Le baroque dans la signification historique de la musique européenne était une période d’environ 1600 à environ 1750. Dès le début, la musique dans le baroque s’est détournée de la musique de la Renaissance. En remplaçant la polyphonie (plusieurs mélodies simultanément) dans la chanson de l’homophonie (une voix principale) pour laisser le texte dominer, créant des opéras, des oratoires, des cantates et des monodies, la musique vocale s’est développée brusquement. Au début du baroque, les échelles modales étaient principalement associées à la musique d’église échangée avec de la musique tonale. Cela a fait de grandes différences à la fois dans le son et dans la capacité de composer des pièces plus avancées.

La musique du dernier bar (1700-1750)
Même ce n’est pas le même changement de génération dans la transition du milieu au dernier bar comme dans plusieurs autres sections, comme dans la romance, il y a de bonnes raisons musicales pour établir la distinction entre les deux périodes jusqu’en 1700. Musique instrumentale, qui s’était développé tout au long du seizième siècle, était si sophistiqué au tournant du siècle qu’il a eu une influence majeure sur l’avenir de la musique. Albinoni et Vivaldi ont développé le concert, en particulier le concert solo, si puissant qu’il a pris le dessus en tant que style de musique dominante. La sonate a été introduite dans les pays germanophones au tournant du siècle. Au fil du temps, la musique vocale allemande commença à ressembler de plus en plus à l’opéra, comme elle l’avait fait plusieurs années auparavant en Italie.

L’opéra va plus vers des thèmes sérieux, souvent tragiques, et avec moins de danse. L’action est venue au centre de l’opéra. Alors que le public de l’opéra anglais vivait surtout de l’opéra écrit par les Italiens, l’opéra français était encore plus concerné par Lully et certains de ses héritiers, surtout ceux qui copiaient son style. En 1711, l’Angleterre a gagné son premier opéra pour la scène anglaise écrit par Händel, et il a continué à dominer là pour les 20 prochaines années. La France reçoit son prochain grand compositeur d’opéra dans les années 1730 avec Rameau.

L’Italie a commencé avec des concerts et des sonates, et la France avait longtemps dominé dans les suites, mais pendant cette période la musique allemande, en Allemagne et en Angleterre, est devenue dominante dans la plupart des musiques instrumentales. L’une des raisons pour lesquelles la musique allemande a dominé le dernier bar était qu’elle avait une longue tradition d’inspiration des pays voisins et de développement d’un style connu en Italie, en Angleterre, en France et aux Pays-Bas. En outre, la musique allemande s’est également développée en créant des versions propres et nouvelles de la musique clée néerlandaise et britannique, de la polyphonie flamande, du concerto italien, de l’opéra et du madrigal et de l’opéra français, cembalomusic, motette et orchestra suite. Georg Philipp Telemann, Georg Friedrich Händel et surtout Johann Sebastian Bach ont influencé et influencé la musique du pays voisin.

Dans le même temps, la musique complète de Händel et Bach était aussi le début de la fin. Avec l’émergence des concerts publics et des cartouches bourgeoises, la polyphonie compliquée a été remplacée par une simple homophonie. Georg Philipp Telemann, qui préfère une musique plus simple que Bach, fut l’un des compositeurs les plus à même de s’adapter à d’autres cultures et aux saveurs de la musique contemporaine.

Instruments
Le développement musical s’est poursuivi dans le dernier bar, en particulier dans la famille des trois souffleurs. La période a vu deux nouveaux instruments. Chalmeauen a été remplacé par la clarinette. Une grande partie de l’avantage de la clarinette était les possibilités avec la buse, ce qui a aidé à contrôler le son, la précision et le volume. Le ténorobo (plus tard « cor anglais »), qui avait été en constante évolution, a obtenu sa forme plus définitive dans les années 1720. Cependant, ce n’est qu’à la fin du baroque que le ténorobo a eu lieu dans l’orchestre. Parmi les instruments existants, des changements sont également survenus. Le hautbois a gagné un son et un registre élargis, ce qui a pu l’amener à être utilisé plus fréquemment comme instrument solo pendant la période. Le phagote étoffait également son registre au début de cette période. Les carrefours connurent également un développement important entre les années 1660 et les années 1720.

Il y avait aussi un développement dans les instruments clés, et un précurseur du piano a été créé vers 1700, mais c’était trop cher et inachevé pour être mis en production. La corne était une corne naturelle sans trous et volets, mais au début des années 1700, elle était élargie avec plus de faisceaux, de sorte que le son variait davantage. Cela signifiait aussi que la corne était plus souvent utilisée en musique, notamment par Händel et Bach.

