L’art religieux ou art sacré est une imagerie artistique utilisant l’inspiration et les motifs religieux et est souvent destiné à élever l’esprit au spirituel. L’art sacré implique les pratiques rituelles et cultuelles et les aspects pratiques et opératoires du chemin de la réalisation spirituelle dans la tradition religieuse de l’artiste.
Les arts sacrés sont des productions ou des pratiques artistiques (comme la peinture, la musique, la danse, etc.) visant l’expression du sacré. Les édifices religieux sont, par définition, de l’art sacré. D’autres exemples font partie de l’art sacré mondial: vitraux et rosaces de cathédrales, icônes chrétiennes, mandalas bouddhistes construits sur le cercle et selon des formes géométriques, calligraphie coranique des mosquées …
L’art sacré est une dénomination utilisée pour toutes les productions artistiques qui visent un culte du sacré ou du divin. Au cours des siècles, qui reconnaît la foi, nous découvrons que l’art sacré cherche à déterminer chaque passage et chaque aspect divin à travers des peintures, des sculptures et des mosaïques. Les représentations les plus fréquentes dans le christianisme, par exemple, nous montrent le baptême, le jugement, la crucifixion, la mort et la résurrection de Jésus-Christ, elles nous montrent aussi la Vierge Marie ou des images de la Bible.
Tout au long de l’histoire du monde, il a été difficile de faire la différence entre l’art religieux et l’art sacré. L’art religieux nous montre des œuvres artistiques où l’amour et la foi en Dieu sont montrés. Cependant, dans l’art sacré, nous pouvons contempler la même chose que chez les religieux mais aussi servir de culte au divin.
En revanche, le mot profane catégorise les arts qui n’appartiennent pas au sacré.
Art chrétien:
L’art sacré chrétien est produit dans une tentative d’illustrer, de compléter et de représenter sous une forme tangible les principes du christianisme, bien que d’autres définitions soient possibles. Il s’agit de faire des images des différentes croyances du monde et de leur apparence. ou ont utilisé l’art dans une certaine mesure, bien que certains aient eu de fortes objections à certaines formes d’image religieuse, et il y a eu de grandes périodes d’iconoclasme au sein du christianisme. La plupart des arts chrétiens sont allusifs, ou construits autour de thèmes familiers à l’observateur prévu. L’un des thèmes chrétiens les plus communs est celui de la Vierge Marie tenant l’enfant Jésus. Un autre est celui du Christ sur la Croix. Pour le bénéfice des analphabètes, un système iconographique élaboré s’est développé pour identifier de façon concluante les scènes. Par exemple, Sainte Agnès dépeint avec un agneau, Saint Pierre avec des clés, Saint Patrick avec un trèfle. Chaque saint détient ou est associé à des attributs et des symboles dans l’art sacré.
L’art paléochrétien survit à des dates proches des origines du christianisme. Les plus anciennes peintures chrétiennes proviennent du site de Megiddo, daté d’environ 70 ans, et les plus anciennes sculptures chrétiennes sont des sarcophages, datant du début du 2ème siècle. Jusqu’à l’adoption du christianisme par Constantin, l’art chrétien a dérivé son style et une grande partie de son iconographie de l’art populaire romain, mais à partir de ce point les grands édifices chrétiens construits sous le patronage impérial ont nécessité des versions chrétiennes de l’élite romaine. Les églises de Rome sont les exemples les plus importants qui ont survécu.
Au cours du développement de l’art chrétien dans l’empire byzantin (voir art byzantin), une esthétique plus abstraite remplaça le naturalisme précédemment établi dans l’art hellénistique. Ce nouveau style était hiératique, signifiant que son but principal était de transmettre un sens religieux plutôt que de rendre des objets et des personnes avec précision. La perspective réaliste, les proportions, la lumière et la couleur ont été ignorés en faveur de la simplification géométrique des formes, de la perspective inverse et des conventions standardisées pour représenter les individus et les événements. La controverse sur l’utilisation des images gravées, l’interprétation du deuxième commandement et la crise de l’iconoclasme byzantin ont conduit à une standardisation de l’imagerie religieuse au sein de l’orthodoxie orientale.
