L’art miniature ou la peinture miniature en petit est un genre qui se concentre sur l’art (en particulier la peinture, la gravure et la sculpture) avec une longue histoire qui remonte aux scribes de l’époque médiévale. Les sociétés d’art miniature, telles que la Fédération mondiale des miniaturistes (WFM), fournissent des définitions applicables du terme. Une définition souvent utilisée est qu’un morceau d’art miniature peut être tenu dans la paume de la main, ou qu’il couvre moins de 25 pouces carrés ou 100 cm². Les sujets sont représentés en taille réelle 1/6, et dans tous les tableaux l’esprit de miniaturisation doit être maintenu.

L’art miniature (art miniature) est un genre d’art à petite échelle qui inclut la peinture, les estampes, les sculptures et plus encore. L’Association des Beaux-Arts, la Fédération Mondiale des Miniaturistes (WFM) La définition est différente, mais de nombreuses organisations exigent que l’œuvre ne dépasse pas 100 centimètres carrés. Le charme d’une œuvre d’art est qu’elle peut être tenue dans la paume de votre main.

L’art miniature est une petite illustration utilisée pour décorer un manuscrit enluminé ancien ou médiéval; les illustrations simples des premiers codex ayant été miniaturisées ou délimitées avec ce pigment. L’échelle généralement réduite des images médiévales a conduit à une confusion étymologique du terme avec minutie et à son application à de petites peintures, en particulier des miniatures de portrait, qui ont cependant grandi dans la même tradition et ont au moins utilisé des techniques similaires.

Outre les traditions occidentales et byzantines, il existe un autre groupe de traditions asiatiques, généralement de nature plus illustrative, et les origines de la décoration de livres manuscrits sont également devenues des petites peintures à une feuille à conserver dans des albums, également appelés miniatures. , comme les équivalents occidentaux en aquarelle et autres médiums ne le sont pas. Ceux-ci incluent des miniatures persanes et leurs ramifications mogholes, ottomanes et autres indiennes.

L’art miniature est fabriqué depuis plus de 1000 ans et est apprécié par les collectionneurs. La Maison-Blanche américaine, le Smithsonian American Art Museum, le château d’Astolat Dollhouse et les musées du monde entier possèdent des collections de peintures miniatures, de dessins, d’estampes et gravures originales et de sculptures.

La peinture miniature signifie littéralement des peintures miniatures. Le mot miniature vient du mot latin miniāre (à la couleur rouge), qui signifie rouge vermillon en métal. Au Moyen Age, les livres étaient imprimés avec le vermillon rouge-doux de l’Europe, et de cette façon, le livre manuscrit ou potty véhiculé sous la forme d’une peinture miniature qui a été faite sous la forme d’une figure monochromatique. Beaucoup de miniatures célèbres de la période moghole de l’année indienne ont été peintes.

Histoire de l’art miniature

3ème-6ème siècles:
Les premières miniatures existantes sont une série de dessins colorés ou de miniatures découpés dans l’Iliade ambrosienne, un manuscrit illustré de l’Iliade du IIIe siècle. Ils sont similaires dans le style et le traitement avec l’art pictural de la période classique romaine plus tard. Dans ces tableaux, il existe une variété considérable dans la qualité du dessin, mais il y a beaucoup d’exemples notables de beaux dessins, assez classiques dans le sentiment, montrant que l’art antérieur exerçait encore son influence. De telles indications du paysage tel qu’il se présente sont de type classique, non conventionnel au sens du conventionnalisme médiéval, mais tentant toujours de suivre la nature, même imparfaitement; comme dans les fresques pompéiennes et autres de l’époque romaine.

Les miniatures du manuscrit de Virgile, connu sous le nom de Vergilius Vaticanus, du début du V e siècle, sont d’une plus grande valeur d’un point de vue artistique. Ils sont dans un état plus parfait et à plus grande échelle que les fragments ambrosiens, et offrent donc une meilleure opportunité d’examen de la méthode et de la technique. Le dessin est assez classique et l’idée est que les miniatures sont des copies directes d’une série plus ancienne. Les couleurs sont opaques: en effet, dans toutes les miniatures des premiers manuscrits, l’emploi de la couleur du corps était universel. La méthode suivie pour placer les différentes scènes sur la page est très instructive de la pratique suivie, comme on peut le supposer, par les artistes des premiers siècles. Il semble que l’arrière-plan de la scène ait d’abord été entièrement peint, couvrant toute la surface de la page; puis, sur ce fond ont été peints les plus grands personnages et objets; et au-dessus de ceux-ci encore les petits détails en face d’eux ont été superposés. (L’algorithme du peintre.) Encore une fois, dans le but d’obtenir quelque chose comme la perspective, un arrangement de zones horizontales a été adopté, les plus hautes contenant des figures à une échelle plus petite que celles ci-dessous.