La famille Stryker était dans une phase de transition, où le jeu a commencé à perdre son toit. Alors que gambe et violoncelle vivaient encore en même temps, Stradivarius définissait le violoncelle en 1710 et peu de temps après, d’autres concepteurs d’instruments suivaient. Cela a entraîné la popularité croissante de la cellule. Le seul instrument dans la gamfamily qui a survécu, la contrebasse, a eu lieu dans l’orchestre au tournant du siècle. Le violon, quant à lui, n’a subi que des ajustements mineurs, notamment au violon de Guarnieri, qui était bon sur des tons persistants.

Opéra
Comme l’opéra anglais et français a calé après la mort de Purcell et Lully, l’opéra italien a encore dominé. Cependant, l’opéra italien était en constante évolution, par exemple, l’action, les personnages et le conflit entre les personnages ont été accentués dans une plus grande mesure, ce qui en fait considérablement plus d’espace. Un autre aspect du développement de l’opéra dans les années 1700 était que les instruments jouaient un rôle de plus en plus important. Alors qu’ils avaient auparavant la fonction de jouer entre les resitatives et les arie, ils participaient maintenant aux deux, généralement vers le soliste. Parfois, cela conduisait à une compétition, car elle tombait entre le castrateur Farinelli et un virtuose de la trompette, une compétition que le public avait lancée.

Toujours en Allemagne, il y avait un développement basé sur l’opéra italien. En particulier, les compositeurs de Hambourg et de Leipzig étaient actifs dans la création d’opéras, et encore plus d’entre eux étaient probablement inspirés par l’opéra italien, ils avaient mis leurs propres sentiments sur le genre au début. Certains, et surtout ceux de Telemann, avaient une touche humoristique, et plusieurs d’entre eux étaient chantés en allemand, inspirés par le chant.

Opéra italien
L’opéra italien a dominé non seulement l’Italie, mais aussi beaucoup plus de pays. Vienne et Londres avaient été fortement inspirés par l’opéra italien, surtout de Naples.

Après la prise de possession de l’école napolitaine, Naples était également en train de dominer la production de l’opéra. La ville avait aussi des opéras clas- siques basés sur les classes. Pour la noblesse, l’opéra était associé à des célébrations, telles que les jours de fête, les mariages ou d’autres circonstances. L’opéra était souvent utilisé par les librettos vénitiens. Les librettos avaient dans le passé souvent un mélange de romance, de drame et de comédie, mais au tournant du siècle la partie de comédie a été enlevée et placée comme un nombre entre les actes de la série d’opéra plus tragique. La série d’opéra napolitain a été définie par Apostolo Zeno et Pietro Metastasio (voir Vienne), et l’accent mis sur le récit dramatique est devenu plus important. Musicalement il y avait des variations importantes dans l’instrumentation, entre autres, la basse générale pourrait être joué par erkelutt, lutt, contrebasse et gambe en plus de cembalo. Parfois, les instruments à vent comme la trompette, l’obo et la corne, généralement deux de chaque, se sont réunis avec des cordes. De plus, le style musical différait aussi de la musique baroque traditionnelle, au lieu de répéter de petits motifs. La musique napolitaine tenait à ne pas les répéter, mais plutôt à étirer des motifs répétés de stroboscopes. Utiliser les breaks comme un effet dramatique a aidé à créer des mélodies plus légères et plus émouvantes. En outre, il y avait souvent des parties vocales très virtuoses.

Un opéra plus populaire avait saisi l’opéra comique réduit pour mettre en pause la musique de la noblesse et se concentrer sur elle. Il y avait une longue tradition à Naples pour l’humour dans la musique, et plusieurs opéras ont été énumérés dans le dialecte napolitain et avec humour. Là où l’opéra sérieux a choisi de choisir des mondes surnaturels et complexes, les opéras comiques étaient habituellement ajoutés aux thèmes quotidiens et aux événements historiquement liés, et plaisantant au détriment de l’opéra sérieux. À partir des années 1710, les compositeurs sérieux étaient plus désireux de livrer de bons opéras de bande dessinée, en partie à cause de la liberté artistique. Les opéras comiques ont été faits pour la plupart des gens aussi bien qu’intermezzo pour la noblesse. En plus d’utiliser des thèmes de tous les jours, les comédies latines ont été remplacées par des comédies de comédie dell’arte avec les chiffres prévisibles et les contradictions: jeunes à vieux, hommes à femmes, richesse à la pauvreté et gay à savvy. La popularité a augmenté, et en 1733, Giovanni Battista Pergolèse La Serva Padrona a attiré l’attention internationale.

