Pour la 56e exposition internationale d’art – la Biennale de Venise, le MIT List Visual Arts Center a chargé Joan Jonas, une figure pionnière de la vidéo et de la performance, de créer une nouvelle installation multimédia qui occupait l’intégralité des cinq galeries du pavillon américain.

L’installation incorpore le mélange emblématique de performance, d’art vidéo, de dessin et de sculpture de Jonas pour créer un voyage immersif en plusieurs parties qui aborde la fragilité du monde naturel.

Depuis cinq décennies, Jonas est à l’avant-garde des formes d’art interdisciplinaires. Son intégration pionnière de la vidéo, de la sculpture et de la performance crée des environnements expansifs qui modifient les modèles traditionnels de création d’images et de narration. Considéré parmi les artistes les plus influents de la vidéo et de la performance émergeant de la fin des années 1960, Jonas continue de créer de nouveaux ensembles de travail qui prennent en compte des sujets tels que la figure dans le paysage, l’utilisation rituelle de l’objet et du geste, et la fragilité de l’environnement naturel dans la l’âge de l’Anthropocène. Son travail a récemment fait l’objet d’une grande rétrospective à la Tate Modern, et elle est récipiendaire du prix Kyoto 2018, qui reconnaît les réalisations mondiales et les contributions à l’humanité.

Inspiré par l’examen antérieur de Jonas du roman fantastique de Halldόr Laxness Under the Glacier, ses étés en Nouvelle-Écosse et la merveille de la nature, They Come to Us without a Word intègre vidéo, dessins, sons, objets et performances pour construire cinq galeries immersives, chacune organisée autour d’une image centrale (Abeilles, Poissons, Miroir, Vent et Homeroom). Des fragments d’histoires fantômes provenant de traditions orales du Cap-Breton, en Nouvelle-Écosse, forment un récit non linéaire qui relie chaque galerie à la suivante. À travers l’interaction de médiums disparates, They Come to Us without a Word reflète l’interférence humaine avec les écosystèmes de la nature, créant une expérience où l’impact de chaque élément artistique se répercute dans toute la pièce. Pris ensemble, ces éléments forment une œuvre très complexe représentant une chaîne de vie fracturée mais interdépendante.

Biographie
Joan Jonas (née le 13 juillet 1936) est une artiste visuelle américaine et une pionnière de la vidéo et de l’art de la performance, qui est l’une des artistes féminines les plus importantes à voir le jour à la fin des années 1960 et au début des années 1970. Les projets et les expériences de Jonas ont fourni la base sur laquelle une grande partie de l’art de la performance vidéo serait basée. Ses influences s’étendent également à l’art conceptuel, au théâtre, à la performance et à d’autres médias visuels. Elle vit et travaille à New York et en Nouvelle-Écosse, Canada.

Jonas est née en 1936 à New York., Electronic Arts Intermix, récupéré le 13 août 2014. En 1958, elle a obtenu un baccalauréat en histoire de l’art du Mount Holyoke College à South Hadley, Massachusetts. Plus tard, elle a étudié la sculpture et le dessin à l’École du Musée des beaux-arts de Boston et a reçu un MFA en sculpture de l’Université Columbia en 1965. Immergé dans la scène artistique du centre-ville de New York des années 1960, Jonas a étudié avec la chorégraphe Trisha Brown pendant deux ans. . Jonas a également travaillé avec les chorégraphes Yvonne Rainer et Steve Paxton.

Bien que Jonas ait commencé sa carrière de sculpteur, en 1968, elle a déménagé dans ce qui était alors un territoire de pointe: mélanger la performance avec des accessoires et des images médiatisées, situé à l’extérieur dans des paysages urbains ou ruraux et / ou des environnements industriels. Entre 1968 et 1971, Jonas a interprété Mirror Pieces, des œuvres qui utilisaient les miroirs comme motif central ou accessoire. Dans ces premières performances, le miroir est devenu un symbole (d’auto) portrait, de représentation, de corps et de réel contre imaginaire, tout en ajoutant parfois un élément de danger et une connexion au public qui faisait partie intégrante de l’œuvre. Dans Wind (1968), Jonas filme des interprètes qui traversent le champ de vision avec raideur contre un vent qui confère à la chorégraphie une mystique psychologique.

