L’hyperréalisme est un genre de peinture et de sculpture ressemblant à une photographie haute résolution. L’hyperréalisme est considéré comme une avancée du photoréalisme par les méthodes utilisées pour créer les peintures ou sculptures résultantes. Le terme est principalement appliqué à un mouvement artistique indépendant et à un style artistique aux États-Unis et en Europe qui s’est développé depuis le début des années 1970. Carole Feuerman est le précurseur du mouvement d’hyperréalisme avec Duane Hanson et John De Andrea.

L’hyper-réalisme est une forme d’art, la peinture et la sculpture, mais comprend également la photographie et le cinéma. Le réalisme a toujours été un élément important de la série des styles artistiques. L’hyperréalisme est un développement ultérieur du réalisme et est lié au pop art. Son idéal n’est pas nécessairement une réplique exacte fidèle à la réalité, comme c’est typique du réalisme, mais une exagération photoréaliste de la réalité, une «réalité exagérée». L’abstraction est rejetée.

Un élément essentiel de l’hyperréalisme est la renonciation de l’artiste à l’interprétation subjective. L’hyperréalisme utilise des moyens d’expression du réalisme photographique, dans lesquels le contenu de l’image est peint avec un niveau de détail qui rappelle une photographie. Alors que le photo-réalisme se veut avant tout beau à travers la représentation brillante et réaliste, l’hyperréalisme dans la réalité fraîche et profane « exagérément dérangeante » pose la question de la nature des choses dans un contexte existentiel presque ironique. Par exemple, les peintures de paysages de Gottfried Helnwe sont principalement des œuvres de réalisme photographique, car elles sont avant tout «belles» mais n’ont pas le caractère dérangeant de ses portraits. Cependant, en raison des cicatrices et des blessures rendues visibles par l’artiste, celles-ci sont plus susceptibles d’être attribuées à l’hyperréalisme; les limites sont fluides et il est «sans importance que ces images soient photographiées ou peintes».

Histoire
Le marchand d’art belge Isy Brachot a inventé le mot français Hyperréalisme, ce qui signifie hyperréalisme, comme le titre d’une exposition et d’un catalogue majeurs dans sa galerie à Bruxelles en 1973. L’exposition a été dominée par des photographes américains tels que Ralph Goings, Chuck Close, Don Eddy, Robert Bechtle et Richard McLean; mais il comprenait des artistes européens influents tels que Domenico Gnoli, Gerhard Richter, Konrad Klapheck et Roland Delcol. Depuis lors, Hyperealisme a été utilisé par des artistes et des marchands européens pour s’appliquer aux peintres influencés par les photoréalistes. Parmi les peintres hyperréalistes européens contemporains, on trouve Gottfried Helnwein (autrichien), Willem van Veldhuizen et Tjalf Sparnaay (néerlandais), Roger Wittevrongel (belge), ainsi que les français Pierre Barraya, Jacques Bodin, Ronald Bowen, François Bricq, Gérard Schlosser, Jacques Monory, Bernard Rancillac, Gilles Aillaud et Gérard Fromanger.

L’hyperréalisme du début du XXIe siècle a été fondé sur les principes esthétiques du photoréalisme. Le peintre américain Denis Peterson, dont les œuvres pionnières sont universellement considérées comme une ramification du photoréalisme, a d’abord utilisé «l’hyperréalisme» pour s’appliquer au nouveau mouvement et à son groupe d’artistes dissident. Graham Thompson a écrit: « Le succès de la peinture photoréaliste à la fin des années 1960 et au début des années 1970 est une démonstration de la façon dont la photographie s’est assimilée dans le monde de l’art. On l’appelle aussi super-réalisme ou hyper-réalisme et des peintres comme Richard Estes, Denis Peterson, Audrey Flack et Chuck Close ont souvent travaillé à partir d’images fixes pour créer des peintures qui semblaient être des photographies.  »

Cependant, l’hyperréalisme contraste avec l’approche littérale trouvée dans les peintures photoréalistes traditionnelles de la fin du 20e siècle. Les peintres et sculpteurs hyperréalistes utilisent des images photographiques comme source de référence à partir de laquelle créer un rendu plus définitif et détaillé, qui, souvent, contrairement au photoréalisme, est narratif et émotif dans ses représentations. Les peintres photoréalistes stricts avaient tendance à imiter des images photographiques, en omettant ou en abstenant certains détails finis pour maintenir une conception picturale globale cohérente. Ils omettaient souvent l’émotion humaine, la valeur politique et les éléments narratifs. Depuis qu’il a évolué à partir du Pop Art, le style photoréaliste de la peinture était particulièrement serré, précis et fortement mécanique avec un accent sur l’imagerie quotidienne banale.

