Peinture indienne

La peinture indienne a une très longue tradition et histoire dans l’art indien. Les premières peintures indiennes étaient les peintures rupestres de l’époque préhistorique, les pétroglyphes trouvés dans des endroits comme les abris sous-marins de Bhimbetka, certaines des peintures rupestres de l’âge de pierre trouvées parmi les abris sous-marins de Bhimbetka datent d’environ 30 000 ans. La littérature bouddhiste indienne regorge d’exemples de textes qui décrivent les palais de l’armée et la classe aristocratique agrémentée de peintures, mais les peintures des grottes d’Ajanta sont les plus significatives des quelques survivances. La peinture à plus petite échelle dans les manuscrits était probablement aussi pratiquée à cette époque, bien que les premières survivances datent de la période médiévale. La peinture moghole représentait une fusion de la miniature perse avec des traditions indiennes plus anciennes, et à partir du 17ème siècle, son style se répandit à travers les cours princières indiennes de toutes les religions, chacune développant un style local. Les peintures de l’entreprise ont été réalisées pour des clients britanniques sous le britannique Raj, qui a également introduit au 19ème siècle des écoles d’art occidentales, conduisant à la peinture indienne moderne, qui revient de plus en plus à ses racines indiennes.

Les peintures indiennes offrent un continuum esthétique qui s’étend de la civilisation ancienne à nos jours. D’une essence essentiellement religieuse au début, la peinture indienne a évolué au fil des ans pour devenir une fusion de diverses cultures et traditions.

Shadanga de la peinture indienne
Vers le Ier siècle av. J.-C., les Shadanga ou Six membres de la peinture indienne furent élaborés, une série de canons établissant les principes fondamentaux de l’art. Vatsyayana, qui a vécu au troisième siècle de notre ère, énumère ces derniers dans son Kamasutra les ayant extraits d’œuvres encore plus anciennes.

Ces six membres ont été traduits comme suit:

Rupabheda La connaissance des apparences.
Pramanam Perception, mesure et structure correctes.
Bhava Action des sentiments sur les formes.
Lavanya Yojanam Infusion de grâce, représentation artistique.
Sadrisyam Similitude.
Varnikabhanga Manière artistique d’utiliser le pinceau et les couleurs. (Tagore.)
Le développement ultérieur de la peinture par les bouddhistes indique que ces «six membres» ont été mis en pratique par des artistes indiens, et sont les principes de base sur lesquels leur art a été fondé.

Genres de peinture indienne
Les peintures indiennes peuvent être classées en tant que peintures murales et miniatures. Les peintures murales sont de grandes œuvres exécutées sur les murs de structures solides, comme dans les grottes d’Ajanta et le temple Kailashnath. Les peintures miniatures sont exécutées à très petite échelle pour des livres ou des albums sur du matériel périssable tel que du papier et du tissu. Les Palas du Bengale ont été les pionniers de la peinture miniature en Inde. L’art de la peinture miniature a atteint sa gloire durant la période moghole. La tradition des peintures miniatures a été reprise par les peintres de différentes écoles de peinture du Rajasthan, telles que Bundi, Kishangarh, Jaipur, Marwar et Mewar. Les peintures de Ragamala appartiennent également à cette école, tout comme la peinture de la Compagnie produite pour des clients britanniques sous le Raj britannique.

L’art indien ancien a vu l’essor de l’école d’art du Bengale dans les années 1930 suivi par de nombreuses formes d’expérimentations dans les styles européens et indiens. À la suite de l’indépendance de l’Inde, de nombreux nouveaux genres d’art développés par des artistes importants comme Jamini Roy, MF Husain, Francis Newton Souza, et Vasudeo S. Gaitonde. Avec les progrès de l’économie, les formes et les styles de l’art ont également subi de nombreux changements. Dans les années 1990, l’économie indienne a été libéralisée et intégrée à l’économie mondiale, ce qui a permis la libre circulation de l’information culturelle à l’intérieur et à l’extérieur. Les artistes incluent Subodh Gupta, Atul Dodiya, Ray Devajyoti, Bose Krishnamachari et Jitish Kahllat dont les œuvres ont été mises aux enchères sur les marchés internationaux. Bharti Dayal a choisi de manipuler la peinture traditionnelle de Mithila de la manière la plus contemporaine et a créé son propre style à travers les exercices de sa propre imagination, ils apparaissent frais et inhabituels.

