Le Pavillon russe de la 56e Biennale de Venise présentera Le Pavillon vert d’Irina Nakhova. Depuis le milieu des années 1970, Nakhova (né en 1955) a apporté une contribution significative au développement du conceptualisme de Moscou, insufflant à son modèle logocentrique une intensité visuelle et un bord critique. Au début des années 80, en utilisant l’une des pièces de son appartement à Moscou, Nakhova s’est lancée dans une série d’environnements intitulée «Chambres». En collaboration avec la conservatrice du Pavillon russe, Margarita Tupitsyn, un expert de renommée internationale sur l’avant-garde russe et l’art contemporain, Nakhova a réalisé ici une série d’environnements ambitieux qui revisitent les paradigmes de l’avant-garde russe, explorent et redéfinissent Les concepts de Nakhova sur les relations spatiales et l’interaction avec le spectateur.

Le pavillon russe est peint en vert, une couleur délibérément choisie pour évoquer l’aspect original du bâtiment, conçu par Aleksei Shchusev en 1914. Avec le pavillon, Shchusev a créé un bâtiment particulièrement adapté pour accueillir et améliorer diverses pratiques artistiques. Le projet de Nakhova fusionne délibérément la fonctionnalité de la structure de Shchusev avec sa propre utilisation des dernières technologies.

Selon Tupitsyn, le Pavillon vert devrait également être considéré comme engagé dans un dialogue avec le Pavillon rouge de Kabakov, exécuté pour la 45e Biennale de Venise, en 1993. Avec Le Pavillon rouge, Kabakov a démontré l’importance du discours de couleur pour les artistes modernistes et postmodernistes russes , qui a fait passer l’approche de la couleur du formalisme au «socio-formalisme». Kabakov a érigé le pavillon rouge sur le terrain du bâtiment, laissant le pavillon lui-même vide – une métaphore puissante qui incarnait le statut non institutionnel des artistes d’avant-garde et leur non-participation à l’industrie de la culture soviétique. Alors que le Pavillon rouge de Kabakov a marqué la fin de la phase hermétique de l’avant-garde de Moscou, le Pavillon vert de Nakhova reprend le débat concernant le départ de ces artistes des contextes locaux au profit d’une importance plus globale dans l’ère post-soviétique.

À l’intérieur du Pavillon vert, Nakhova souligne encore les mécanismes signifiants de la couleur en peignant chaque pièce d’une teinte différente. La division du pavillon russe par Shchusev en cinq espaces discrets a incité Nakhova à revoir sa série Rooms des années 1980, où le spectateur était activement impliqué dans une expérience artistique. Dans la première salle du rez-de-chaussée du pavillon, Nakhova se projette sur l’image futuriste d’un pilote en forme de tête. L’impénétrabilité de la tête surdimensionnée (obtenue au moyen d’un casque, d’un masque et de lunettes), combinée à la proposition selon laquelle le spectateur cherche à contrôler ses perceptions, révèle la dualité de la position de l’artiste dans la société. D’une part, il fait autorité, tandis que d’autre part, il est trop dépendant du monde extérieur dont il vise à s’échapper et souhaite simultanément contrôler.

Dans la deuxième salle de l’installation, Nakhova aborde le Carré noir de Kazimir Malevitch, la toile la plus énigmatique de l’histoire du modernisme, une œuvre entièrement dépendante de l’imagination du spectateur car elle ne fournit ni référents formels ni iconographiques. Selon sa position dans l’installation de Nakhova, le carré apparaît opaque, créant l’effet d’une éclipse solaire, ou transparent, comme s’il était joint au cosmos, observable à travers la lucarne ci-dessus.

Dans le troisième espace, les cadeaux picturaux de Nakhova s’étendent au-delà des limites du cadre, remplissant tout l’espace d’une composition abstraite exécutée dans deux des couleurs les plus importantes de l’histoire de l’art russe: le rouge révolutionnaire et le vert de la perestroïka. Les caractéristiques de ces deux époques de l’histoire de la Russie sont ainsi communiquées exclusivement par l’utilisation de la couleur et de la forme, rappelant au spectateur les aspirations sociales de l’art abstrait.

Pour le rez-de-chaussée du pavillon, Nakhova a créé une installation vidéo composée des grilles de recréations numériques de modules architecturaux tirés des monuments emblématiques de Chtchousev, tels que le mausolée de Lénine; ces modules sont remplis de photographies d’archives privées et publiques. Nakhova déstabilise cette architectonique factographique par l’insertion d’images d’abjection telles que les vers, et par une confluence d’éléments qui allégorisent ensemble la vulnérabilité et l’instabilité des affirmations historiques.