En 1970, Jonas a fait un long voyage au Japon – où elle a acheté sa première caméra vidéo et a vu le théâtre Noh, Bunraku et Kabuki – avec le sculpteur Richard Serra. Ses performances vidéo entre 1972 et 1976 ont réduit le casting à un acteur, l’artiste elle-même, se produisant dans son loft de New York sous le nom de Organic Honey, son alter ego séminale inventé comme une « séductrice érotique électronique », dont le visage ressemblant à une poupée vu reflétait bits on camera a exploré l’image féminine fragmentée et les rôles changeants des femmes. les dessins, les costumes, les masques et les interactions avec l’image enregistrée étaient des effets liés optiquement à un doublement de la perception et du sens. Dans une de ces œuvres, Visual Telepathy de Organic Honey (1972), Jonas scanne sa propre image fragmentée sur un écran vidéo. Dans Disturbances (1973), une femme nage silencieusement sous le reflet d’une autre femme. Songdelay (1973), filmée à la fois avec des téléobjectifs et des objectifs grand angle (qui produisent des extrêmes opposés en profondeur de champ) s’est inspirée des voyages de Jonas au Japon, où elle a vu des groupes d’interprètes de Noh applaudir des blocs de bois et faire des mouvements angulaires. Dans une interview vidéo pour le MoMA, Jonas a décrit son travail comme androgyne; les travaux antérieurs étaient plus impliqués dans la recherche d’une langue vernaculaire féminine dans l’art, explique-t-elle, et, contrairement à la sculpture et à la peinture, la vidéo était plus ouverte, moins dominée par les hommes.

En 1975, Jonas est apparu en tant qu’interprète dans le film Keep Busy, du photographe Robert Frank et du romancier-scénariste Rudy Wurlitzer. En 1976, avec The Juniper Tree, Jonas est arrivé à une structure narrative provenant de diverses sources littéraires, telles que les contes de fées, la mythologie, la poésie et les chansons folkloriques, formalisant une méthode de présentation très complexe et non linéaire. À l’aide d’un décor théâtral coloré et d’un son enregistré, The Juniper Tree a raconté l’histoire de Grimm Brothers d’une belle-mère maléfique archétypale et de sa famille.

Dans les années 1990, la série My New Theatre de Jonas s’est éloignée d’une dépendance à sa présence physique. Les trois pièces ont étudié, dans l’ordre: un danseur du Cap-Breton et sa culture locale; un chien sautant à travers un cerceau pendant que Jonas dessine un paysage; et enfin, à l’aide de pierres, de costumes, d’objets chargés de mémoire et de son chien, une vidéo sur l’acte de jouer. Elle a également créé «Revolted by the Thought of Known Places… (1992) et Woman in the Well (1996/2000).

Dans son installation / performance commandée pour Documenta 11, Lines in the Sand (2002), Jonas a étudié les thèmes de soi et du corps dans une installation de performance basée sur le poème épique de l’écrivain HD (Hilda Doolittle) « Helen in Egypt » ( 1951-1955), qui retravaille le mythe d’Hélène de Troie. Jonas a présenté plusieurs de ses premières performances à The Kitchen, notamment Funnel (1972) et la projection de Vertical Roll (1972). Dans The Shape, The Scent, The Feel of Things, produit par The Renaissance Society en 2004, Jonas s’inspire du travail d’Aby Warburg sur l’imagerie Hopi.

Depuis 1970, Jonas a passé une partie de chaque été au Cap-Breton, en Nouvelle-Écosse. Elle a vécu et travaillé en Grèce, au Maroc, en Inde, en Allemagne, aux Pays-Bas, en Islande, en Pologne, en Hongrie et en Irlande.

Les œuvres de Jonas ont été jouées pour la première fois dans les années 60 et 70 pour certains des artistes les plus influents de sa génération, notamment Richard Serra, Robert Smithson, Dan Graham et Laurie Anderson. Bien qu’elle soit largement connue en Europe, ses performances révolutionnaires sont moins connues aux États-Unis, où, comme l’écrivait le critique Douglas Crimp de son travail en 1983, « la rupture qui s’opère dans les pratiques modernistes a par la suite été réprimée, lissée ». Pourtant, en reprenant des œuvres anciennes et récentes, Jonas continue de trouver de nouvelles couches de significations dans des thèmes et des questions de genre et d’identité qui ont alimenté son art pendant plus de trente ans.

