Lucio Fontana
Lucio Fontana (19 Février, 1899-7 Septembre, 1968) est un peintre italien, sculpteur et théoricien de la naissance Argentine. Il était surtout connu comme le fondateur de Spatialisme et ses liens avec Arte Povera. Il est devenu un sculpteur international en tant que sculpteur et peintre. Dans son travail, il a porté principalement sur les concepts d’espace. Il a commencé comme un artiste réaliste, après la Seconde Guerre mondiale, il est devenu la figure de proue de l’art d’avant-garde en Italie.
Né à Rosario, province de Santa Fe, en Argentine aux parents immigrés italiens, il était le fils du sculpteur Luigi Fontana (1865-1946). Fontana a passé les premières années de sa vie en Italie et est revenu à l’Argentine en 1905, où il est resté jusqu’en 1922, travaille comme un sculpteur avec son père, puis lui-même. Déjà en 1926, il a participé à la première exposition de Nexus, un groupe de jeunes artistes argentins travaillant à Rosario de Santa Fé.
En 1927, Fontana retourna en Italie et a étudié sous le sculpteur Adolfo Wildt, à l’Académie de Brera de 1928 à 1930. Il était là où il a présenté sa première exposition en 1930, organisée par la galerie d’art Milano Il Milione. Au cours de la décennie suivante, il voyagea en Italie et en France, en collaboration avec des peintres abstraits et expressionnistes. En 1935, il rejoint l’association Abstraction-Création à Paris et 1936-1949 a fait des sculptures en céramique et expressionniste bronze. En 1939, il rejoint le Corrente, un groupe d’artistes expressionnistes Milan.
En 1940, il retourne en Argentine. A Buenos Aires (1946), il a fondé l’Académie Altamira ainsi que certains de ses étudiants, et rendu public le Manifeste blanc, où il est dit que « La matière, la couleur et le son en mouvement sont les phénomènes dont le développement simultané rend le nouvel art » . Dans le texte, Fontana n’a pas signé, mais à laquelle il a activement contribué, il a commencé à formuler les théories qu’il devait développer comme Spazialismo, ou Spatialisme, dans cinq de 1947 à manifestes 1952. À son retour de l’Argentine en 1947, il pris en charge, ainsi que des écrivains et des philosophes, le premier manifeste de spatialisme (Spazialismo) **. Fontana avait trouvé son atelier et travaille complètement détruite dans les bombardements alliés de Milan, mais bientôt aussi repris ses usines céramiques à Albisola. A Milan,
Après son retour en Italie en 1948 Fontana a présenté son premier Ambiente spaziale un nera luce (Environnement Spatial) (1949) à la Galleria del Naviglio à Milan, une installation temporaire constituée par une forme de amibe comme le géant suspendu dans le vide dans une pièce sombre et éclairé par la lumière au néon. A partir de 1949 il a commencé la soi-disant Concept spatial ou une barre oblique série, consistant à trous ou des barres obliques sur la surface des peintures monochromes, dessinant un signe de ce qu’il a appelé « un art pour l’ère spatiale ». Il a conçu le titre Concetto Spaziale générique ( « concept spatial ») pour ces travaux et l’a utilisé pour presque tous ses tableaux plus tard. Ceux-ci peuvent être divisés en grandes catégories: les Buchi ( « trous »), à partir de 1949, et le Tagli ( « slash »), qu’il a institué au milieu des années 1950.
Fontana souvent doublé l’inverse de ses toiles avec de la gaze noire pour que l’obscurité se miroiter derrière les coupures et créer un sentiment mystérieux de l’illusion et de la profondeur. puis il a créé un plafond au néon élaboré appelé « Luce spaziale » en 1951 pour la Triennale de Milan. Dans sa série importante de Concetto Spaziale, La Fine di Dio (1963-1964), Fontana utilise la forme d’oeuf. Avec son Pietre (pierres) série, commencée en 1952, Fontana fusionné la sculpturale avec la peinture en parsemant les surfaces de ses toiles avec empâtements et verre coloré. Dans son Buchi (trous) du cycle, commencé en 1949-1950, il a crevé la surface de ses toiles, brisant la membrane de bidimensionnalité afin de mettre en évidence l’espace derrière l’image. A partir de 1958, il a purifié ses peintures en créant matte, surfaces monochromes, concentrant ainsi l’attention du spectateur sur les tranches qui déchirent la peau de la toile. En 1959, Fontana a exposé des peintures de coupure avec plusieurs éléments combinables (il a nommé les ensembles quanta), et a commencé la Nature, une série de sculptures en coupant une entaille à travers une sphère terre cuite l’argile, qu’il jeta ensuite en bronze.
Fontana engagé dans de nombreux projets de collaboration avec des architectes les plus importants de la journée, en particulier avec Luciano Baldessari, qui a partagé et soutenu ses recherches pour Spatial Light – Structure en néon (1951) au 9e Triennale et, entre autres, lui a commandé concevoir le plafond du cinéma dans le Pavillon Sidercomit au 21e Foire de Milan en 1953.
