L’illustration de mode est l’art de communiquer des idées de mode dans une forme visuelle qui commence avec l’illustration, le dessin et la peinture et également connu sous le nom de croquis de mode. Il est principalement utilisé par les créateurs de mode pour faire un brainstorming de leurs idées sur papier ou sur ordinateur, en utilisant des logiciels numériques comme adobe photoshop et illustrator, ce qui les aide à communiquer facilement avec leur équipe. et le dessin de mode joue un rôle majeur dans la conception pour prévisualiser et visualiser les pensées des concepteurs et prendre des décisions avant d’aller à des vêtements réels pour réduire tout gaspillage. Outre les créateurs de mode, les illustrateurs de mode sont commandés pour être reproduits dans des magazines de mode dans le cadre d’un article éditorial ou dans le but de faire de la publicité et de promouvoir des créateurs de mode, des boutiques de mode et des grands magasins.
L’illustration de mode est une activité artistique consistant en un dessin de dessin pour des vêtements de mode destinés à être publiés, par exemple dans un magazine de mode ou une affiche. Apparu au début du XIXe siècle, il est fabriqué par des peintres et des designers. Très liée à la haute couture, l’illustration de mode a connu des décennies de gloire depuis le début du XXe siècle lorsque l’année 1908 avec la première publication du couturier Paul Poiret marque symboliquement la transition d’une illustration statique et datée à une illustration. moderne, créatif, innovant. Déjà omniprésente, elle sait, des années 1930 à la fin des années 1950, son temps de gloire par les magazines et la publicité: les illustrateurs sont des artistes reconnus. Remplacé par la photographie de mode dont l’histoire le complète, il finit par disparaître presque complètement au début des années 1960, à l’exception notable de son représentant René Gruau ou de quelques résurgences comme Antonio Lopez. De nos jours, l’illustration de mode est très rare dans la publicité ou les magazines, mais une nouvelle génération d’illustrateurs, vers l’an 2000, perpétue et renouvelle cet art.
L’illustration de la mode existe depuis près de 500 ans. Depuis que les vêtements existent, il est devenu nécessaire de traduire une idée ou une image en illustration de mode. Non seulement les illustrations de mode montrent une représentation ou un dessin d’un vêtement, mais elles servent également de forme d’art. L’illustration de mode montre la présence de la main et est dite être un luxe visuel.
Fashion Illustration est passée de l’un des seuls moyens de communication de la mode à un rôle très mineur. La première couverture photographique de Vogue a été un tournant dans l’histoire de l’illustration de la mode et une marque décisive de son déclin. Les photographies, peu importe la façon dont elles ont été modifiées ou retouchées, seront toujours associées à la réalité et à la vérité de l’association. J’aime les considérer comme des poèmes en prose et avoir plus de récits de fiction. Ils sont plus clairement filtrés à travers une vision individuelle que des photos. L’illustration continue de vivre, mais dans la position d’un pauvre par rapport à la mode.
Un designer commence avec une inspiration et des idées de brainstorming à croquis sur sketchbook.Ces croquis sont ensuite transférés à croquis et rendus à un croquis de mode en appliquant la texture, la couleur, le motif et les détails avec l’aide de matériaux d’art.
L’illustration de la mode, composée de gravures ou d’eaux-fortes, est datée du XVIe siècle avec de grandes explorations et la découverte de nouveaux territoires: les collections sont ensuite constituées de costumes de plusieurs pays du monde.
Vers la fin du XVIIe siècle, les premiers journaux ont été publiés, notamment en France sous le règne de Louis XIV, avec ce que l’on pourrait appeler «les premiers magazines de mode». Ces publications évoluent et culminent jusqu’à la fin du XVIIIe siècle. Après la Révolution, le centre des publications importantes passa de Paris en Allemagne puis en Angleterre. Le début de l’illustration de la mode moderne, initialement par des artistes anonymes, se situe à peu près au début du XIXe siècle. Dès le milieu du siècle, Paris devient la capitale de la mode et reste une référence en matière d’illustrations. La photographie de mode récente, naissante, s’inspire notamment des illustrations de mode de l’époque faites de poses figées dans des décorations artificielles; à la fin du XIXe siècle, la créativité de l’illustration surpasse celle de la photographie; mais ces deux représentations de la mode sont encore, au début du XXe siècle, tournées vers le passé, avec des codes vestimentaires stricts: à l’exception de Charles Dana Gibson, l’illustration de la mode est «moribond sur le plan esthétique». A cette époque, l’illustration de la mode est davantage perçue comme un artisanat que comme une forme d’art pictural.
Le portraitiste italien Giovanni Boldini est considéré par ses pairs comme l’un des premiers illustrateurs de la mode, dont le nom est reconnu; il sera une influence notable de la prochaine génération d’illustrateurs avec Sargent. Le Journal des dames et des modes, revue élitiste, se regroupe en peintres, en couturiers et en écrivains, laissant une large place à l’illustration; ce dernier est ensuite développé à partir de la technique picturale du pochoir: la peinture est appliquée couche par couche, couleur par couleur, à travers des plaques de métal découpées. Le fauvisme apparaît au début du siècle, suivi du cubisme, des courants qui se retrouvent rapidement dans l’illustration de la mode et qui vont le renouveler. En parallèle, le Man Arrow Collar (en), sous les traits de J.C. Leyendecker, est créé.