La Renaissance a vu une augmentation des œuvres séculaires monumentales, mais jusqu’à la Réforme protestante l’art chrétien a continué à être produit en grandes quantités, à la fois pour les églises et le clergé et pour les laïcs. Pendant ce temps, Michel-Ange Buonarroti a peint la chapelle Sixtine et a sculpté la célèbre Pietà, Gianlorenzo Bernini a créé les colonnes massives de la basilique Saint-Pierre, et Léonard de Vinci a peint la Cène. La Réforme a eu un énorme impact sur l’art chrétien, en mettant rapidement un terme à la production de l’art chrétien public dans les pays protestants et en provoquant la destruction de la plupart des œuvres d’art existantes.
En tant que notion d’art séculaire, non sectaire et universelle, surgit dans l’Europe occidentale du XIXe siècle, les artistes profanes traitaient parfois des thèmes chrétiens (Bouguereau, Manet). Il était rare qu’un artiste chrétien soit inclus dans le canon historique (comme Rouault ou Stanley Spencer). Cependant, de nombreux artistes modernes tels que Eric Gill, Marc Chagall, Henri Matisse, Jacob Epstein, Elizabeth Frink et Graham Sutherland ont produit des œuvres d’art bien connues pour les églises. Grâce à une interprétation sociale du christianisme, Fritz von Uhde a également
Depuis l’avènement de l’imprimerie, la vente de reproductions d’œuvres pieuses a été un élément majeur de la culture chrétienne populaire. Au 19ème siècle, cela comprenait des peintres de genre tels que Mihály Munkácsy. L’invention de la lithographie en couleurs a conduit à une large circulation des cartes sacrées. À l’époque moderne, les entreprises spécialisées dans les artistes chrétiens commerciaux modernes tels que Thomas Blackshear et Thomas Kinkade, bien que largement considérés dans le monde des beaux-arts comme kitsch, ont eu beaucoup de succès.
La dernière partie du 20ème et la première partie du 21ème siècle ont vu un effort concentré par des artistes qui revendiquent la foi en Christ pour rétablir l’art avec des thèmes qui tournent autour de la foi, Christ, Dieu, l’église, la bible et d’autres classiques Les thèmes chrétiens méritent d’être respectés par le monde de l’art profane. Des artistes tels que Makoto Fujimura ont eu une influence significative à la fois dans les arts sacrés et laïques. D’autres artistes notables incluent Larry D. Alexandre, Gary P. Bergel, Carlos Cazares, Bruce Herman, Deborah Sokolove, et John August Swanson.
Art bouddhiste:
L’art bouddhique a pris naissance dans le sous-continent indien à la suite de la vie historique de Siddhartha Gautama, du VIe au Ve siècle av. J.-C., évoluant ensuite par contact avec d’autres cultures à travers l’Asie et le monde.
L’art bouddhiste suivait les croyants au fur et à mesure que le dharma se répandait, s’adaptait et évoluait dans chaque nouveau pays hôte. Il s’est développé au nord à travers l’Asie centrale et en Asie orientale pour former la branche nordique de l’art bouddhique, et à l’est jusqu’en Asie du Sud-Est pour former la branche sud de l’art bouddhique. En Inde, l’art bouddhiste a prospéré et même influencé le développement de l’art hindou, jusqu’à ce que le bouddhisme ait presque disparu en Inde vers le Xe siècle, en partie à cause de l’expansion vigoureuse de l’islam aux côtés de l’hindouisme.
La plupart des formes d’art bouddhistes tibétains sont liées à la pratique du Vajrayana ou du tantra bouddhiste. L’art tibétain comprend des thangkas et des mandalas, comprenant souvent des représentations de bouddhas et de bodhisattvas. La création de l’art bouddhiste est habituellement faite comme une méditation ainsi que la création d’un objet comme aide à la méditation. Un exemple de ceci est la création d’un mandala de sable par des moines; avant et après les prières de construction sont récitées, et la forme du mandala représente l’environnement pur (palais) d’un Bouddha sur lequel est médité pour entraîner l’esprit. Le travail est rarement, voire jamais, signé par l’artiste. L’autre art bouddhiste tibétain inclut des objets rituels en métal, tels que le vajra et le phurba.