Après Naples, Vienne était probablement l’un des plus grands centres de l’opéra italien. Beaucoup d’opéras ont été composés par le maître de chapelle Antonio Caldara et avec le livret de Pietro Metastasio, bien que les deux avec d’autres. À Vienne, les libraires Metastasio et son prédécesseur Apostolo Zeno ont été responsables d’une réforme de l’opéra afin que l’histoire, l’intrigue et les personnages aiguisé plus. Ainsi, le drame a obtenu un meilleur effet, et en outre, les arias sont devenus le foyer émotionnel tandis que les resitatives ont raconté l’action. Une autre caractéristique de l’opéra de Vienne était l’accent mis sur la musique instrumentale, et en particulier le son, ce qui signifiait que les solos instrumentaux étaient écrits à la fois dans les renversements, les ballets et parfois aussi dans les arias. Tout cela était rare dans les opéras ailleurs, en particulier l’utilisation du contrepoint dans la chanson mélodique, en accord avec le goût des empereurs autrichiens, et parce qu’ils étaient fortement inspirés par Händel.

À Rome, la tradition de l’opéra était tordue à cause des vues du pavillon et du caprice. En outre, des conflits tels que la guerre du patrimoine espagnol ont mis des restrictions à l’opéra de sorte que Rome était sans opéra entre 1698 et 1711. À son tour, des opéras d’Alessandro Scarlatti, Antonio Caldara et Antonio Vivaldi sont venus entre autres. C’est aussi ici que débutèrent les bibliothèques de Metastasio en 1724. L’année précédant la mort de Scarlatti, Leonardo Vinci collabora avec Metastasio jusqu’à la mort de Vinci en 1730. Vinci était originaire de Naples, et l’école napolitaine fut également bien accueillie à l’opéra à Rome – quand c’était autorisé. En Venicethere était moins d’innovation locale pendant la période. D’abord il y avait des compositeurs d’opéras établis comme Francesco Gasparini et Carlo Francesco Pollarolo, et plus tard il y avait des compositeurs néo-politiques comme Leonardo Vinci. L’exception à cette règle était Antonio Vivaldi, qui a écrit plusieurs opéras et oratoires, et était probablement le compositeur d’opéra le plus populaire de la ville.

Opéra allemand
L’opéra avait frappé l’Allemagne, et dans la dernière partie du baroque, plus d’opéras ont été exécutés dans divers opéras à travers le pays. À Leipzig, il y avait déjà un opéra établi, et il y avait plus de contributions. L’opéra allemand avait souvent des mouvements comiques, donc aussi ici. Sauf que Telemann avait écrit et envoyé ensemble 20 opéras, aucun des compositeurs qui se sont fait connaître pour la postérité n’a été créé.

Il y avait aussi un opéra à Hamurg, composé principalement par l’empereur. La capacité de l’Empereur à écrire de belles mélodies et à comprendre la voix et ses capacités fut une inspiration directe pour Händel. En son temps, Empereur était également considéré comme le compositeur principal au début du siècle. Händel est venu à la ville en 1704, et même il est resté là pendant un court moment, en apprenant plus de choses sur la composition de l’opéra dans la ville. Empereur a dominé jusqu’à 1721 quand Telemann est venu à la ville. Son opéra était encore comique et sérieux. L’opéra comique de Telemann fut ainsi écrit plusieurs années avant que l’opéra buffa ne frappe La Serva Padrona.

Opéra français
L’opéra français avait du mal à sortir de l’ombre de Lully. Le premier grand candidat – Pascal Collasse – a écrit des opéras qui ressemblaient beaucoup à ceux de Lullys, et a eu le plus grand succès en écrivant des œuvres incomplètes, souvent rejetées. La famille Lully le poursuit en justice et sa réputation est déjà affaiblie au tournant du siècle. Henri Desmarets était lié à un scandale inverse, il a écrit une série de moteurs publiés par la star de la chorale Nicolas Goupillet. Puis il s’est échappé avec une jeune femme à Bruxelles et a été condamné à mort par contumace. Il est ensuite allé en Espagne mais est revenu quand la peine de mort a été levée. Ses opéras n’ont eu qu’un succès modeste. André Cardinal Destouches a eu un certain succès avec l’opéra, mais il est devenu trop modeste après avoir reçu le nouveau titre d’inspecteur général de l’Académie Royale de Musique.

