Histoire de l’art islamique

L’art islamique englobe les arts visuels produits à partir du VIIe siècle par des personnes qui vivaient sur le territoire qui était habité ou gouverné par des populations culturellement islamiques. C’est donc un art très difficile à définir car il couvre de nombreuses terres et divers peuples sur une période de 1 400 ans; ce n’est pas un art spécifiquement d’une religion, d’un temps, d’un lieu, ou d’un seul moyen comme la peinture. Le vaste domaine de l’architecture islamique fait l’objet d’un article distinct, laissant des domaines aussi variés que la calligraphie, la peinture, le verre, la poterie et les arts textiles tels que les tapis et la broderie.

L’art islamique s’est développé à partir de nombreuses sources: l’art romain, l’art paléochrétien et le style byzantin ont été repris dans l’art et l’architecture islamiques primitifs; l’influence de l’art sassanide de la Perse pré-islamique était d’une importance capitale; Les styles d’Asie centrale ont été introduits avec diverses incursions nomades; Les influences chinoises ont eu un effet formateur sur la peinture, la poterie et les textiles islamiques. »Bien que tout le concept d ‘« art islamique »ait été critiqué par certains historiens de l’art moderne, le qualifiant de« fiction de l’imagination »ou de« mirage ». les similitudes entre l’art produit à des époques et des lieux très différents dans le monde islamique, en particulier dans l’âge d’or islamique, ont été suffisantes pour garder le terme largement utilisé par les chercheurs.

Les débuts

Pré-dynastique
La période d’expansion rapide de l’ère islamique constitue un début raisonnablement précis pour l’étiquette de l’art islamique. Les premières limites géographiques de la culture islamique étaient dans la Syrie actuelle. Il est assez difficile de distinguer les premiers objets islamiques de leurs prédécesseurs dans l’art persan ou sassanide et byzantin, et la conversion de la masse de la population, y compris les artistes, a pris une période significative, parfois des siècles, après la conquête musulmane initiale. Il y avait, notamment, une importante production de céramiques non émaillées, attestée par un célèbre petit bol conservé au Louvre, dont l’inscription assure son attribution à la période islamique. Les motifs végétaux étaient les plus importants dans ces premières productions.

Les influences de la tradition artistique sassanide incluent l’image du roi en tant que guerrier et le lion en tant que symbole de noblesse et de virilité. Les traditions tribales bédouines mélangées aux styles les plus sophistiqués des territoires conquis. Pour une première période, les pièces de monnaie avaient des figures humaines dans le style byzantin et sassanide, peut-être pour rassurer les utilisateurs de leur valeur continue, avant que le style islamique avec le lettrage ne prenne le dessus.

Umayyad
L’architecture religieuse et civique a été développée sous la dynastie des Omeyyades (661-750), lorsque de nouveaux concepts et de nouveaux plans ont été mis en pratique.

Le Dôme du Rocher à Jérusalem est l’un des bâtiments les plus importants de toute l’architecture islamique, marqué par une forte influence byzantine (mosaïque sur fond d’or, et un plan central qui rappelle celui de l’église du Saint-Sépulcre), mais portant déjà des éléments purement islamiques, comme la grande frise épigraphique. Les palais du désert en Jordanie et en Syrie (par exemple, Mshatta, Qasr Amra et Khirbat al-Mafjar) ont servi de califes comme quartiers d’habitation, salles de réception et bains, et ont été décorés, y compris des peintures murales, pour promouvoir une image de luxe royal.

Le travail en céramique était encore un peu primitif (non vitré) durant cette période. Certains objets métalliques ont survécu à partir de ce moment, mais il reste assez difficile de distinguer ces objets de ceux de la période pré-islamique.

Abd al-Malik introduisit des pièces de monnaie standard comportant des inscriptions arabes, au lieu d’images du monarque. Le développement rapide d’une monnaie localisée au moment de la construction du Dôme du Rocher démontre la réorientation de l’acculturation des Omeyyades. Cette période voit la genèse d’un art particulièrement islamique.

