La sculpture de la Renaissance est encadrée dans la période entre les premières décennies du XVe et le milieu du XVe siècle. La sculpture était également, à l’époque de la Renaissance, un art de pointe, qui a souvent servi de pionnier à la peinture et à d’autres formes artistiques. Parmi les «pionniers» florentins de la Renaissance, deux étaient des sculpteurs (Filippo Brunelleschi et Donatello) et leurs réalisations ont été une source d’inspiration durable pour les générations suivantes. Avec le voyage de Donatello à Padoue (1443-1453), les conquêtes de la Renaissance commencèrent à se répandre également dans le nord de l’Italie. Vers le milieu du XVe siècle, Rome, centre d’attraction pour ses vestiges classiques et pour le vaste programme de restauration et de reconstruction monumentale de la ville promu par les papes, devint le principal point de rencontre et d’échange d’expériences artistiques qui aboutirent au décennies du XVIe siècle dans la Renaissance romaine.

Les traits principaux de la sculpture de la Renaissance italienne étaient sa définition comme l’un des moyens d’acquérir la connaissance et comme un instrument d’éducation éthique du public, et son souci d’intégrer l’opposition entre l’intérêt pour l’observation directe de la Nature et les concepts esthétiques idéalistes développé par l’humanisme. A une époque où l’homme était placé au centre de l’univers, sa représentation prenait également un rôle central, avec pour conséquence l’épanouissement des genres du nu et du portrait artistique qui, depuis la fin de l’Empire romain, tombaient dans l’oubli. Le thème mythologique a également été repris, un corpus théorique a été établi pour légitimer et guider l’art de l’époque, et l’accent a été mis sur l’association étroite entre la connaissance théorique et une discipline rigoureuse du travail pratique comme outil indispensable à la création d’un œuvre d’art qualifiée. La sculpture de la Renaissance italienne dans ses trois premières phases a été dominée par l’influence de l’école toscane, qui a mis l’accent sur Florence, alors le plus grand centre culturel italien et une référence pour l’ensemble du continent européen. La phase finale a été menée par Rome, alors engagée dans un projet d’affirmation de l’universalité de l’autorité de la papauté en tant qu’héritier de Saint-Pierre et de l’Empire romain.

Principaux représentants

Jacopo della Quercia
Jacopo della Quercia (Sienne, 1374 – Bologne, 1438) fut le plus grand représentant de l’école de sculpture siennoise et l’un des maîtres les plus originaux du début du XVe siècle, influençant Michel-Ange et plusieurs autres. C’était d’une famille d’artistes. En c. 1406 a produit le tombeau d’Ilaria del Carretto dans la cathédrale de Lucca, qui survit seulement en partie, et en 1408 une statue de la Vierge et l’Enfant Jésus à Ferrare. Un an plus tard, il reçut la commande d’une grande fontaine publique à Sienne, la fameuse fontaine de Gaia, et participa en même temps à une importante commande pour Lucques, une statue d’apôtre, un autel et une tombe, ainsi comme des reliefs pour une police à Sienne. La quantité de travail l’a amené à livrer plusieurs pièces aux assistants. Son travail principal était le soulagement du portail de la basilique de Saint-Pierre à Bologne, dont la vigueur l’a amené à être comparé aux accomplissements de Masaccio dans la peinture de la figure humaine. En 1435, il fut nommé architecte en chef de la cathédrale de Sienne.

