Le maniérisme, également connu sous le nom de Renaissance tardive, est un style de l’art européen qui a émergé vers la fin de la Haute Renaissance italienne vers 1520 et a duré jusqu’à la fin du XVIe siècle en Italie, lorsque le style baroque a commencé à le remplacer. Le maniérisme nordique continua jusqu’au début du XVIIe siècle.
Nom donné à la phase stylistique dans l’art de l’Europe entre la Haute Renaissance et le baroque, couvrant la période de 1510-20 à 1600 Il est aussi parfois appelé Renaissance tardive, et l’abandon du classicisme de la Haute Renaissance est déjà évident dans les dernières œuvres de Léonard de Vinci et Raphaël, et dans l’art de Michel-Ange à partir du milieu de sa carrière créative Bien que les artistes du XVIe siècle aient pris comme point de départ le vocabulaire formel de la Haute Renaissance, ils l’utilisèrent diamétralement opposé à l’idéal harmonieux qu’il servait à l’origine. Il y a donc de bonnes raisons de considérer le maniérisme comme une phase stylistique valide et autonome, un statut revendiqué par les historiens de l’art du début du XXe siècle. dessin pratiqué par des artistes travaillant à Anvers légèrement plus tôt, de 1500 av.
D’un point de vue stylistique, le maniérisme englobe une variété d’approches influencées par et réagissant aux idéaux harmonieux associés à des artistes tels que Léonard de Vinci, Raphaël et Michel-Ange. Là où l’art de la Haute Renaissance met l’accent sur la proportion, l’équilibre et la beauté idéale, le maniérisme exagère de telles qualités, donnant souvent lieu à des compositions asymétriques ou anormalement élégantes. Le style est remarquable pour sa sophistication intellectuelle ainsi que ses qualités artificielles (par opposition aux qualités naturalistes). Il favorise la tension compositionnelle et l’instabilité plutôt que l’équilibre et la clarté de la peinture de la Renaissance. Le maniérisme dans la littérature et la musique est remarquable par son style très fleuri et sa sophistication intellectuelle.
La définition du maniérisme et ses phases continuent d’être un sujet de débat parmi les historiens de l’art. Par exemple, certains chercheurs ont appliqué l’étiquette à certaines formes modernes de littérature (en particulier la poésie) et à la musique des 16e et 17e siècles. Le terme est également utilisé pour désigner certains peintres gothiques tardifs travaillant dans le nord de l’Europe de 1500 à 1530, en particulier les maniéristes d’Anvers – un groupe sans rapport avec le mouvement italien. Le maniérisme a également été appliqué par analogie à l’âge d’argent de la littérature latine.
Nomenclature
Le mot maniérisme dérive de l’italien maniera, qui signifie «style» ou «manière». Comme le mot anglais « style », maniera peut soit indiquer un type spécifique de style (un beau style, un style abrasif) ou indiquer un absolu qui n’a pas besoin de qualification (quelqu’un « a du style »). Dans la deuxième édition de ses Vies des plus excellents peintres, sculpteurs et architectes (1568), Giorgio Vasari a utilisé maniera dans trois contextes différents: pour discuter de la manière ou de la méthode de travail d’un artiste; décrire un style personnel ou de groupe, tel que le terme maniera greca pour se référer au style byzantin ou simplement à la maniera de Michel-Ange; et d’affirmer un jugement positif de qualité artistique. Vasari était également un artiste maniériste, et il a décrit la période dans laquelle il a travaillé comme « la maniera moderna », ou le « style moderne ». James V. Mirollo décrit comment les poètes «bella maniera» ont tenté de surpasser en virtuosité les sonnets de Pétrarque. Cette notion de «bella maniera» suggère que les artistes ainsi inspirés ont cherché à copier et à améliorer leurs prédécesseurs, plutôt que de se confronter directement à la nature. En substance, « bella maniera » a utilisé le meilleur d’un certain nombre de sources, en le synthétisant en quelque chose de nouveau.