A cette époque, les artistes et artisans omeyyades n’inventèrent pas un nouveau vocabulaire, mais commencèrent à préférer ceux reçus de la fin de l’Antiquité méditerranéenne et iranienne, qu’ils adaptèrent à leurs propres conceptions artistiques. Par exemple, les mosaïques de la Grande Mosquée de Damas sont basées sur des modèles byzantins, mais remplacent les éléments figuratifs par des images d’arbres et de villes. Les palais du désert témoignent également de ces influences. En combinant les diverses traditions dont ils ont hérité et en réadaptant motifs et éléments architecturaux, les artistes créent peu à peu un art typiquement musulman, particulièrement perceptible dans l’esthétique de l’arabesque, qui apparaît à la fois sur les monuments et dans les Qur’ān illuminés.

Abbasid
La dynastie abbasside (750 AD – 1258) vit le déplacement de la capitale de Damas à Bagdad, puis de Bagdad à Samarra. Le passage à Bagdad a influencé la politique, la culture et l’art. L’historien de l’art Robert Hillenbrand (1999) assimile le mouvement à la fondation d’une «Rome islamique», car la rencontre des influences orientales des sources iraniennes, steppiques eurasiennes, chinoises et indiennes a créé un nouveau paradigme pour l’art islamique. Les formes classiques héritées de l’Europe byzantine et des sources gréco-romaines ont été abandonnées au profit de celles issues du nouveau centre islamique. Même le design de la ville de Bagdad l’a placé dans le «nombril du monde», comme l’écrivait l’historien al-Ya’qubi du 9ème siècle.

L’ancienne ville de Bagdad ne peut pas être bien fouillée, car elle se trouve sous la ville moderne. Cependant, Abbasid Samarra, qui était en grande partie abandonné, a été bien étudié, et est connu pour ses exemples survivants de reliefs de stuc, dans lesquels la préhistoire de l’arabesque peut être tracée. Les motifs connus du stuc de Samarra permettent la datation de structures construites ailleurs et se retrouvent sur des objets portatifs, notamment en bois, d’Egypte à Iran.

Samarra a été témoin de la « venue de l’âge » de l’art islamique. Le stuc peint polychrome a permis l’expérimentation dans de nouveaux styles de moulage et de sculpture. La période abbasside a également coïncidé avec deux innovations majeures dans les arts de la céramique: l’invention de la faïence et de la lustrerie métallique. L’interdiction hadithique de l’utilisation des vaisseaux d’or ou d’argent conduisit au développement des lustres métalliques dans la poterie, qui consistaient à mélanger du soufre et des oxydes métalliques à l’ocre et au vinaigre, peints sur un vaisseau déjà vitré puis tirés une deuxième fois. C’était cher, et difficile à gérer le deuxième tour à travers le four, mais le souhait de dépasser la porcelaine chinoise fine a conduit au développement de cette technique.

Bien que la perception commune de la production artistique abbasside se concentre largement sur la poterie, le développement le plus important de la période abbasside a été dans les textiles. Des ateliers dirigés par le gouvernement, connus sous le nom de tiraz, ont donné naissance à des soies portant le nom de monarque, permettant aux aristocrates de manifester leur loyauté envers le souverain. D’autres soies étaient picturales. L’utilité de la soie dans la décoration des murs, les parures d’entrée et la séparation des pièces n’était pas aussi importante que sa valeur monétaire le long de la «route de la soie».

La calligraphie a commencé à être utilisée dans la décoration de surface sur la poterie durant cette période. Les Corans illuminés attiraient l’attention, les formes de lettres devenaient plus complexes et stylisées au point de ralentir la reconnaissance des mots eux-mêmes.

Période médiévale (IXe-XVe siècles)
À partir du IXe siècle, la souveraineté des Abbassides est contestée dans les provinces les plus éloignées du centre irakien. La création d’une dynastie chiite, celle des Fatimides d’Afrique du Nord, suivie des Omeyyades en Espagne, a donné force à cette opposition, ainsi que de petites dynasties et des gouverneurs autonomes en Iran.

Espagne et Maghreb
La première dynastie islamique à s’établir en Espagne (ou al-Andalus) était celle des Omeyyades espagnoles. Comme leur nom l’indique, ils descendaient des grands Omeyyades de Syrie. Après leur chute, les Omeyyades espagnoles ont été remplacées par divers royaumes autonomes, les taifas (1031-91), mais la production artistique de cette période ne diffère pas significativement de celle des Omeyyades. À la fin du XIe siècle, deux tribus berbères, les Almoravides et les Almohades, s’emparent successivement de la tête du Maghreb et de l’Espagne, apportant des influences maghrébines dans l’art. Une série de victoires militaires par des monarques chrétiens avait réduit l’Espagne islamique à la fin du 14ème siècle à la ville de Grenade, gouvernée par la dynastie Nasirid, qui a réussi à maintenir leur emprise jusqu’en 1492.

