Sculpture environnementale

La sculpture environnementale est une sculpture qui crée ou modifie l’environnement pour le spectateur, par opposition à se présenter figurativement ou monumentalement devant le spectateur. Un trait fréquent des plus grandes sculptures environnementales est que l’on peut réellement entrer ou traverser la sculpture et être partiellement ou complètement entouré par celle-ci. En outre, dans le même esprit, il peut être conçu pour générer des ombres ou des reflets, ou pour colorer la lumière dans la zone environnante.

Sculpture environnementale, forme d’art du 20ème siècle destinée à impliquer ou englober les spectateurs plutôt que de simplement les affronter; la forme développée dans le cadre d’un courant artistique plus large qui a cherché à briser la dichotomie historique entre la vie et l’art. Le sculpteur environnemental peut utiliser pratiquement n’importe quel moyen, de la boue et la pierre à la lumière et au son.

La sculpture environnementale avec un accent quelque peu différent, est la sculpture créée pour un ensemble particulier d’environnements. Ainsi, le sculpteur contemporain Beth Galston écrit: «Un sculpteur environnemental planifie une pièce dès le départ par rapport à son environnement: le site est un catalyseur, faisant partie du processus créatif. Ceci est très différent d’une sculpture de Nevelson, qui peut généralement être déplacée d’un endroit à l’autre, comme une sculpture conventionnelle, sans perdre sa signification et son efficacité.

Une sculpture environnementale n’est pas simplement un art spécifique au site, car de nombreux monuments de marbre conventionnels et figuratifs ont été créés pour des sites spécifiques. Galston souligne que la sculpture environnementale implique l’idée que la pièce fonctionne aussi pour altérer ou imprégner l’environnement existant ou même créer un nouvel environnement dans lequel le spectateur est invité à participer: «La sculpture et le site finis deviennent une unité intégrée, travaillant ensemble pour créer une atmosphère ou une atmosphère unifiée », écrit-elle. Beaucoup des grandes sculptures minimalistes de Richard Serra, propres au site, sont également considérées comme des sculptures environnementales, dans les deux sens décrits ici. Une grande partie de ce qu’on appelle «land art» ou «art de la terre» pourrait également être appelée sculpture environnementale selon cette définition. Andrew Rogers et Alan Sonfist (qui voient) sont parmi les praticiens actuels notables de land art.

Histoire:
Depuis les années 1950, les tendances modernistes de la sculpture à la fois abstraite et figurative ont dominé l’imaginaire public et la popularité de la sculpture moderniste a marginalisé l’approche traditionnelle. Le public et les commanditaires sont devenus plus à l’aise avec la sculpture environnementale.

À la fin des années 1950 et dans les années 1960, les sculpteurs abstraits ont commencé à expérimenter avec un large éventail de nouveaux matériaux et différentes approches pour créer leur travail. L’imagerie surréaliste, l’abstraction anthropomorphique, les nouveaux matériaux et les combinaisons de nouvelles sources d’énergie et de surfaces et d’objets variés devinrent la caractéristique de beaucoup de nouvelles sculptures modernistes. L’imagerie surréaliste, l’abstraction anthropomorphique, les nouveaux matériaux et les combinaisons de nouvelles sources d’énergie et de surfaces et d’objets variés devinrent caractéristiques de beaucoup de nouvelles sculptures environnementales.

Dans les années 1960, l’expressionnisme abstrait, l’abstraction géométrique et le minimalisme, ainsi que la sculpture et l’installation environnementales, qui réduisent la sculpture à ses caractéristiques les plus essentielles et fondamentales, prédominent.

Depuis le milieu des années soixante-dix, l’artiste français Jean-Max Albert a travaillé avec des structures en treillis, déconstruisant et réorganisant les éléments de l’architecture environnante.

Depuis 1983, l’artiste allemand Eberhard Bosslet intervient sur des ruines, dites “Re / formations et effets secondaires”; il se réfère aux conditions des bâtiments industriels et résidentiels par des lignes peintes en blanc ou des champs de couleur peints en noir. En 1999, l’artiste Elena Paroucheva a créé son concept de pylônes, intégrant des réseaux d’énergie avec des sculptures.

Land art:
Dans les années 1960 et 1970, Land Art a protesté contre la “commercialisation impitoyable” de l’art en Amérique. Pendant cette période, les représentants du land art rejetaient le musée ou la galerie comme lieu d’activité artistique et développaient des projets paysagers monumentaux qui échappaient à la sculpture traditionnelle transportable et au marché de l’art commercial.

Land art a été inspiré par l’art minimal et l’art conceptuel, mais aussi par des mouvements modernes tels que De Stijl, le cubisme, le minimalisme et l’œuvre de Constantin Brâncuşi et Joseph Beuys. Beaucoup d’artistes associés à Land Art ont été impliqués dans l’art minimal et l’art conceptuel. L’influence de l’art terrestre sur l’art paysager contemporain, l’architecture de paysage et la sculpture environnementale est évidente dans de nombreuses œuvres aujourd’hui.