La performance de Jonas inspirée des écrits de l’anthropologue allemande Aby Warburg, The Shape, The Scent, The Feel of Things, a été commandée par Dia Beacon et a été jouée deux fois entre 2005 et 2006. Ce projet a établi une collaboration continue et continue avec le pianiste Jason Moran.

Pour la saison 2014/2015 à l’Opéra d’État de Vienne, Joan Jonas a conçu une image à grande échelle (176 m²) dans le cadre de la série d’expositions Safety Curtain, conçue par le musée en cours.

Jonas a également été présenté comme chorégraphe pour l’Opéra de Robert Ashley intitulé Excursions célestes en 2003

Enseignement
À partir de 1993, Jonas, basé à New York, a passé une partie de chaque année à Los Angeles, donnant un cours sur les nouveaux genres à la UCLA School of the Arts. En 1994, elle a été nommée professeur titulaire à l’Académie nationale des beaux-arts de Stuttgart, en Allemagne. Depuis 1998, elle est professeur d’arts visuels au Massachusetts Institute of Technology (MIT), où elle est actuellement professeur émérite en art, culture et technologie à la School of Architecture and Planning.

Reconnaissance
Jonas a reçu des bourses et des subventions pour la chorégraphie, la vidéo et les arts visuels du National Endowment for the Arts; Fondation Rockefeller; Fonds pour la télévision d’art contemporain (CAT); Laboratoire de télévision à WNET / 13, New York; Atelier de télévision d’artistes à WXXI-TV, Rochester, New York; et Deutscher Akademischer Austausch Dienst (DAAD). Jonas a reçu le prix du musée d’art moderne de la préfecture de Hyogo au Tokyo International Video Art Festival, le Polaroid Award for Video et le Maya Deren Award pour la vidéo de l’American Film Institute.

En 2009, Jonas a reçu un Lifetime Achievement Award du Solomon R. Guggenheim Museum.

En 2012, Jonas a été honoré à l’occasion du gala du printemps de cuisine.

Jonas a été nommé Whitechapel Gallery Art Icon 2016. En 2018, Jonas a remporté le prix de Kyoto pour l’art.

Jonas a reçu des prix de Anonymous Was A Woman (1998); la Fondation Rockefeller (1990); Prix ​​Maya Deren de l’American Film Institute pour la vidéo (1989); Fondation Guggenheim (1976); et le National Endowment for the Arts (1974).

Collections publiques
Joan Jonas est représentée à New York par l’entreprise de Gavin Brown et à Los Angeles par la Rosamund Felsen Gallery. En plus de travailler sur son art, Jonas siège au conseil consultatif de l’Institut Hauser & Wirth depuis 2018.

Le travail de Jonas se trouve dans un certain nombre d’institutions publiques, notamment:

Musée d’art moderne, New York
Musée Solomon R. Guggenheim, New York
Tate Modern, Londres

L’exposition
Joan Jonas conçoit un nouveau complexe d’œuvres, créant une ambiance multicouche, intégrant vidéo, dessins, objets et son. La littérature a toujours été une source d’inspiration et de source pour Jonas, et le projet pour Venise étendra son enquête sur le travail de Halldór Laxness et son écriture sur les aspects spirituels de la nature, mais se concentrera sur d’autres sources littéraires.

Jonas a continué à travailler avec une approche multimédia tout au long de sa carrière, étant l’un des premiers artistes à explorer le potentiel de la caméra vidéo en tant qu’outil de création d’images et du moniteur de télévision en tant qu’objet sculptural. Dans le même temps, Jonas a expérimenté ses performances en incorporant le corps dans le champ visuel. Ses installations et ses performances rassemblent ces composants à travers le dessin, les accessoires et les objets pour créer des œuvres reflétant ses recherches en relation avec l’espace, la narration ou la narration, et les matériaux tels qu’ils sont modifiés par diverses technologies telles que le miroir, la vidéo et la distance. À Venise, elle travaillera avec ces divers aspects de sa pratique pour créer cinq salles distinctes, avec des thèmes communs unifiant et résonnant dans tout l’espace, liés à l’état actuel du monde en termes poétiques.

Le travail de Jonas s’est développé à partir de ses études d’histoire de l’art et de sa pratique de la sculpture, et s’est étendu à la performance et au cinéma dans les années 1960 grâce à son implication dans la scène avant-gardiste de New York. Son travail a eu une influence significative sur l’art contemporain à ce jour, car elle a continué d’être une figure majeure dans les domaines de la performance et de l’art vidéo au cours des cinq dernières décennies.