Al-Andalus était un grand centre culturel du Moyen Age. Outre les grandes universités qui enseignaient des philosophies et des sciences encore inconnues dans la chrétienté (comme celles d’Averroès), le territoire était un centre d’art tout aussi vital.

De nombreuses techniques ont été employées dans la fabrication d’objets. L’ivoire était largement utilisé pour la fabrication de boîtes et de coffrets. La pyxide d’al-Mughira est un chef-d’œuvre du genre. En métal, de grandes sculptures rondes, normalement rares dans le monde islamique, servaient de réceptacles élaborés pour l’eau ou de bec verseur. Un grand nombre de textiles, notamment des soieries, ont été exportés: beaucoup se trouvent dans les trésors de l’église de la chrétienté, où ils servaient de couverture pour les reliquaires des saints. A partir des périodes de la règle Maghrébine on peut également noter un goût pour les boiseries peintes et sculptées.

L’art de l’Afrique du Nord n’est pas aussi bien étudié. Les dynasties almoravides et almohades se caractérisent par une tendance à l’austérité, par exemple dans les mosquées aux murs nus. Néanmoins, les arts de luxe ont continué à être produits en grande quantité. Les dynasties Marinid et Hafsid ont développé une architecture importante, mais mal comprise, et une importante quantité de boiseries peintes et sculptées.

Mashriq arabe
La dynastie fatimide, qui régna en Égypte de 909 à 1171, introduisit l’artisanat et les connaissances de Bagdad politiquement troublée au Caire.

En l’an 1070, les Seldjoukides apparurent comme la force politique dominante dans le monde musulman après la libération de Bagdad et la défaite des Byzantins à Manzikert. Pendant le règne de Malik Shah, les Seldjoukides excellèrent dans l’architecture en même temps en Syrie, les atabegs (gouverneurs des princes seldjoukides) prirent le pouvoir. Assez indépendants, ils ont capitalisé sur les conflits avec les croisés francs. En 1171, Saladin s’empare de l’Égypte fatimide et installe la dynastie transitoire ayyoubide sur le trône. Cette période est remarquable pour les innovations dans la métallurgie et la fabrication généralisée des épées et dagues en acier de Damas et les céramiques de production, de verre et de métal de haute qualité ont été produites sans interruption, et le verre émaillé est devenu un autre métier important.

En 1250, les Mamelouks ont pris le contrôle de l’Egypte des Ayyoubides et, en 1261, ils ont réussi à s’affirmer en Syrie et leur chef le plus célèbre était Baibars. Les Mamelouks n’étaient pas, à proprement parler, une dynastie, puisqu’ils ne maintenaient pas un mode de succession patrilinéaire; en fait, les mamelouks étaient libérés des esclaves turcs et caucasiens, qui (en théorie) passaient le pouvoir à d’autres de même position. Ce mode de gouvernement a persévéré pendant trois siècles, jusqu’en 1517, et a donné lieu à d’abondants projets architecturaux (plusieurs milliers de bâtiments ont été construits pendant cette période), tandis que le patronage des arts de luxe a privilégié le verre émaillé et l’orfèvrerie. de l’Egypte médiévale. Le baptistère de Saint-Louis au Louvre est un exemple de la très haute qualité de la ferronnerie à cette période.

Iran et Asie centrale
En Iran et dans le nord de l’Inde, les Tahirides, les Samanides, les Ghaznavides et les Ghurides luttèrent pour le pouvoir au Xe siècle, et l’art était un élément vital de cette compétition. De grandes villes ont été construites, telles que Nishapur et Ghazni, et la construction de la Grande Mosquée d’Ispahan (qui se poursuivra, par à-coups, sur plusieurs siècles) a été initiée. L’architecture funéraire était également cultivée, tandis que les potiers développaient des styles assez particuliers: ornement kaléidoscopique sur fond jaune; ou décorations marbrées créées en permettant aux émaux colorés de courir; ou peindre avec plusieurs couches de glissement sous la glaçure.

