La peinture hollandaise et flamande de la Renaissance représente la réponse du XVIe siècle à l’art de la Renaissance italienne aux Pays-Bas. Ces artistes, qui vont des maniéristes anversois et de Hieronymus Bosch au début du XVIe siècle aux défunts maniéristes du Nord comme Hendrik Goltzius et Joachim Wtewael à la fin, s’inspirent à la fois des récentes innovations de la peinture italienne et des traditions locales de la Les premiers artistes néerlandais. Anvers était le centre artistique le plus important de la région. De nombreux artistes ont travaillé pour les tribunaux européens, dont Bosch, dont les fantastiques images peintes ont laissé un long héritage. Jan Mabuse, Maarten van Heemskerck et Frans Floris ont tous contribué à l’adoption des modèles italiens et à leur intégration dans leur propre langage artistique. Pieter Brueghel l’Ancien, Bosch étant le seul artiste de l’époque à rester largement familier, peut sembler atypique, mais en fait ses nombreuses innovations s’inspirent de la scène artistique fertile d’Anvers.

Les peintres hollandais et flamands ont également contribué à l’établissement de nouveaux sujets tels que la peinture de paysage et la peinture de genre. Joachim Patinir, par exemple, a joué un rôle important dans le développement de la peinture de paysage, inventant le type compositionnel du paysage mondial, perfectionné par Pieter Bruegel l’Ancien qui, aidé de Pieter Aertsen, a également contribué à populariser la peinture de genre. Dès le milieu du siècle, Pieter Aertsen, suivi plus tard par son neveu Joachim Beuckelaer, établit une sorte de «nature morte monumentale» avec de grandes étendues de nourriture avec des figures de genre, et à l’arrière-plan de petites scènes morales religieuses. Comme les paysages du monde, ceux-ci représentaient une «inversion maniériste» typique du décorum normal de la hiérarchie des genres, donnant au sujet «inférieur» plus d’espace que le «supérieur». Anthonis Mor était le portraitiste principal du milieu du siècle, en demande dans les tribunaux de toute l’Europe pour ses portraits fiables dans un style qui allie la précision des Pays-Bas avec les leçons de Titien et d’autres peintres italiens.

Humanisme nordique
À la fin du XVe siècle, l’accès à une culture humaniste n’était plus réservé à quelques centres d’avant-garde, mais s’étendait le long des grandes rues commerciales du continent. La région nordique en général était une terre de fermentation vivante, avec de nombreux contacts avec l’humanisme italien. Si d’un côté la culture classique se répandait, de l’autre les appels à une religiosité plus intense et plus directe devenaient de plus en plus urgents, en opposition de plus en plus ouverte aux scandales de la Curie romaine.

Le protagoniste de cette saison était Erasme de Rotterdam, qui a magistralement interprété l’orientation de la pensée morale et religieuse au début du XVIe siècle. Dans l’Adagia (1508) il offre une combinaison efficace de sagesse populaire, de citations classiques et de bon sens, mais c’est surtout avec le fameux Elogio della follia (publié en 1509) qui remet en question les fondements mêmes de l’humanisme traditionnel, appelant à repenser des thèmes tels que l’histoire, la moralité et la religion.

La diffusion de l’imprimerie en caractères mobiles a permis l’accessibilité jusqu’alors impensable à l’éducation, à l’alphabétisation et à la culture dans des tranches toujours plus importantes de la population. Les villes qui sont très actives éditorialement, à la fois dans la publication de classiques et d’œuvres modernes, sont devenues de véritables forges de culture, comme Anvers en Flandre.

Développement historique et territorial

Anvers
Bien plus que les ports espagnols, Anvers est devenue le centre mondial du tri des marchandises coloniales. Une telle importance économique a également conduit à la domination culturelle et artistique, basée sur la récupération des modèles italiens. Une ville ouverte, très cultivée, cosmopolite et tolérante, elle a revendiqué des activités typographiques multilingues de première classe. Même après que la Réforme d’Anvers soit restée liée au catholicisme, elle devint un avant-poste de la Contre-Réforme devant les Provinces Unies calvinistes.

Des artistes du calibre de Hieronymus Bosch, Quentin Metsys, Pieter Brueghel l’Ancien, Mabuse et Jan van Scorel s’y installèrent après leurs voyages en Italie, où ils avaient appris le sens de la monumentalité et de la perspective, participant souvent en tant que protagonistes à manière moderne « , dans la version nord appelée » Romanism « .