L’hyperréalisme, bien que photographique par essence, implique souvent une mise au point plus douce et beaucoup plus complexe sur le sujet représenté, le présentant comme un objet vivant et tangible. Ces objets et scènes des peintures et sculptures de l’hyperréalisme sont minutieusement détaillés pour créer l’illusion d’une réalité non vue sur la photo originale. Cela ne veut pas dire qu’ils sont surréalistes, car l’illusion est une représentation convaincante de la réalité (simulée). Les textures, les surfaces, les effets d’éclairage et les ombres semblent plus clairs et plus distincts que la photo de référence ou même le sujet lui-même.

L’hyperréalisme trouve ses racines dans la philosophie de Jean Baudrillard, « la simulation de quelque chose qui n’a jamais vraiment existé ». En tant que tels, les hyperréalistes créent une fausse réalité, une illusion convaincante basée sur une simulation de la réalité, la photographie numérique. Les peintures et sculptures hyperréalistes sont une excroissance d’images à très haute résolution produites par des appareils photo numériques et affichées sur des ordinateurs. Alors que le photoréalisme émule la photographie analogique, l’hyperréalisme utilise l’imagerie numérique et s’enrichit pour créer un nouveau sens de la réalité. Les peintures et sculptures hyperréalistes confrontent le spectateur à l’illusion d’images haute résolution manipulées, bien que plus méticuleuses.

Le photoréalisme comme précurseur de l’hyperréalisme
Dans les années 1920, les peintres de précision travaillaient déjà à l’aide de photographies fidèlement reproduites (comme dans le cas de Charles Sheeler, peintre et photographe à la fois). Mais il est indéniable que le pop art continue d’être le précurseur immédiat de l’hyperréalisme, puisqu’il reprend l’iconographie du quotidien, reste fidèle à la distance de son focus et produit les mêmes images neutres et statiques.

Les photoréalistes n’ont jamais formé de groupe, mais ils ont fait des expositions qui les présentaient comme un seul style: The Photographic Image et 22 Realists, tous deux à New York, au milieu des années 1960. À cette époque, l’abstraction était la tendance dominante et le réalisme était mal vu; Il était considéré comme un art copié à partir de photographies ou de la réalité et sans aucun intérêt. Cependant, des artistes comme Chuck Close ou Richard Estes ont développé des techniques totalement nouvelles pour représenter la réalité, obtenant des résultats parfois étonnants.

D’autres artistes américains de cette tendance sont Don Eddy, John Salt, Ralph Goings, Robert Cottingham, John Kacere, Paul Staiger, Richard McLean, Malcolm Morley et John de Andrea.

Comme tous les photoréalistes, il n’y a aucune trace de coups de pinceau et l’artiste semble absent; les peintures sont recouvertes d’une fine couche de peinture, appliquée au pistolet et au pinceau, grattées si besoin, avec une lame pour qu’il n’y ait aucun relief, peu importe. À cela s’ajoute la précision des détails. En utilisant le cadre dans le processus de réalité, ce qui est cassé et manipulé deux fois (à la fois dans le cadre et dans la photographie), différenciant ainsi le réalisme traditionnel du photoréalisme.

C’est grâce à ce type d’art que l’Hyperréalisme est né.

Hyperréalisme
L’hyperréalisme d’aujourd’hui est fondé sur les principes esthétiques du photoréalisme. Le peintre américain Denis Peterson, dont les œuvres pionnières sont universellement considérées comme une branche du photoréalisme, a d’abord utilisé le terme «hyperréalisme» pour s’appliquer au nouveau mouvement et à son groupe d’artistes dissidents.