Les Seljuqs, nomades d’origine turque de l’actuelle Mongolie, sont apparus sur la scène de l’histoire islamique vers la fin du Xe siècle. Ils s’emparèrent de Bagdad en 1048, avant de disparaître en 1194 en Iran, bien que la production des œuvres « Seljuq » se poursuive jusqu’à la fin du 12ème et au début du 13ème siècle sous les auspices de petits souverains et mécènes indépendants. Pendant leur temps, le centre de la culture, de la politique et de la production artistique est passé de Damas et de Bagdad à Merv, Nishapur, Rayy et Ispahan, tous en Iran.

Le mécénat populaire s’est développé en raison de la croissance économique et de la nouvelle richesse urbaine. Les inscriptions en architecture ont tendance à se concentrer davantage sur les mécènes de la pièce. Par exemple, les sultans, les vizirs ou les fonctionnaires de rang inférieur seraient souvent mentionnés dans les inscriptions sur les mosquées. Parallèlement, la croissance de la production de masse et de la vente d’œuvres d’art la rendait plus commune et accessible aux commerçants et aux professionnels. En raison de l’augmentation de la production, de nombreuses reliques ont survécu à l’époque seldjoukide et peuvent être facilement datées. En revanche, la datation des œuvres antérieures est plus ambiguë. Il est donc facile de confondre l’art seldjoukide avec de nouveaux développements plutôt qu’avec l’héritage des sources classiques iraniennes et turques.

Les innovations en céramique de cette période comprennent la production de minaiware et la fabrication de récipients, non en argile, mais en pâte de silicone («fritware»), tandis que les métallurgistes commencent à incruster du bronze avec des métaux précieux. À travers l’ère seldjoukide, de l’Iran à l’Irak, on peut voir une unification de la peinture de livres. Ces peintures ont des figures animales qui expriment une signification symbolique forte de la fidélité, de la trahison et du courage.

Au cours du 13ème siècle, les Mongols sous la direction de Gengis Khan ont balayé le monde islamique. Après sa mort, son empire fut divisé entre ses fils, formant de nombreuses dynasties: le Yuan en Chine, les Ilkhanides en Iran et la Horde d’Or dans le nord de l’Iran et le sud de la Russie.

Ilkhanides
Une civilisation riche s’est développée sous ces «petits khans», qui étaient à l’origine inféodés à l’empereur Yuan, mais sont rapidement devenus indépendants. L’activité architecturale s’intensifie à mesure que les Mongols deviennent sédentaires et conservent des traces de leurs origines nomades, telles que l’orientation nord-sud des bâtiments. En même temps, un processus d ‘«iranisation» a eu lieu et la construction a été reprise selon des types précédemment établis, tels que les mosquées du «plan iranien». L’art du livre perse est également né sous cette dynastie, et a été encouragé par le patronage aristocratique de grands manuscrits tels que le Jami ‘al-tawarikh par Rashid-al-Din Hamadani. De nouvelles techniques en céramique sont apparues, comme la lajvardina (une variation de lustre), et l’influence chinoise est perceptible dans tous les arts.

La Horde d’Or et les Timourides
Les premiers arts des nomades de la Horde d’Or sont mal compris. La recherche ne fait que commencer et des preuves de l’urbanisme et de l’architecture ont été découvertes. Il y avait aussi une production importante d’œuvres en or, qui montrent souvent une forte influence chinoise. Une grande partie de ce travail est conservé aujourd’hui à l’Ermitage.

Le début de la troisième grande période de l’art médiéval iranien, celui des Timourides, a été marqué par l’invasion d’un troisième groupe de nomades, sous la direction de Timour. Pendant le 15ème siècle cette dynastie a donné naissance à un âge d’or dans la peinture manuscrite persane, en incluant des peintres renommés tels que Kamāl ud-Dīn Behzād, mais également une multitude d’ateliers et de patrons.

Syrie, Irak, Anatolie
Les Turcs seldjoukides ont dépassé l’Iran en Anatolie, remportant une victoire sur l’Empire byzantin lors de la bataille de Manzikert (1071) et établissant un sultanat indépendant de la branche iranienne de la dynastie. Leur puissance semble avoir largement décliné à la suite des invasions mongoles en 1243, mais des pièces furent frappées sous leur nom jusqu’en 1304. L’architecture et les objets synthétisèrent divers styles, tant iraniens que syriens, rendant parfois les attributions précises difficiles. L’art du travail du bois a été cultivé, et au moins un manuscrit illustré date de cette période.