A cette époque surgirent de grands complexes conventuels, confiés à divers ordres religieux.

Mais là aussi il y avait des vagues d’iconoclasme des protestants, comme celle de 1579 – 1580 qui a détruit beaucoup d’œuvres d’art dans la cathédrale, puis remplacé par les grandes lames de Rubens.

Bruxelles
Au début du seizième siècle, Bruxelles doit quitter le rang de capitale du duché de Bourgogne en faveur de Malines, choisie par la régente Marguerite d’Autriche, puis la re-confier à Charles V, né à Gand voisin.

Le seizième siècle marqua une brillante phase historique pour Bruxelles, culminant avec la construction de la résidence de la famille royale espagnole dans la Grand Place (1536) et la réalisation de la dominance claire en Europe dans la production de tapisseries. L’école picturale locale, dans la foulée de celle d’Anvers, s’ouvre aux nouveautés italiennes, fusionnant également avec d’autres suggestions: le goût traditionnel du détail descriptif est à la base de la naissance de la peinture de genre, de la culture populaire le sens commun et l’irrationalité (caractéristique de l’activité de Bruegel, qui a quitté Anvers pour Bruxelles au sommet de sa carrière), tandis que la forte composante dévotionnelle était à la base des peintures d’Adriaen Isenbrant, de Lancelot Blondeel et des sculptures de Dubroeucq.

En 1556, la ville dépassa les 100 000 habitants, mais l’abdication de Charles Quint conduisit à une période sanglante de révoltes, appelées troubles. La répression, confiée au duc d’Alba, a culminé avec la décapitation des comtes d’Egmont et de Hornes dans la Grand Place et avec la reddition des protestants à Philippe II en 1585.

Les Provinces Unies
Dans une motion indépendante dirigée par l’Orange, en 1535, les Pays-Bas du Nord ont entamé un processus historique qui les a conduits à une différenciation, religieuse, économique et culturelle, toujours plus profonde avec les provinces du sud qui ont abouti à la naissance de la nation hollandaise. Tout au long du XVIe siècle, les Provinces-Unies jouissaient d’une vivacité culturelle extraordinaire, reflet de la situation commerciale de plus en plus florissante qui a culminé au XVIIe siècle, l’âge d’or.

Le mouvement humaniste a eu son fer de lance avec Erasmus de Rotterdam, tandis que dans les arts figuratifs ont triomphé des peintres et des graveurs tels que Hieronymus Bosch et Luca da Leida. Des années plus tard, pendant le maniérisme, les écoles d’Utrecht et de Haarlem devinrent importantes pour les modèles italiens.

La seconde moitié du XVIe siècle fut une époque durement troublée par les guerres, les révoltes et les poussées d’indépendance de l’Espagne, sans pour autant affecter l’épanouissement économique grandiose, basé sur l’excellente organisation portuaire et la technologie nautique et commerciale avancée. nouvelles routes d’outre-mer. Si dans les provinces du sud la révolte était coupée court dans le sang, dans les pays du nord la poussée autonomiste n’est même pas stoppée par l’assassinat de Guillaume Ier d’Orange (1584), lieutenant et condottiere de l’indépendance. La religion calviniste, tolérante des autres confessions, et la langue néerlandaise étaient déjà devenues une base de l’identité nationale,

Les protagonistes

Hieronymus Bosch
Hieronymus Bosch, maître visionnaire au tournant des XVe et XVIe siècles, vécut et travailla presque toujours dans la ville natale de ‘s-Hertogenbosch. Auteur de grands triptyques peuplés d’innombrables figures symboliques et évocatrices, difficiles à interpréter, il fit un voyage à Venise entre 1500 et 1503 et à son retour, influencé également par Dürer, ses œuvres furent enrichies par une plus grande conscience spatiale, de nouveaux effets chromatiques et un sens pour le paysage à perte de vue, comme on le voit par exemple dans le Triptyque des tentations de saint Antoine et dans le Triptyque de l’Epiphanie.

En 1503-1504, de retour dans sa ville natale jouissant d’une réputation désormais européenne, il alterna de petits emplois pour des confréries locales avec des commandes de collectionneurs étrangers. La dernière phase est dominée par une plus grande assimilation du point de vue italien, avec des protagonistes synthétiques et monumentaux, souvent à demi-figure, qui prennent la place de la multitude des figures observées avec un point de vue élevé et distant.