Peintures murales
L’histoire des peintures murales indiennes commence dans les temps anciens et au début du Moyen Âge, du 2ème siècle avant JC au 8ème – 10ème siècle après JC. On connaît plus de 20 endroits autour de l’Inde contenant des peintures murales de cette période, principalement des grottes naturelles et des chambres creusées dans la roche. Les plus grandes réalisations de cette période sont les grottes d’Ajanta, Bagh, Sittanavasal, la grotte d’Armamalai (Tamil Nadu), l’abri rupestre Ravan Chhaya, le temple Kailasanatha dans les grottes d’Ellora.

Les peintures murales de cette période représentent principalement des thèmes religieux des religions bouddhiste, jaïn et hindoue. Il y a aussi des endroits où des peintures ont été faites pour orner des lieux mondains, comme la salle de théâtre antique dans la grotte de Jogimara et l’éventuel pavillon de chasse royal vers le 7ème siècle après JC – Ravan Chhaya.

Le motif de la peinture murale à grande échelle qui avait dominé la scène a été témoin de l’avènement des peintures miniatures aux XIe et XIIe siècles. Ce nouveau style a d’abord figuré sous la forme d’illustrations gravées sur des manuscrits de feuilles de palmier. Le contenu de ces manuscrits comprenait de la littérature sur le bouddhisme et le jaïnisme. Dans l’est de l’Inde, les principaux centres d’activités artistiques et intellectuelles de la religion bouddhiste étaient Nalanda, Odantapuri, Vikramshila et Somarpura, situés dans le royaume de Pala (Bengale et Bihar).

Peinture de l’Inde orientale
Dans l’est de l’Inde, la peinture miniature s’est développée au 10ème siècle. Ces miniatures, représentant des divinités bouddhistes et des scènes de la vie de Bouddha, ont été peintes sur les feuilles (environ 2,25 par 3 pouces) des manuscrits de feuilles de palmier ainsi que sur leurs couvertures en bois. La plupart des manuscrits illustrés bouddhistes incluent les textes Astasahasrika Prajnaparamita, Pancharaksa, Karandavyuha et Kalachakra Tantra. Les premières miniatures existantes se trouvent dans un manuscrit de l’Astasahasrika Prajnaparamita daté de la sixième année de règne de Mahipala (vers 993), actuellement la possession de la société asiatique, Kolkata. Ce style a disparu de l’Inde à la fin du 12ème siècle.

Peinture miniature de l’ouest de l’Inde
Les peintures miniatures sont de belles peintures faites à la main, qui sont assez colorées mais de petite taille. Le point culminant de ces peintures est le pinceau complexe et délicat, qui leur prête une identité unique. Les couleurs sont faites à la main, à partir de minéraux, de légumes, de pierres précieuses, d’indigo, de conques, d’or pur et d’argent. L’évolution des peintures de miniatures indiennes a commencé dans l’Himalaya occidental, autour du 17ème siècle

Les sujets de ces peintures miniatures sont en relation avec les sujets des manuscrits principalement religieux et littéraires. Beaucoup de peintures sont de la littérature sanscrit et folklorique. C’est sur le sujet des histoires d’amour. Quelques tableaux de la secte Vaishnav de religion hindoue et certains de la secte Jain. Les peintures de la secte Vaishnav concernent différentes occasions de la vie de Lord Krishna et de Gopies. Les peintures Vaishnav de « Gita Govinda » concernent le Seigneur Krishna. Les peintures de la secte Jain est préoccupante pour les seigneurs Jain et les sujets religieux.