Comme une tendance “Land art” élargi les frontières de l’art par les matériaux utilisés et l’emplacement des œuvres. Les matériaux utilisés étaient souvent les matériaux de la Terre, y compris par exemple le sol et les roches et la végétation et l’eau trouvés sur le site, et l’emplacement des travaux était souvent éloigné des centres de population. Bien que parfois assez inaccessible, la documentation photographique a été communiquée à la galerie d’art urbaine.

Les préoccupations du mouvement artistique se sont centrées sur le rejet de la commercialisation de l’art et l’enthousiasme avec un mouvement écologique émergent. Le mouvement artistique coïncide avec la popularité du rejet de la vie urbaine et de son homologue, un enthousiasme pour ce qui est rural. Inclus dans ces inclinations étaient des aspirations spirituelles concernant la planète Terre comme maison à l’humanité.

Dans la plupart des cas, le «land art» fait désormais partie de l’art public traditionnel et, dans de nombreux cas, le terme «land art» est mal utilisé pour qualifier tout type d’art dans la nature même s’il n’est pas lié aux avant-gardes des pionniers. land art.

L’art de la terre des années 1960 rappelait parfois les anciennes terres, Stonehenge, les pyramides, les monticules amérindiens, les lignes de Nazca au Pérou, les pierres de Carnac et les cimetières amérindiens, et évoquait souvent la spiritualité de tels sites archéologiques.

Sculpteur environnemental:
Un sculpteur environnemental planifie une pièce dès le début en relation avec son environnement. Le site est un catalyseur, faisant partie du processus de création. La sculpture finie et son site forment une unité intégrée, travaillant ensemble pour créer une atmosphère ou une atmosphère unifiée. Dans la plupart des travaux sur ce site, j’ai passé des heures sur le site avant de concevoir la sculpture, puis je l’ai construite sur place; l’espace est devenu le studio de mon artiste pendant le processus d’installation.

Chaque site a des caractéristiques particulières qui peuvent affecter les qualités de la sculpture finie. Par exemple, une pièce peut avoir un mur de fenêtres à travers lequel la lumière de l’après-midi coule, ce qui devient une partie de la conception. Ou un étang peut avoir un chemin qui mène à celui-ci ou un bosquet de chênes à proximité qui y déposent leurs feuilles, déclenchant une idée de sculpture sur le site.

Une sculpture environnementale peut aussi être une série d’objets interreliés qui existent ensemble dans un espace, et à travers une répétition de matériaux, de formes, de qualités de lumière ou de liens thématiques, ils s’engagent dans une conversation, chargeant l’espace et rendant le atmosphère dans toute la pièce. Les sculptures individuelles peuvent être petites, mais elles créent une sorte de zing ou d’étincelle entre elles. Alors le plus grand espace devient unifié, et l’on est conscient non seulement des matériaux mais des espaces entre les choses.

Julia M. Bush souligne l’aspect non figuratif de ces œuvres: «La sculpture environnementale n’est jamais faite à l’échelle humaine, mais elle est suffisamment grande ou plus petite que l’échelle pour éviter toute confusion avec l’image humaine aux yeux du spectateur. Sculpteur américain d’origine ukrainienne, Louise Nevelson est une pionnière de la sculpture environnementale dans ce sens. Busch (page 27) place également les sculptures de Jane Frank, ainsi que certaines œuvres de Tony Smith et David Smith, dans cette catégorie. Certaines sculptures environnementales englobent donc l’observateur qu’il frôle l’architecture.

George Segal, Duane Hanson, Edward Kienholz, Robert Smithson, Christo et Michael Heizer sont des praticiens bien connus du genre, bien que le travail de Segal et Hanson soit figuratif. Beaucoup d’œuvres figuratives de George Segal, par exemple, sont qualifiées d’environnementales, en ce sens qu’elles occupent et perturbent le lieu dans lequel elles sont placées, au lieu d’être placées sur un piédestal sous forme de présentations à contempler. Un exemple bien connu de ceci est la paire de figures de Segal qui s’assoient et se tiennent à côté d’un des bancs publics à Sheridan Square de New York; n’importe qui peut s’asseoir parmi eux.

Un exemple moins connu mais plus approprié est le parc Connections de 2 acres (8 100 m2) d’Athena Tacha au centre-ville de Philadelphie (entre 18e et 19e rue, à deux rues au nord de Vine St.), créé comme environnement d’art paysager. compétition en 1980 (où Segal était en fait l’un des finalistes). C’est le premier parc conçu entièrement par un artiste «sculptant la terre» avec des terrasses plantées, des grappes de rochers et des sentiers (achevé en 1992).