La grande révolution dans l’opéra français est venue seulement vers la fin du baroque, avec Jean-Philippe Rameau. Rameau devint théoricien de la musique quand il avait 39 ans. Ses idées sur la musique, entre autres, traitaient de l’acoustique et des accords, où il préférait les accords des aigus et du temps de sépulture, introduisait les basiques et s’intéressait à la dissonance. qui propage de la musique et des effets des accords. C’était aussi Rameau comme défini les termes tonique (ton fondamental), dominant (le ton et l’accord – un quintet de toniques) et le sous-dominant (le ton et l’accord – un quintet sous toniques).

En tant que compositeur, Rameau a été découvert dans les années 1730 alors qu’il était dans les années cinquante. Son premier opéra, Hippolyte et Aricie, a été enregistré en 1733 quand il avait 50 ans. Rameau déplaça entre les tragédies de Lully un opéra-opéra au ballet de l’Opéra, par exemple Les Indes galantes, plus libre dans sa forme. Puis il a opté pour des opéras plus traditionnels, et a eu un succès particulier avec Castor et Pollux, qui était beaucoup plus libre du style de Lully. Le nouveau style de musique de Rameau, basé sur sa théorie musicale, a tellement provoqué les adeptes de Lully qu’il est devenu une forme de bataille dans l’intelligence de Paris entre les Lullis et les Ramis. Indépendamment de la lutte et de l’accusation selon lesquelles la musique de Rameau était difficile, grotesque, mécanique et contre nature, Rameau est devenu populaire et a repris l’opéra français. Il fut aussi le premier compositeur d’origine française à connaître plus de succès avec l’opéra.

Angleterre et Händel
En l’absence de ses propres compositeurs d’opéra après la mort de Purcell, l’Angleterre s’est intéressée davantage à l’opéra italien. L’opéra était largement public, et déjà en 1705, le premier exemple d’opéra d’inspiration italienne, quoique en anglais. Arsinoé, reine de Chypre, était une mise à jour d’une pièce italienne plus ancienne. Juste la tendance à prêter l’opéra italien, volontiers par Alessandro Scarlatti, et de traduire en anglais, frappé et plusieurs opéras de qualité variable ont été mis en place. C’est aussi à cette époque que les castrateurs ont été lancés pour un public britannique. Une expérience de courte durée avec des parties en anglais et des parties en italien a pris fin lorsque le public s’est lassé de ne comprendre que la moitié de l’opéra, et la plupart ont ensuite été chantées en italien. En particulier, Hydaspes devint deFancesco Mancini un succès relativement important en 1710.

1710 était aussi le moment où Händel commença sa carrière musicale à Halle, mais il déménagea dans des villes allemandes, italiennes et anglophones et s’inspira beaucoup des différentes cultures. Son premier opéra, Almira, Königin von Castilien, date de 1705, lorsqu’il était à Hambourg, et clairement inspiré par Reinhard Emperor, et avec des mélodies de danse après les mœurs françaises, des ariens après les contrepoints et l’orchestration italiens et allemands. Son sixième, Agrippina, de 1709, a été inspiré par Alessandro Scarlatti, et a montré la capacité d’avoir des mélodies élégantes avec de longues parties sans rupture de respiration et avec une variation rythmique dans les mélodies. Son premier opéra coté à Londres, Rinaldo, a été un grand succès et il a été listé presque tous les opéras de cette décennie.

Après que Händel ait eu une position permanente et de l’argent pour trouver des chanteurs talentueux comme Faustina Bordoni, ses opéras sont devenus plus héroïques et plus difficiles. En particulier Giulio Cesare à Egitto (1724), mais aussi Tamerlano (même année) et Rodelinda (1725) sont de bons exemples du nouvel opéra. Händel a profité de l’importance transférée, par exemple, qu’il a créé le sentiment de se faufiler et de chasser pour souligner la trahison de Ptolémée. A cette époque, il y avait habituellement deux types principaux de resitatives, le « sec » avec presque uniquement la basse générale et la chanson conversationnelle, et les résitatifs « accompagnés » avec beaucoup plus d’instruments. Händel a profité de ce dernier. Aussi les arias étaient spéciaux pour Händel. Il les a écrites aux chanteurs individuels, et donc certains aries pourraient être ornementaux et aller haut alors que d’autres pourraient être lents et accentuer des sentiments. En même temps, Händel tenait beaucoup plus à utiliser les airs que ce qui avait été précédemment communiqué à l’acte, et il a donc cassé quelque chose avec l’école napolitaine. Le point de contraste et la musique majestueuse peuvent être pesés avec de simples hymnes pastoraux. Händel a utilisé plus d’orchestre, et il a aussi utilisé plus activement des instruments à vent que plus de son contemporain.

