Salles du 19ème siècle, Second secteur, Galerie nationale d’art moderne et contemporain à Rome

L’exposition « The great Time is Out of Joint », achevant un vaste processus de transformation, de réorganisation et de réorganisation de ses collections, a marqué l’ouverture d’un nouveau chapitre dans l’histoire de la Galerie nationale d’art moderne et contemporain. L’exposition, toujours ouverte au public, a subi au fil du temps un certain nombre de transformations (variantes, ajouts et remplacements d’œuvres) qui, en modifiant la morphologie de l’exposition, ont mis en lumière un projet conçu depuis dès l’origine en modulation continue. Dans la sortie imminente de la publication dédiée à Time is Out of Joint (qui établit le travail fertile de transformation de l’espace et de la collection par l’exposition du même nom après coup), le nouveau projet Joint is Out of Time rouvre.

Diffusées dans diverses salles de la Galerie, les œuvres d’Elena Damiani, Fernanda Fragateiro, Francesco Gennari, Roni Horn, Giulio Paolini, Jan Vercruysse sont incrustées dans le préexistant soulignant l’émergence d’une constellation sans précédent dont la conception semble capable de s’inscrire dans le corpus du temps est hors du commun. L’objectif du nouveau projet, réalisé en étroite concertation avec les artistes invités, est de construire une «  exposition  » dans le lisible déjà construit comme une sorte de variation au cours du travail et capable de s’insérer dans un contexte et de le faire  » résonner », en ajoutant des nuances et des nuances différentes et complémentaires. D’où la particularité d’un format d’exposition qui tire paradoxalement son mérite de se fondre dans l’agencement qui le abrite.

L’opération complexe qui relie Time is Out of Joint avec Joint is Out of Time, explicitement soulignée par l’inversion des termes exprimés dans le titre, tend (à travers une sorte de double lien) à établir une relation disjonctive entre deux projets qui, les proportions dues sont configurées comme des moments autonomes mais indissociables d’un même processus: deux moments simultanés d’une opération visant à faire émerger, en même temps, d’un côté la réserve du futur gardée par la prestigieuse collection de la Galerie et, sur la d’autre part, l’impact profond de la mémoire de l’histoire de l’art qui anime les nouvelles œuvres exposées.

Grâce à la collaboration avec l’Académie des Beaux-Arts de Rome, un projet de médiation culturelle verra les étudiants présents dans les espaces d’exposition de la galerie, impliqués dans l’offre de visites guidées publiques et d’informations sur l’exposition pendant la durée du Joint in Out of Time.

Salle 8
Chambre du jardinier
La salle est dédiée aux artistes impressionnistes et aux peintres qui peuvent être entourés du nom de l’École de Paris, elle comprend donc également les Italiens qui, à la fin du siècle, ont déménagé à Paris, considérée aujourd’hui comme la capitale mondiale de l’art.

L’impressionnisme est basé sur la possibilité de faire, à travers la couleur, les impressions de la réalité, avec une préférence pour le paysage; pour cette raison, ils préfèrent peindre à l’extérieur, fixant sur la toile les impressions suscitées par la réalité des lumières et des couleurs, avec des coups de pinceau rapides sans suivre un dessin préétabli et préalablement dessiné.

La date de naissance est le 15 avril 1874, lorsque Monet, Renoir, Sisley, Degas, Morisot et d’autres exposent par le photographe Nadar. Il s’agissait de peintures en plein air exécutées le long des rives de la Seine, aidées par les progrès de la chimie qui avaient produit les peintures à l’huile dans des tubes, faciles à utiliser en dehors de l’atelier. L’exposition a été un échec total de la critique. L’impressionnisme était le terme créé par un critique devant le tableau de Claude Monet: « Impression: soleil levant », pour mettre en évidence ses défauts, son trouble de la composition.

Traditionnellement, l’artiste qui initie est Claude Monet, tandis que celui qui conclut son expérience en ouvrant de nouvelles voies est Paul Cézanne. Cette salle abrite les trois tableaux au centre d’un vol sensationnel survenu à la Galerie en mai 1998: le soir du 19, « Il Gardener » et « L’Arlesiana » de Vincent van Gogh et « Le Cabanon de Jourdan » ont été volés Paul Cézanne. L’histoire du vol est décrite en détail dans le livre « 22h00, vol dans la galerie », signé par Francesco Pellegrino et avec l’introduction de Walter Veltroni.

Salle 9
Salle de Giordano Bruno
La salle ouvre la partie de la galerie consacrée à la seconde moitié du XIXe siècle, ou plutôt aux œuvres créées après 1883, année de création du musée.

