Haute Renaissance

Haute Renaissance est un terme qui désigne généralement l’art produit en Italie dans les premières décennies du XVIe siècle, alors que les carrières des grands maîtres de la Renaissance, Léonard de Vinci, Raphaël et Michel-Ange se chevauchent. La maîtrise technique et l’harmonie gracieuse qu’ils ont atteint dans leur travail a été présentée comme l’idéal par des écrivains tels que Vasari.

Dans l’histoire de l’art, la Haute Renaissance est la période qui marque l’apogée des arts visuels dans la Renaissance italienne. La période commence traditionnellement dans les années 1490, avec la fresque de Léonard de la Cène à Milan et la mort de Lorenzo de ‘Medici à Florence, et s’achève en 1527 avec le sac de Rome par les troupes de l’empereur Charles Quint. Le terme a été d’abord utilisé en allemand (Hochrenaissance) au début du 19ème siècle et a ses origines dans le « High Style » de la peinture et de la sculpture décrit par Johann Joachim Winckelmann. Au cours des vingt dernières années, l’utilisation du terme a été fréquemment critiquée par les historiens de l’art académiques pour simplifier à l’extrême les développements artistiques, en ignorant le contexte historique, et en se concentrant uniquement sur quelques œuvres emblématiques.

La Haute Renaissance se réfère à l’art de la Rome papale, de Florence et de la République de Venise de 1500 à 1530. Avec la peinture de la Haute Renaissance, l’art occidental atteint son apogée, et porte des œuvres d’art universelles.

Les maîtres de cette période comprennent Léonard de Vinci (1452-1519), Michel-Ange (1475-1564) et Raphaël (1483-1520).
Léonard de Vinci met la technique du sfumato à la virtuosité dans ses peintures.

Aperçu
Depuis la fin du XVIIIe siècle, la Haute Renaissance a été considérée comme une période de production artistique exceptionnelle (environ 30 ans) dans les États italiens, principalement Rome, capitale des États pontificaux, sous le pape Jules II. Les affirmations sur où et quand la période commence et se termine varient, mais en général, les représentants les plus connus de la peinture de la Haute Renaissance, comprennent Léonard de Vinci, Michel-Ange précoce et Raphaël. Prolongeant la rubrique générale de la culture de la Renaissance, les arts visuels de la Haute Renaissance ont été marqués par un regain d’intérêt pour la tradition classique, l’expansion des réseaux de patronage et une atténuation graduelle des formes figuratives dans le style maniériste.

Les peintures au Vatican de Michel-Ange et Raphaël sont dites par certains chercheurs comme Stephen Freedberg pour représenter le point culminant du style de la Haute Renaissance en peinture, en raison de l’échelle ambitieuse de ces œuvres, associées à la complexité de leur composition. , et des références iconographiques et décoratives pointues à l’antiquité classique, peuvent être considérées comme emblématiques de la Haute Renaissance. Plus récemment, les historiens de l’art ont caractérisé la Haute Renaissance comme un mouvement opposé à une période, l’une des différentes attitudes expérimentales envers l’art à la fin du XVe et au début du XVIe siècle. Ce mouvement est diversement caractérisé comme conservateur; comme reflétant de nouvelles attitudes envers la beauté; un processus délibéré de synthèse de modèles éclectiques, liés aux modes de la culture littéraire; et reflétant de nouvelles préoccupations d’interprétation et de signification.

La période qui le précède est la Renaissance précoce ou initiale; et celui qui continue est la Renaissance tardive ou finale. Le terme Sous Renaissance est trompeur dans son utilisation, même dans la bibliographie spécialisée, désignant l’un et l’autre. Parfois, la seconde expression de la Renaissance est utilisée comme équivalente à «haute» (étant cette Renaissance initiale une «première Renaissance»).