Les Caravansérails parsemaient les principales routes commerciales de la région, placées à intervalles d’un jour de voyage. La construction de ces auberges caravanséraires a été améliorée en termes d’échelle, de fortification et de reproductibilité. En outre, ils ont commencé à contenir des mosquées centrales.

Les Turkmènes étaient des nomades qui s’installaient dans la région du lac Van. Ils étaient responsables d’un certain nombre de mosquées, telles que la mosquée bleue de Tabriz, et ils ont eu une influence décisive après la chute des Seljuqs anatoliens. À partir du 13ème siècle, l’Anatolie a été dominée par de petites dynasties turkmènes, qui ont progressivement écorné sur le territoire byzantin. Peu à peu surgit une dynastie majeure, celle des Ottomans, qui, après 1450, sont appelés les «premiers Ottomans». Les œuvres d’art turkmènes peuvent être considérées comme les précurseurs de l’art ottoman, en particulier les céramiques «Milet» et les premières œuvres anatoliennes bleues et blanches.

La peinture de livres islamiques a connu son premier âge d’or au treizième siècle, la plupart du temps de Syrie et d’Irak. Influence du vocabulaire visuel byzantin (coloration bleue et dorée, motifs angéliques et victorieux, symbologie de la draperie) combinées aux types de visages mongoloïdes dans les frontispices de livres du XIIe siècle.

Les époques antérieures ont nécessairement comporté des épigraphes arabes, mais comme la société ayyoubide est devenue plus cosmopolite et multiethnique, la monnaie a commencé à être astrologique, figurative (avec une variété de bustes grecs, séleucides, byzantins, sasaniens et turcs contemporains). .

Hillenbrand suggère que les textes islamiques médiévaux appelés Maqamat, copiés et illustrés par Yahya ibn Mahmud al-Wasiti étaient parmi les premiers «livres de table à café». Ils ont été parmi les premiers textes à dresser un miroir de la vie quotidienne dans l’art islamique, dépeignant des histoires humoristiques et montrant peu ou pas d’héritage de la tradition picturale.

Asie du sud
Le sous-continent indien, dont certaines parties du nord furent conquises par les Ghaznavides et les Ghurides au IXe siècle, ne devint autonome qu’en 1206, lorsque les Muizzi, ou rois esclavagistes, prirent le pouvoir, marquant ainsi la naissance du Sultanat de Delhi. Plus tard, d’autres sultanats concurrents ont été fondés au Bengale, au Cachemire, au Gujarat, au Jaunpur, au Malwa et dans le nord du Deccan (les Bahmanides). Ils se sont séparés peu à peu des traditions persanes, donnant naissance à une approche originale de l’architecture et de l’urbanisme, marquée notamment par l’interaction avec l’art hindou. L’étude de la production des objets a à peine commencé, mais un art vivant de l’illumination des manuscrits est connu. La période des sultanats se termine avec l’arrivée des Moghols, qui s’emparent progressivement de leurs territoires.

Les trois empires

Ottomans
L’Empire ottoman, dont les origines remontent au 14ème siècle, a continué à exister peu après la Première Guerre mondiale. Cette longévité impressionnante, combinée à un territoire immense (s’étendant de l’Anatolie à la Tunisie), a naturellement conduit à un art vital et distinctif. l’architecture, la production en série de céramiques à la fois pour les carreaux et les vaisseaux, notamment les articles d’Iznik, l’orfèvrerie et la joaillerie, le marbrage de papier turc Ebru, les tapisseries turques, les tapisseries et les miniatures ottomanes et l’éclairage ottoman décoratif.

Les chefs-d’œuvre de l’illustration manuscrite ottomane comprennent les deux «livres de festivals» (le nom de famille «I Hümayun»), l’un datant de la fin du XVIe siècle et l’autre datant de l’époque du sultan Mourad III. Ces livres contiennent de nombreuses illustrations et montrent une forte influence safavide; ils peuvent donc avoir été inspirés par des livres capturés au cours des guerres ottomanes-safavides du 16ème siècle.