Avant la première guerre mondiale, Paris est la capitale de la mode, mais aussi de l’Art: peintres, poètes, décorateurs, compositeurs, gens du théâtre … s’y côtoient. La haute couture et le stylisme sont inséparables, à l’image de Paul Poiret qui s’offre les services du jeune Paul Iribe qui illustre de manière innovante les robes de Paul Poiret racontées par Paul Iribe, puis Georges Lepape trois ans plus tard pour Les Choses de Paul Poiret. La réalisation d’Iribe amène l’illustration au rang d’art, posant les bases des dessins du XXème siècle. Quelques années après Poiret, Jeanne Paquin demande à Iribe, Lepape et Barbier de créer un portfolio de ses créations. Dans cette effervescence sont créés de nombreux journaux. Lucien Vogel et Michel de Brunhoff ont fondé la Gazette du Bon Ton, une nouvelle génération d’artistes, d’écrivains et d’illustrateurs … Les arts décoratifs de l’époque, tels que l’Art Nouveau, le Cubisme ou l’Art Déco, entre autres, est un reflet du temps; l’inspiration des illustrateurs vient du théâtre.
Plus récemment, il y a eu un déclin de l’illustration de la mode à la fin des années 1930, lorsque Vogue a commencé à remplacer ses célèbres couvertures illustrées par des images photographiques. Ce fut un tournant majeur dans l’industrie de la mode. Laird Borrelli, auteur de Fashion Illustration Now États,
L’école française prend le pas sur les illustrateurs américains. Certains illustrateurs, comme Drian, Benito, Erté ou Christian Bérard deviennent particulièrement reconnus, les magazines américains Harper’s Bazar ou Vogue, les français Femina ou L’Officiel, publient les plus grands noms du moment. Les magazines deviennent essentiels pour répandre la mode. Le design de mode devient moins statique, avec une approche non seulement artistique, mais aussi descriptive, orientée vers le reportage: les défilés, la vie quotidienne, les cocktails … sont courants, comme l’œuvre de René Bouët-Willaumez. Au début des années 1930, la couleur apparaît plus largement dans les illustrations de mode, d’abord dans l’édition américaine de la couverture de Vogue puis dans les pages intérieures. Le mouvement surréaliste entre dans les magazines de mode; l’illustration évolue aussi vers un «nouveau réalisme» depuis sa forme démonstrative jusqu’à une orientation plus artistique dont Eric est le représentant. Mais la révolution de la photographie de mode va progressivement changer la place de l’illustration, chacun ayant progressivement son domaine de prédilection: la photographie à la mode et l’illustration à la publicité. Néanmoins, la diffusion et l’influence des magazines de mode progressent, absorbant les courants artistiques de l’époque, la photographie en parallèle avec l’illustration profitera à la fois de ces évolutions.
Tendance qui commence bien avant la guerre, la période voit la restriction des budgets de l’illustration au profit de la photographie: les illustrateurs, qui ont pour la plupart tous travaillé soit pour la publicité, soit pour des spectacles, vont ou reviennent, de plus en plus à ces domaines. Au milieu des années 1950, Kenneth Paul Block, avec sa technique au fusain, a rejoint l’équipe d’une demi-douzaine d’illustrateurs du Women’s Wear Daily; il y restera pendant 42 ans, jusqu’à la fermeture du département « Illustrations » du magazine professionnel. Dans les années 1960, le monde de la mode est en pleine révolution: la capitale de la mode s’installe de Paris à Londres, le prêt-à-porter va bouleverser les vêtements dans les années à venir, le pop-art et le mouvement hippien influencent l’illustration de la mode. La mort de René Bouché en 1963, que personne ne cherche à remplacer, marque symboliquement la fin de l’illustration omniprésente de la mode dans les magazines. C’est une période de vaches maigres, l’illustration de mode apparemment réservée à la publicité, la lingerie et les accessoires. La photographie règne pleinement; Les photographes de mode comme Richard Avedon ou Irving Penn, par exemple, sont les maîtres. L’illustration malmenée va se réfugier dans les magazines pour adolescents: alternative moins chère que la photographie, elle sert à inspirer ou à suggérer, loin des principes de la haute couture non adaptés aux lecteurs de ces publications. Il y aura encore quelques magazines de mode, notamment professionnels, pour publier le travail des designers: International Textiles (en), la Mode Officielle, WWD, ou Sir retenir les services des meilleurs illustrateurs. Quelques artistes rares, dont Gruau mais aussi le jeune Antonio, considéré après sa mort comme « la quintessence du créateur de mode », restent remarquablement.
À partir des années 1980, l’illustration de la mode semble trouver un peu de place dans les publications. Le prolifique Antonio Lopez, avec son style toujours en avance sur la mode et ses techniques variées, est au sommet de sa carrière38, Tony Viramontes est remarqué Mode en peinture, un magazine de mode avant-gardiste, entièrement illustré, apparaît, ainsi que dans le Aux États-Unis, la nouvelle version de Vanity Fair, ou la décennie suivante, le visionnaire élitiste (en V) et ouvriront leurs pages à l’illustration, tout comme Wallpaper * dans un contexte plus large que la mode. Certains illustrateurs, comme le précurseur Jason Brooks, réalisent leurs créations informatiques.
Dans les années 2000, l’illustration semble trouver une place significative dans le monde. David Downton, d’abord un illustrateur aux sujets les plus variés et qui a commencé en 1966 avec la haute couture avant d’abandonner le sujet pour ensuite y revenir, est reconnu par son approche classique mais moderne de l’illustration de la mode.