Lorenzo Ghiberti
Lorenzo Ghiberti (Florence, 1378-1455) a été formé comme un orfèvre et peintre, et en 1400 a quitté Florence pour travailler à Pesaro. Sachant que Florence avait ouvert en 1401 un concours public pour la réalisation de la seconde paire de portes de bronze du Baptistère de Saint-Jean, il y retourna immédiatement. La preuve a été la création d’un panneau représentant le Sacrifice d’Isaac, en concurrence avec lui six autres artistes. Il a remporté la compétition, ce qui lui a valu une renommée immédiate, mais le travail prendrait plus de vingt ans pour se préparer. Dans la même période, il travailla sur les vitraux de la cathédrale, conçut des tombes et des reliefs à Florence et à Sienne, fut consultant en architecture et prépara un saint Jean-Baptiste (1416) qui fut la première statue de bronze au-dessus du naturel. être fusionné depuis l’Antiquité, et le premier sur cette échelle à Florence. Le succès technique et stylistique de l’entreprise valait deux ordres similaires, un saint Matthieu (1419) et un saint Etienne d’Orsanmichele (1425). Tant les portes et ces statues révèlent encore des liens avec le style gothique. A cette époque, il dirigeait un grand atelier, se mariait, devenait riche, rejoignait la haute société, était considéré comme l’artiste principal de Florence et ne pouvait pas gérer autant d’ordres. Grâce à son atelier, ils sont passés comme futurs maîtres apprentis tels que Donatello, Paolo Uccello, Michelozzo et Benozzo Gozzoli. Apparemment, il était un enseignant libéral et intéressé par le progrès de ses étudiants, et il n’a pas caché ses connaissances. Il a finalement terminé les portes du Baptistère en 1424, qui sont l’ensemble sculptural le plus important du gothique international, et ont été très appréciés à son époque. Les derniers panneaux de ces portes indiquent déjà un changement de style, et montrent l’influence d’Alberti, dont il était devenu un ami, et une étude plus approfondie de l’art classique, travaillant déjà avec le principe de la perspective.

Sa renommée repose principalement dans le troisième groupe de portes, les célèbres Portes du Paradis, créées entre 1425 et 1452 et louées par Michel-Ange. Contrairement aux premières portes dont les panneaux laissent le fond lisse, le second groupe traite l’espace en bas-reliefs du caractère pictural, avec une définition efficace des plans et des perspectives, et crée un espace paysager peuplé de diverses figures et bâtiments. Hartt a dit que l’influence des idées d’Alberti est si profonde que les portes sont une exposition systématique et complète de ses théories. Chaque porte a cinq grands panneaux avec des scènes de l’Ancien Testament, entourés d’une frise de petites statues, de motifs ornementaux et de petits médaillons contenant des bustes, y compris un autoportrait. L’ensemble constitue l’une des réalisations les plus significatives de la sculpture de la Renaissance.

Nanni di Banco
Nanni di Banco (Florence, 1384/90 – 1421) était un adepte de premier ordre des idéaux classiques et, dans sa phase finale, développa un style moins formaliste qui eut une grande influence sur ses successeurs. Formé par son père, également sculpteur, employé de la cathédrale de Florence, son premier ordre était pour la cathédrale, une statue d’Isaïe. Entre 1411 et 1413, il créa un groupe sculptural, les Quatre Saints Couronnés, pour la guilde d’Orsanmichele où il résolut l’un des problèmes techniques les plus difficiles auxquels furent confrontés les sculpteurs de sa génération, la représentation de plusieurs figures en pleine forme dans un niche. Bien que des traces gothiques apparaissent encore dans ce travail, dans le traitement des costumes, dans les têtes et dans l’impression générale ressemble à la statuaire romaine. Il a réussi à garder le groupe formellement cohérent à travers une délimitation judicieuse des plans internes et des relations dans leurs attitudes, faisant apparaître les chiffres à tous engagés dans la conversation. Son dernier travail a été un soulagement à l’une des portes de la cathédrale, commencé en 1414, laissé incomplète, qui a été éventuellement complété par Luca della Robbia, alors son disciple. Il a également créé d’autres statues de saints et de prophètes.