Il était réservé à l’école byzantine de se détacher plus résolument de la présentation naturelle des choses et de développer des conventions artistiques. Pourtant, dans les meilleurs exemples de cette école, le sentiment classique subsiste encore, comme en témoignent les reliques des miniatures de la Genesis Cotton et les meilleures miniatures des Dioscurides de Vienne; et dans les miniatures des derniers manuscrits byzantins, copiés à partir d’exemples antérieurs, la reproduction des modèles est fidèle. Mais en comparant les miniatures de l’école byzantine avec leurs prédécesseurs classiques, on a l’impression d’être passé du plein air au cloître. Sous la contrainte de la domination ecclésiastique, l’art byzantin devint de plus en plus stéréotypé et conventionnel. La tendance se développe à peindre les teintes de chair dans les teintes basanées, à allonger et émacier les membres, et à raidir la démarche. Les bruns, les gris bleus et les teintes neutres sont en faveur. Nous trouvons d’abord ici le traitement technique de la peinture de la chair qui devint ensuite la pratique spéciale des miniaturistes italiens, à savoir l’application des teintes de chair sur un fond d’olive, de vert ou d’autres teintes sombres. Le paysage, tel qu’il était, devint bientôt tout à fait conventionnel, donnant l’exemple de cette absence remarquable de la vraie représentation de la nature, attribut si frappant des miniatures du moyen âge.

Et pourtant, tandis que le traitement ascétique des miniatures obtenu si fortement dans l’art byzantin, en même temps le sens oriental de la splendeur se montre dans l’éclat d’une grande partie de la coloration et dans l’emploi somptueux de l’or. Dans les miniatures des manuscrits byzantins, on voit d’abord ces fonds d’or vif qui apparaissent ensuite avec tant de profusion dans les productions de toutes les écoles occidentales de peinture.

L’influence de l’art byzantin sur celle de l’Italie médiévale est évidente. Les premières mosaïques dans les églises d’Italie, comme celles de Ravenne et de Venise, fournissent aussi des exemples de l’influence byzantine dominante. Mais le haut Moyen Âge ne fournit que quelques repères pour guider l’étudiant; et ce n’est que lorsqu’il émerge au XIIe siècle, avec ses fresques et ses miniatures qui portent encore l’empreinte de la tradition byzantine, qu’il peut être convaincu que la connexion a toujours existé pendant les siècles intermédiaires.

VIIIe-XIIe siècles:
Ce texte richement décoré qui ouvre l’Evangile de Jean dans le Livre de Kells, début du IXe siècle, montre le style insulaire de l’illumination: décoratif et non illustratif.
Dans les écoles indigènes d’illumination de l’Europe occidentale, la décoration était seulement le motif principal. Dans les manuscrits de la période mérovingienne, dans l’école qui rattachait Frankland et le nord de l’Italie, et qui est dite lombarde ou franco-lombarde, dans les manuscrits de l’Espagne, dans les productions de l’art insulaire des îles britanniques, figure-dessin était à peine connu, servant plutôt de trait de décoration que de représentation de la forme humaine.

L’école anglo-saxonne, développée spécialement à Canterbury et à Winchester, qui tire probablement son dessin caractéristique à main levée des modèles romains classiques, à peine influencé par l’élément byzantin. Les plus grandes qualités des miniatures des Xe et XIe siècles de cette école résident dans le dessin du contour, qui a eu une influence durable sur la miniature anglaise des siècles suivants. Mais l’école anglo-saxonne méridionale se démarque plutôt de la ligne générale de développement de la miniature occidentale médiévale.