Deux endroits suggèrent plus vivement que tous les autres la vitalité de la peinture rupestre bouddhiste à partir du 5ème siècle après JC. L’un est Ajanta, un site en Inde longtemps oublié jusqu’à sa découverte en 1817. L’autre est Dunhuang, l’un des grands postes de mise en scène oasis sur la Route de la Soie … Les peintures vont de calmes images dévotionnelles du Bouddha aux scènes animées et bondées, souvent avec des femmes séduisantes à taille ample et à taille étroite, plus familières dans la sculpture indienne que dans la peinture. L’art majeur comprenait des mosquées et une madone (art de Marie et peut-être son enfant)
Art islamique:
L’interdiction de représenter des images figuratives dans l’art religieux, ainsi que la nature naturellement décorative de l’écriture arabe, conduisirent à l’utilisation de décorations calligraphiques, qui impliquaient généralement la répétition de motifs géométriques exprimant des idéaux d’ordre et de nature. Il était utilisé pour l’architecture religieuse, les tapis et les documents manuscrits. L’art islamique a reflété cette vision du monde équilibrée et harmonieuse. Il se concentre sur l’essence spirituelle plutôt que sur la forme physique.
Bien qu’il y ait eu une aversion pour le culte potentiel des idoles à travers l’histoire islamique, il s’agit d’une vision sunnite nettement moderne. Les miniatures perses, ainsi que les représentations médiévales de Muhammad et des anges dans l’Islam, sont des exemples frappants contraires à la tradition sunnite moderne. En outre, les musulmans chiites sont beaucoup moins opposés à la représentation de figures, y compris celle du Prophète, tant que la représentation est respectueuse.
La résistance islamique à la représentation des êtres vivants découle finalement de la croyance que la création de formes vivantes est unique à Dieu, et c’est pour cette raison que le rôle des images et des fabricants d’images a été controversé. Les déclarations les plus fortes sur le sujet de la représentation figurative sont faites dans les Hadiths (Traditions du Prophète), où les peintres sont mis au défi de «insuffler la vie» dans leurs créations et menacé de punition au Jour du Jugement. Le Coran est moins spécifique mais condamne l’idolâtrie et utilise le terme arabe musawwir («créateur de formes» ou «artiste») comme une épithète pour Dieu. En partie à cause de ce sentiment religieux, les figures de la peinture ont souvent été stylisées et, dans certains cas, la destruction d’œuvres figuratives s’est produite. L’iconoclasme était connu à l’époque byzantine et l’aniconicisme était une caractéristique du monde judaïque, plaçant ainsi l’objection islamique à des représentations figuratives dans un contexte plus large. Comme ornement, cependant, les chiffres étaient en grande partie dépourvus de toute signification plus importante et peut-être donc posé moins de défi. Comme pour les autres formes d’ornementation islamique, les artistes ont librement adapté et stylisé les formes humaines et animales de base, donnant naissance à une grande variété de modèles figuratifs.
La calligraphie est l’élément le plus considéré et le plus fondamental de l’art islamique. Il est significatif que le Coran, le livre des révélations de Dieu au prophète Mahomet, ait été transmis en arabe, et que le caractère inhérent à l’écriture arabe soit le potentiel de développement d’une variété de formes ornementales. L’emploi de la calligraphie comme ornement avait un attrait esthétique certain mais comprenait souvent aussi une composante talismanique sous-jacente. Alors que la plupart des œuvres d’art avaient des inscriptions lisibles, tous les musulmans n’auraient pas pu les lire. Il faut toujours garder à l’esprit, cependant, que la calligraphie est principalement un moyen de transmettre un texte, même sous une forme décorative. De ses premiers exemples simples et primitifs du 5ème et 6ème siècle AD, l’alphabet arabe s’est développé rapidement après la montée de l’Islam au 7ème siècle dans une belle forme d’art. Les deux principales familles de styles calligraphiques étaient les styles secs, appelés généralement le coufique, et les styles cursifs doux, qui comprennent Naskhi, Thuluth, Nastaliq et bien d’autres.
Les motifs géométriques constituent l’un des trois types de décoration non-digitale de l’art islamique, qui incluent également la calligraphie et les motifs végétaux. Qu’ils soient isolés ou utilisés en combinaison avec une ornementation non-figurative ou une représentation figurative, les motifs géométriques sont généralement associés à l’art islamique, en grande partie en raison de leur qualité aniconique. Ces dessins abstraits non seulement ornent les surfaces de l’architecture islamique monumentale mais servent également d’élément décoratif majeur sur une vaste gamme d’objets de tous types.