Ces peintures ont été créées sur « Taadpatra » qui signifie la feuille du palmier, et le papier. Au cours de cette période, les manuscrits ont été créés à partir de la feuille du palmier et plus tard du papier.

Dans ces peintures, il y a très peu de personnages humains avec face visible. La plupart des caractères humains sont vus avec le profil latéral. De grands yeux, un nez pointu et une taille fine sont les caractéristiques de ces peintures. Les couleurs de la peau de l’être humain sont brunes et équitables. La couleur de la peau du Seigneur Krishna est le bleu. La couleur des cheveux et des yeux est noire. Les personnages féminins ont les cheveux longs. Les personnages humains ont porté des bijoux sur la main, le nez, le cou, les cheveux, la taille et les chevilles. Les hommes et les femmes portent la robe indienne traditionnelle, des pantoufles et des chaussures. Les hommes portent des turbans sur leur tête. Dans ces peintures, des arbres, des rivières, des fleurs, des oiseaux, la terre, le ciel, des maisons, des chaises traditionnelles, des coussins, des rideaux, des lampes et des personnages ont été peints.

La plupart des couleurs naturelles ont été utilisées dans ces peintures. Les couleurs noires, rouges, blanches, brunes, bleues et jaunes sont utilisées pour décorer les peintures.

Les rois, les courtisans des rois, les riches hommes d’affaires et les chefs religieux de l’époque étaient les promoteurs de ces peintures miniatures.

« Vaachhak » était le célèbre peintre de l’époque. Les peintres essayaient de faire vivre le sujet du manuscrit par ces images, afin que les lecteurs du manuscrit puissent apprécier la lecture.

Les écoles de peinture Malwa, Deccan et Jaunpur
Une nouvelle tendance dans l’illustration des manuscrits a été établie par un manuscrit du Nimatnama peint à Mandu, pendant le règne de Nasir Shah (1500-1510). Ceci représente une synthèse du style perse indigène et patronné, bien que ce dernier ait dominé les manuscrits de Mandu. Il y avait un autre style de peinture connu sous le nom Lodi Khuladar qui a prospéré dans la domination du Sultanat de l’Inde du Nord s’étendant de Delhi à Jaunpur.

Le style miniature de peinture, qui a fleuri d’abord dans la cour de Bahmani et plus tard dans les cours d’Ahmadnagar, Bijapur et Golkonda est populairement connu comme l’école de peinture de Deccan. L’une des premières peintures qui a survécu est celle d’un manuscrit intitulé Tarif-i-Hussain Shahi (v.1565), qui se trouve actuellement à Bharata Itihasa Samshodhaka Mandala, à Pune. Environ 400 peintures miniatures sont trouvées dans le manuscrit de Nujum-ul-Ulum (Étoiles de la Science) (1570), conservé à la Bibliothèque Chester Beatty, Dublin.

Peinture moghole
La peinture moghole est un style particulier de la peinture indienne, généralement confiné à des illustrations sur le livre et fait en miniatures, et qui a émergé, développé et pris forme au cours de la période de l’Empire moghol 16e-19e siècles.

Les peintures mogholes étaient un mélange unique de styles indien, perse et islamique. Parce que les rois moghols voulaient des enregistrements visuels de leurs actions en tant que chasseurs et conquérants, leurs artistes les accompagnaient lors d’expéditions militaires ou de missions d’état, ou enregistraient leurs prouesses de massacreurs d’animaux ou les représentaient dans les grandes cérémonies dynastiques des mariages.