Haute Renaissance en Italie
Dans la Renaissance italienne, il y a le remplacement de Florence par Rome comme le centre artistique le plus prestigieux (il est habituel d’utiliser l’expression renaissance florentino-romaine). 3 Florence a été ébranlée par de violents mouvements sociaux et politiques, parmi lesquels l’ascension et la chute de Savonarole et l’expulsion des Médicis. À Rome, l’ambitieux programme artistique du Vatican (Basilique Saint-Pierre, Chapelle Sixtine, Estancias de Rafael) a attiré une constellation d’artistes de premier ordre: Bramante, Sangallo, Rafael et Miguel Ángel; parmi lesquels se distinguent ceux qui se distinguent dans la période suivante, maniériste (Giulio Romano, Benvenuto Cellini, etc.). Parmi les autres centres artistiques de l’Italie, seule Venise parvient à égaler en importance, en raison des caractéristiques uniques de l’école de peinture vénitienne, qui dans ces années a assisté à la meilleure partie de la production de Bellini, Giorgione et Titien.

Le reste de l’Europe était déjà influencé par la révolution artistique de la première Renaissance ou quattrocento (années [400] en italien), mais en réalité ce ne fut pas avant la fin de la période, la fin du cinquecento (années [mille] cinq cents en italien), dénommé Sous Renaissance ou Manierismo, lorsque l’impact de l’art de la phase classicista de la Renaissance a atteint toute sa dimension; et cela était dû en grande partie au prestige extraordinaire que des érudits tels que Vasari, auteur du Vite (1550), donnèrent aux génies de la génération avant la sienne, voire les quasi diviniser (en fait, Rafael fut appelé divo – « le divin » -).

Par rapport à la Renaissance du milieu du XVe siècle, caractérisée par l’expérimentation sur la perspective linéaire, la Haute Renaissance était caractérisée par la maturité et l’équilibre trouvés dans le sfumato de Léonard; dans les volumes de marbre de la terribilità Michelangelesque; dans les couleurs, les textures et le clair-obscur des Vénitiens ou des Madones de Raphaël, qui donnent une nouvelle importance à la lumière et aux ombres; en dépassant le bras dans les portraits (comme dans la Gioconda); dans la composition claire, surtout le triangulaire, marqué par le rapport des figures avec les regards et les postures, en particulier dans les mains.

Le maniérisme, bien que l’historiographie le définisse à l’heure actuelle comme un style autonome6, était d’abord un terme péjoratif pour désigner des artistes dépourvus d’originalité, qui peignaient ou sculptaient la maniera di Miguel Ángel ou Rafael. Certes, le prestige que les artistes de la Haute Renaissance avaient atteint leur faisait vouloir tous se comparer à eux: un artiste de la personnalité aussi marqué que le Tintoret proclamait utiliser «la couleur du Titien et le dessin de Michel-Ange».

Au cours du XVIIe siècle, présidé par l’esthétique rupture du baroque, une tendance classiciste subsistait (classicisme français, école bolognaise, peinture classiciste), qui se poursuivit au XVIIIe siècle à travers le travail des académies et le style néoclassique (celui-ci bien centré sur le recouvrement archéologique de la pureté des formes de l’art ancien), et dans l’art contemporain par l’académisme, qui jusqu’à la première moitié du XXe siècle était le paradigme officiel de l’art résistant aux innovations d’avant-garde. Au milieu du XIXe siècle, le mouvement Pre-Raphaelite prétendait revenir à la pureté artisanale du tableau avant Rafael.

Haute Renaissance dans le reste de l’Europe
La réception des formes de la Renaissance italienne avait été lente et inhomogène tout au long du XVe siècle; mais au milieu du XVIe siècle, la diffusion généralisée des œuvres de la Haute Renaissance, grâce à la gravure et aux textes, les traitants (Vasari, Serlio, Vignola, Palladio) en avaient fait un canon classique.