Le salon veut célébrer l’épopée du Risorgimento avec les grandes peintures de Fattori et Cammarano des batailles commandées par le jeune État unitaire et avec la toile sur Dogali il parle des ambitions coloniales de l’Italie de l’époque, tandis qu’avec la peinture des émigrants d’Adolfo Tommasi, les artistes sont également confrontés aux nouveaux problèmes sociaux qui se posent au cours de ces années. Au centre, le casting de la statue de Giordano Bruno d’Ettore Ferrari veut rendre hommage à la composante la plus radicale de notre Risorgimento.

Salle 10
Chambre de la mère
La salle est dédiée aux Toscans, dans la période qui suit celle des Macchiaioli. Il tire son nom de la statue placée au centre qui est l’œuvre d’un artiste théorique du mouvement qui vient d’être mentionné.

Salle 11
Salle de vote
La salle tire son nom de la grande toile de: Francesco Paolo Michetti, The Vow, 1883.

Il représente la fête de San Pantaleone, patron de Miglianico (dans les Abruzzes), construit entre 1881 et 1883, devenu la grande attraction de l’Exposition internationale de Rome en 1887, suscitant un débat animé, en particulier pour le réalisme brut, très éloigné de son sujets précédents. La toile représente une expression originale du mouvement réaliste qui, dans ces années, s’est également manifestée dans le domaine littéraire avec I Malavoglia di Verga (1881).

Francesco Paolo Michetti (Tocco Causaria, Pescara 1851 – Francavilla al Mare, Chieti 1929) a été formé à Naples à l’Accademia avec Morelli et Filippo Palizzi qui l’ont encouragé à travailler de la vie dans les Abruzzes. Il a rencontré D’Annunzio et a étudié en profondeur l’environnement et les coutumes des Abruzzes. Autrefois sujet d’un enthousiasme disproportionné, le travail de Michetti a rapidement été ramené aux limites marquées par un descriptivisme exubérant et superficiel. Tiré de l’Encyclopaedia dell’Arte, 2002 Garzanti.
Lorsqu’en 1915 les collections de la Galerie sont transportées vers le bâtiment viale delle Belle Arti, une commande formée par Michetti, Bistolfi et Ojetti en fait l’ordre par régions. De: Bucarelli, The Gallery of Modern Art, 1973 State Printing Institute

Salle 12
Chambre vénitienne
La salle est ainsi appelée car elle est dédiée aux peintres vénitiens qui sont influencés par la tradition de l’école vénitienne, caractérisée par la luminosité des peintures, tout comme les artistes les plus représentatifs de cette école du Titien et du Tintoret. L’artiste peut-être le plus important de cette peinture au XIXe siècle est Giacomo Favretto (Venise 1842 – 1917), il se consacre à la peinture de paysage en adhérant à la poétique des Macchiaioli, à la suite de celle de Costa et des peintres napolitains. De retour à Venise, il parvient à rassembler les nouvelles acquisitions picturales dans le rétablissement de la tradition paysagère vénitienne du XVIIIe siècle, avec un langage de raffinement sensible qui n’exclut pas une transcription naturaliste claire. Parmi ses œuvres les plus célèbres: « Mattino alla Giudecca » 1892, Trieste, Museo Revoltella.

Salle 13
Salle de Stanga
La salle est dédiée aux peintres du nord de l’Italie à la fin de la fin du XIXe siècle. La salle tire son nom de la plus grande œuvre placée au centre:

Giovanni Segantini, Alla stanga, 1886. Le tableau est situé dans une vallée alpine, la Valsassina, les contreforts de la Brianza. Au premier plan, un groupe de bœufs attachés à la stanga le soir, lorsque les ombres s’allongent, la distance jusqu’aux montagnes enneigées. Les hommes et les animaux vivent immergés dans la nature, un grand sentiment de paix transparaît à travers cette image.

Giovanni Segantini (Arco, Trento 1858 – Schafberg, Grigioni 1899) est le plus célèbre des divisionnistes. « Il a concilié les principes théoriques du mouvement avec une vision nouvelle et intense de la nature, en particulier du paysage alpin. L’image est antérieure à l’adoption du divisionnisme » (d’après: Palma Bucarelli, Galerie nationale d’art moderne, 1973 State Polygraphic Institute , p. 40). Après une enfance troublée, après avoir quitté l’école de réforme de Milan, il fréquente l’académie de Brera (1857-79) où il assimile l’expérience du naturalisme lombard. Il se retire à Pusiano in Brianza approfondissant ses recherches dans le sens naturaliste. Il s’installe ensuite à Savorgnino dans les Grisons et commence à suivre la technique du divisionnisme (pour une définition de ce mouvement voir la salle Previati). De: Encyclopedia of Art,

Salle 14
Chambre Previati
La salle est dédiée à Gaetano Previati après la mort de Segantini, il est devenu le champion du divisionnisme en Italie. La division est une tendance artistique en Italie dans l’avant-dernière décennie du XIXe siècle et active jusqu’en 1915 environ. Les peintres divisionnistes se sont imposés au public et aux critiques à partir de la première Triennale de 1891. Le divisionnisme est précédé en France du Pointillisme de Georges Seurat et Paul Signac qui avaient adopté le principe de la décomposition des couleurs avec une rigueur inconnue des Italiens.