Graham Thompson a écrit: « Une démonstration de la façon dont la photographie a été assimilée dans le monde de l’art est le succès de la peinture photoréaliste à la fin des années 1960 et au début des années 1970. On l’appelle aussi super réalisme ou hyperréalisme et des peintres comme Richard Estes, Denis Peterson, Audrey Flack et Chuck Close a souvent travaillé à partir de photographies pour créer des peintures qui semblaient être des photographies.  »

Cependant, l’hyperréalisme contraste avec l’approche littérale trouvée dans les peintures photoréalistes traditionnelles de la fin du 20e siècle. Les peintres et sculpteurs hyperréalistes utilisent des images photographiques comme source de référence pour créer une représentation plus définitive et détaillée, qui est souvent, contrairement au photoréalisme, narrative et émotionnelle dans leurs représentations. Les peintres photoréalistes stricts avaient tendance à imiter les images photographiques, en omettant ou en abstenant certains détails finis pour maintenir une conception picturale cohérente globale. Ils ont souvent omis l’émotion humaine, le courage politique et les éléments narratifs. Depuis son évolution du Pop Art, le style photoréaliste de la peinture a été particulièrement serré, précis et vivement mécanique, avec un accent sur les images banales et quotidiennes.

L’hyperréalisme, bien que photographique par essence, implique souvent une approche plus douce et beaucoup plus complexe du sujet représenté, le présentant comme un objet vivant et tangible. Ces objets et scènes dans des peintures et sculptures hyperréalistes sont minutieusement détaillés pour créer l’illusion d’une réalité non vue sur la photo originale. Cela ne signifie pas qu’ils sont surréalistes, car l’illusion est une représentation convaincante de la réalité (simulée). Les textures, les surfaces, les effets d’éclairage et les ombres apparaissent plus clairs et plus clairs que la photo de référence ou même le sujet lui-même.

Concernant la sculpture hyperréaliste américaine, il faut souligner Duane Hanson, qui reproduit des personnages grandeur nature issus des classes populaires, et Segal, qui utilise la même technique que Hanson: mouler des moulages en plâtre, remplir les moules de fibre de verre. verre et polyester, assemblage des pièces et peint en couleur chair; La pièce est terminée en l’habillant avec des vêtements usagés. John de Andrea sculpte des nus d’hyperréalisme si prononcés qu’ils ressemblent à de vraies personnes, tout comme Nancy Graves avec ses sculptures de chameaux.

Certaines des figures les plus pertinentes de l’hyperréalisme seraient les peintres Antonio López, Eduardo Naranjo ou Gregorio Palomo.

Sur le marché de l’art actuel, les figures les plus consolidées de sa carrière sont le Chilien Claudio Bravo, qui à travers ses natures mortes, ses dessins et surtout sa série de peintures sur tissus, emballages et papiers, a réussi à réinventer l’hyperréalisme en lui donnant un statut presque métaphysique; et l’Argentin Enrique Sobisch, qui vit et décède à Madrid, dont les œuvres, d’une grande perfection artistique, rivalisent avec l’instantané photographique.

Peinture hyperréalisme
En peinture, cette direction est notamment représentée par Chuck Monroe, Don Eddy, Claudio Bravo, Chuck Close, Richard Estes, Ralph Goings, Audrey Flack, Vija Celmins, Franz Gertsch, Rudolf Häsler ou Gottfried Helnwein. Les artistes contemporains qui travaillent avec des moyens hyper-réalistes incluent Jeff Koons, Ron Mueck et Luigi Rocca ainsi que les aérographes Hajime Sorayama, Gerard Boersma et Dru Blairand et de nombreux autres artistes (en Allemagne, par exemple, Maximilian Pfalzgraf, Günther Hermann, Lars Reiffers, Dietmar Gross ou Roland H. Heyder avec son « réalisme fantastique »). Le Suédois Tommy TC Carlsson travaille avec des dispositifs stylistiques hyper-réalistes dans son art objet (« Modern Illusion Art »). Roland Delcol, né à Bruxelles en 1942, est un représentant idiosyncratique entre l’hyperréalisme et le pluralisme postmoderne d’aujourd’hui.

Style et méthodes
Le style hyperréaliste met davantage l’accent sur les détails et les sujets. Les peintures et sculptures hyperréalistes ne sont pas des interprétations strictes des photographies, ni des illustrations littérales d’une scène ou d’un sujet particulier. Au lieu de cela, ils utilisent des éléments picturaux supplémentaires, souvent subtils, pour créer l’illusion d’une réalité qui, en fait, n’existe pas ou ne peut pas être vue par l’œil humain. En outre, ils peuvent incorporer des éléments thématiques émotionnels, sociaux, culturels et politiques comme une extension de l’illusion visuelle peinte; un départ distinct de l’école plus ancienne et beaucoup plus littérale du photoréalisme.

