L’art de l’outsider est l’art par des artisants autodidactes ou naïfs. En règle générale, ceux qui sont étiquetés comme des artistes étrangers ont peu ou pas de contact avec le monde de l’art ou les institutions artistiques. Dans de nombreux cas, leur travail n’est découvert qu’après leur mort. Souvent, l’art d’outsider illustre des états mentaux extrêmes, des idées non conventionnelles, ou des mondes imaginaires élaborés.
Le terme outsider art a été inventé par le critique d’art Roger Cardinal en 1972 comme synonyme anglais d’art brut, un label créé par l’artiste français Jean Dubuffet pour décrire l’art créé en dehors des frontières de la culture officielle; Dubuffet se concentre particulièrement sur l’art par ceux qui sont à l’extérieur de la scène artistique établie, en prenant comme exemples les patients des hôpitaux psychiatriques et les enfants.
L’art brut est le terme par lequel le peintre Jean Dubuffet se réfère aux productions de personnes sans culture artistique. Il a regroupé certaines de ces productions dans une collection, la Collection d’Art Brut à Lausanne. Le terme art brut vient de Jean Dubuffet: « Le 28 août 1945, Dubuffet baptise » art brut « , un art qui rassemble depuis plusieurs années, un art qui inclut à la fois l’art des imbéciles et des marginaux de toutes sortes: prisonniers , reclus, mystiques, anarchistes ou rebelles – Laurent Danchin – Martine Lusardy -1995, « nous ne pouvons pas réduire son intérêt pour l’art des fous à cette date seulement.
Alors que le terme Dubuffet est assez spécifique, le terme anglais «outsider art» est souvent appliqué plus largement, pour inclure certains artisants autodidactes ou naïfs qui n’ont jamais été institutionnalisés. Typiquement, ceux étiquetés outsider ont peu ou pas de contact avec l’art mainstream. Les institutions du monde ou de l’art Dans de nombreux cas, leur travail n’est découvert qu’après leur mort Souvent, l’art de l’outsider illustre des états mentaux extrêmes, des idées non conventionnelles ou des mondes imaginaires élaborés.
L’art brut a émergé comme une catégorie réussie de marketing d’art; une foire Outsider Art Fair annuelle a eu lieu à New York depuis 1993, et il existe au moins deux revues régulièrement consacrées à ce sujet. Le terme est parfois mal interprété comme un label marketing attrape-tout pour l’art créé par des personnes qui sont en dehors du «monde de l’art» ou «système de galerie d’art», indépendamment de leurs circonstances ou du contenu de leur travail.
L’art des malades mentaux
L’intérêt pour l’art des malades mentaux, avec celui des enfants et des créateurs de «l’art paysan», fut d’abord démontré par le groupe «Der Blaue Reiter»: Wassily Kandinsky, Auguste Macke, Franz Marc, Alexej Jawlensky et d’autres. Ce que les artistes percevaient dans le travail de ces groupes était un pouvoir expressif né de leur manque perçu de sophistication. Des exemples de cela ont été reproduits en 1912 dans le premier et unique numéro de leur publication, Der Blaue Reiter Almanac. Pendant la Première Guerre mondiale, Macke fut tué à Champagne en 1914 et Marc fut tué à Verdun en 1916; le vide laissé par ces morts fut en quelque sorte comblé par Paul Klee, qui continua à s’inspirer de ces «primitifs».
L’intérêt pour l’art des fous d’asile a continué de croître dans les années 1920. En 1921, le Dr Walter Morgenthaler a publié son livre Ein Geisteskranker als Künstler (Un patient psychiatrique comme artiste) sur Adolf Wölfli, un psychotique malade à sa charge. Wölfli avait spontanément commencé à dessiner, et cette activité semblait le calmer. Son travail le plus remarquable a été une épopée illustrée de 45 volumes dans laquelle il a raconté sa propre histoire de vie imaginaire. Avec 25 000 pages, 1 600 illustrations et 1 500 collages, c’est une œuvre monumentale. Wölfli a également produit un grand nombre d’œuvres plus petites, dont certaines ont été vendues ou offertes en cadeau. Son travail est exposé à la Fondation Adolf Wölfli au Musée des Beaux-Arts de Berne.