En tant que label stylistique, le «maniérisme» n’est pas facile à définir. Il a été utilisé par l’historien suisse Jacob Burckhardt et popularisé par les historiens de l’art allemands au début du 20ème siècle pour catégoriser l’art apparemment non catégorisable du 16ème siècle italien – l’art qui ne présentait plus les approches harmonieuses et rationnelles associées à la Haute Renaissance. La «Haute Renaissance» connote une période caractérisée par l’harmonie, la grandeur et la renaissance de l’Antiquité classique. Le terme maniériste a été redéfini en 1967 par John Shearman suite à l’exposition de peintures maniéristes organisée par Fritz Grossmann à la Manchester City Art Gallery en 1965. Le label « maniérisme » fut utilisé au XVIe siècle pour commenter le comportement social et transmettre un virtuose raffiné. qualité ou pour signifier une certaine technique. Cependant, pour les écrivains plus tard, comme le Gian Pietro Bellori du 17ème siècle, « la maniera » était un terme péjoratif pour le déclin perçu de l’art après Raphaël, en particulier dans les années 1530 et 1540. À partir de la fin du XIXe siècle, les historiens de l’art ont couramment utilisé le terme pour décrire l’art qui suit le classicisme de la Renaissance et précède le baroque.
Pourtant les historiens diffèrent quant à savoir si le maniérisme est un style, un mouvement ou une période; et bien que le terme reste controversé, il est encore couramment utilisé pour identifier l’art et la culture européenne du 16ème siècle.
Origine et développement
À la fin de la Haute Renaissance, les jeunes artistes ont connu une crise: il semblait que tout ce qui pouvait être réalisé était déjà atteint. Plus de difficultés, techniques ou autres, restaient à résoudre. La connaissance détaillée de l’anatomie, de la lumière, de la physionomie et de la façon dont les humains enregistrent l’émotion dans l’expression et le geste, l’utilisation novatrice de la forme humaine dans la composition figurative, l’utilisation de la gradation subtile du ton. Les jeunes artistes avaient besoin de trouver un nouvel objectif et ils cherchaient de nouvelles approches. À ce stade, le maniérisme a commencé à émerger. Le nouveau style se développa entre 1510 et 1520, soit à Florence, soit à Rome, soit dans les deux villes simultanément.
Origines et modèles
Cette période a été décrite comme une « extension naturelle » de l’art d’Andrea del Sarto, Michel-Ange et Raphaël. Michel-Ange développa très tôt son propre style, profondément original et admiré au début, puis souvent copié et imité par d’autres artistes de l’époque. L’une des qualités les plus admirées par ses contemporains était son terribilità, un sentiment de grandeur grandiose, et les artistes suivants ont tenté de l’imiter. D’autres artistes ont appris le style passionné et très personnel de Michel-Ange en copiant les œuvres du maître, une manière standard que les élèves ont appris à peindre et à sculpter. Son plafond de la chapelle Sixtine leur fournit des exemples à suivre, en particulier sa représentation de figures rassemblées souvent appelées ignudi et de la Sibylle libyenne, son vestibule à la bibliothèque laurentienne, les figures de ses tombeaux Médicis et surtout son jugement dernier. Le dernier Michel-Ange fut l’un des grands modèles du maniérisme. De jeunes artistes ont fait irruption chez lui et lui ont volé des dessins. Dans son livre Les vies des peintres, sculpteurs et architectes les plus éminents, Giorgio Vasari a noté que Michel-Ange a déclaré une fois: « Ceux qui sont des disciples ne peuvent jamais passer par qui ils suivent ».
L’esprit de compétition
L’esprit de compétition était cultivé par des clients qui encourageaient les artistes sponsorisés à mettre l’accent sur la technique virtuose et à se faire concurrence pour obtenir des commandes. Il a conduit les artistes à rechercher de nouvelles approches et des scènes dramatiquement illuminées, à élaborer des vêtements et des compositions, des proportions allongées, des poses hautement stylisées et un manque de perspective claire. Léonard de Vinci et Michel-Ange ont chacun reçu une commande de Gonfaloniere Piero Soderini pour décorer un mur dans le Hall des Cinq-Cents à Florence. Ces deux artistes devaient peindre côte à côte et s’affronter, ce qui les incitait à être aussi innovants que possible.