Les Ottomans sont également connus pour leur développement d’un pigment rouge vif, « Iznik red », en céramique, qui atteignit son apogée au XVIe siècle, à la fois en carreaux et en poterie, en utilisant des motifs floraux considérablement transformés à partir de leurs Modèles persans. À partir du XVIIIe siècle, l’art ottoman connut une influence européenne considérable, les Turcs adoptant des versions du Rococo qui eurent un effet durable et peu bénéfique, conduisant à une décoration surabondante.

Moghols
L’Empire moghol en Inde a duré de 1526 jusqu’à (techniquement) 1858, bien qu’à partir de la fin du 17ème siècle, le pouvoir s’écoula des empereurs aux souverains locaux, et plus tard aux puissances européennes, surtout le Raj britannique, qui était la puissance principale en Inde. fin du 18ème siècle. La période est la plus remarquable pour les arts de la cour de luxe, et les styles moghols ont fortement influencé les dirigeants locaux hindous et plus tard sikhs. La miniature moghole a commencé par importer des artistes perses, en particulier un groupe ramené par Humayun en exil dans la Perse Safavide, mais bientôt des artistes locaux, de nombreux hindous, ont été formés dans le style. Des portraits réalistes et des images d’animaux et de plantes ont été développés dans l’art moghol au-delà de ce que les Perses avaient jusqu’ici réalisé, et la taille des miniatures a augmenté, parfois sur la toile. La cour moghole avait accès aux estampes européennes et à d’autres œuvres d’art, et celles-ci avaient une influence croissante, qui se manifestait par l’introduction graduelle de certains aspects de la perspective graphique occidentale et une plus grande variété de poses dans la figure humaine. Certaines images occidentales ont été directement copiées ou empruntées. Au fur et à mesure que les tribunaux des Nawabs locaux se sont développés, des styles provinciaux distincts avec une influence plus forte de la peinture traditionnelle indienne se sont développés dans les cours princières musulmanes et hindoues.

Les arts de la bijouterie et de la pierre dure, tels que le jaspe, le jade, les rubis, les diamants et les émeraudes sont mentionnés par le chroniqueur moghol Abu’l Fazl, et une série d’exemples survivent; la série de dagues en pierre dure en forme de tête de cheval est particulièrement impressionnante.

Les Moghols étaient également de fins métallurgistes, ils introduisirent l’acier de Damas et raffinèrent l’acier Wootz produit localement, les Moghols introduisirent aussi la technique du «bidri» de la ferronnerie dans laquelle les motifs argentés sont pressés sur un fond noir. Des métallurgistes moghols célèbres comme Ali Kashmiri et Muhammed Salih Thatawi ont créé les globes célestes sans couture.

Safavides et Qajars
Les Safavides iraniens, une dynastie s’étendant de 1501 à 1786, se distinguent des empires moghols et ottomans et des anciens dirigeants persans, en partie grâce à la foi chiite de leurs shahs, qu’ils réussirent à faire la dénomination majoritaire en Perse. Les arts de la céramique sont marqués par la forte influence de la porcelaine chinoise, souvent exécutée en bleu et blanc. L’architecture a prospéré, atteignant un sommet avec le programme de construction de Shah Abbas à Ispahan, qui comprenait de nombreux jardins, des palais (comme Ali Qapu), un immense bazar et une grande mosquée impériale.

L’art de l’enluminure des manuscrits a également atteint de nouveaux sommets, en particulier dans le Shah Tahmasp Shahnameh, une immense copie du poème de Ferdowsi contenant plus de 250 peintures. Au 17ème siècle, un nouveau type de peinture se développe autour de l’album (muraqqa). Les albums étaient des créations de connaisseurs qui reliaient des feuilles simples contenant des peintures, des dessins ou des calligraphies de divers artistes, parfois extraits de livres antérieurs, et d’autres fois créées en tant qu’œuvres indépendantes. Les peintures de Reza Abbasi figurent en grande partie dans ce nouvel art du livre, représentant une ou deux figures plus grandes, des beautés typiquement idéalisées dans un décor de jardin, utilisant souvent les techniques de la grisaille précédemment utilisées pour les peintures de bordure.

Après la chute des Safavides, les Qajars, une tribu turkmène établie depuis des siècles sur les rives de la mer Caspienne, ont pris le pouvoir. L’art Qajar montre une influence européenne croissante, comme dans les grandes peintures à l’huile représentant les shahs Qajar. Steelwork a également pris une nouvelle importance. Comme les Ottomans, la dynastie Qajar a survécu jusqu’en 1925, quelques années après la Première Guerre mondiale.