La richesse de l’inventivité dans ses œuvres, de vraies visions, a souvent distrait des érudits, remettant en question des doctrines incompatibles historiquement, comme la psychanalyse, et empêchant une lecture correcte. Certes, son travail va de pair avec les doctrines religieuses et intellectuelles de l’Europe centrale et septentrionale qui, contrairement à l’humanisme italien, nient la suprématie de l’intellect, plaçant plutôt l’accent sur les aspects transcendants et irrationnels: ils sont un exemple des premières élaborations de Martin Luther et les œuvres de Sebastian Brandt et Erasmus de Rotterdam. Le thème fondamental de son travail semble donc être celui de la liberté accordée par Dieu à l’homme, de sa chute dans le vice et de la descente conséquente dans l’enfer. Un certain pessimisme anime sa vision de l’humanité, orientée vers la perdition, dans laquelle seul l’exemple du Christ et des saints peut fournir la clé du salut.

Ce programme moral est mis en œuvre avec une brillante technique picturale, dans laquelle les motifs tirés des sources les plus disparates, y compris l’observation du quotidien, sont combinés et retravaillés de manière originale. La forme préférée est celle du triptyque, qui permet une scansion de l’histoire en trois parties avec une progression péjorative «morale» de gauche à droite. Souvent même les portes fermées contiennent d’autres clarifications du thème.

Mabuse
Jan Gossaert, surnommé «Mabuse», de l’ancien nom de la ville natale de Maubeuge, comptait parmi les artistes les plus influents du début du XVIe siècle au nord des Alpes, pour la variété et la richesse des sujets abordés. Il a visité Rome au début du XVIe siècle après Philippe de Bourgogne, en développant immédiatement un style très particulier, où sur la tradition des Primitifs flamands se greffent des éléments de la manière italienne moderne, tels que le rendu de perspective, le souffle monumental du les chiffres, le sens de la lumière vive.

La surabondance décorative de la tradition gothique tardive jamais oubliée est maintenant déjà projetée dans le maniérisme.

Luca da Leida
Luca da Leida a été formé dans sa ville à l’atelier de Cornelis Engebrechtsz. Un débutant dans la gravure avant l’âge de vingt ans, il était l’un des exposants les plus prolifiques et les plus appréciés de cet art, en second lieu seulement à Dürer.

Dans les peintures comme dans les estampes, il rejoint les sujets bibliques traditionnels avec des sujets «genre» précoces, liés à la vie quotidienne et à la société paysanne. Influencé par l’école italienne d’Anvers, il rencontre personnellement Dürer, s’intéressant de plus en plus à l’humanisme.

Dans la phase plus mûre, il se tourne vers la recherche d’une plus grande liberté de composition, comme dans les grands triptyques du Veau d’Or et du Jugement dernier.

Quentin Metsys
Quentin Metsys, originaire de Louvain, s’est formé à l’atelier Dieric Bouts, puis dans le climat des derniers Primitifs flamands. Il s’installe à Anvers et pilote l’école locale, au début du XVIe siècle, vers le goût italien, toujours dans le sillage de Rogier van der Weyden et Hans Memling. Un voyage en Italie a enrichi son art de suggestions liées avant tout à Léonard de Vinci et à ses nuances.

Ouvert à la culture humaniste et exposé à de très larges intérêts culturels, il fut l’ami d’Érasme de Rotterdam et de Thomas More, apportant aussi à ses œuvres sa polyvalence mentale, capable d’explorer des domaines tels que le réalisme et le grotesque.

Joachim Patinier
Formé à Bruges, Joachim Patinir s’installe à Anvers vers 1515, où il admire les œuvres de Bosch, d’où il reprend le goût visionnaire et la capacité de créer des scénarios fantastiques à partir de la combinaison bizarre de détails réalistes. Il était parmi les spécialistes du paysage juste avant que cela devienne un sujet autonome, recueillant le patrimoine de l’école danubienne.

Dans ses œuvres, avec une vue plongeante et profonde de la vaste étendue, il y a toujours des sujets présents, si petits soient-ils, qui fournissent le prétexte de la représentation. Peu intéressé par la représentation de la figure humaine, il fut parfois aidé par Quentin Metsys, tandis que ses paysages sont inégalés, joués sur des nuances intenses de bleu et de vert, souvent dramatisées par de forts contrastes entre les zones placides et sereines. .