Maniérisme précoce
Les premiers maniéristes de Florence – en particulier les étudiants d’Andrea del Sarto tels que Jacopo da Pontormo et Rosso Fiorentino qui se distinguent par des formes allongées, des poses précaires équilibrées, une perspective effondrée, des cadres irrationnels et un éclairage théâtral. Parmigianino (un étudiant de Corrège) et Giulio Romano (l’assistant principal de Raphaël) se déplaçaient dans des directions esthétiques stylisées similaires à Rome. Ces artistes ont mûri sous l’influence de la Haute Renaissance, et leur style a été caractérisé comme une réaction ou une extension exagérée de celui-ci. Au lieu d’étudier directement la nature, les jeunes artistes ont commencé à étudier la sculpture hellénistique et les peintures de maîtres passés. Par conséquent, ce style est souvent identifié comme « anti-classique », mais à l’époque il était considéré comme une progression naturelle de la Haute Renaissance.La première phase expérimentale du maniérisme, connu pour ses formes « anti-classiques », a duré jusque vers 1540 ou 1550. Marcia B. Hall, professeur d’histoire de l’art à l’Université Temple, note dans son livre Après Raphaël que la mort prématurée de Raphaël a marqué le début du maniérisme à Rome.
Dans les analyses antérieures, il a été noté que le maniérisme est apparu au début du 16ème siècle en même temps qu’un certain nombre d’autres mouvements sociaux, scientifiques, religieux et politiques tels que le modèle copernicien, le sac de Rome et le défi croissant de la puissance protestante. de l’église catholique. Pour cette raison, les formes allongées et les formes déformées du style ont été interprétées une fois comme une réaction aux compositions idéalisées répandues dans l’art de la Haute Renaissance. Cette explication du changement stylistique radical c. 1520 est tombé de la faveur des érudits, bien que l’art maniériste précoce est encore nettement contrasté avec les conventions de la Haute Renaissance; l’accessibilité et l’équilibre atteints par l’Ecole d’Athènes de Raphaël ne semblaient plus intéresser les jeunes artistes.
Haute maniera
La deuxième période du maniérisme est généralement différenciée de la phase antérieure, dite «anti-classique». Les maniaques ultérieurs ont mis l’accent sur les conceptions intellectuelles et la virtuosité artistique, caractéristiques qui ont amené les critiques postérieurs à les accuser de travailler d’une manière «non naturelle» et affectée (maniera). Les artistes de Maniera ont regardé leur aîné contemporain Michelangelo comme leur modèle principal; leur art était un art imitant l’art, plutôt qu’un art imitant la nature. L’historien de l’art Sydney Joseph Freedberg soutient que l’aspect intellectualisant de l’art maniera consiste à attendre de son public qu’il remarque et apprécie cette référence visuelle – une figure familière dans un cadre inconnu entre des «guillemets invisibles mais ressentis». Le point culminant de l’artifice est le penchant du peintre Maniera pour avoir délibérément détourné une citation. Agnolo Bronzino et Giorgio Vasari illustrent cette souche de Maniera qui dura de 1530 à 1580. Fondé en grande partie dans les cours et dans les cercles intellectuels européens, l’art Maniera associe une élégance exagérée à une attention exquise à la surface et au détail: des personnages à la peau porcelaine , la lumière tempérée, reconnaissant le spectateur avec un regard cool, si elles font un contact visuel du tout. Le sujet de Maniera montre rarement beaucoup d’émotion, et pour cette raison les travaux illustrant cette tendance sont souvent appelés «froids» ou «à l’écart». Ceci est typique du soi-disant « style élégant » ou Maniera dans sa maturité.
Propagation du maniérisme
Les villes de Rome, Florence et Mantoue étaient des centres maniéristes en Italie. La peinture vénitienne a suivi un parcours différent, représenté par Titien dans sa longue carrière. Un certain nombre des premiers artistes maniéristes qui avaient travaillé à Rome pendant les années 1520 ont fui la ville après le sac de Rome en 1527. Alors qu’ils s’étendaient à travers le continent à la recherche d’un emploi, leur style était répandu en Italie et en Europe du Nord. Le résultat a été le premier style artistique international depuis le gothique. D’autres parties de l’Europe du Nord n’ont pas eu l’avantage d’un tel contact direct avec les artistes italiens, mais le style maniériste a fait sentir sa présence à travers des estampes et des livres illustrés. Les dirigeants européens, entre autres, ont acheté des œuvres italiennes, tandis que les artistes d’Europe du Nord ont continué à voyager en Italie, aidant à répandre le style maniériste. Des artistes italiens travaillant dans le Nord ont donné naissance à un mouvement connu sous le nom de Maniérisme du Nord. François Ier de France, par exemple, a été présenté avec Venus, Cupid, Folly and Time de Bronzino. Le style a décliné en Italie après 1580, comme une nouvelle génération d’artistes, y compris les frères Carracci, Caravaggio et Cigoli, ressuscité le naturalisme. Walter Friedlaender a identifié cette période comme «anti-maniérisme», tout comme les premiers maniéristes étaient «anti-classiques» dans leur réaction à l’écart des valeurs esthétiques de la Haute Renaissance.