Biographie
Irina Isayevna Nakhova (russe: Ирина Исаевна Нахова; née en 1955 à Moscou) est une artiste russe. Son père, Isai Nakhov, est philologue. À 14 ans, sa mère l’a emmenée à l’atelier de Victor Pivovarov. Pivovarov a joué un rôle important dans sa vie et est devenue plus tard son mentor. En 2015, Nakhova est devenue la première artiste féminine à représenter la Russie dans son pavillon à la Biennale de Venise. Elle est représentée par la galerie Nailya Alexander à New York. Nakhova vit et travaille actuellement à Moscou et au New Jersey. Elle travaille avec différents médiums comme les beaux-arts, la photographie, les sons, les capteurs et les matériaux gonflables. Elle est lauréate du prix Kandinsky 2013.

Nakhova est diplômée du département de design graphique de l’Institut polygraphique de Moscou en 1978. Elle a été membre de l’Union des artistes de l’URSS de 1986 à 1989 et, aux côtés de ses amis et collègues Ilya Kabakov, George Kisevalter, Vladimir Sorokin, Dmitrii Prigov, et Andrei Monastyrsky, est considéré comme l’un des membres fondateurs du conceptualisme de Moscou. Nakhova a reçu une reconnaissance internationale en tant que jeune artiste pour Rooms (1983-1987), la première « installation totale » dans l’art russe, située dans l’appartement de Moscou où elle vit encore aujourd’hui.

En 1988, Nakhova était l’un des plus jeunes artistes inclus dans la première vente aux enchères de Sotheby’s à Moscou. La vente aux enchères « révolutionnaire », intitulée « Avant-garde et art soviétique », a réalisé plus de 3 000 000 $ US et a marqué une avancée majeure dans l’ouverture de l’art russe aux marchés d’Europe occidentale et américaine. Le travail de Nakhova a attiré l’attention de la galeriste américaine Phyllis Kind, qui a donné à l’artiste trois expositions personnelles à New York au début des années 1990, les premières expositions de Nakhova aux États-Unis.

De 1994 à 1997, elle a été professeur dans une université de Détroit aux États-Unis. En 2011, Nakhova a été présentée comme invitée spéciale de la quatrième Biennale d’art contemporain de Moscou au Musée d’art moderne de Moscou. Dans le cadre d’une rétrospective à grande échelle de l’œuvre de Nakhova, son installation phare, la salle n ° 2 (1983-1987), est le résultat de sa frustration du régime soviétique oppressif, situé dans son appartement à Moscou où elle vit aujourd’hui.

En 2013, Nakhova a reçu le Prix Kandinsky dans la catégorie Projet de l’année, l’une des plus hautes distinctions de l’art russe contemporain, pour son œuvre Untitled. Nakhova a décrit Untitled comme « mon compte de l’histoire telle que la comprend l’histoire de ma famille – ma grand-mère, mon grand-père exécuté, ma mère, mon père et mon passé. C’est ma tentative de comprendre l’inexplicable situation qui régnait dans mon pays depuis du siècle dernier, et de comprendre par l’imagerie privée comment des millions de personnes ont été effacées de l’histoire et heureusement oubliées; comment les gens ont été aveuglés et leurs âmes détruites afin de pouvoir vivre sans mémoire ni histoire.  »

Les collections
Le travail de Nakhova se trouve dans des collections publiques et privées à travers la France, l’Allemagne, la Grande-Bretagne, l’Italie, l’Espagne, la Suède, la Suisse et les États-Unis. En Russie, son travail se trouve au Musée d’art moderne de Moscou, au Centre national des arts contemporains et à la Galerie nationale Tretiakov de Moscou.

L’œuvre de Nakhova fait partie de la collection Norton et Nancy Dodge d’art soviétique non conformiste, l’une des plus grandes collections d’art de l’ère soviétique en dehors de la Russie, constituée par l’économiste américain Norton Dodge de la fin des années 1950 jusqu’à l’avènement de la Perestroïka dans les années 1980. Dodge a fait passer en contrebande près de 10000 œuvres d’art de l’URSS aux États-Unis au plus fort de la guerre froide, souvent à de grands risques personnels, une histoire détaillée dans la rançon de l’art russe de John McPhee (1994). La collection a été donnée à l’Université Rutgers au milieu des années 1990, où elle est exposée en permanence au Musée d’art Jane Voorhees Zimmerli de l’Université.