Segantini, Previati et Morbelli ont associé une composante sentimentale à une image naturaliste qui se traduit par une structure filamenteuse du coup de pinceau (Previati), ou de la matière (Segantini) ou du clair-obscur (Morbelli). Le positivisme a influencé cette tendance artistique. Le positivisme était un mouvement philosophique européen de la fin du XIXe siècle qui devait beaucoup au français Auguste Comte le nom et l’exposition théorique. Il s’oppose à l’idéal romantique avec la positivité d’une méthode basée sur des faits scientifiques et un concept de philosophie comme synthèse des sciences.

Salle 15
Veranda Sartorio
La pièce était à l’origine une véranda ouverte sur le jardin qui donne sur la Via Aldrovandi, il a ensuite été décidé de la fermer avec de grandes fenêtres pour agrandir l’espace d’exposition. Sur la véranda, Sartorio symbolise des œuvres sur toile de l’école romaine de la fin du siècle avec Sartorio, De Carolis, Nino Costa et autres.

Vestibule Eva
Toujours dans cette petite pièce, mais lumineuse, les panneaux de Paolo Gaidano sont situés (voir véranda Sartorio).

La salle est dédiée à la sculpture de la fin du XIXe siècle qui ne présente pas d’originalité particulière ni d’éléments d’innovation. Au centre de la pièce se trouve la sculpture:

Vestibule de renaissance
Dans la petite salle lumineuse, il y a les panneaux de Paolo Gaidano dont il était dit dans la véranda Sartorio, au centre la sculpture en bronze: Ettore Ximenes, Rebirth, 1895.

Il représente une jeune femme, Spring, vue selon les canons de Michel-Ange. Exemple du plus typique du style floral ou liberty, l’œuvre du sculpteur et illustrateur de Palerme a vécu principalement à Rome (1855 – 1926). En 1880, il expose avec succès le modèle de Ciceruacchio (plus tard en bronze et placé sur la promenade Ripetta), l’année suivante à Paris, il est apprécié pour sa « Nanà ». Il a fait le quadrige de bronze au Palais de Justice de Rome. Le chalet Ximenes sur la Piazza Galeno à Rome a été construit pour lui-même dans le style liberty le plus typique.

Galerie nationale d’art moderne et contemporain à Rome
La Galerie nationale d’art moderne et contemporain, également connue sous le nom de La Galleria Nazionale, est une galerie d’art à Rome, en Italie. Il a été fondé en 1883 à l’initiative de l’ancien ministre Guido Baccelli et est dédié à l’art moderne et contemporain.

Il abrite la collection la plus complète consacrée à l’art italien et étranger du XIXe siècle à nos jours. Parmi les peintures, dessins, sculptures et installations, les près de 20 000 œuvres de la collection sont l’expression des principaux courants artistiques des deux derniers siècles, du néoclassicisme à l’impressionnisme, du divisionnisme aux avant-gardes historiques du début du XXe siècle, de le futurisme et le surréalisme, jusqu’au noyau le plus visible d’œuvres d’art italien entre les années 1920 et 1940, du mouvement du XXe siècle à la soi-disant école romaine.

La Galerie nationale d’art moderne et contemporain conserve la collection complète d’art international et italien du XIXe au XXIe siècle, composée de 20 000 œuvres d’art, dont des peintures, des dessins, des sculptures et des installations, et elle représente les principaux mouvements artistiques des deux derniers siècles. . Du néoclassicisme à l’impressionnisme, au divisionnisme et aux avant-gardes historiques du début du XXe siècle, le futurisme, le surréalisme, le groupe d’œuvres le plus remarquable des années 20 aux années 40, du mouvement de Novecento à la soi-disant Scuola Romana, de Pop L’art à Arte Povera, l’art contemporain et les artistes de notre temps, et plus encore, sont représentés et présentés dans la collection et l’espace de La Galleria Nazionale.

Le nouvel aménagement de la galerie a été inauguré en octobre 2016, sur la base d’un projet original qui, en réduisant le nombre d’œuvres exposées, introduit la clé de lecture non chronologique à l’exposition principale «Le temps est hors du commun». En plus de la nouvelle disposition des salles, la zone d’accès aux services, appelée « zone d’accueil », la bibliothèque et la Sala delle Colonne sont redéfinies. Tout en conservant le nom institutionnel de la National Gallery of Modern and Contemporary Art, la galerie prend un nouveau nom dans sa communication, « The National Gallery ».