Les peintres et sculpteurs hyperréalistes tiennent compte de certains moyens mécaniques de transfert d’images sur la toile ou le moule, y compris les dessins préliminaires ou les sous-peintures et moules grisaille. Des projections de diapositives photographiques ou des projecteurs multimédias sont utilisés pour projeter des images sur des toiles et des techniques rudimentaires telles que le quadrillage peuvent également être utilisées pour garantir la précision. Les sculptures utilisent des polyesters appliqués directement sur le corps humain ou le moule. L’hyperréalisme nécessite un haut niveau de prouesse technique et de virtuosité pour simuler une fausse réalité. En tant que tel, l’hyperréalisme intègre et tire souvent parti des limites photographiques telles que la profondeur de champ, la perspective et la plage de mise au point. Les anomalies trouvées dans les images numériques, telles que la fractalisation, sont également exploitées pour souligner leurs origines numériques par certains peintres hyperréalistes, tels que Chuck Close, Denis Peterson, Bert Monroy et Robert Bechtle.

Thèmes
Les sujets traités vont des portraits, de l’art figuratif, des natures mortes, des paysages, des paysages urbains et des scènes narratives. Le style hyperréaliste plus récent est beaucoup plus littéral que le photoréalisme quant aux détails picturaux exacts en mettant l’accent sur des thèmes sociaux, culturels ou politiques. Ceci est également en contraste frappant avec le plus récent photoréalisme simultané avec son évitement continu des anomalies photographiques. Les peintres hyperréalistes simulent et améliorent à la fois des images photographiques précises pour produire des illusions visuelles optiquement convaincantes de la réalité, souvent dans un contexte social ou culturel.

Certains hyperréalistes ont exposé les régimes totalitaires et les gouvernements militaires du tiers monde à travers leurs représentations narratives de l’héritage de la haine et de l’intolérance. Denis Peterson et Gottfried Helnwein ont dépeint les déviations politiques et culturelles de la décadence sociétale dans leur travail. Le travail de Peterson s’est concentré sur les diasporas, les génocides et les réfugiés. Helnwein a développé un travail narratif non conventionnel centré sur les déviations passées, présentes et futures de l’Holocauste. Les sujets provocateurs incluent l’imagerie énigmatique des génocides, leurs conséquences tragiques et les conséquences idéologiques. Thématiquement, ces artistes hyperréalistes controversés ont agressivement confronté la condition humaine corrompue à travers des peintures narratives en tant que médium phénoménologique. Ces peintures réalistes sont un commentaire historique sur les mauvais traitements grotesques des êtres humains.

Les peintures et sculptures hyperréalistes créent en outre une solidité tangible et une présence physique grâce à des effets d’éclairage et d’ombre subtils. Les formes, les formes et les zones les plus proches du premier plan de l’image apparaissent visuellement au-delà du plan frontal de la toile; et dans le cas des sculptures, les détails sont plus clairs que dans la nature. Les images hyperréalistes mesurent généralement de 10 à 20 fois la taille de la source de référence photographique d’origine, tout en conservant une résolution, des couleurs, une précision et des détails extrêmement élevés. Beaucoup de peintures sont réalisées avec un aérographe, en utilisant des acryliques, des huiles ou une combinaison des deux. Les sculptures réalistes de Ron Mueck sont mises à l’échelle beaucoup plus grandes ou plus petites que la vie et finies dans des détails incroyablement convaincants grâce à l’utilisation méticuleuse des résines de polyester et de multiples moules. Les images numériques de Bert Monroy semblent être de véritables peintures prises à partir de photographies, mais elles sont entièrement créées sur ordinateur.

Critique
Une vision critique de l’hyperréalisme souligne le caractère dépourvu d’imagination de la représentation: « L’hyperréalisme gaspille les possibilités de la peinture au profit d’une simple plaisanterie dans la compétition entre peinture et photographie. » L’hyperréalisme américain dans les années 1960 et 1970 est devenu européen décrit comme « américain à la caricature »: « Cet hyperréalisme développé et répandu du Pop Art des années 60 était hyper provocateur et hyper-superficiel et hyper-commercial. »