Donatello
Donato di Niccolò de Betto Bardi, connu sous le nom de Donatello (Florence, 1386/87 – 1466), était le fils d’un cardeur de laine; On sait peu de choses sur sa vie. Il était un ami des humanistes et des disques d’époque en tant que connaisseur de l’art classique. Il a commencé en tant qu’apprenti maçon et vers 1404-1407 rejoint en tant que disciple de Ghiberti. Dans ses années de formation il n’y avait pas encore une quantité très expressive d’œuvres anciennes disponibles, et ainsi ses premières créations apportent encore une forte marque gothique, mais la première grande composition de son cru, un St. George (c.1415) créé pour le la guilde d’Orsanmichele, révèle déjà une solide connaissance de l’anatomie humaine, et se distingue de tout ce qui avait été produit auparavant dans la tension manifeste dans sa posture, dans le test de caractérisation psychologique de son visage, dans sa manipulation des plans structuraux, la force et l’autonomie de leur « présence » et la subtilité de leur technique sculpturale. Dans le relief sous la niche où la statue fut installée, Donatello introduisit des innovations qui eurent une grande répercussion dans l’art florentin tardif, créant un relief peu profond où la délicate suggestion de plans et de figures crée une perspective efficace de profondeur et de subtils effets de lumière et d’ombre , ce qui le rapproche du caractère de la peinture en respectant l’intégrité de la surface plane. Les meilleurs exemples de ce genre sont les reliefs de l’Ascension de Christ et la Fête d’Hérode, célébrés entre 1420 et 1437. Les mêmes qualités de saint Georges s’expriment avec encore plus de force dans la série des cinq prophètes qui furent installés dans des niches dans le clocher de la cathédrale de Florence, dont Habacuc est considéré comme l’un de ses chefs-d’œuvre. Son aspect réaliste et intensément expressif les rapproche du portrait romain. Vers 1420 il travailla aussi en bronze, créant un magnifique Saint Louis de Toulouse (vers 1423), et en ce temps-là, il établit une société en commandite avec Michelozzo, créant des œuvres pour lui, Napa et Prato. Autonome, il a fait plusieurs pièces pour Sienne, apparemment influencé par la sculpture étrusque. Entre 1430 et 1433, il était à Rome, où il étudia les reliques anciennes, dont le fruit à son retour était un tabernacle et un chœur contre la basilique de la Sainte-Croix, qui présentent un répertoire de formes classiques considérablement élargi. Jusqu’en 1443, il travailla pour les Médicis, produisant la décoration de l’ancienne sacristie de la basilique Saint-Laurent, dont dix grands reliefs en stuc et deux portes en bronze avec des figures d’apôtres et des saints d’un dynamisme intense. En cette période a élaboré autour de 1440 son célèbre David, la première statue d’un grand chiffre nu et plein depuis l’antiquité. Les proportions parfaites et la tranquillité de son attitude font de lui la plus classique de toutes les œuvres de l’auteur.

Entre 1443 et 1453, il travaille à Padoue, créant une statue équestre du condottiero Erasmo da Narni, surnommé le Gattamelata, également une réinterprétation de motifs classiques, inspirée du célèbre monument à Marc Aurèle qu’il avait rencontré à Rome, éliminant les détails superflus et se concentrant sur le principe du héros idéal, établissant un paradigme pour la représentation équestre qui a continué à être valable pour les siècles à venir. Sa longue présence à Padoue a stimulé la formation d’une florissante école de bronze locale, et les œuvres qu’il a produites pour la Basilique de Saint Antoine de Padoue, y compris un grand crucifix et l’autel le plus ambitieux du XVe siècle européen – maintenant reconstruit sous une autre forme – composée d’un ensemble de 21 reliefs en bronze, d’un grand relief en pierre et de sept statues grandeur nature, a influencé des générations de peintres et de sculpteurs du nord de l’Italie. À son retour à Florence, il créa un Saint Jean-Baptiste pour Venise et une Sainte Marie-Madeleine en bois polychrome pour le baptistère local, d’expressivité piquante, s’éloignant de l’équilibre et de la sobriété de la tradition classique. Le style dur et dramatique de ces pièces était un choc pour les Florentins, qui étaient enclins à une esthétique plus douce, et à ce stade leurs ordres principaux venaient de l’extérieur. Parmi eux, un saint Jean-Baptiste et une paire de portes de bronze à la cathédrale de Sienne, dont seulement deux panneaux ont été exécutés. Il fut de nouveau employé par les Médicis et ses dernières années de vie furent consacrées à la création de deux chaires, l’une sur le thème de la Résurrection et l’autre de la Passion du Christ, pour Saint Laurent, qui ne sont pas complètement achevées. compositions fortement chargées de contenu spirituel. Donatello doit aussi l’élaboration du type putto, une sorte de génie en forme de petit enfant, ailé ou non, qui est devenu un motif décoratif de succès immédiat et de large diffusion.