Vers 1960, Fontana a commencé à réinventer les coupes et les crevaisons qui avaient caractérisé son style très personnel à ce moment-là, couvrant des toiles avec des couches de peinture à l’huile épaisse appliquée à la main et à la brosse et à l’aide d’un scalpel ou d’un couteau Stanley pour créer de grandes fissures dans leur surface . En 1961, suite à une invitation à participer avec des artistes Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis, et d’autres dans une exposition de peinture contemporaine intitulée « Art et contemplation », tenue au Palazzo Grassi à Venise, il a créé une série de 22 ouvrages consacrés à la ville lagunaire. Il a manipulé la peinture avec ses doigts et divers instruments pour faire des sillons, y compris parfois des fragments épars de verre de Murano. Fontana a ensuite été invité par Michel Tapié à exposer les œuvres à la galerie Martha Jackson à New York.
Parmi les dernières œuvres de Fontana sont une série de Teatrini ( « petits théâtres »), dans lequel il est revenu à un idiome essentiellement plat en utilisant des toiles de fond enfermées dans des ailes ressemblant à un cadre; la référence au théâtre met l’accent sur l’acte de regarder, tout au premier plan une série de sphères irrégulières ou silhouettes d’oscillation, ondulées crée un jeu d’ombre vivante. Un autre travail à partir de ce moment-là, la Trinité (Trinity) (1966), se compose de trois grandes toiles blanches ponctuées par des lignes de trous, embrassé dans un décor de théâtre fabriqués à partir de feuilles de plastique ultramarine ressemblant vaguement ailes.
Au cours des dernières années de sa carrière, Fontana est devenu de plus en plus intéressé par la mise en scène de son travail dans les nombreuses expositions qui l’ont honoré dans le monde entier, ainsi que dans l’idée de pureté atteint dans ses dernières toiles blanches. Ces préoccupations occupent une place importante à la Biennale de Venise 1966, pour lequel il a conçu l’environnement pour son travail. A Documenta IV de Kassel en 1968, il a positionné une grande barre de plâtre en tant que centre d’un labyrinthe totalement blanc, y compris le plafond et le plancher (Ambiente spaziale bianco).
Peu de temps avant sa mort, il était présent à la « Destruction Art, détruire pour créer » la démonstration au Musée Finch College de New York. Puis il a quitté son domicile à Milan et est allé à Comabbio (dans la province de Varese, Italie), la ville mère de sa famille, où il mourut en 1968.
Fontana a créé une quantité prolifique de travail graphique avec des motifs abstraits ainsi que des chiffres, peu connu dans le monde de l’art, en même temps qu’il produisait ses œuvres abstraites perforées. Il a également été le sculpteur du buste de Ovidio Lagos, fondateur du journal La Capital, en marbre de Carrare.
Fontana a ses premières expositions personnelles à Galleria del Milione, Milan, en 1931. En 1961, Michel Tapié a organisé son premier spectacle aux États-Unis, une exposition de la série de Venise, à la Martha Jackson Gallery, New York. Sa première exposition personnelle à un musée américain a eu lieu au Walker Art Center, Minneapolis, en 1966. Il a participé à la Biennale de São Paulo et dans de nombreuses expositions à travers le monde. Entre autres, des rétrospectives majeures ont été organisées par la Collection Peggy Guggenheim, Venise (2006), Hayward Gallery, Londres (1999), Fondazione Lucio Fontana (1999), et le Centre Georges Pompidou (1987, rendu à La Fundación la Caixa Barcelone, Stedelijk Museum, Amsterdam, Whitechapel Gallery, Londres). Depuis 1930, le travail de Fontana avait été exposé régulièrement à la Biennale de Venise, et il a représenté plusieurs fois l’Argentine; il a reçu le Grand Prix de peinture à la Biennale de Venise de 1966. En 2014, le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris consacre une rétrospective à l’artiste. art Tornabuoni a organisé un spectacle parallèle dans son espace galerie Avenue Matignon Paris.
Aujourd’hui, les œuvres de Fontana se trouve dans les collections permanentes de plus d’une centaine de musées du monde entier. En particulier, des exemples de la série Pietre sont logés dans le Stedelijk Museum, Amsterdam, le Centre Pompidou, Paris, Musée d’Art Moderne de New York, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Rome, et van Abbemuseum, Eindhoven. Les bijoux de Fontana est inclus dans la collection permanente du Musée des Beaux-Arts, Boston.
savant italien Henry Crispolti édité un catalogue raisonné en deux volumes de peintures de Fontana, des sculptures et des environnements en 2006. En 2013, Luca Massimo Barbero, Nina Ardemagni LAURINI et Silvia Ardemagni a publié un catalogue en trois volumes raisonné des œuvres de Fontana sur papier, dont plus de 5.500 œuvres dans l’ordre chronologique.
Un rare, un grand travail de pourpre avec une seule barre oblique, qui Fontana dédié à sa femme et qui a toujours été connu sous le nom Teresita, alla chercher 6,7 millions de £ (11,6 millions $) chez Christie à Londres en 2008, puis un record d’enchères pour l’artiste. Concetto Spaziale Fontana, Attese (1965), de la collection d’Anna-Stina Malmborg Hoglund et Gunnar Hoglund a établi un nouveau record pour un tableau de barre oblique à 8,4 millions £ à Sotheby à Londres en 2015. Encore plus populaires sont des toiles ovales de Fontana. Sotheby a vendu un ouvrage intitulé Concetto Spaziale, la belle di dio (1963) pour 10.320.000 £ en 2008. Une partie du cercle Venise Fontana, Festival sur le Grand Canal a été vendu chez Christie à New York pour 7 millions $ en 2008.