En dehors de l’Italie, cependant, le maniérisme a continué au 17ème siècle. En France, où Rosso s’est rendu au tribunal de Fontainebleau, il est connu sous le nom de «style Henri II» et a eu un impact particulier sur l’architecture. D’autres centres continentaux importants du maniérisme nordique incluent la cour de Rudolf II à Prague, ainsi que Haarlem et Anvers. Le maniérisme en tant que catégorie stylistique est moins fréquemment appliqué aux arts visuels et décoratifs anglais, où les étiquettes indigènes telles que « Elizabethan » et « Jacobean » sont plus communément appliquées. Le maniérisme artisanal du XVIIe siècle est une exception, appliquée à l’architecture qui s’appuie sur des modèles plutôt que sur des précédents existants en Europe continentale.
On notera en particulier l’influence flamande à Fontainebleau qui combinait l’érotisme du style français avec une première version de la tradition vanitas qui dominerait la peinture hollandaise et flamande du XVIIe siècle. Le « pittore vago », une description des peintres du nord qui sont entrés dans les ateliers en France et en Italie afin de créer un style vraiment international, était à ce moment-là très populaire.
Sculpture
Comme dans la peinture, la première sculpture maniériste italienne était très largement une tentative de trouver un style original qui couronnerait la réalisation de la Haute Renaissance, qui signifiait essentiellement Michel-Ange en sculpture, et une grande partie de la lutte pour y parvenir se déroulait en commissions. d’autres endroits de la Piazza della Signoria à Florence, à côté du David de Michel-Ange. Baccio Bandinelli a succédé au maître lui-même le projet d’Hercule et de Cacus, mais il était un peu plus populaire que maintenant et malencontreusement comparé par Benvenuto Cellini à « un sac de melons », bien qu’il ait eu un effet durable dans apparemment en introduisant des panneaux de secours sur le piédestal des statues. Comme d’autres travaux de son et d’autres maniéristes il enlève beaucoup plus du bloc original que Michelangelo aurait fait. Le bronze de Perse avec la tête de Méduse est certainement un chef-d’œuvre, conçu avec huit angles de vue, une autre caractéristique maniériste, et artificiellement stylisé en comparaison avec les David de Michel-Ange et Donatello. A l’origine orfèvre, son célèbre Salt Cellar (1543) en or et en émail fut sa première sculpture et montre son talent à son meilleur.
Les petites figures en bronze des cabinets de collection, sujets souvent mythologiques avec des nus, étaient une forme populaire de la Renaissance à laquelle Giambologna, originairement flamand mais basé à Florence, a excellé dans la dernière partie du siècle. Il a également créé des sculptures grandeur nature, dont deux sont entrées dans la collection de la Piazza della Signoria. Lui et ses disciples ont conçu des exemples allongés élégants de la figura serpentinata, souvent de deux figures entrelacées, qui étaient intéressantes de tous les angles.
Les premiers théoriciens
Giorgio Vasari
Les opinions de Giorgio Vasari sur l’art de la peinture émergent des éloges qu’il confère aux autres artistes dans son livre Vies des artistes: il croyait que l’excellence en peinture exigeait raffinement, richesse de l’invention (invenzione), exprimée par la technique virtuose (maniera) , et l’esprit et l’étude qui sont apparus dans le travail fini, tous les critères qui ont souligné l’intellect de l’artiste et la sensibilité du patron. L’artiste n’était plus seulement un membre formé d’une Guilde locale de Saint-Luc. Maintenant il a pris sa place à la cour aux côtés des savants, des poètes et des humanistes, dans un climat qui a favorisé une appréciation pour l’élégance et la complexité. Les armoiries des mécènes de Vasari apparaissent au sommet de son portrait, tout comme s’il s’agissait de l’œuvre de l’artiste. Le cadrage de l’image gravée sur bois des Vies des artistes de Vasari serait appelé «jacobéen» dans un milieu anglophone. Dans celui-ci, les tombeaux Médicis de Michel-Ange inspirent les traits architecturaux anti-architecturaux du haut, le cadre percé de papier, les nus de satyre à la base. En tant que simple cadre, il est extravagant: maniériste, en un mot.