Le règne d’Akbar (1556-1605) a inauguré une nouvelle ère dans la peinture miniature indienne. Après avoir consolidé son pouvoir politique, il a construit une nouvelle capitale à Fatehpur Sikri où il a rassemblé des artistes d’Inde et de Perse. Il fut le premier monarque à avoir établi en Inde un atelier sous la supervision de deux maîtres persans, Mir Sayyed Ali et Abdus Samad. Auparavant, tous deux avaient servi sous le patronage d’Humayun à Kaboul et l’avaient accompagné en Inde quand il avait regagné son trône en 1555. Plus d’une centaine de peintres étaient employés, pour la plupart des hindous du Gujarat, de Gwalior et du Cachemire. naissance à une nouvelle école de peinture, populairement connue comme l’école moghole de peintures miniatures.

L’une des premières productions de cette école de peinture miniature fut la série Hamzanama qui, selon l’historien de la cour, Badayuni, a été créée en 1567 et achevée en 1582. Les histoires d’Hamzanama, un oncle du prophète, ont été illustrées. par Mir Sayyid Ali. Les peintures du Hamzanama sont de grande taille, 20 x 27 « et ont été peintes sur tissu. Elles sont dans le style safavi persan. Les couleurs rouge, bleu et vert brillantes prédominent; les roches érodées roses et la végétation, les avions et le prunier en fleurs et les pêchers rappellent la Perse.Toutefois, les tons indiens apparaissent dans les travaux ultérieurs, lorsque des artistes indiens étaient employés.

Après lui, Jahangir a encouragé les artistes à peindre des portraits et des scènes de durbar. Ses portraitistes les plus talentueux étaient Ustad Mansur, Abul Hasan et Bishandas.

Shah Jahan (1627-1658) a continué le patronage de la peinture. Certains des artistes célèbres de l’époque étaient Mohammad Faqirullah Khan, Mir Hachim, Muhammad Nadir, Bichitr, Chitarman, Anupchhatar, Manohar et Honhar.

Aurangzeb n’avait aucun goût pour les beaux-arts. En raison du manque de patronage, les artistes ont émigré à Hyderabad dans le Deccan et dans les états hindous du Rajasthan à la recherche de nouveaux clients.

Rajput peinture
La peinture Rajput, un style de peinture indienne, a évolué et a prospéré, au cours du 18ème siècle, dans les cours royales de Rajputana, en Inde. Chaque royaume Rajput a évolué un style distinct, mais avec certaines caractéristiques communes. Les peintures Rajput représentent un certain nombre de thèmes, des événements d’épopées comme le Ramayana et le Mahabharata, la vie de Krishna, de beaux paysages et des humains. Les miniatures étaient le médium préféré de la peinture rajput, mais plusieurs manuscrits contiennent également des peintures rajput, et des peintures ont même été réalisées sur les murs des palais, les chambres intérieures des forts, les havelis, en particulier, les Shekhawati.

Les couleurs extraites de certains minéraux, de sources végétales, de coquilles de conques et même issues de la transformation de pierres précieuses, d’or et d’argent ont été utilisées. La préparation des couleurs désirées a été longue, prenant parfois des semaines. Les pinceaux utilisés étaient très bien.

Mysore peinture
La peinture de Mysore est une forme importante de la peinture classique du sud de l’Inde qui a pris naissance dans la ville de Mysore au Karnataka. Ces peintures sont connues pour leur élégance, leurs couleurs douces et leur attention aux détails. Les thèmes de la plupart de ces peintures sont des dieux et des déesses hindous et des scènes de la mythologie hindoue. Dans les temps modernes, ces peintures sont devenues un souvenir très recherché pendant les occasions festives en Inde du Sud.

Le processus de fabrication d’une peinture Mysore implique de nombreuses étapes. La première étape consiste à faire l’esquisse préliminaire de l’image sur la base. La base est constituée de papier cartonné collé sur une base en bois. Une pâte faite d’oxyde de zinc et de gomme arabique est faite appelée « pâte de gesso ». A l’aide d’une brosse fine, tous les bijoux et les parties du trône ou de l’arche qui ont un peu de relief sont peints pour donner un effet de relief légèrement accentué. Ceci est autorisé à sécher. Sur cette mince feuille d’or est collé. Le reste du dessin est ensuite peint à l’aquarelle. Seules les couleurs en sourdine sont utilisées.