Parallèlement à la présentation de son nouveau travail au Pavillon américain, la Liste présentera Joan Jonas: films et vidéos sélectionnés 1972-2005. Organisée par Henriette Huldisch, cette exposition présentera sept des œuvres vidéo monocanaux les plus importantes de Jonas, sélectionnées au cours de ses 40 ans de carrière, dans la galerie Bakalar de la Liste du 7 avril au 5 juillet 2015. L’exposition intime fournira un contexte important et le contexte pour le nouveau travail de Jonas en vue simultanément à Venise, et partagera avec le public local les vidéos et performances pivots qui ont conduit à la sélection de l’artiste en tant que représentant américain pour la Biennale de Venise 2015. Les œuvres de l’exposition comprennent:
Télépathie visuelle du miel biologique (1972)
Songdelay (1973)
Bonne nuit bonjour (1976)
Mirage (1976)
Double Lunar Dogs (1984)
Volcano Saga (1989)
Lignes dans le sable (2002-2005)

Thèmes
Ils viennent à nous sans un mot, qui comprend des vidéos, des dessins, des éléments sculpturaux et performatifs, évoque la fragilité de la nature dans une situation en évolution rapide. Chaque pièce du pavillon représente une créature particulière (abeilles, poisson), un objet (miroir), une force (vent) ou un lieu (la chambre principale). Des fragments d’histoires fantômes provenant de la tradition orale du Cap-Breton, en Nouvelle-Écosse, font partie d’un récit continu reliant une pièce à l’autre. Ces fragments parlés fonctionnent en partie comme une référence à ce qui reste. Jonas déclare: «Nous sommes hantés, les pièces sont hantées.» Une pièce extérieure, dans la cour du pavillon, composée de troncs d’arbres morts maintenus ensemble par des fils, fait écho aux thèmes de l’installation.

Quatre des chambres comportent chacune deux vidéos, l’une représentant le motif principal de la pièce et l’autre le récit fantôme. Jonas a développé les vidéos à New York en 2015 avec des enfants âgés de cinq à seize ans. Les enfants ont joué devant des décors vidéo qui contenaient des extraits des œuvres antérieures de Jonas ainsi que des paysages que l’artiste a tournés en Nouvelle-Écosse, au Canada, et à Brooklyn, à New York.

Une sélection d’objets qui ont été utilisés comme accessoires dans les vidéos sont placés dans chaque pièce à côté des dessins très distinctifs de Jonas. L’installation est animée par une bande sonore conçue par Jonas, utilisant des extraits de musique du pianiste de jazz, compositeur Jason Moran et des chansons de la chanteuse sami norvégienne Ánde Somby. L’éclairage personnalisé est conçu par le designer Jan Kroeze.

Des miroirs recouvrent les murs lambrissés de la rotonde du pavillon, où Jonas a suspendu une structure en forme de lustre en perles de cristal au plafond. Les miroirs ondulés ont été conçus par Jonas et fabriqués à la main à Murano.

Joan Jonas a reçu une mention spéciale d’un jury international pour la 56e Biennale de Venise pour son installation vidéo et sonore évocatrice. Les installations, les œuvres vidéo et les performances de Jonas réunissent ces composants avec des dessins, des accessoires, des objets et le langage, reflétant ses recherches sur la façon dont l’image est modifiée à travers les médiums du miroir, de la distance, de la vidéo et du récit.

Art de la performance
En conjonction avec l’exposition, Jonas a présenté les performances de Moving Off the Land, un hommage fascinant et une réponse poétique à la puissance de l’océan. La performance à plusieurs niveaux rassemble des lectures, de la danse, des dessins en direct et des projections pour dépeindre les habitants de la biodiversité de l’océan et les cultures marines menacées.

L’installation multimédia de Joan Jonas They Come to Us without a Word a été recréée et présentée comme une série de performances en juillet 2015 au Teatro Piccolo Arsenale de Venise. Ce processus de traduction entre les médias est une pratique courante dans le travail de Jonas. Pour les performances, l’artiste a réédité les séquences vidéo créées spécialement pour le pavillon américain. Avec They Come to Us without a Word II, Joan Jonas continue d’étudier le mouvement, l’espace et le temps en relation avec le son et l’image projetée. Dans ce travail, Jonas fait référence aux aspects de la disparition dans le monde naturel à travers des ombres ou des fantômes, alors que les humains continuent de ne pas tenir compte de l’environnement.