Gian Paolo Lomazzo
Une autre figure littéraire de l’époque est Gian Paolo Lomazzo, qui a produit deux œuvres – une pratique et une métaphysique – qui ont contribué à définir la relation consciente de l’artiste maniériste à son art. Son Trattato dell’arte della pittura, scoltura et architettura (Milan, 1584) est en partie un guide des concepts contemporains du décorum, dont la Renaissance a hérité en partie de l’Antiquité mais le maniérisme élaboré. La codification systématique de l’esthétique de Lomazzo, qui caractérise les approches les plus formalisées et les plus académiques typiques de la fin du 16ème siècle, a souligné une consonance entre les fonctions des intérieurs et les types de décors peints et sculptés qui conviendraient. L’iconographie, souvent alambiquée et abstruse, est un élément plus important dans les styles maniéristes. Son Idea del tempio della pittura (Le temple idéal de la peinture, Milan, 1590), moins pratique et plus métaphysique, décrit la théorie des quatre tempéraments de la nature humaine et de la personnalité, définissant le rôle de l’individualité dans le jugement et invention.
Quelques artistes maniéristes
Jacopo da Pontormo
Le Joseph de Jacopo da Pontormo en Egypte présente ce qui aurait été considéré à la Renaissance comme des couleurs incongrues et une manipulation incohérente du temps et de l’espace.
Rosso Fiorentino et l’école de Fontainebleau
Rosso Fiorentino, élève de Pontormo dans l’atelier d’Andrea del Sarto, apporta en 1530 le maniérisme florentin à Fontainebleau, où il devint l’un des fondateurs du maniérisme français du XVIe siècle, connu sous le nom d ‘«École de Fontainebleau». .
Les exemples d’un style décoratif riche et mouvementé à Fontainebleau diffusent encore le style italien à travers les gravures, à Anvers et de là à travers toute l’Europe du Nord de Londres à la Pologne. Le design maniériste a été étendu à des produits de luxe comme l’argent et les meubles sculptés. Un sentiment de tension, une émotion contrôlée exprimée dans le symbolisme élaboré et l’allégorie, et un idéal de beauté féminine caractérisé par des proportions allongées sont caractéristiques de ce style.
Agnolo Bronzino
Les portraits maniéristes d’Agnolo Bronzino se distinguent par une élégance sereine et une attention méticuleuse aux détails. En conséquence, on a dit que les assistants de Bronzino projettent une distance et une distance émotive marquée du spectateur. Il y a aussi une concentration virtuose sur la capture du motif précis et la brillance des textiles riches.
Alessandro Allori
Alessandro Allori (1535-1607) Susanna et les Aînés (ci-dessous) se distingue par un érotisme latent et des détails de nature morte consciemment brillants, dans une composition encombrée et tordue.
Tintoretto
La Cène du Tintoret (ci-dessous) se concentre sur la lumière et le mouvement, apportant l’image à la vie dramatique. Contrairement aux vues plus traditionnelles de la Cène, Tintoretto représente le Ciel qui s’ouvre dans la pièce, et les anges regardent avec admiration, conformément à la vieille maxime catholique: «Si les anges étaient capables d’envie, ils envieraient l’Eucharistie.
El Greco
El Greco a tenté d’exprimer une émotion religieuse avec des traits exagérés. Après la représentation réaliste de la forme humaine et la maîtrise de la perspective réalisée dans le classicisme de la haute Renaissance, certains artistes ont commencé à déformer délibérément les proportions dans un espace disjoint et irrationnel pour un effet émotionnel et artistique. El Greco est toujours un artiste profondément original. El Greco a été caractérisé par les érudits modernes comme un artiste si individuel qu’il n’appartient à aucune école conventionnelle. Les aspects clés du maniérisme au Greco comprennent la palette discordante «acide», l’anatomie allongée et torturée, la perspective et la lumière irrationnelles, et l’iconographie obscure et troublante.