Peinture de Tanjore
La peinture de Tanjore est une forme importante de peinture classique de l’Inde du Sud originaire de la ville de Tanjore au Tamil Nadu. La forme d’art remonte au début du 9ème siècle, une période dominée par les dirigeants chola, qui ont encouragé l’art et la littérature. Ces peintures sont connues pour leur élégance, leurs couleurs riches et leur attention aux détails. Les thèmes de la plupart de ces peintures sont des dieux et des déesses hindous et des scènes de la mythologie hindoue. Dans les temps modernes, ces peintures sont devenues un souvenir très recherché pendant les occasions festives en Inde du Sud.

Le processus de fabrication d’une peinture Tanjore comporte de nombreuses étapes. La première étape consiste à faire l’esquisse préliminaire de l’image sur la base. La base est constituée d’un tissu collé sur une base en bois. Ensuite, la poudre de craie ou l’oxyde de zinc est mélangée à un adhésif soluble dans l’eau et l’applique sur la base. Pour rendre la base plus lisse, un abrasif doux est parfois utilisé. Une fois le dessin réalisé, la décoration des bijoux et des vêtements dans l’image est réalisée avec des pierres semi-précieuses. Des dentelles ou des fils sont également utilisés pour décorer les bijoux. En plus de cela, les feuilles d’or sont collées. Enfin, les colorants sont utilisés pour ajouter des couleurs aux figures dans les peintures.

Kangra peinture
Ce style a pris naissance dans l’État de Guler, dans la première moitié du 18ème siècle et a atteint son zénith sous le règne du Maharaja Sansar Chand Katoch.

Madhubani peinture
La peinture Madhubani est un style de peinture, pratiqué dans la région de Mithila dans l’état de Bihar. Les thèmes s’articulent autour des dieux et de la mythologie hindous, ainsi que des scènes de la cour royale et des événements sociaux comme les mariages. Généralement, aucun espace n’est laissé vide; les lacunes sont remplies par des peintures de fleurs, d’animaux, d’oiseaux, et même des dessins géométriques. Dans ces peintures, les artistes utilisent des feuilles, des herbes et des fleurs pour faire la couleur qui est utilisée pour dessiner les peintures.

Pattachitra
Pattachitra fait référence à la peinture classique du Bengale occidental et d’Odisha, dans la région orientale de l’Inde. «Patta» en sanskrit signifie «Vastra» ou «vêtements» et «chitra» signifie peintures.

Le Patachitra du Bengale se réfère à la peinture du Bengale occidental. C’est un héritage traditionnel et mythologique du Bengale occidental. Le Patachitra Bengal est divisé en différents aspects comme Durga Pat, Chalchitra, Patachitra Tribal, Medinipur Patachitra, Kalighat Patachitra et ainsi de suite. Le sujet du Bengal Patachitra est principalement mythologique, des histoires religieuses, folkloriques et sociales. Le Kalighat Patachitra, la dernière tradition du Bengale Patachitra, est développé par Jamini Roy. L’artiste du Bengal Patachitra s’appelle Patua.