Conçus et dirigés par Jonas, They Come to Us without a Word II mettait en vedette de la musique nouvellement composée par le collaborateur de longue date de Jonas, le pianiste et compositeur de jazz américain Jason Moran.

«Ces phénomènes naturels que Joan Jonas évoque en jouant avec le son, le dessin et le mouvement et d’autres stimuli sont présents pour eux-mêmes et transmettent au spectateur ce qu’ils sont et ce qu’ils font, l’artiste agissant comme chef d’orchestre. ou messager de leur être. « (Marina Warner)

« Bien que l’idée de mon travail implique la question de savoir comment le monde change si rapidement et si radicalement, je n’aborde pas le sujet directement ou didactiquement », a déclaré Jonas. « Au contraire, les idées sont impliquées poétiquement à travers le son, l’éclairage et la juxtaposition d’images d’enfants, d’animaux et de paysages. »

Joan Jonas continue d’étudier le mouvement, l’espace et le temps, en relation avec le son et l’image projetée avec sa performance en première mondiale au Teatro Piccolo Arsenale. Pour la performance, Jonas a réédité les séquences vidéo créées spécialement pour le pavillon américain. Certains des enfants présentés dans ces premières vidéos se sont également produits en direct au Teatro Piccolo Arsenale.

Pavillon des États-Unis
Le pavillon américain est un pavillon national de la Biennale de Venise. Il abrite la représentation officielle des États-Unis lors de la Biennale. Le pavillon américain était le neuvième à être construit sur les Giardini, mais contrairement aux autres pavillons, qui sont construits par les gouvernements, le pavillon américain était une propriété privée. Le bâtiment palladien de trois pièces a été construit en 1930 pour les New York Grand Central Art Galleries. La propriété est transférée au Musée d’art moderne en 1954 et à la Fondation Guggenheim en 1986.

Pour la représentation nationale des États-Unis, un comité d’experts sélectionne parmi les propositions rédigées par les institutions. Le Comité consultatif des expositions internationales est réuni par le National Endowment of the Arts et le Department of State. Le processus qui dure plusieurs mois implique une demande de près de 100 pages et un embargo final avant l’annonce.

Le pavillon des États-Unis à la Biennale de Venise a été construit en 1930 par les Grand Central Art Galleries, une coopérative d’artistes à but non lucratif créée en 1922 par Walter Leighton Clark avec John Singer Sargent, Edmund Greacen et d’autres. Comme indiqué dans le catalogue des Galleries de 1934, l’objectif de l’organisation était de « donner un champ plus large à l’art américain; d’exposer de manière plus large à un public plus nombreux, non seulement à New York mais dans tout le pays, exposant ainsi au monde entier. la valeur inhérente que notre art possède sans aucun doute.  »

En 1930, Walter Leighton Clark et les Grand Central Art Galleries ont dirigé la création du Pavillon américain à la Biennale de Venise. Les architectes du pavillon étaient William Adams Delano, qui a également conçu les galeries d’art Grand Central, et Chester Holmes Aldrich. L’achat du terrain, la conception et la construction ont été payés par les galeries et personnellement supervisés par Clark. Comme il l’a écrit dans le catalogue de 1934:

«Poursuivant notre objectif de mettre l’art américain au premier plan, les réalisateurs ont, il ya quelques années, affecté la somme de 25 000 $ à la construction d’un bâtiment d’exposition à Venise sur le terrain de la Biennale internationale. MM. Delano et Aldrich ont généreusement fait don des plans. pour ce bâtiment qui est construit en marbre d’Istrie et en brique rose et qui fait plus que tenir le coup avec les vingt-cinq autres bâtiments du parc appartenant aux différents gouvernements européens.  »

Le pavillon, détenu et exploité par les galeries, a ouvert ses portes le 4 mai 1930. Environ 90 peintures et 12 sculptures ont été sélectionnées par Clark pour l’exposition d’ouverture. Parmi les artistes présentés figuraient Max Boehm, Hector Caser, Lillian Westcott Hale, Edward Hopper, Abraham Poole, Julius Rolshoven, Joseph Pollet, Eugene Savage, Elmer Shofeld, Ofelia Keelan et l’artiste afro-américain Henry Tanner. L’ambassadeur américain John W. Garrett a ouvert le spectacle avec le duc de Bergame.