Musique vocale religieuse
Au tournant du siècle, la musique de l’église vocale luthérienne est devenue de plus en plus comme de l’opéra. Une partie de ceci était due à Erdmann Neumeister, un poète et un théologien qui a combiné l’opéra et la musique d’église luthérienne. Inspiré par lui, Bach a également commencé à utiliser des techniques de l’opéra, telles que resitative et arian, mais aussi la chorale, la musique de corail et l’accompagnement d’orchestre. De sa nomination à Thomaskantor, plus ou moins musicalement responsable de toutes les églises, jusqu’à ce qu’il se désintéresse de la musique d’église, Bach développe grandement la musique de l’église. Cela a été particulièrement noté dans ses deux pations. Bach n’a pas d’expérience en tant que compositeur d’opéra, en plus de quelques cafés dramatiques sans succès notable, mais surtout de l’opéra Johannespacelike, y compris des traits dramatiques entre Pontus Pilate et le chœur insistant sur le fait que Jésus devrait être crucifié. En outre, Bach a également utilisé la chorale comme commentaires sur l’acte comme dans le drame grec. Matthew Path est plus complet et les accords jouent un plus grand rôle dans la performance.

Bach a perdu son intérêt pour la musique d’église vers 1730, mais au cours de sa dernière année, il a terminé Messe à H-Moll, qui était une anthologie du développement de la musique d’église. Le travail est devenu plus de 20 ans et a supposé la réutilisation (appelée parodies) des travaux passés ou des travaux incomplets. Le mélange fait que la foire varie de la vieille barre au galant en cours. Bach avait emprunté à l’opéra, mais il y avait aussi une grande variation entre eux. Les cantates étaient, comme Matthieu, réfléchissantes et complètes, et par conséquent exécutées avec des voix sans l’occurrence d’aucun drame, et peuvent également être comprises comme sermon musical. Les cantates s’étendent également au-delà de 1730, mais diminuent fortement.

Autour de Bach a laissé la musique d’église vocale, Händel a vraiment commencé à s’occuper d’eux. Vers 1730, il commença aussi à écrire des oratoires. Cependant, il a changé les oratoires italiens traditionnels en entrant dans de grandes chorales, inspirées par la musique chorale allemande et anglaise. Il leur a donné des rôles différents, de raconter l’histoire à commenter, également inspirée par le drame grec. Le Pape allemand et le Masque anglais ont également joué un rôle dans les nouveaux oratoires de Händel. Ceci soutenait que l’église était une expérience commune et non individuelle. Händel était très utilisé par la technique opératoire, et pouvait donc emprunter des techniques de récitatif à l’opéra et les suivre, non par un orchestre, mais par une chorale. Néanmoins, des airs et des scènes dramatiques dans les oratoires apparaissent également. En outre, Händel a également fait des oratoires qui n’étaient pas chrétiens, mais appartenaient à la mythologie grecque, y compris Sémélé et Hercule.

Concertos et suites
Le concert était une véritable affaire italienne avant le tournant du siècle, et il a continué pendant un moment. Tomaso Albinoni a déjà publié ses premiers concerts en l’an 1700. Comme Albinoni était un médiateur, il était libre des défenseurs des bienfaiteurs. Il a rapidement défini ses concertos comme trois ensembles, et il a utilisé avec diligence pour le contrepoint. En outre, il a expérimenté avec la forme du second taux lent. C’est également Albinoni qui a présenté l’obo en tant qu’instrument solo à un public italien.

En 1702, deux ans après le premier concert d’Albinoni, Antonio Vivaldi devient le concerto défini. Il a enseigné à l’École chrétienne des orphelins, des enfants chauds et des filles incroyables et leur a enseigné les jeux musicaux avec beaucoup de succès. Ses jeux et ceux des filles ont reçu assez d’attention pour devenir une attraction à Venise. Sur les 500 concertos de Vivaldi qui ont survécu, 350 ont été réalisés, environ trois quarts pour des instruments solistes et 230 pour violon. Le violon n’était pas seulement l’instrument de Vivaldi, mais aussi l’instrument que la plupart des étudiantes ont appris. En outre, il a écrit 37 pour basson, et pour flûte, hautbois, blockwriter, viola d’amour, violoncelle et mandoline.

