèse, plusieurs études ont cherché à déterminer lesquels de ces processus sont les plus significatifs pour affecter la précision des dessins.

Le contrôle moteur est un composant physique important dans la «phase de production» du processus de dessin. Il a été suggéré que le contrôle moteur joue un rôle dans la capacité de dessin, bien que ses effets ne soient pas significatifs.

Il a été suggéré que la capacité d’un individu à percevoir un objet qu’il dessine est l’étape la plus importante du processus de dessin. Cette suggestion est soutenue par la découverte d’une relation solide entre la perception et la capacité de dessin.

Cette preuve a servi de base au livre de dessin pratique de Betty Edwards, Dessin sur le côté droit du cerveau. Edwards visait à apprendre à ses lecteurs comment dessiner, basé sur le développement des capacités perceptuelles du lecteur.

En outre, l’artiste influent et critique d’art John Ruskin a souligné l’importance de la perception dans le processus de dessin dans son livre The Elements of Drawing. Il a déclaré que « car je suis presque convaincu, qu’une fois que nous voyons assez profondément, il est très difficile de dessiner ce que nous voyons ».

Cela a également été montré pour influencer sa capacité à créer des dessins visuellement précis. La mémoire à court terme joue un rôle important dans le dessin lorsque le regard se déplace entre l’objet qu’ils dessinent et le dessin lui-même.

Certaines études comparant des artistes à des non-artistes ont révélé que les artistes passent plus de temps à penser stratégiquement lorsqu’ils dessinent. En particulier, les artistes passent plus de temps sur des activités «métacognitives» telles que l’examen de différents plans hypothétiques sur la façon dont ils pourraient progresser avec un dessin.