La tradition d’Orisha Pattachitra est étroitement liée au culte de Lord Jagannath. En dehors de l’évidence fragmentaire des peintures sur les grottes de Khandagiri et d’Udayagiri et de Sitabhinji des peintures murales du sixième siècle AD, les premières peintures indigènes d’Odisha sont les Pattachitra faites par les Chitrakars (les peintres s’appellent Chitrakars). Le thème de la peinture Oriya tourne autour de la secte Vaishnava. Depuis le début de la culture de Pattachitra, le Seigneur Jagannath, qui était une incarnation du Seigneur Krishna, était la principale source d’inspiration. Le sujet de Patta Chitra est principalement mythologique, des histoires religieuses et des traditions populaires. Les thèmes sont principalement sur Lord Jagannath et Radha-Krishna, différents « Vesas » de Jagannath, Balabhadra et Subhadra, les activités du temple, les dix incarnations de Vishnu basées sur la ‘Gita Govinda’ de Jayadev, Kama Kujara Naba Gunjara, Ramayana, Mahabharata. Les peintures individuelles des dieux et des déesses sont également peintes. Les peintres utilisent des couleurs végétales et minérales sans aller pour les couleurs d’affiches fabriquées en usine. Ils préparent leurs propres couleurs. La couleur blanche est fabriquée à partir des coquilles de conque par pulvérisation, ébullition et filtration dans un processus très dangereux. Cela demande beaucoup de patience. Mais ce processus donne de la brillance et de la prémanence à la teinte. ‘Hingula’, une couleur minérale, est utilisé pour le rouge. «Haritala», roi des ingrédients en pierre pour le jaune, «Ramaraja», sorte d’indigo pour le bleu, sont utilisés. On utilise des lampes noires ou noires préparées à partir de la combustion des coquilles de noix de coco. Les brosses qui sont utilisées par ces «Chitrakaras» sont également indigènes et sont faites de poils d’animaux domestiques. Un bouquet de cheveux attaché à la fin d’un bâton de bambou fait la brosse. Il est vraiment étonnant de savoir comment ces peintres font ressortir des lignes d’une telle précision et finissent avec l’aide de ces pinceaux bruts. Cette vieille tradition de la peinture d’Oriya survit encore aujourd’hui dans les mains habiles des Chitrakaras (peintres traditionnels) à Puri, Raghurajpur, Paralakhemundi, Chikiti et Sonepur.

École du Bengale
L’école d’art du Bengale était un style d’art influent qui a prospéré en Inde pendant le Raj britannique au début du 20ème siècle. Il a été associé au nationalisme indien, mais a été également promu et soutenu par beaucoup d’administrateurs artistiques britanniques.

L’école du Bengale est née en tant que mouvement avant-gardiste et nationaliste réagissant contre les styles artistiques académiques promus en Inde, à la fois par des artistes indiens tels que Ravi Varma et dans les écoles d’art britanniques. Suite à l’influence répandue des idées spirituelles indiennes en Occident, le professeur d’art britannique Ernest Binfield Havel a tenté de réformer les méthodes d’enseignement à l’école d’art de Calcutta en encourageant les étudiants à imiter les miniatures mogholes. Cela a provoqué une immense controverse, conduisant à une grève des étudiants et à des plaintes de la presse locale, y compris de la part des nationalistes qui considéraient qu’il s’agissait d’un mouvement rétrograde. Havel était soutenu par l’artiste Abanindranath Tagore, un neveu du poète Rabindranath Tagore. Tagore a peint un certain nombre d’œuvres influencées par l’art moghol, un style que Havel et lui croyaient exprimer les qualités spirituelles distinctes de l’Inde, par opposition au «matérialisme» de l’Occident. La peinture la plus connue d’Abanindranath Tagore, Bharat Mata (Mother India), dépeint une jeune femme, représentée à quatre bras à la manière de divinités hindoues, tenant des objets symbolisant les aspirations nationales de l’Inde. Tagore a ensuite tenté de développer des liens avec des artistes d’Extrême-Orient dans le cadre d’une aspiration à construire un modèle d’art panasiatique. Ceux associés à ce modèle Indo-FarEastern inclus Nandalal Bose, Mukul Dey, Kalipada Ghoshal, Benode Behari Mukherjee, Vinayak Shivaram Masoji, BC Sanyal, Beohar Rammanohar Sinha, et par la suite leurs étudiants A. Ramachandran, Tan Yuan Chameli, Ramananda Bandopadhyay et quelques-uns autres.