Benvenuto Cellini
Benvenuto Cellini a créé la Cellini Salt Cellar d’or et d’émail en 1540 avec Poséidon et Amphitrite (eau et terre) placés dans des positions inconfortables et avec des proportions allongées. Il est considéré comme un chef-d’œuvre de la sculpture maniériste.
Joachim Wtewael
Joachim Wtewael (1566-1638) a continué à peindre dans un style maniériste du Nord jusqu’à la fin de sa vie, ignorant l’arrivée du baroque et faisant de lui peut-être le dernier artiste maniériste important encore à travailler. Ses sujets comprenaient de grandes scènes avec des natures mortes à la manière de Pieter Aertsen, et des scènes mythologiques, de nombreuses petites peintures de coffrets magnifiquement exécutées sur cuivre, et la plupart de la nudité.
Giuseppe Arcimboldo
Giuseppe Arcimboldo (également orthographié Arcimboldi) est connu pour ses portraits construits à partir d’une composition de nature morte
Architecture maniériste
L’architecture maniériste se caractérisait par une supercherie visuelle et des éléments inattendus qui remettaient en cause les normes de la Renaissance. Les artistes flamands, dont beaucoup ont voyagé en Italie et ont été influencés par les développements maniéristes là-bas, ont été responsables de la propagation des tendances maniéristes en Europe au nord des Alpes, y compris dans le domaine de l’architecture. Pendant cette période, les architectes ont expérimenté l’utilisation de formes architecturales pour mettre en valeur les relations solides et spatiales. L’idéal d’harmonie de la Renaissance cède la place à des rythmes plus libres et plus imaginatifs. L’architecte le plus connu associé au style maniériste et pionnier à la Bibliothèque Laurentienne était Michel-Ange (1475-1564). Il est crédité d’avoir inventé l’ordre géant, un grand pilastre qui s’étend du bas vers le haut d’une façade. Il l’a utilisé dans sa conception pour le Campidoglio à Rome.
Avant le 20ème siècle, le terme maniérisme avait des connotations négatives, mais il est maintenant utilisé pour décrire la période historique en termes plus généraux sans jugement. L’architecture maniériste a également été utilisée pour décrire une tendance dans les années 1960 et 1970 qui impliquait de briser les normes de l’architecture moderniste tout en reconnaissant leur existence. Définissant maniériste dans ce contexte, l’architecte et auteur Robert Venturi a écrit: «Le maniérisme pour l’architecture de notre temps qui reconnaît l’ordre conventionnel plutôt que l’expression originale mais rompt l’ordre conventionnel pour accommoder la complexité et la contradiction sans ambiguïté.
Exemples de la Renaissance
Un exemple d’architecture maniériste est la Villa Farnese à Caprarola. dans la campagne accidentée à l’extérieur de Rome. La prolifération des graveurs au cours du 16ème siècle a propagé les styles maniéristes plus rapidement que tous les styles précédents.
Dense avec l’ornement des détails «romains», la porte d’exposition au château de Colditz illustre ce style nordique, appliqué de façon caractéristique en tant que pièce isolée isolée contre la muraille vernaculaire sans prétention.
À partir de la fin des années 1560, de nombreux bâtiments à La Valette, la nouvelle capitale de Malte, ont été conçus par l’architecte Girolamo Cassar dans le style maniériste. De tels bâtiments incluent la Co-Cathédrale de St. John’s, le Palais du Grand Maître et les sept auberges originales. Beaucoup de bâtiments de Cassar ont été modifiés au cours des années, en particulier à l’époque baroque. Cependant, quelques bâtiments, tels que l’Auberge d’Aragon et l’extérieur de la Co-Cathédrale de Saint-Jean, conservent encore la plupart du design maniériste original de Cassar.