Joos van Cleve
Joos van Cleve était un autre artiste important de l’école d’Anvers, qui servait de jonction entre la saison du Primitivo et le maniérisme. Grâce à ses nombreux voyages, il a touché de nombreuses nations, atteignant un style éclectique, animé par des suggestions italiennes, mais aussi allemand, français (il a visité le Fontainebleau de François Ier, vers 1530) et anglais.

Il appréciait Léonard, de qui il dessinait la physionomie de ses madones, pris de Patinir le vaste horizon des paysages, honoré Dürer dans les portraits, y compris les célèbres de François Ier de France et de son épouse Eleonora d’Autriche.

Frans Floris
Actif à l’école d’Anvers, Frans Floris a été le lien entre la génération des premiers «italianistes» (Metsys, Mabuse, van Cleve) et le maniérisme international, avec un sens mélancolique vers un âge d’or qui a pris fin. Formé à Liège et lors d’un voyage en Italie, il crée un magasin très actif dans sa ville à partir de 1546. Son style monumental, lié à l’art italien même dans les sujets mythologiques et allégoriques, rassemble parfois des stimuli du réalisme de tous les jours. interprètes faits. C’était l’un des points de référence directs pour le jeune Rubens.

Pieter Aertsen
Né et mort à Amsterdam, mais principalement actif à Anvers, Pieter Aertsen interprète avec originalité le goût italien de la seconde moitié du XVIe siècle, introduisant des thèmes populaires et un fort réalisme, pour être considéré comme le précurseur immédiat des «paysans». de Bruegel l’Ancien et pionnier de la nature morte.

Les sujets évangéliques sont souvent utilisés comme prétextes, relégués dans des zones secondaires de la peinture, pour mettre en scène des scènes de marché ou des cuisines bien garnies, jetant ainsi les bases de la peinture de genre. Son succès fut immédiat, ce qui en fit l’un des artistes les plus demandés pour les collections princières d’Europe.

Pieter Bruegel l’Ancien
Pieter Bruegel l’Ancien était actif à Anvers, Bruxelles et Amsterdam. Insuffisant au goût classique et presque imperméable au goût italien, malgré un voyage à Naples en 1552 – 1556, il était actif en tant que dessinateur, graveur et peintre. Sa poétique est basée sur des thèmes tels que la culture populaire, le sentiment de la nature, le passage des saisons, l’ironie, la banalité de l’existence à laquelle conduit même désenchantement les thèmes sacrés.

En 1565, il commence son cycle ambitieux, lié aux mois de l’année, dont il reste aujourd’hui cinq grandes tables, tandis que ses scènes de la vie rurale sont célèbres. Comme Bosch, son art était essentiellement lié à la tradition locale, avec de petites figures et un point de vue très élevé et lointain, tournant à la fin de sa carrière vers des formes plus monumentales et proches du spectateur. Artiste paysagiste hors du commun, il a fait des suggestions de Joachim Patinier et de l’école danubienne, développant un sentiment épique et grandiose, inextricablement lié à la vie et au travail quotidien de l’homme.

Jan van Scorel
Jan van Scorel fut peut-être l’artiste flamand qui connut le plus de succès en Italie au seizième siècle, séjournant à Rome et entrant dans le cercle de Raphaël, venant couvrir le poste de l’antiquité conservatrice du Vatican après sa mort. Son art est emblématique du goût italien qui a imprégné l’art flamand-hollandais de l’époque, qu’il a mis à profit après son retour à la maison, s’orientant vers le style maniériste naissant, avec une préférence pour le style vénitien, dérivé de Giorgione et Titien .

Maerten van Heemskerk
Maerten van Heemskerk était l’élève le plus doué de Jan van Scorel, venant susciter les antipathies du maître. Au cours de sa longue carrière, il explore de nombreux sujets et styles, avec une ductilité surprenante et un fort intérêt dynamique pour le renouveau. Cependant, les éléments communs sont l’excellence du design et des références à l’Italie. Il a visité Rome et, en surmontant le raffaellismo générique de l’école locale, a renforcé sa production avec des accents plastiques dérivés de Michel-Ange et de la sculpture classique.