Luca della Robbia
Luca della Robbia (Florence, 1399 – 1482) fut éduqué en sculpture de marbre et en 1431, il commença son œuvre la plus importante, un balcon pour le chœur de la cathédrale de Florence, avec dix panneaux en relief représentant des enfants chantant, dansant et jouant instruments. Son succès fut immédiat, étant donné le naturalisme efficace et l’atmosphère de jubilation et d’innocence des scènes. Il installe ensuite un tabernacle pour une chapelle à Florence, et vers 1440 il entreprend des recherches sur la terre cuite qui l’amènent à découvrir une technique de vitrification, lui permettant d’obtenir des surfaces colorées vives qui ne pâlissent pas et qui sont imperméables à l’eau. ils doivent être installés à l’air libre. Sa première composition documentée dans cette technique était un médaillon avec le thème de la Résurrection à l’ancienne sacristie de la cathédrale, du c. 1442. Puis il commença à se consacrer presque exclusivement à ce mode de sculpture, recevant des commandes pour un grand nombre de pièces à Florence et dans plusieurs autres villes, telles que Pescia et Urbino. Malgré cela, dans les années 1450, il fit un autre grand travail de marbre, le tombeau de Benozzo Federighi, évêque de Fiesole, à l’église de la Sainte Trinité à Florence.

Bernardo Rossellino
Bernardo Rossellino (Settignano, 1409 – Florence, 1464), formé par Filippo Brunelleschi et influencé par Luca della Robbia et Ghiberti, était membre d’une famille de sculpteurs, un classique modéré et l’un des grands maîtres de la sculpture funéraire, en plus d’être Remarquable architecte et urbaniste. Son chef-d’œuvre est le tombeau de Leonardo Bruni (1444-50) à Santa Cruz, qui inaugure un nouveau type de monument funéraire et fait partie des plus grandes réalisations de son genre de la Renaissance, devenant un prototype largement imité en établissant un équilibre entre sculpture et architecture , figuration et decorativisme. D’autres travaux importants ont été le tombeau d’Orlando de Médici (1456-57) et le tombeau de la bénie Villana delle Botte (1451-52), tous deux à Florence.

Antonio Rossellino
Antonio Rossellino (Settignano, 1427 – Florence, 1479) était un sculpteur et architecte renommé, frère cadet de Bernardo, dont il a reçu l’instruction et l’influence, et qu’il a aidé en tant qu’apprenti dans diverses œuvres. Il était un maître dans le portrait, laissant plusieurs morceaux de grande qualité dans ce genre, tels que ceux de Giovanni Chellini (1456) et Matteo Palmieri (1468), avec un style réaliste réaliste. Son meilleur travail est la grande collection de la Tombe du Cardinal du Portugal (c.1460), à St. Miniato al Monte, à la périphérie de Florence, avec une combinaison complexe d’architecture, de sculpture et de peinture. Il a eu l’aide de plusieurs collaborateurs, mais pour l’identité stylistique de Hartt Antonio reste dominante. Il représente une évolution significative dans le concept de monument funéraire, lui donnant beaucoup plus de dynamisme et d’unité, avec une forte caractérisation dans le portrait du défunt, étant l’un des meilleurs exemples de ce genre tout au long du XVe siècle. Aussi laissé plusieurs Madones et un autre monument important pour Filippo Lazzari (1464).

Mino da Fiesole
Mino da Fiesole (Poppi, Florence, 1429 – Florence, 1484) a peut-être été formé par Antonio Rossellino à Florence, et a passé une grande partie de sa carrière à Rome, où il a étudié l’ancienne statuaire, en se concentrant sur les portraits. Là, il a exécuté des monuments funéraires pour plusieurs cardinaux et pour le pape Paul II. Bien que sa technique ne soit pas brillante, il a acquis sa renommée avec des portraits, genre dans lequel il a été l’un des premiers à se spécialiser, laissant des compositions remarquables dans les portraits de Pedro de Medici, Niccolò Strozzi, Astorgio Manfredi, Rinaldo della Luna et Diotisalvi Neroni , entre autres.

Desiderio da Settignano
Desiderio da Settignano (Settignano, c.1430 – 1464) est né dans une famille de maçons. On sait peu de choses de son éducation, mais Donatello a dû l’influencer. Elle développe un style de grande douceur, de raffinement et de sensualité sublimé, exprimé dans des portraits de femmes, démontrant une grande capacité à exprimer des sentiments allant de la mélancolie à la joie. Ses bas-reliefs témoignent de sa maîtrise de la perspective et des effets subtils de la lumière et de l’ombre, et sa qualité technique et esthétique n’a pas de rivaux dans sa génération. Il est également devenu habile dans les portraits d’enfants et dans les pièces de dévotion de la Vierge et l’Enfant Jésus. Il a également laissé deux grands monuments à Florence, le tombeau de Carlo Marsuppini dans la basilique de la Sainte Croix (c.1453-55) et le tabernacle du sacrement dans la basilique de Saint-Laurent (1461), tous deux d’une importance particulière pour l’évolution ultérieure de la sculpture dans ses genres, avec des plans en perspective dans le dos des reliefs et un modelage des figures qui souligne les contours et traite les robes avec élégance et fluidité pour suggérer l’anatomie et le mouvement. Le traitement des surfaces est également différent, avec un satin poli qui confère une aura de douceur aux personnages.