Les Grand Central Art Galleries ont exploité le pavillon américain jusqu’en 1954, date à laquelle il a été vendu au Museum of Modern Art (MOMA). Tout au long des années 1950 et 1960, des expositions ont été organisées par le MOMA, l’Art Institute of Chicago et le Baltimore Museum of Art. The Modern s’est retiré de la Biennale en 1964 et l’Agence d’information des États-Unis a dirigé le Pavillon jusqu’à ce qu’il soit vendu à la Fondation Guggenheim grâce aux fonds fournis par la Collection Peggy Guggenheim.

Le soutien financier de Philip Morris et les fonds privés collectés par le Comité pour le pavillon américain de 1986 à la Biennale de Venise 1986 ont rendu possible l’exposition au pavillon des États-Unis. Depuis 1986, la Collection Peggy Guggenheim collabore avec la United States Information Agency, le Département d’État américain et le Fund for Artists at International Festivals and Exhibitions à l’organisation des expositions d’arts visuels du US Pavilion, tandis que la Solomon R. Guggenheim Foundation a organisé des spectacles comparables aux Biennales d’architecture. Tous les deux ans, les conservateurs de musée de partout aux États-Unis détaillent leurs visions du pavillon américain dans des propositions qui sont examinées par le Comité consultatif fédéral de l’AEN sur les expositions internationales (FACIE), un groupe composé de conservateurs, de directeurs de musée et d’artistes qui soumettent ensuite leurs recommandations au Fonds public-privé pour les artistes des États-Unis dans les festivals et expositions internationaux.

Traditionnellement, le comité de sélection de la dotation a choisi une proposition soumise par un musée ou un conservateur, mais en 2004, il a simplement choisi un artiste qui à son tour a nommé un conservateur, approuvé plus tard par le Département d’État.

Biennale de Venise 2015
La Biennale d’art 2015 clôt une sorte de trilogie qui a commencé avec l’exposition organisée par Bice Curiger en 2011, Illuminations, et s’est poursuivie avec le Palais encyclopédique de Massimiliano Gioni (2013). Avec All The World’s Futures, La Biennale poursuit ses recherches sur des références utiles pour porter des jugements esthétiques sur l’art contemporain, question «critique» après la fin de l’art avant-gardiste et «non-art».

À travers l’exposition organisée par Okwui Enwezor, La Biennale revient pour observer la relation entre l’art et le développement de la réalité humaine, sociale et politique, dans le pressage des forces et des phénomènes extérieurs: les voies par lesquelles, c’est-à-dire les tensions de l’extérieur le monde sollicite les sensibilités, les énergies vitales et expressives des artistes, leurs désirs, les mouvements de l’âme (leur chant intérieur).

La Biennale di Venezia a été fondée en 1895. Paolo Baratta en est le président depuis 2008, et avant cela de 1998 à 2001. La Biennale, qui est à la pointe de la recherche et de la promotion des nouvelles tendances de l’art contemporain, organise des expositions, des festivals et des recherches dans tous ses secteurs spécifiques: Arts (1895), Architecture (1980), Cinéma (1932), Danse (1999), Musique (1930) et Théâtre (1934). Ses activités sont documentées aux Archives historiques des arts contemporains (ASAC) récemment rénovées.

La relation avec la communauté locale a été renforcée par des activités éducatives et des visites guidées, avec la participation d’un nombre croissant d’écoles de la région de la Vénétie et au-delà. Cela propage la créativité sur la nouvelle génération (3 000 enseignants et 30 000 élèves impliqués en 2014). Ces activités ont été soutenues par la Chambre de commerce de Venise. Une coopération avec des universités et des instituts de recherche organisant des visites et des séjours spéciaux dans les expositions a également été établie. Au cours des trois années 2012-2014, 227 universités (79 italiennes et 148 internationales) ont rejoint le projet Biennale Sessions.

Dans tous les secteurs, il y a eu plus d’opportunités de recherche et de production adressées à la jeune génération d’artistes, directement en contact avec des professeurs renommés; cela est devenu plus systématique et continu grâce au projet international Biennale College, qui se déroule désormais dans les sections danse, théâtre, musique et cinéma.