Quand il rentra chez lui, il était un interprète valide du maniérisme, avec des accents nerveusement graphiques qui se réfèrent aux réminiscences de Pontormo et de Parmigianino. La «haute» production de sujets sacrés et mythologiques a alterné des portraits efficaces et prosaïques, des natures mortes, des paysages et d’autres compositions où les développements successifs de la peinture de genre peuvent être lus aux Pays-Bas.

Anthonis Mor
Anthonis Mor était l’un des portraitistes nordiques les plus acclamés de la fin du XVIe siècle. Après une rencontre personnelle avec Titien à Augsbourg en 1548, il développe un style composé et monumental, détaché, parfait pour représenter l’aristocratie de l’époque, inspiré par les dictats de la cour espagnole de Philippe II. Il a beaucoup voyagé, recueillant l’héritage de grands artistes comme Holbein le Jeune et le même Titien, combinant la vraisemblance, l’exaltation du rang social, et les côtés psychologiques même légèrement angoissés, comme la solitude des puissants.

Autour du XVIIe siècle
Au début du XVIIe siècle, la Flandre et les Pays-Bas se dirigent maintenant vers des destins différents, bien qu’ils représentent encore l’une des régions les plus vitales de toute l’Europe.

Si la saison extraordinaire de l’âge d’or, dominée par des artistes de valeur universelle tels que Rembrandt et Vermeer, s’ouvrait aux Pays-Bas, dans le sud de la Flandre, la poussée italienne se manifestait avec Rubens, qui en Italie était parmi les premiers artistes qui a contribué au développement de quelque chose de nouveau, l’art baroque troublant.

Evolution stylistique
Les influences de la Renaissance italienne commencent à apparaître sur la peinture des premiers Néerlandais vers 1500, mais à bien des égards, le style ancien était remarquablement persistant. Anvers Maniérisme est un terme pour les peintres montrant une certaine influence italienne, mais principalement en continuant le style et les sujets des maîtres plus âgés. Hieronymus Bosch est un artiste très individuel, dont le travail est étrange et plein d’images apparemment irrationnelles, ce qui le rend difficile à interpréter. Surtout, il semble étonnamment moderne, introduisant un monde de rêves qui semble plus lié à l’art gothique que la Renaissance italienne, bien que certains estampes vénitiennes de la même période montrent un degré de fantaisie comparable. Les romanistes ont été la prochaine étape de l’influence, en adoptant les styles italiens d’une manière beaucoup plus approfondie.

Après 1550 les peintres flamands et hollandais commencent à montrer plus d’intérêt pour la nature et la beauté « en soi », menant à un style qui incorpore des éléments de la Renaissance, mais reste loin de la légèreté élégante de l’art de la Renaissance italienne, et conduit directement aux thèmes de la grands peintres baroques flamands et hollandais: paysages, natures mortes et peinture de genre – scènes de la vie quotidienne.

Cette évolution est vue dans les œuvres de Joachim Patinir et Pieter Aertsen, mais le véritable génie de ces peintres fut Pieter Brueghel l’Ancien, bien connu pour ses représentations de la nature et de la vie quotidienne, montrant une préférence pour la condition naturelle de l’homme, choisissant de dépeindre le paysan au lieu du prince.

La Chute d’Icare (maintenant en fait considérée comme une copie d’une œuvre de Brueghel), bien que hautement atypique à bien des égards, combine plusieurs éléments de la peinture de la Renaissance du Nord. Il fait allusion à l’intérêt renouvelé pour l’antiquité (la légende Icare), mais le héros Icarus est caché dans le fond. Les principaux acteurs de la peinture sont la nature elle-même et, surtout, le paysan, qui ne lève même pas les yeux de sa charrue quand Icare tombe. Brueghel montre l’homme comme un anti-héros, comique et parfois grotesque.

La peinture
En peinture, la Renaissance flamande comprend des adeptes d’El Bosco et du maniérisme d’Anvers au début du XVIe siècle jusqu’aux derniers maniéristes du Nord, comme Hendrik Goltzius et Joachim Wtewael, qui remontent au début du XVIIe siècle. . Ils sont basés à la fois sur les innovations de la peinture italienne et les traditions locales. Anvers était le centre artistique le plus important de la région, avec une grande force jusqu’au sac d’Anvers en 1576. Beaucoup d’artistes flamands développent leur travail dans d’autres parties de l’Europe, comme Jan Mabuse, Maarten van Heemskerck et Frans Floris, qui a joué un rôle important. rôle central dans l’adoption des modèles italiens pour les intégrer dans leur propre langage artistique. Les maîtres flamands et hollandais du XVIe siècle contribuèrent de manière décisive à l’émergence de nouveaux thèmes picturaux, tels que le paysage (Joaquín Patinir) ou les scènes de genre (Pieter Brueghel l’Ancien ou Pieter Aertsen).