Francesco Laurana
Francesco de la Vrana, connu sous le nom de Francesco Laurana (Vrana, qui faisait alors partie de la République de Venise, vers 1430 – Avignon, c.1502), sculpteur et médaillé, fut l’un des initiateurs du style de la Renaissance en France. La première partie de sa vie est obscure, et les premières nouvelles qui apparaissent à son sujet remontent aux années 1450, quand il a été engagé par Alphonse II d’Aragon pour créer un arc de triomphe à Castel Nuovo à Naples. Entre 1461 et 1466, il travailla pour Renato I de Naples, pour qui il créa des médailles, et en 1468 il était en Sicile, passant ses dernières années à voyager entre la Sicile, Naples et le sud de la France. A laissé plusieurs portraits de femmes Madonnasand, dont Battista Sforza est célèbre, dont la délicatesse et la sophistication font des miroirs de la culture courtoise de l’époque, caractérisée par la recherche de l’élégance et du détachement aristocratique et de la réserve et de l’économie formelle. Des formes qui se rapprochent de l’abstraction géométrique, en plus de les réaliser avec une grande expertise technique.

Andrea du Verrocchio
Andrea di Francesco di Cione, mieux connu comme Andrea del Verrocchio (Florence, 1435 – Venise, 1488) était le fils d’un potier, et pendant son enfance la famille a souffert avec la pauvreté. La tradition dit qu’il a été formé par un orfèvre nommé Giuliano Verrocchi, dont il aurait adopté le nom de famille. Vers 1460, il commence à étudier la peinture, peut-être en tant qu’élève d’Alesso Baldovinetti et Filippo Lippi, étant un collègue de Botticelli. Quelques années plus tard, avec la mort de Donatello, qui était le favori des Médicis, il a pris sa place en tant que protégé, produisant pour eux des peintures et des sculptures, ainsi que des dessins pour des décorations, des vêtements et des armures. Constructeur conservateur des collections antiques de la famille, il a restauré de nombreux bustes et statues romains. Puis sa renommée a commencé à se répandre, a ouvert un grand atelier qui a attiré de nombreux disciples, parmi eux Leonardo da Vinci et Perugino, et a été une influence pour Benedetto da Maiano et Botticelli. Malgré sa notoriété en tant que peintre et sa production, supposée significative, aujourd’hui on ne peut presque rien lui attribuer. Il se consacre plus fortement à la sculpture, mais aussi dans ce domaine ses œuvres authentifiées, quoique en plus grand nombre, sont encore peu nombreuses.

Son premier grand ordre fut un tombeau pour Pierre et Jean de Médicis dans l’ancienne sacristie de Saint-Laurent achevée en 1472 qui impressionne par l’originalité de son dessin et son utilisation inspirée de marbres colorés et de porphyre combinés à une riche ornementation en bronze. Il a ensuite fait une figurine, Garçon avec un dauphin, à une fontaine à Villa Medicea di Careggi, ce qui révèle son intérêt pour le mouvement, étant important dans l’évolution de la forme spirale appelée figure serpentine, la forme préférée dans le maniérisme. Sa réputation comme l’un des grands sculpteurs de bas-relief du XVe siècle s’est installée avec le cénotaphe du cardinal Niccolò Forteguerri pour la cathédrale de Pistoia, commencée en 1476 mais jamais achevée, étant conclu seulement après sa mort. Bien que sa conception originale ait été modifiée par d’autres artisans, elle reste un témoignage fiable de sa grande capacité à la fois dans la composition d’un effet théâtral, anticipant les solutions du baroque, comme dans le dessin unifié et dynamique des scènes. dans les reliefs et dans ses finitions techniques impeccables. Dans la technique de bas-relief, il a également laissé un panneau représentant la défaite de Saint-Jean-Baptiste, la cathédrale de Florence (1480) et une Madone pour un hôpital (c.1477). À cette époque, il a produit deux bustes, le Portrait de Julian de Médici, de grand réalisme, et la Dame avec un bouquet de fleurs, où il a créé un nouveau type de buste, qui comprenait les bras de la figure. La sculpture la plus importante qu’il a créée pour Florence a été probablement le groupe de Christ et St. Thomas, situé à Orsanmichele (1467-83), remarquable pour sa perfection technique et la solution originale de la composition dans l’espace étroit de la niche. En 1483, à la demande de Venise, il s’y rendit pour créer un grand monument équestre pour célébrer le condottiero Bartolomeo Colleoni, d’une grande présence scénique, clairement inspiré par le travail de Donatello, mais le surpassant dans le dynamisme et l’impression de force et de décision . Il est à côté de l’œuvre de Donatello le monument le plus important dans son genre de la Renaissance, et a été très influent sur les sculpteurs baroques, et même le néoclassique et romantique. Cependant, ayant terminé le modèle, il est mort avant de lancer le travail. La finition a été confiée à Alessandro Leopardi, dont la participation au résultat final de la composition est un motif de débat.