Les concerts de concert de Vivaldi ont résonné à cause de mélodies fraîches, d’un rythme vif, d’un solo soigné et d’une formalité. En outre, Vivaldi avait des musiciens talentueux dans les écoles, et il a eu l’occasion d’expérimenter avec le concert. Juste parce qu’il avait une recette de base simple avec laquelle il pouvait être flexible, il a eu beaucoup de succès avec le développement du concerto. Entre autres choses, Vivaldi avait des pièces où plusieurs solistes jouaient contre le reste de l’orchestre, mais contrairement au concerto grosso de Corelli, le grand orchestre ne copiait pas le petit, mais jouait contre eux comme dans un concert solo. Vivaldi a aussi délibérément utilisé à la fois pizza et sordin pour l’effet. Vivaldi a utilisé un concert à trois vitesses presque cohérent sous la forme rapide-lente-introduite par Tomaso Albononi. Parmi les plus célèbres, vous êtes quatre saisons. Ici, comme la plupart des autres concertos, Vivaldi a choisi un style plus gay, c’est-à-dire avec une voix mélodique de premier plan, tandis que les autres voix soutiennent cela.

Il a également utilisé ritornello presque constant, c’est-à-dire un refreng, et a également conçu sa propre forme de ritornello. Raffiné vient déjà au début, en partie pour confirmer la structure de tonalité, quel ton est utilisé. L’ensemble de l’orchestre est inclus, avec des parties pour l’instrument solo. Cela se compose généralement de petites parties qui sont répétées ou variées. Quand le refrain est répété, il n’est généralement que partiel. Le reengengene est divisé par des épisodes solo, pour la plupart virtuoses et caractéristiques. Certaines parties du refrain peuvent être répétées et variées avec, mais Vivaldi a utilisé plus d’échelles, d’arpèges et d’autres expressions musicales. Les tonalités pourraient être échangées par modulation. Ceci a créé une forme de ritornello qui était très variée du ritornello standard. De plus, Vivaldi a joué un rôle crucial en levant la partie lente pour qu’elle soit aussi importante que la plus rapide, y compris par des mélodies expressives et chantables (exemple d’écoute). De plus, la virtuose aimerait ajouter quelques ornements supplémentaires. La capacité de Vivaldi à donner sa voix au soliste et sa propre personnalité devint cruciale pour le concert.

Bach a été inspiré par Vivaldi à la fois dans le concerto et dans la musique pour piano. Il a appris en clarifiant les thèmes et le plan harmonique et en travaillant sur des structures formelles basées sur l’effet ritornello. En concert, Bach, comme tout le reste, était varié et influencé par d’autres musiques. Cela se voit dans les concerts de Brandebourg, qui varient considérablement, du concerto grosso (1, 2, 4) aux tournées de concerts (3, 6) et 5, qui rappellent le plus souvent un concert solo pour le cembalo et l’orchestre. Peut-être inspiré par Vivaldi, il a eu plusieurs instruments solos dans le concerto. Il a également écrit deux concerto solo pur pour violon et un total de 13 pour un et jusqu’à quatre instruments clés – principalement cembalo dans le moment présent. Bach mettait souvent des articulations dans les concertos. Händel a également écrit des tournées de concerts, mais beaucoup moins. Il a écrit des concerts d’obo et douze concerts grossi en plus de 14 concerts d’orgue.

Les costumes d’orchestre étaient de plus en plus populaires depuis le milieu des années 1600. De 1690 à 1740, cependant, les valises en Allemagne étaient différentes des traditionnelles françaises, en partie parce qu’elles brisaient l’idée d’un ordre fixe, ainsi les danses pouvaient venir quand cela convenait au compositeur. Les deux pièces les plus célèbres de Händel – Musique d’eau et musique pour le feu d’artifice royal – étaient les deux costumes d’orchestre allemands, composés d’environ 30 ans d’intervalle. François Couperin a également écrit des costumes d’orchestre – il a appelé les royaux royaux, mais il ressemble plus à une collection de danses collées solubles jouées par un ensemble relativement petit. Son costume a également été fortement inspiré par la musique italienne.