L’influence de l’école du Bengale sur la scène artistique indienne s’est progressivement atténuée avec la diffusion des idées modernistes post-indépendance. Le rôle de KG Subramanyan dans ce mouvement est significatif. Aujourd’hui, l’Académie d’Art Rednova de Bankura, en Inde, est également une académie d’art remarquable établie par l’artiste Abirlal.

Modernisme contextuel
Le terme modernisme contextuel que Siva Kumar a utilisé dans le catalogue de l’exposition a émergé comme un outil critique postcolonial dans la compréhension de l’art que les artistes Santiniketan avaient pratiqué.

Plusieurs termes incluant la contre-culture de la modernité de Paul Gilroy et la modernité coloniale de Tani Barlow ont été utilisés pour décrire le type de modernité alternative qui a émergé dans des contextes non européens. Le professeur Gall soutient que le «modernisme contextuel» est un terme plus approprié car «la colonisation dans la modernité coloniale ne permet pas le refus de nombreuses personnes en situation de colonisation d’internaliser l’infériorité. Le refus de subordination des enseignants de Santiniketan incorporait une contre-vision de la modernité, qui cherchait à corriger l’essentialisme racial et culturel qui conduisait et caractérisait la modernité et le modernisme occidentaux impériaux. Ces modernités européennes, projetées à travers une puissance coloniale britannique triomphante, ont provoqué des réactions nationalistes, tout aussi problématiques lorsqu’elles incorporaient des essentialismes similaires.  »

Selon R. Siva Kumar « Les artistes de Santiniketan ont été parmi les premiers à s’opposer consciemment à cette idée du modernisme en se retirant à la fois du modernisme internationaliste et de l’autochtonie historiciste et ont essayé de créer un modernisme sensible au contexte. » Il avait étudié le travail des maîtres Santiniketan et réfléchi à leur approche de l’art depuis le début des années 80. La pratique consistant à subsumer Nandalal Bose, Rabindranath Tagore, Ram Kinker Baij et Benode Behari Mukherjee sous la direction de l’école d’art du Bengale était, selon Siva Kumar, trompeuse. Cela est arrivé parce que les premiers écrivains étaient guidés par des généalogies d’apprentissage plutôt que par leurs styles, visions du monde et perspectives sur la pratique artistique.

Le critique littéraire Ranjit Hoskote, en passant en revue les œuvres de l’artiste contemporain Atul Dodiya, écrit: « L’exposition à Santinketan, par un détour littéraire, a ouvert les yeux sur les circonstances historiques de ce que l’historien de l’art R Siva Kumar a appelé un » modernisme contextuel « . dans l’est de l’Inde dans les années 1930 et 1940 pendant les décennies turbulentes de la Dépression mondiale, la lutte de libération gandhienne, la renaissance culturelle tagoréenne et la Seconde Guerre mondiale.  »

Le modernisme contextuel dans un passé récent a trouvé son utilisation dans d’autres domaines connexes d’études, en particulier dans l’architecture.

Peinture indienne vernaculaire
L’art vernaculaire est un art vivant (art contemporain), basé sur le passé (les mythes, les traditions et la religion) et réalisé par des groupes définis. L’art vernaculaire est basé sur la mémoire collective de ce groupe.

Exemples de peinture indienne vernaculaire:

Peinture tribale:
Bhil peinture
Warli peinture
Gond peinture
Santhal peinture
Saora peinture
Kurumba peinture

Peinture rurale:
Peinture Pattachitra
Madhubani peinture
Kalamkari peinture
Kolam peinture
Kalam peinture
Peintures de Mandana

Peinture indienne moderne
Pendant l’ère coloniale, les influences occidentales ont commencé à avoir un impact sur l’art indien. Certains artistes ont développé un style qui utilise des idées occidentales de composition, de perspective et de réalisme pour illustrer des thèmes indiens. D’autres, comme Jamini Roy, se sont inspirés de l’art folklorique.Bharti Dayal a choisi de s’occuper de la peinture traditionnelle Mithila de la manière la plus contemporaine et utilise à la fois le réalisme et l’abstraction dans son travail mêlé de fantaisie. un sens impeccable d’équilibre, d’harmonie et de grâce.