Maniérisme dans la littérature et la musique
Dans la littérature anglaise, le maniérisme est communément identifié aux qualités des poètes «métaphysiques» dont le plus célèbre est John Donne. La sortie spirituelle d’un écrivain baroque, John Dryden, contre le vers de Donne dans la génération précédente, offre un contraste concis entre les buts baroques et maniéristes dans les arts:
Il affecte la métaphysique, non seulement dans ses satires mais dans ses vers amoureux, où la nature seule doit régner; et laisse perplexes les esprits du beau sexe avec de jolies spéculations philosophiques quand il devrait engager leurs coeurs et les divertir avec les douceurs de l’amour. 15 (italique ajouté)
Les riches possibilités musicales de la poésie de la fin du XVIe siècle et du début du XVIIe siècle ont fourni une base attrayante au madrigal, qui s’est rapidement imposé comme la forme musicale prééminente de la culture musicale italienne, comme l’a souligné Tim Carter:
Le madrigal, en particulier dans son apparence aristocratique, était évidemment un véhicule pour le «style élégant» du maniérisme, avec des poètes et des musiciens se délectant dans des conceptions spirituelles et d’autres astuces visuelles, verbales et musicales pour ravir le connaisseur.
Le mot maniérisme a également été utilisé pour décrire le style de la musique polyphonique très floride et contrapuntiquement complexe faite en France à la fin du 14ème siècle. Cette période est maintenant généralement appelée ars subtilior.
Maniérisme et théâtre
The Early Commedia dell’Arte (1550-1621): Le contexte maniériste de Paul Castagno traite de l’effet du maniérisme sur le théâtre professionnel contemporain. Castagno a été la première étude à définir une forme théâtrale comme maniériste, en employant le vocabulaire du maniérisme et maniera pour discuter de la typification, exagérée, et effetto meraviglioso de la comici dell’arte. Voir la partie II du livre ci-dessus pour une discussion complète des caractéristiques maniéristes dans la commedia dell’arte. L’étude est en grande partie iconographique, présentant une évidence picturale que beaucoup d’artistes qui ont peint ou imprimé des images de la commedia étaient en fait, venant des ateliers de la journée, fortement ancrés dans la tradition maniera.
La préciosité dans les minuscules gravures de Jacques Callot semble démentir une échelle d’action beaucoup plus large. Balli di Sfessania de Callot (littéralement, danse des fesses) célèbre l’érotisme flagrant de la commedia, avec des phallus protubérants, des lances posées avec l’anticipation d’une rame comique, et des masques grossièrement exagérés qui mélangent le bestial avec l’humain. L’érotisme des inamovés, y compris la mise à nu des seins ou le voilage excessif, était très en vogue dans les peintures et gravures de la seconde école de Fontainebleau, particulièrement celles qui détectent une influence franco-flamande. Castagno démontre des liens iconographiques entre la peinture de genre et les figures de la commedia dell’arte qui démontrent comment cette forme théâtrale a été intégrée dans les traditions culturelles de la fin du cinquecento.
Commedia dell’arte, disegno interno, et les discordia concors
Des corollaires importants existent entre le disegno interno, qui a remplacé le disegno esterno (design externe) dans la peinture maniériste. Cette notion de projeter une vision profondément subjective comme substitut de la nature ou des principes établis (perspective, par exemple), par essence, l’emphase de l’objet sur son sujet, mettant désormais l’accent sur l’exécution, les démonstrations de virtuosité ou techniques uniques. Cette vision intérieure est au cœur de la performance de la commedia. Par exemple, au moment de l’improvisation, l’acteur exprime sa virtuosité sans tenir compte des limites formelles, du décorum, de l’unité ou du texte. Arlecchino est devenu emblématique de la discordia maniériste concordia (l’union des contraires), à un moment il serait gentil et gentil, puis, sur un dixième, devenait un voleur agissant violemment avec sa batte. Arlecchino pourrait être gracieux dans le mouvement, seulement dans le prochain temps, pour trébucher maladroitement sur ses pieds. Libéré des règles extérieures, l’acteur a célébré l’évanescence du moment; de la façon dont Cellini éblouirait ses clients en drapant ses sculptures, en les dévoilant avec des effets d’éclairage et un sens du merveilleux. La présentation de l’objet est devenue aussi importante que l’objet lui-même.
Néo-maniérisme
Selon le critique d’art Jerry Saltz, le «néo-maniérisme» (le nouveau maniérisme) fait partie des clichés qui «réduisent la vie hors du monde de l’art». Le néo-maniérisme décrit l’art du 21ème siècle qui est produit par des étudiants dont les professeurs académiques « les ont effrayés d’être agréablement doux, imitatifs et ordinaires ».