Période moderne
À partir du XVe siècle, le nombre de tribunaux islamiques plus petits a commencé à baisser, à mesure que l’Empire ottoman, puis les Safavides et les puissances européennes les engloutissaient; cela a eu un effet sur l’art islamique, qui était généralement fortement dirigé par le patronage de la cour. Au moins au XVIIIe siècle, l’art islamique d’élite était de plus en plus influencé par les styles européens et, dans les arts appliqués, adoptait largement les styles occidentaux ou cessait de se développer, conservant le style qui prévalait à la fin du XVIIIe ou au début du XIXe siècle. . Beaucoup d’industries avec de très longues histoires, comme la poterie en Iran, ont fermé en grande partie, tandis que d’autres, comme la métallurgie en laiton, sont devenues généralement congelées, avec une grande partie de leur production destinée aux touristes ou exportée comme exotica orientale.

L’industrie du tapis est restée importante, mais elle utilise surtout des modèles datant d’avant 1700 et est en concurrence avec les imitations faites à la machine, localement et dans le monde entier. Les arts et l’artisanat avec une base sociale plus large, comme les carreaux de mosaïque zellige du Maghreb, ont souvent mieux survécu. Les pays islamiques ont développé l’art moderne et contemporain, avec des mondes artistiques très vigoureux dans certains pays, mais le degré de classification de ces derniers dans une catégorie spéciale comme «art islamique» est discutable, bien que de nombreux artistes traitent de thèmes liés à l’islam. utiliser des éléments traditionnels tels que la calligraphie. Surtout dans les régions riches en pétrole du monde islamique beaucoup d’architecture moderne et de décoration intérieure utilise des motifs et des éléments tirés du patrimoine de l’art islamique.

L’art islamique n’est pas du tout limité à l’art religieux, mais englobe tout l’art des cultures riches et variées des sociétés islamiques. Il comprend souvent des éléments laïques et des éléments qui sont désapprouvés, voire interdits, par certains théologiens islamiques. En dehors des inscriptions calligraphiques omniprésentes, l’art spécifiquement religieux est moins présent dans l’art islamique que dans l’art médiéval occidental, à l’exception de l’architecture islamique où les mosquées et leurs complexes de bâtiments environnants sont les restes les plus communs. La peinture figurative peut couvrir des scènes religieuses, mais normalement dans des contextes essentiellement laïques tels que les murs de palais ou les livres de poésie illuminés. La calligraphie et la décoration des corans manuscrits est un aspect important, mais d’autres art religieux tels que les mosquées en verre et autres accessoires de mosaïques comme les carreaux de Girih, les boiseries et les tapis ont généralement le même style et les mêmes motifs que l’art contemporain. , bien qu’avec des inscriptions religieuses encore plus proéminentes.

Il y a des éléments récurrents dans l’art islamique, tels que l’utilisation de motifs géométriques floraux ou végétaux dans une répétition connue sous le nom d’arabesque. L’arabesque dans l’art islamique est souvent utilisée pour symboliser la nature transcendante, indivisible et infinie de Dieu. Des erreurs dans les répétitions peuvent être intentionnellement présentées comme une démonstration d’humilité par des artistes qui croient que seul Dieu peut produire la perfection, bien que cette théorie soit contestée.

Généralement, mais pas entièrement, l’art islamique s’est concentré sur la représentation de motifs, purement géométriques ou floraux, et sur la calligraphie arabe, plutôt que sur des figures, car de nombreux musulmans craignent que la représentation de la forme humaine soit une idolâtrie. péché contre Dieu, interdit dans le Coran. On retrouve des représentations humaines à toutes les époques de l’art islamique, surtout dans la forme plus privée des miniatures, où leur absence est rare. La représentation humaine à des fins de culte est considérée comme une idolâtrie et est dûment interdite dans certaines interprétations de la loi islamique, connue sous le nom de loi de la charia. Il y a aussi beaucoup de représentations de Mahomet, le prophète en chef de l’Islam, dans l’art islamique historique. De petites figures décoratives d’animaux et d’humains, surtout si elles chassent les animaux, se retrouvent sur des pièces séculaires dans de nombreux médias de nombreuses périodes, mais les portraits tardaient à se développer.