Les influences de la Renaissance italienne, bien qu’elles aient commencé très tôt à se faire sentir chez les Flamands primitifs, compte tenu de la fluidité des contacts commerciaux entre l’Italie et la Flandre, n’altèrent pas significativement la continuité de la tradition picturale essentiellement gothique de la peinture flamande. jusqu’à bien dans le seizième siècle. Le soi-disant « Maniersmo de Antwerp » est un terme utilisé pour désigner un groupe de peintres qui font partie d’une influence italienne, mais qui restent essentiellement comme des adeptes du style flamenco des anciens maîtres. Quant à El Bosco, un artiste très particulier, il a développé un art très personnel et individualiste (à la fois «archaïque» et «moderne»), iconographie apparemment irrationnelle, interprétation très complexe, que plus qu’un nouveau style a cédé la place à un bon nombre d’imitateurs (comme Jan Mandyn ou Frans Verbeeck).

Une deuxième phase est celle des soi-disant «Romanistes»; Ils adoptent des influences italiennes beaucoup plus radicalement.

Depuis la seconde moitié du XVIe siècle, les peintres flamands et hollandais commencent à s’intéresser à la nature et à la beauté, conduisant à un style qui incorpore des éléments de la Renaissance, mais reste loin de la légèreté élégante des maîtres italiens et relie les thèmes des grands maîtres de la peinture baroque flamande et hollandaise: paysages et scènes de genre.

Cette évolution est observée dans les œuvres de Joaquín Patinir (le thème principal, qui reste sauf exceptions religieuses, est dominé par le paysage) et Pieter Aertsen (le même, pour la nature morte), ainsi que dans Pieter Brueghel l’Ancien, qui dans son traitement de la nature et de la vie quotidienne témoigne d’une préférence pour l’état naturel de l’homme, quel que soit son statut social. Comme l’illustre la chute d’Icare (maintenant considéré comme une copie de son original), atypique à bien des égards, combine plusieurs aspects de la Renaissance nordique: intérêt pour l’antiquité, dissimulation du sujet au premier plan, devenir paysan ( qui ne regarde pas la scène donne son nom à l’œuvre), ainsi qu’à la peinture elle-même. Il montre l’homme comme un antihéros, comique et parfois grotesque.

Caractéristique est l’introduction de la peinture mythologique et le nu, en regardant même dans les questions religieuses excuses pratiques pour la représentation de scènes de contenu sexuel, forte demande dans le marché de l’art, de plus en plus indépendant des spécificateurs institutionnels.

Le portrait
Le portrait pictural était l’un des genres les plus appréciés de l’école flamande depuis les «primitifs». 6 Au XVIe siècle, la coupe de portrait a atteint un nouveau niveau avec Antonio Moro.

Caricatures ou scènes grotesques, satiriques et moralisatrices
Dans de nombreux cas, des idées dérivées des précédents dans le genre de la caricature et du grotesque sont développées, comme Léonard de Vinci et Hieronymus Bosch lui-même. Sa lecture est satirique et moralisatrice. Un exemple notable est le travail de Quentin Massys, qui a eu une relation avec Erasmus de Rotterdam.

Paysages et scènes de genre

Illustrateurs et graveurs

Historiographie de l’art
Karel van Mander (« le Vasari du Nord ») a écrit Het schilder-boek (1604), un équivalent de Le vite pour les maîtres flamands. Parmi ses sources figure Pictorum aliquot celebrium Germaniae inferioris effigies (1572), une collection de 23 gravures de Dominicus Lampsonius qui dépeint les peintres flamenco les plus célèbres, et les présente avec des vers latins allusifs (dénommant leur zone géographique en termes classiques, tels que « Germania inférieur »). Quant aux sources de cette collection, en plus de l’expérience personnelle de son auteur, avec des contacts à l’académie de Lambert Lombard, a été l’œuvre de Ludovico Guicciardini Descrittione di tutti i Paesi Bassi (1567).