Musique au piano et sonate
La musique pour piano, puis principalement l’orgue ou le cembalomusic, consistait principalement en suites, toccata ou préludes avec des fows ou des sonates. Toccata ou Preludium avec des combattants subséquents ont été utilisés par plusieurs compositeurs, mais Johann Sebastian Bach a dominé la catégorie. Dans la sonate, le clavier jouait soit le rôle principal en tant qu’instrument soliste, soit un rôle plus rétracté en tant qu’instrument de basse généraliste. Ceux qui suivaient le style de Corelli, particulièrement caractérisé par la sonate pour violon, utilisaient surtout la musique pour piano comme instruments de basse générale, tandis que ceux qui se détachaient – et surtout Johann Sebastian Bach – plaçaient le clavier dans un rôle beaucoup plus dominant.

En plus des costumes d’orchestre, il y avait aussi plusieurs compositeurs qui composaient des suites pour un équipage plus modeste, qui était ensuite placé avec les sonates. Parmi ceux-ci, en particulier les cembalos étaient populaires. François Couperin a écrit des cembalosuites spéciales destinées à la noblesse dont il était le professeur. Ceux-ci étaient français dans la construction, et ainsi ils ont tenu plus sur la division traditionnelle des chansons. Le cembalosuiter de Bach n’était pas seulement inspiré par l’italien mais aussi par la musique française et allemande. Bach a choisi de suivre la tradition de l’allemande, de la courante, de la sarabande et de la gigue, et avec un prélude où il a arrangé un orchestre d’ensemble italien à cembalo. Händel, à son tour, a utilisé une influence italienne plus directe sur ses cembalosuites.

Les morceaux de piano plus lâches étaient généralement des preluder ou des twoccata typiques, suivis des articulations. C’était surtout la région de Bach. Un exemple de la variation de Bach est Toccata & Fuge d-Moll BWV 565, où les deux chats commencent et se terminent et finissent par apparaître. Hans Preludium et Fuge dans A-mole BWV 543 a une grande variété de styles musicaux, de séquences, de progressions dominantes, d’une structure de tonalité claire et d’une forme de ritornello, qui rappellent toutes les idées de concerto de Vivaldi. Les deux exemples sont également typiques parce qu’ils sont virtuoses et que le rythme est la partie la plus rapide d’un concerto – c’est-à-dire le premier ou le troisième pari. L’une des plus célèbres collections de Bach était Das Wohltemperierte Klavier, une collection de préludes et d’articulations de tous les tons destinés aux enfants ou débutants aux claviers. L’un des objectifs était de montrer la gamme de cembalo par rapport aux nouvelles notes – c’est-à-dire, grandes et petites – et à l’ancienne échelle modale. Le premier volume est arrivé en 1724, l’autre 20 ans plus tard.

La sonate en Italie a longtemps été caractérisée par Corelli. Tomaso Albinoni fut le premier compositeur à sortir du style de Corelli, lui-même assez riche pour voyager, inspiré, entre autres, par Naples, utilisant l’échelle chromatique et les grands sauts, ainsi qu’un style très ornemental. Contrairement aux tournées de concerts d’Albinoni, qui étaient plus progressistes, ses sonates étaient plus conservatrices, malgré la corruption avec Corelli. Vivaldi a écrit 73 sonates, dont près des trois quarts étaient des solosonates, la plupart sont des triosonates et un couple est un trop grand nombre de voix. Vivaldi s’est détaché de l’accent de Corelli et d’Albinoni sur le violon et les cordes, et, par exemple, a écrit pour des flûtes et d’autres instruments à vent aussi bien. Là où Albinoni était plus traditionnel, Vivaldi l’expérimentait autant dans les sonas que dans les concertos, y compris dans la pulsion rythmique et l’unité dans la forme, en plus des bonnes mélodies qui étaient sa marque de fabrique. Vivaldi avait un esprit similaire chez son compatriote Domenico Scarlatti, fils d’Alessandro. Les sonates de Scarlatti, surtout pour le cembalo, étaient rarement si semblables que cela puisse paraître à une sonate de Scarlatti «typique». Il a joué avec des charnières de tonalité, avec une variation de la cadence, une variété d’arpèges, une mise à l’échelle chromatique, des mouvements de mains difficiles, une synchronisation, une dissonance et une riche variété de plus. Cependant, Scarlatti était surtout à Madrid et a été largement découvert après la fin du baroque.