Andrea della Robbia
La longue carrière d’Andrea della Robbia (Florence, 1435 – 1525) s’étend à travers les troisième et quatrième phases. Comme son oncle Luca, il fut apparemment sculpteur de marbre et consacra la plupart de ses efforts à la création de la terre cuite polychrome vitrifiée, avec laquelle il devint célèbre. Ses premiers travaux dans cette technique ont été effectués pour l’Hôpital des Innocents à Florence, vers 1463. Son travail le plus important est la série de grands reliefs pour le Sanctuaire de Monte Alverne, près d’Assise, dans les années 1480. Au début du XVIe siècle, son atelier employait déjà de nombreux apprentis et commença à recevoir des commandes prestigieuses de diverses cathédrales et nobles. Il était un sculpteur très prolifique, et ses compositions se trouvent dans de nombreuses villes italiennes, telles que Prato, Volterra, Chiusi, Naples, Viterbe, Pistoia, Bibbiena, Montalcino et Montevarchi, et plusieurs autres. Son style allie un riche sens du décor et un design de figures sobres, délicats et élégants, avec un penchant pour la narration familière de l’attrait populaire immédiat et la caractérisation pénétrante des portraits. Ses nombreuses images de la Madonna et de l’Enfant Jésus sont d’une grande tendresse, et ont pu approcher les émotions les plus dramatiques dans leurs Pietàs et Crucifixions, mais sans excès.

Pietro Lombardo
Pietro Lombardo (Carona, duché de Milan, 1435 – Venise, 1515) était le chef de l’école de la Renaissance vénitienne et père de Tullio Lombardo et Antonio Lombardo, également sculpteurs. Ses premières œuvres révèlent l’influence florentine, mais son style de maturité était dû à l’art germanique et flamand. Son premier travail connu est le tombeau d’Antonio Roselli (1464-1467) dans la basilique de Saint-Antoine à Padoue. Vers 1467, il s’installe à Venise, produisant de nombreux monuments et travaillant également comme architecte. A Venise, sa production la plus remarquable est la Tombe de la famille Malipiero (vers 1463) et celle du Doge Pietro Mocenigo (c.1476-81) à Basilica de Saint-Jean et Saint-Paul. Avec un atelier bondé, il laissa plus tard la majeure partie de la rédaction de ses œuvres à ses assistants, y compris ses enfants, et ne fit que projeter et superviser le travail. Il a été l’architecte et chef sculpteur de l’église de Santa Maria dos Milagres entre 1481 et 1489, considéré comme l’un des meilleurs bâtiments de la Renaissance et qui a exercé une profonde influence locale. En 1482, il crée le tombeau de Dante Alighieri à Ravenne et, en 1485, il dessine son chef-d’œuvre, le tombeau de Zanetti, dont le travail pratique est confié à ses fils. Ses dernières années ont été passées en tant que maître d’œuvre du Palais Ducal.