Au moment de l’indépendance en 1947, plusieurs écoles d’art en Inde ont donné accès à des techniques et des idées modernes. Des galeries ont été créées pour présenter ces artistes. L’art indien moderne montre généralement l’influence des styles occidentaux, mais est souvent inspiré par les thèmes et les images indiennes. Les principaux artistes commencent à être reconnus au niveau international, d’abord au sein de la diaspora indienne, mais également auprès de publics non indiens.

Le groupe d’artistes progressistes, créé peu après l’indépendance de l’Inde en 1947, avait pour but d’établir de nouvelles façons d’exprimer l’Inde dans l’ère postcoloniale. Les fondateurs étaient six artistes éminents – KH Ara, SK Bakre, HA Gade, MF Husain, SH Raza et FN Souza, bien que le groupe ait été dissous en 1956, il était profondément influent dans le changement de l’idiome de l’art indien. Presque tous les artistes majeurs de l’Inde dans les années 1950 étaient associés au groupe. Certains de ceux qui sont bien connus aujourd’hui sont Bal Chabda, Manishi Dey, VS Gaitonde, Krishen Khanna, Ram Kumar, Tyeb Mehta, Beohar Rammanohar Sinha et Akbar Padamsee. D’autres peintres célèbres comme Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins et Bijon Choudhuri ont enrichi la culture artistique de l’Inde. Ils sont devenus l’icône de l’art indien moderne. Les historiens de l’art comme le professeur Rai Anand Krishna ont également fait référence à ces œuvres d’artistes modernes qui reflètent l’éthique indienne.

En outre, l’augmentation du discours sur l’art indien, en anglais ainsi que dans les langues indiennes vernaculaires, s’appropriait la façon dont l’art était perçu dans les écoles d’art. L’approche critique est devenue rigoureuse, des critiques comme Geeta Kapur, R. Siva Kumar a contribué à repenser la pratique de l’art contemporain en Inde. Leurs voix représentaient l’art indien non seulement en Inde mais dans le monde entier. Les critiques ont également joué un rôle important en tant que conservateurs d’expositions importantes, redéfinissant le modernisme et l’art indien.

L’art indien a été dynamisé par la libéralisation économique du pays depuis le début des années 90. Des artistes de différents domaines ont maintenant commencé à apporter des styles de travail variés. L’art indien post-libéralisation fonctionne donc non seulement dans les limites des traditions académiques, mais aussi à l’extérieur. Au cours de cette phase, les artistes ont introduit des concepts encore plus récents qui n’ont jusqu’ici pas été vus dans l’art indien. Devajyoti Ray a introduit un nouveau genre d’art appelé Pseudorealism. L’art pseudoréaliste est un style d’art original qui a été développé entièrement sur le sol indien. Le pseudo-réalisme prend en compte le concept indien de l’abstraction et l’utilise pour transformer des scènes régulières de la vie indienne en une image fantastique.

En Inde, après la libéralisation, de nombreux artistes se sont établis sur le marché international de l’art, comme Anish Kapoor et Chintan, dont les œuvres d’art gigantesques ont attiré l’attention pour leur taille. De nombreuses maisons d’art et galeries ont également ouvert aux Etats-Unis et en Europe pour présenter des œuvres d’art indiennes. Certains artistes comme chiman dangi (peintre, graveur) Bhupat Dudi, Subodh Gupta, Piu Sarkar, Vagaram Choudhary, Amitava Sengupta et bien d’autres ont fait de la magie dans le monde entier. Ghosh est un peintre doué, et est très actif à Triveni Art Gallery, New Delhi.