La renaissance nordique (en particulier le renouveau flamand – les primitifs flamands – et la Renaissance allemande – Dürer, Altdorfer, Grünewald, école du Danube -) s’était développée en tant que foyer autonome bien qu’en relation fluide avec l’italien, et marquait aussi une période classique la véritable révolution sociale et intellectuelle permise par l’imprimerie (Gutenberg, 1453), converti la dernière décennie du XVe siècle et les deux premiers du XVIe siècle (dominés politiquement à la fois en Flandre-Bourgogne et en Allemagne par la montée de Maximilien Ier de Habsbourg) dans le scénario des changements sociaux, politiques et idéologiques transcendantaux qui culminent dans la Réforme protestante (Thèse de Luther, 1517).

Pour la monarchie des Rois Catholiques et les deux premiers Habsbourg d’Espagne (Philippe le Bel et Charles Ier – l’Empereur Charles V-) l’historiographie se réfère généralement au dernier quart du XVe siècle et aux deux premiers tiers du XVIe siècle comme le Haute Renaissance en Espagne, tandis que pour le dernier tiers du XVIe siècle, dominé par le programme artistique ambitieux de Philippe II, il réserve le terme Sous Renaissance en Espagne. 7 Tous les domaines de la production intellectuelle espagnole sont entrés dans un véritable âge d’or.

Voir aussi: Renaissance espagnole, littérature de la Renaissance espagnole, histoire de la science et de la technologie en Espagne et Histoire du christianisme en Espagne.
La Renaissance française et la Renaissance anglaise ont également leurs caractéristiques particulières.

Architecture
Le style Renaissance de l’architecture commence généralement avec Donato Bramante, dont le Tempietto à S. Pietro in Montorio à Rome a été commencé en 1510. Le Tempietto, signifie une renaissance à grande échelle de l’architecture commémorative romaine antique. David Watkin écrit que le Tempietto, comme les œuvres de Raphaël au Vatican (1509-1111), «est une tentative de réconciliation des idéaux chrétiens et humanistes».

La peinture
La Haute Renaissance était traditionnellement considérée comme une grande explosion de génie créatif, suivant un modèle d’histoire de l’art proposé pour la première fois par le florentin Giorgio Vasari. Même les peintres relativement mineurs de l’époque, tels que Fra Bartolomeo et Mariotto Albertinelli, ont produit des œuvres qui sont encore louées pour l’harmonie de leur conception et de leur technique. Les proportions allongées et poses exagérées dans les œuvres tardives de Michel-Ange, Andrea del Sarto et Correggio préfigurent le soi-disant maniérisme, comme le style de la Renaissance tardive est mentionné dans l’histoire de l’art.

L’atmosphère sereine et les couleurs lumineuses des peintures de Giorgione et du début du Titien illustrent le style de la Haute Renaissance tel qu’il est pratiqué à Venise. D’autres pièces reconnaissables de cette période comprennent la Joconde de Léonard de Vinci et l’École d’Athènes de Raphaël. La fresque de Raphaël, placée sous une arche, est une œuvre virtuose de perspective, de composition et de disegno.

Sculpture
La haute sculpture de la Renaissance, illustrée par la Pietà de Michel-Ange et l’emblématique David, se caractérise par un équilibre «idéal» entre l’immobilité et le mouvement. La haute sculpture de la Renaissance était normalement commandée par le public et l’État, cette sculpture devenant plus populaire pour la sculpture est une forme d’art chère. La sculpture était souvent utilisée pour décorer ou embellir l’architecture, normalement dans les cours où d’autres pouvaient étudier et admirer l’œuvre d’art commandée. Les riches individus comme les cardinaux, les dirigeants et les banquiers étaient les patrons privés les plus probables avec les familles très riches; Le pape Jules II a également patronné de nombreux artistes. Pendant la Haute Renaissance, il y eut le développement de petites statuettes pour les clients privés, la création de bustes et de tombes se développant également. Le sujet de la sculpture était surtout religieux, mais aussi avec un important groupe d’individus classiques sous la forme de sculptures et de peintures de tombes ainsi que des plafonds de cathédrales.