Matteo Civitali
Matteo Civitali (Lucca, 1436 – 1502), sculpteur et architecte, était la figure principale de l’école de Lucques. Il a seulement commencé à se consacrer à la sculpture après l’âge de 40 ans, après avoir été barbier-chirurgien. Il a étudié à Florence avec Antonio Rossellino et Mino da Fiesole. Ses œuvres principales sont dans la cathédrale de Lucques, y compris l’autel de Saint-Roman, le tombeau de Pietro Noceto et un Saint-Sébastien. Il a également fait des sculptures d’Adam et Eve, Abraham et plusieurs saints pour la cathédrale de Gênes.

Tullio Lombardo
Tullio Lombardo (Venise, 1455-1532) était le fils et disciple de Pietro, et comment il a travaillé dans la sculpture et l’architecture, mais abandonné l’inestimable du style de son père et a adopté les conventions du classicisme, également influencé par le travail des hellénistes, tels que le groupe Laocoon nouvellement découvert. Une de ses œuvres importantes est la Tombe des Doges, Andrea Vendramin, la plus somptueuse des tombes de la Renaissance à Venise, qui contenait à l’origine une statue d’Adam (vers 1490-95), maintenant au Metropolitan Museum of Art, un superlatif grandeur nature. inspiré par l’iconographie classique de Bacchus et Antinous. Remarquable pour la pureté du marbre employé et l’exécution fine, cet Adam était le premier nu plein-taille découpé de l’antiquité. Il a également exécuté la tombe de Guidarello Guidarelli, portraits, reliefs allégoriques et a laissé une série de neuf panneaux en relief pour la basilique de Saint-Antoine à Padoue, avec des scènes de la vie du saint, où il présente un style narratif de grande noblesse et dramatique l’éloquence, très semblable aux exemples de la Rome antique.

Antico
Pier Jacopo Alari Bonacolsi, surnommé Antico (Mantoue ou Gazzuolo, 1460-1528), a commencé sa carrière en tant que médailliste, s’est intéressé à la peinture, a travaillé comme restaurateur de l’ancienne statuaire et était un protégé d’Isabella d’Este, mais sa renommée est en raison de sa compétence dans le domaine de la petite sculpture, créant une série de pièces décoratives pour les clients privés, mais qui ont un raffinement esthétique et une qualité technique de premier ordre. Il fut l’un des premiers sculpteurs à réaliser les possibilités commerciales de créer des copies de ses œuvres en bronze à travers la technique indirecte de la cire perdue, alors que jusque-là l’utilisation était la fabrication de pièces uniques. Son style est tout incliné vers le classicisme, qu’il a exercé dans la création d’images de la mythologie gréco-romaine. Pour son amour de l’antiquité, il a reçu son surnom, qui signifie «antique».

Andrea Sansovino
Andrea Coducci, nommé Andrea Sansovino (Florence, vers 1467-1529) était un architecte et sculpteur dont le style montre le passage de la troisième phase de la Renaissance à la Haute Renaissance. Sa première composition importante a été l’Autel du Sacrement (1485-90) dans la Basilique du Saint-Esprit à Florence, avec un artisan de haute qualité et un grand accent sur les émotions. Il a passé plusieurs années au Portugal, et en 1502 était à nouveau à Florence, lorsque le groupe du Baptême du Christ, installé sur la façade du Baptistère de Saint-Jean. Seul le Baptiste est entièrement le sien, et l’ange est un autre artiste, mais la conception élégante, sobre et digne de l’ensemble, outre la grande beauté des corps, en fait l’une des premières œuvres importantes de la Haute Renaissance. Il a également composé une série de frises polychromes pour Villa Medicea di Poggio a Caiano. En 1505 il se rendit à Rome sous contrat avec le pape Jules II pour exécuter deux tombes presque identiques aux cardinaux Ascanio Sforza et Girolamo della Rovere dans l’église de Santa Maria del Popolo, achevée en 1509 et considéré comme ses œuvres les plus originales. Sa dernière commande majeure était de superviser la construction de plusieurs bâtiments dans la ville de Loreto et la décoration de la Santa Casa locale, où il a sculpté un relief de l’Annonciation de la grande richesse plastique.