Art spécifique au site:
Le terme «art spécifique au site» est parfois utilisé de manière interchangeable avec «art environnemental». Louise Nevelson, par exemple, est une pionnière de l’environnement américain. Ses sources sont en désaccord sur la classification de son travail en «sculpture environnementale». Les termes «sculpture de l’environnement», «art propre au site» et «art environnemental» ne sont pas encore complètement stabilisés dans leur signification.

Une sculpture environnementale a une relation particulière avec son environnement. Il est prévu pour un site particulier, et les qualités de ce site influencent la réalisation de l’œuvre. L’espace peut être n’importe où – une pièce, un bosquet d’arbres, un étang, une ruelle, une place publique, un complexe de bâtiments. Souvent existant à grande échelle, une sculpture environnementale entoure ses spectateurs, qui expérimentent l’œuvre à mesure qu’elle pénètre et se déplace dans l’espace. Les éléments du temps et du mouvement sont donc également impliqués en tant que parties importantes de l’expérience du spectateur.

Une raison pour les définitions floues est qu’une grande partie de l’art spécifique au site et à l’environnement a été créée à partir de 1970 pour des espaces publics partout aux États-Unis, parrainés par des fédérations fédérales (GSA et NEA) et des États. les artistes étaient des femmes qui essayaient de réussir en dehors du monde des galeries d’art. Les plus jeunes historiens de l’art devront trier le développement de ce «mouvement» marginalisé et l’importance des artistes tels que Olga Kisseleva, Patricia Johanson, Athena Tacha, Mary Miss, Alice Adams, Elyn Zimmerman et d’autres qui, à partir du début des années 1970, gagné et exécuté de grandes commandes d’art public en plein air avec de nouveaux fondements formels, kinesthésiques et sociaux. Beaucoup de ces artistes étaient aussi écologiquement conscients et ont créé des œuvres qui pourraient offrir une définition plus précise de la «sculpture environnementale»: un art respectueux de l’environnement et soucieux de l’environnement naturel.

Sculpture d’énergie renouvelable:
Une sculpture d’énergie renouvelable est une sculpture qui produit de l’énergie à partir de sources renouvelables, telles que l’énergie solaire, éolienne, géothermique, hydroélectrique ou marémotrice.

La sculpture d’énergie renouvelable est un autre développement récent dans l’art environnemental. En réponse à la préoccupation croissante concernant le changement climatique global, les artistes conçoivent des interventions explicites à un niveau fonctionnel, fusionnant des réponses esthétiques avec les propriétés fonctionnelles de génération ou d’économie d’énergie. Le projet Queensbridge Wind Power d’Andrea Polli est un exemple d’architecture expérimentale, incorporant des éoliennes dans la structure d’un pont pour recréer certains aspects de la conception originale ainsi que pour éclairer le pont et les zones avoisinantes. La sculpture publique de Ralf Sander, la World Saving Machine, a utilisé l’énergie solaire pour créer de la neige et de la glace à l’extérieur du Seoul Museum of Art durant l’été coréen. Les praticiens de ce domaine émergent travaillent souvent selon des codes éthiques et pratiques écologiquement éclairés qui sont conformes aux critères d’écoconception.

Une telle sculpture est fonctionnellement à la fois un générateur d’énergie renouvelable et une œuvre d’art, remplissant des fonctions utilitaires, esthétiques et culturelles. L’idée de sculptures à énergie renouvelable a été lancée par des visionnaires écofuturistes comme les artistes Patrice Stellest, Sarah Hall, Julian H. Scaff, Patrick Marold, Elena Paroucheva, les architectes Laurie Chetwood et Nicholas Grimshaw, le professeur de l’Université de l’Illinois Bil Becket, et des collaborations telles que l’initiative Land Art Generator. Faisant écho à la philosophie du mouvement de l’art environnemental dans son ensemble, les artistes qui créent des sculptures d’énergie renouvelable croient que l’esthétique des œuvres d’art est inextricablement liée à leur fonction écologique.

La sculpture environnementale est une œuvre d’art inspirée par les formes et les processus de la nature. De nombreux artistes utilisent des matériaux, des formes, des couleurs et des textures de l’environnement naturel. D’autres explorent les significations des cycles naturels, tels que les quatre saisons; métamorphose; cycles de naissance, croissance, vieillissement, mort et décomposition. Les processus naturels sont utilisés comme des métaphores pour réfléchir sur le passage du temps, capturer un moment éphémère, exprimer un sentiment de perte ou un espoir de régénération. Certains artistes environnementaux utilisent les questions écologiques comme sujet, et leur travail vise à sensibiliser les gens à une écologie fragile, ou même à récupérer des terres, par exemple en utilisant des matières végétales pour atténuer les problèmes de pollution et remettre une région dans un état plus vierge.