La publication de Bildnerei der Geisteskranken (Artistique des malades mentaux) en 1922 par le Dr. Hans Prinzhorn fut un moment décisif. Ce fut la première étude formelle d’ouvrages psychiatriques, basée sur une compilation de milliers d’exemples provenant d’institutions européennes. Le livre et la collection d’art ont attiré l’attention des artistes d’avant-garde de l’époque, notamment Paul Klee, Max Ernst et Jean Dubuffet.
Les personnes ayant une formation artistique formelle ainsi que les artistes bien établis ne sont pas à l’abri de la maladie mentale et peuvent aussi être institutionnalisés. Par exemple, William Kurelek, plus tard décerné l’Ordre du Canada pour son travail de vie artistique, comme un jeune homme a été admis à l’hôpital psychiatrique de Maudsley où il a été traité pour la schizophrénie. À l’hôpital, il peint, produisant The Maze, une sombre représentation de sa jeunesse torturée. Il a été transféré de l’hôpital Maudsley à l’hôpital Netherne de novembre 1953 à janvier 1955, pour travailler avec Edward Adamson (1911-1996), pionnier de l’art-thérapie et créateur de la collection Adamson.
L’art au-delà des formes d’art établies a déjà été créé dans les œuvres d’Arcimboldo, Goya, Hieronymus Bosch et dans les sculptures du Parco dei Mostri de Villa Orsini à Bomarzo.
Les formes d’art associées sont diverses. Un type d’Art Brut sont des œuvres d’art à partir d’objets du quotidien, déchets et éclats, objets en forme de coquille, sculptures, ornements et exemples de Land Art sont la machine du monde de Franz Gsellmann et le Giardino dei Tarocchi. Une autre marque possible est l’horreur vacui, obéissant à l’ensemble de la zone de dessin ou à l’espace entier rempli, comme c’était la mise en œuvre du syndrome de Messie, de tout remue-ménage et du recyclage, aux œuvres d’art.
Jean Dubuffet et l’art brut
Dubuffet a soutenu que la «culture», c’est-à-dire la culture dominante, réussissait à assimiler tout nouveau développement de l’art et, ce faisant, lui enlevait tout pouvoir qu’il aurait pu avoir. Le résultat était d’asphyxier une expression authentique. L’art brut était sa solution à ce problème – seul l’art brut était à l’abri des influences de la culture, immunisées à l’absorption et à l’assimilation, parce que les artistes eux-mêmes n’étaient pas disposés ou capables de s’assimiler.
Dubuffet a souvent redéfini l’art brut, cherchant d’abord à le distinguer de l’art populaire, de l’art naïf, des dessins d’enfants, puis à créer la «Neuve Invention» dans sa collection, à laquelle il incorpore aussi le genre singulier. naïf « , réuni dans une exposition en 1978 au Musée d’Art Moderne de la ville de Paris. Souvent paraphrasées, voire déformées, ces définitions ont donné lieu à de la confusion.
Sa toute première définition est donnée en 1949:
« Nous entendons par là des œuvres exécutées par des personnes libres de culture artistique, dans lesquelles le mimétisme, contrairement à ce qui se passe chez les intellectuels, a peu ou pas de part, de sorte que leurs auteurs dessinent tout (sujets, choix de matériaux, moyens de transposition, rythmes les modes d’écriture, etc.) de leur propre milieu et non les clichés de l’art classique ou de l’art à la mode.Nous assistons à l’opération artistique, pure, brute, réinventée dans toutes ses phases par son auteur, à partir de ses propres impulsions. donc, où la seule fonction d’invention est manifeste, et non celles, constantes dans l’art culturel, du caméléon et du singe.
Dans un second temps, en 1963, Dubuffet élargit la définition de l’Art brut:
« Productions de toutes sortes – dessins, peintures, broderies, personnages modelés ou sculptés, etc. ayant un caractère spontané et très inventif, le moins possible de clichés d’art et de culture coutumiers, et dont les auteurs sont des personnes obscures ou étrangères à la profession artistique cercles. »
Dans un troisième temps, il précise encore dans le numéro de l’art brut:
« Œuvres dont les auteurs sont des personnes issues de milieux intellectuels extérieurs, le plus souvent libres de toute éducation artistique, et chez qui l’invention est exercée, sans que cela n’affecte leur spontanéité ».