L’exposition
En 2015, Nakhova a été choisie pour représenter la Russie dans son pavillon à la Biennale de Venise. Elle a été la première artiste féminine à représenter la Russie dans un pavillon solo. «Basé sur un dialogue avec la structure du pavillon lui-même, conçu par Aleksei Shchusev en 1914, le Pavillon vert concerne l’art de l’installation autant que l’architecture», écrit Stella Kesaeva, présidente de la Stella Art Foundation, dans le catalogue de l’installation. . « Comme pour le projet de [Vadim] Zakharov, les caractéristiques architecturales du pavillon constituent un élément important de l’installation de Nakhova. Cette fois, une ouverture a de nouveau été créée entre le premier et le deuxième étage du bâtiment de Schusev, plus l’extérieur est peint en vert. Le résultat: le pavillon russe prend l’apparence d’un gazebo romantique, tout en cachant en lui-même la métaphore spatiale de la place noire de Kazimir Malevich (1915) .Une autre installation présentée dans ce pavillon était son projet «chambres» qui étaient un complexe de cinq espaces différents entre l’art, l’architecture et le point de vue des téléspectateurs.  »

L’installation en trois parties d’Irina Nakhova, The Green Pavilion, qui représentait la Russie à la Biennale de Venise (2015) est un regard qui fait réfléchir, mais qui est décousu, sur notre relation avec l’histoire et l’avenir.

Artiste d’installation et peintre académique, Nakhova combine la peinture, la sculpture et les nouveaux médias dans des installations et des environnements interactifs qui engagent les téléspectateurs en tant que cocréateurs de paysages conceptuels. L’art est puissant et révélateur, des expériences de différence, physiques et intellectuelles, qui n’existent pas autrement en tant qu’espaces.

Nous existons comme une partie de l’histoire. Nous pouvons être secoués par des forces indépendantes de notre volonté et nos contributions observables peuvent s’estomper. L’histoire est ce qu’elle est et l’avenir est incertain et inquiétant, mais nous l’étions et nous faisons partie de toute l’histoire.

Tels que la chambre vert-rouge de Nakhova, «La composition abstraite provient de la toile précédente Primary Colors 2 de Nakhova (2003), imprégnée des théories des couleurs réductrices de l’avant-garde russe… et embrasse ce que Malevitch a appelé« un nouveau réalisme des couleurs ». Appliqué mécaniquement , cette dernière transgresse les limites de la toile pour opérer dans l’espace littéral. En ce sens, la chambre vert-rouge de Nakhova est un hybride postmoderne (jamesonien) de forme couleur et de texte couleur dans lequel on peut localiser les traces et les distorsions de la société dans son ensemble.

Points forts

La première partie de l’installation, une tête géante d’un homme casqué dont les caractéristiques changent subtilement, est visuellement magnifique, mais il n’est pas immédiatement clair comment elle est liée à l’installation dans son ensemble.

Lorsque vous entrez dans la première salle, toutes les tailles sont différentes et qui vous salue, c’est le pilote. Le pilote est votre navigateur à travers le temps. Donc, quand vous êtes ici, il fait noir. Le ciel est fermé, mais vous êtes dans le cockpit du vol. Lorsque vous vous rapprochez du pilote, les yeux ouverts, il vous regarde et il regarde également le ciel, et vous pouvez voir que le ciel s’ouvre [via une lucarne]. Ensuite, vous voyez vraiment ce qui se passe, mais c’est aussi comme dans un rêve car il n’y a pas de communication verbale.

La deuxième partie de l’installation occupe deux pièces. Dans la salle du bas, des images et des vidéos de l’ancienne URSS sont projetées sur les murs. Des «X» bleus et des cercles rouges commencent à apparaître sur certaines des personnes montrées sur les photos; puis les photos et vidéos s’estompent et sont remplacées par de nouvelles images. Alors que les personnes sur la photo sont barrées et que leurs images s’estompent, il semble qu’elles soient «disparues» de l’histoire, un sort subi par de nombreuses victimes des régimes totalitaires au fil des ans.

Cette représentation visuelle de la pratique de la «disparition» des gens est un peu évidente, mais ce qui fait que l’installation fonctionne, c’est la façon dont les téléspectateurs font partie de l’œuvre. Au-dessus de la salle des photos en voie de disparition se trouve une salle grise vide. Dans cette salle d’observation, les visiteurs peuvent regarder vers le bas à travers une fenêtre en plastique transparent sur le sol et voir les gens observer les photographies et les vidéos qui s’estompent.

La lumière se déverse à travers une lucarne au plafond, à travers le panneau en plastique au sol et dans la pièce en dessous. Si les gens dans cette pièce lèvent les yeux, ils verront qu’ils sont observés par les gens dans la pièce au-dessus.

De temps en temps, la lucarne se ferme et la salle d’images s’assombrit. Lorsque la lucarne s’ouvre et que la lumière revient, certaines des personnes ci-dessous sont parties – elles ont disparu. De même, parfois la salle d’observation s’assombrit et lorsque la lumière revient, certains des observateurs auront également disparu.