Michelangelo
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, connu sous le nom de Michel-Ange (Caprese, République de Florence, 1475 – Rome, 1564), était la figure dominante de la sculpture italienne du 16ème siècle, ainsi qu’un peintre et architecte du même type. L’un des artistes les plus célèbres et influents de tout l’art occidental, il a commencé son apprentissage avec Ghirlandaio relativement tard à l’âge de 13 ans après avoir surmonté l’opposition paternelle. Son talent fut rapidement reconnu et il devint un protégé des Médicis, accéda à sa collection de sculptures anciennes et reçut quelques instructions de Bertoldo di Giovanni. L’une de ses premières œuvres fut Madonna of the Ladder (vers 1491), dans le style des bas-reliefs de Desiderio da Settignano, puis il créa une variation d’un motif trouvé dans un sarcophage romain, la bataille des Centaures (c.1492 ), dont le dynamisme a été loué. En 1494 les Médicis furent expulsés de la ville et Michel-Ange chercha un emploi à Bologne, travaillant sur des figures secondaires du tombeau de Saint Dominique (1494-1495), mais originaux et expressifs, faisant référence à l’iconographie classique. En voyageant à Rome, alors la ville la plus culturellement importante, il a produit sa première composition à grande échelle, un Bacchus Drunken (1496-97) en taille juste au-dessus du naturel, de grande virtuosité dans la conception et l’exécution, apparemment vendu à un collectionneur comme si c’était un morceau d’antiquité. Le succès de l’œuvre lui valut une autre commande, une Pietà (1498-99), qui reçut immédiatement l’approbation et l’envoya à la prééminence parmi tous les sculpteurs italiens pour son originalité de composition et sa finition extraordinairement belle, sa pièce étant parfaite dans ce dernier aspect.

Immédiatement il a été appelé à Florence pour créer un David monumental (1501-1504), dont le design est particulièrement proche des solutions du classicisme. Le travail a été encore plus réussi que les autres et par la décision de la communauté a été installé sur une place publique, en face du Palais municipal comme un symbole de la République florentine. La Pietà et David sont devenus des icônes de la Renaissance italienne, et sont parmi les œuvres les plus célèbres de l’histoire de la sculpture occidentale. Entre-temps, il fut également impliqué dans l’élaboration de diverses madones pour des clients privés, et il dut être influencé par Léonard de Vinci, qui était retourné à Florence après vingt ans d’absence et avait excité l’enthousiasme de tous. Le travail d’AfterDavid a commencé à évoluer vers le maniérisme, mais la finalité du classicisme de la haute Renaissance est le Moïse (1513-1515), d’une grande majesté, réalisé dans le cadre d’un tombeau ambitieux pour le pape Jules II dans la Basilique de Saint Pierre en Chaîne. , never completed according to the original plan, two Slaves (1513-1516), also unfinished and part of the same project, and an elegant Christ Redeemer (1519-1520) entirely naked for the Church of Santa Maria on Minerva, who impressed his contemporaries to the point of Sebastiano del Piomboto say that only his knees were worth more than all of Rome.Des années plus tard, sa nudité, considérée comme indécente, était couverte, comme il en reste à ce jour.

Jacopo Sansovino
Jacopo Tatti, connu sous le nom de Jacopo Sansovino (Florence, 1486 – Venise, 1570) a étudié à partir de 1502 avec Andrea Sansovino, qui, en l’honneur de lui, a pris le nom de famille. En 1505, il accompagna l’architecte Giuliano da Sangallo à Rome, où il étudia l’architecture et la sculpture romaines, et fut employé par le pape Jules II comme restaurateur de l’ancienne statuaire. De retour à Florence, il a sculpté un St. James (1511-18) pour la cathédrale, et un Bacchus (c.1514). En 1518, il était encore à Rome, travaillant dans une Nossa Senhora do Parto (c.1519) pour l’église de Saint-Augustin, qui révèle l’influence de l’autre Sansovino, et dans un autre Saint-Jacques (1520) pour l’église du Père Noël Maria à Monserrato des Espagnols.

Après le Sac de Rome en 1527, il s’installe à Venise, introduisant l’esthétique classique de la Haute Renaissance, qui dure beaucoup plus longtemps qu’à Rome. Sa production initiale dans cette ville est gracieuse et élégante, et ses œuvres finales reviennent à un classicisme sobre et rigoureux. Parmi eux se trouvent des statues d’évangélistes et un saint Jean-Baptiste (1540) pour la basilique Saint-Marc et le tombeau du doge Francesco Venier (1556-61) dans l’église du Rédempteur. Il a également agi en tant qu’architecte en chef et urbaniste de la ville, en acquérant plus tard la renommée en tant qu’un des plus grands architectes du maniérisme.