Contexte culturel
L’intérêt pour les pratiques «étrangères» parmi les artistes et les critiques du XXe siècle peut être considéré comme faisant partie d’une plus grande insistance sur le rejet des valeurs établies dans le milieu de l’art moderniste. La première partie du 20ème siècle a donné naissance au cubisme et aux mouvements dada, constructivistes et futuristes dans l’art, qui ont tous impliqué un mouvement dramatique loin des formes culturelles du passé. Le dadaïste Marcel Duchamp, par exemple, a abandonné la technique «picturale» pour permettre aux opérations aléatoires de déterminer la forme de ses œuvres, ou simplement de recontextualiser des objets «ready-made» existants en tant qu’art. Les artistes du milieu du siècle, y compris Pablo Picasso, se sont inspirés des traditions de la haute culture en s’inspirant des artefacts des sociétés «primitives», des œuvres d’art non scolarisées des enfants et des graphiques publicitaires vulgaires. Le soutien de Dubuffet à l’art brut – des aliénés et d’autres en marge de la société – est un autre exemple de l’art d’avant-garde qui défie les valeurs culturelles établies.
Terminologie
Un certain nombre de termes sont utilisés pour décrire l’art qui est vaguement compris comme «en dehors» de la culture officielle. Les définitions de ces termes varient et se chevauchent. Quels que soient les points de vue que nous avons sur la valeur de la controverse elle-même, il est important de soutenir la discussion créative au moyen d’un vocabulaire convenu. »Par conséquent, ils déplorent l’utilisation de« outsider artist »pour désigner presque n’importe quel artiste non formé. Outsider Art est virtuellement synonyme d’Art Brut à la fois dans l’esprit et le sens, à la rareté de l’art produit par ceux qui ne connaissent pas son nom. »
Art Brut: littéralement traduit de français signifie «art brut»; « Raw » en ce qu’il n’a pas été à travers le processus de «cuisine»: le monde des écoles d’art, des galeries, des musées. A l’origine art par des individus psychotiques qui existaient presque complètement en dehors de la culture et de la société. Strictement parlant, il se réfère uniquement à la Collection de l’art brut.
L’art populaire: L’art populaire suggérait à l’origine l’artisanat et les talents décoratifs associés aux communautés paysannes d’Europe – bien que cela puisse vraisemblablement s’appliquer à n’importe quelle culture indigène. Il a élargi pour inclure n’importe quel produit de l’art pratique et du talent décoratif – tout des animaux de scie à chaîne aux bâtiments hub-cap. Une distinction clé entre l’art populaire et l’art de l’outsider est que l’art populaire incarne typiquement des formes traditionnelles et des valeurs sociales, où l’art de l’outsider se situe dans une relation marginale avec le courant principal de la société.
Art intuitif / art visionnaire: les termes généraux préférés de Raw Vision Magazine pour l’art de l’outsider. Il les décrit comme des termes génériques délibérés. Cependant, contrairement à d’autres définitions, l’art visionnaire peut souvent se référer à l’objet des œuvres, qui comprend des images de nature spirituelle ou religieuse. L’art intuitif est probablement le terme le plus général disponible. Intuit: Le Centre for Intuitive and Outsider Art basé à Chicago exploite un musée dédié à l’étude et à l’exposition de l’art intuitif et outsider. L’American Visionary Art Museum de Baltimore, dans le Maryland, est dédié à la collection et à l’exposition d’art visionnaire.
Art marginal / Art singulier: Essentiellement la même chose que Neuve Invention; fait référence à des artistes en marge du monde de l’art.
Art naïf: Un autre terme communément appliqué aux artistes non formés qui aspirent à un statut artistique «normal», c’est-à-dire qu’ils ont une interaction beaucoup plus consciente avec le monde de l’art traditionnel que les artistes étrangers.
Neuve invention: Utilisé pour décrire des artistes qui, bien que marginaux, ont une certaine interaction avec la culture dominante. Ils peuvent faire de l’art à temps partiel par exemple. L’expression a été inventée par Dubuffet aussi; à proprement parler, il ne s’agit que d’une partie spéciale de la Collection de l’art brut.
Environnements visionnaires: Des bâtiments et des parcs de sculptures construits par des artistes visionnaires – allant de maisons décorées à de vastes espaces intégrant un grand nombre de sculptures individuelles avec un thème étroitement associé. Les exemples incluent Watts Towers de Simon Rodia, Buddha Park et Sala Keoku de Bunleua Sulilat, et Le Palais Ideal de Ferdinand Cheval.