Vivant sous un régime autoritaire oppressif, des passants innocents peuvent se retrouver comme observateurs, témoins silencieux des troubles qui les entourent. Cela crée un horrible dilemme. En gardant le silence et en ne faisant rien, ces témoins silencieux sont-ils complices des horreurs perpétrées? Cependant, si les témoins silencieux parlent ou agissent, ne deviendront-ils pas les prochaines victimes? Dans un environnement aussi cruel, n’importe qui peut être «barré» et fait disparaître.

Dans la vidéo ci-dessus, lorsque Irina Nakhova décrit cette deuxième zone dans le pavillon vert, l’artiste ne mentionne pas les personnes rayées des photos, mais se concentre plutôt sur l’effet lorsque la pièce s’assombrit:

C’est l’endroit où vous pouvez vraiment venir à vous et voir ce qui se passe autour de vous avec une conscience aiguë. Quand tout est sombre, vous n’avez que le ciel et le passé. Pour moi, c’est apaisant parce que c’était avant nous, ce sera après nous et nous faisons partie de l’histoire, donc il n’y a pas de peur, il n’y a pas de joie, mais c’est la nature qui nous prend et nous traverse.

La troisième partie de l’installation est une pièce vide peinte d’un motif abstrait vert et rouge. Décrivant cela, l’artiste déclare:

Pavillon russe
Le pavillon russe abrite la représentation nationale de la Russie lors des festivals artistiques de la Biennale de Venise. Le pavillon russe a été conçu et construit entre 1913 et 1914. Son architecte, Alexey Shchusev, a utilisé des motifs de l’architecture russe des XVIIe et XVIIIe siècles.

La Stella Art Foundation est une organisation à but non lucratif créée à Moscou en novembre 2003 à l’initiative de Stella Kesaeva. La fondation se consacre au soutien de l’art contemporain, avec un accent particulier sur l’encouragement à l’érudition dans le domaine de l’art conceptuel de Moscou. Il conserve une collection de plus de mille œuvres d’art du XXe et du début du XXIe siècle. La Stella Art Foundation a réalisé une centaine de projets d’artistes russes et étrangers en Russie et à l’étranger.

Biennale de Venise 2015
La Biennale d’art 2015 clôt une sorte de trilogie qui a commencé avec l’exposition organisée par Bice Curiger en 2011, Illuminations, et s’est poursuivie avec le Palais encyclopédique de Massimiliano Gioni (2013). Avec All The World’s Futures, La Biennale poursuit ses recherches sur des références utiles pour porter des jugements esthétiques sur l’art contemporain, question «critique» après la fin de l’art avant-gardiste et «non-art».

À travers l’exposition organisée par Okwui Enwezor, La Biennale revient pour observer la relation entre l’art et le développement de la réalité humaine, sociale et politique, dans le pressage des forces et des phénomènes extérieurs: les voies par lesquelles, c’est-à-dire les tensions de l’extérieur le monde sollicite les sensibilités, les énergies vitales et expressives des artistes, leurs désirs, les mouvements de l’âme (leur chant intérieur).

La Biennale di Venezia a été fondée en 1895. Paolo Baratta en est le président depuis 2008, et avant cela de 1998 à 2001. La Biennale, qui est à la pointe de la recherche et de la promotion des nouvelles tendances de l’art contemporain, organise des expositions, des festivals et des recherches. dans tous ses secteurs spécifiques: Arts (1895), Architecture (1980), Cinéma (1932), Danse (1999), Musique (1930) et Théâtre (1934). Ses activités sont documentées aux Archives historiques des arts contemporains (ASAC) récemment rénovées.

La relation avec la communauté locale a été renforcée par des activités éducatives et des visites guidées, avec la participation d’un nombre croissant d’écoles de la région de la Vénétie et au-delà. Cela propage la créativité sur la nouvelle génération (3 000 enseignants et 30 000 élèves impliqués en 2014). Ces activités ont été soutenues par la Chambre de commerce de Venise. Une coopération avec des universités et des instituts de recherche organisant des visites et des séjours spéciaux dans les expositions a également été établie. Au cours des trois années 2012-2014, 227 universités (79 italiennes et 148 internationales) ont rejoint le projet Biennale Sessions.

Dans tous les secteurs, il y a eu plus d’opportunités de recherche et de production adressées à la jeune génération d’artistes, directement en contact avec des professeurs renommés; cela est devenu plus systématique et continu grâce au projet international Biennale College, qui se déroule désormais dans les sections danse, théâtre, musique et cinéma.