Parmi les pays germanophones, c’est d’abord Johann Joseph Fux qui introduisit les sonates au tournant du siècle, puis à Vienne. En tant que maître de chapelle du Stephansdom, Fux était actif dans une variété de genres, y compris les sonates. Ses sonates, cependant, étaient plus polyphoniques que les sonates italiennes typiques, mais en retour, la forme de fuge était bien représentée. Il y avait aussi plusieurs autres compositeurs allemands qui ont pris la forme de sonate. Cependant, les Sonates ne représentaient pas un grand choix de compositions pour Händel ou Bach. De l’époque de Corelli à Bach et Händel ont commencé à écrire la sonate, la sonate de piano est entrée en tant que troisième forme de sonate en plus du solo et du triosonate. Cela indiquait aussi que le violon n’avait plus la même dominance dans les sonates.

Tout comme Albinoni, les sonates de Bach étaient principalement des fils d’église, et, comme Albinoni, Bach était relativement conservateur dans le développement de la musique au sein de ces nombres. Il disposait, de ce qui est disponible, seulement trois fils de flûte et trois gambesonates en plus du sonar pour piano ou violon, le dernier de très haute difficulté. Les sonates de l’événement, cependant, sont si variés et inventifs qu’ils se sont souvent éloignés du développement du sonate plus traditionnel, y compris l’expérimentation avec l’ordre et le contenu. Georg Philipp Telemann a également écrit un certain nombre de sonates et pour un certain nombre d’instruments. Son travail est beaucoup plus proche de Bach et Corelli en ce qu’il a largement suivi les règles du sonate sans renommer cet événement, mais l’habileté de Telemann à composer des mélodies entraînantes et à exécuter des œuvres bien écrites, sinon originales, était particulièrement évidente dans la sonate.

Transition au style galant
Le baroque n’a pas été soudainement remplacé par un nouveau style, car il avait lui-même remplacé la musique de la Renaissance relativement rapidement. On peut voir le 18ème siècle comme un long débat sur le style musical et la saveur musicale.

Il y avait essentiellement deux raisons pour lesquelles le style galant et le classicisme postérieur ont pris le dessus sur le baroque. Premièrement, le public et les lieux ont été changés. Dès les années 1720, des salles de concert publiques sont de plus en plus construites à Londres et à Paris et se répandent dans toute l’Europe au XVIIIe siècle. Ainsi, la musique devient de plus en plus accessible à la bourgeoisie. C’était déjà arrivé à l’opéra, et il avait été en grand développement au début des années 1700. En particulier, c’était l’opéra comique, et souvent satirique, qui déchirait les jambes de la série d’opéra. Dans le cas de Henderson et de Londres, en particulier le Beer Opera était une attaque sur l’opéra raffiné, et a aidé à amener Händel à oratoires.

Malheureusement pour lui et pour Bach, qui a également écrit beaucoup de musique d’église, la classe moyenne émergente est devenue dominante au milieu du 18ème siècle. Leur vision, caractérisée par l’illumination, a remis en question la position de pouvoir politique et culturel de l’église. Cela a contribué à «composer la musique» dans une plus grande mesure. La musique d’église est devenue conservatrice et rétrograde dans ce contexte. En même temps, l’optimisme était grand étant donné que l’intellect humain pouvait maîtriser tous les défis.

Un autre problème était qu’un certain nombre de compositeurs établis sont morts au milieu du 18ème siècle. Couperin mourut en 1733, Pergolesi en 1736, Vivaldi et Fux en 1741, Bach en 1750, Albinoni en 1751, Domenico Scarlatti en 1757 et Händel en 1759. Parmi ceux-ci, Scarlatti, Couperin et Pergolesi avaient déjà déplacé la musique au strict baroque. Et si Bach est resté un personnage périphérique vers la fin de sa vie, Telemann a mieux géré la transition. Il a quitté le contrepoint et le style polyphonique relativement tôt, et est devenu de plus en plus homophonique et galant. Classisme est souvent considéré comme une correspondance à la musique baroque plus lourde et plus complexe, qui a simplifié les expressions musicales.Les nouveaux compositeurs distingués entre le style polyphonique baroque et les contrepoints et le style homophonique galant plus singulier. La basse générale a été remplacée par d’autres solutions, telles que la basse alberti.

Même le style galant était préférable aux compositeurs à venir, l’art de l’écriture fugue était loin d’être oublié, ce qui se distingue dans les compositions de Haydns, de Mozart et de Beethoven.