Sous les monarques carolingiens s’est développée une école de peinture dérivée de modèles classiques, principalement de type byzantin. Dans cette école, qui doit son origine aux encouragements de Charlemagne, on voit que la miniature apparaît sous deux formes. D’abord, il y a la miniature vraiment conventionnelle suivant le modèle byzantin, les sujets étant généralement les portraits des quatre évangélistes, ou portraits des empereurs eux-mêmes: les figures formelles; les pages brillamment colorées et dorées, généralement placées dans un environnement architectural d’un type fixe, et dépourvues de paysage dans le vrai sens du mot. Accompagné comme il l’était avec une décoration abondante en bordure et initiale, il a établi le modèle pour les dernières écoles continentales de l’Ouest. D’un autre côté, il y a aussi la miniature dans laquelle il y a une tentative d’illustration, comme, par exemple, la représentation de scènes de la Bible. Ici, il y a plus de liberté; et nous retrouvons le style classique qui copie les modèles romains, par opposition aux modèles byzantins.

L’influence exercée par l’école carolingienne sur les miniatures des artistes sud-anglo-saxons se manifeste par l’usage prolongé de la couleur corporelle et par l’emploi plus élaboré de l’or dans la décoration. Un manuscrit comme le Bénédiction de saint Thelwold, évêque de Winchester, 963 à 984, avec sa série de miniatures dessinées dans le style indigène mais peintes en pigments opaques, montre l’influence de l’art étranger. Mais le dessin actuel restait essentiellement national, marqué par son propre traitement de la figure humaine et par la disposition de la draperie avec des plis de battement. Le style était raffiné, tendant à l’exagération et à la disproportion des membres. Avec la conquête normande, cette remarquable école maternelle est morte.

Avec l’éveil de l’art au XIIe siècle, la décoration des manuscrits reçut un puissant élan. Les artistes de l’époque ont excellé dans la frontière et l’initiale, mais dans la miniature il y avait aussi un dessin vigoureux, avec des lignes de balayage audacieuses et une étude attentive des draperies. Les artistes se sont davantage exercés à la figure, et tandis qu’il y avait toujours la tendance à répéter les mêmes sujets de la même manière conventionnelle, l’effort individuel a produit dans ce siècle beaucoup de miniatures d’un caractère très noble.

La conquête normande avait amené l’Angleterre directement dans le giron de l’art continental; et maintenant commença ce groupement des écoles française et anglaise et flamande, qui, favorisées par des relations croissantes et mûries par des impulsions communes, aboutirent à la magnifique production des enlumineurs du nord-ouest de l’Europe à partir de la fin du XIIe siècle. .

Mais du paysage naturel il n’y a rien, à moins que des rochers et des arbres d’un caractère stéréotypé puissent être ainsi considérés. D’où l’arrière-plan de la miniature du 12e siècle et des siècles qui suivirent devinrent le terrain de la décoration pour mettre en relief plus fortement les personnages de la scène. Et c’est ainsi que s’est formée la pratique de remplir tout l’espace d’une feuille d’or, souvent brunie: une brillante méthode d’ornementation que nous avons déjà vue pratiquée dans l’école byzantine. Nous devons également remarquer le traitement conventionnel des figures sacrées, qui continuent désormais, par vénération, d’être vêtues des robes traditionnelles des premiers siècles, tandis que les autres personnages de la scène portent l’habit ordinaire de l’époque.

13ème-15ème siècles:
En entrant au 13ème siècle, nous atteignons la période où la miniature peut être dite pour justifier la fausse étymologie moderne qui a relié le titre avec minutie. Le style large et audacieux du 12ème siècle donne lieu à la précision et la minute. Les livres en général ont échangé leur forme du grand folio à l’octavo et aux plus petites tailles. Il y avait une plus grande demande de livres; et le vélin était limité en quantité et devait aller plus loin. L’écriture est devenue plus petite et a perdu la rondeur du 12ème siècle. Contractions et abréviations dans les textes ont augmenté en nombre. Partout, il y a un effort pour économiser de l’espace. Et ainsi de suite avec la miniature. Les chiffres étaient petits, avec des traits délicats dans les traits et avec des corps minces et des membres minces. Les arrière-plans flamboient de couleur et d’or poli; et les modèles délicats de couche-culotte d’or alternatif et de couleur abondent. Fréquemment, et particulièrement dans les manuscrits anglais, les dessins sont simplement teintés ou lavés avec des couleurs transparentes. Dans ce siècle aussi, la miniature envahit l’initiale. Alors que dans les périodes antérieures, les parchemins fleuris en gras sont à la mode, une petite scène est maintenant introduite dans les espaces vides de la lettre.

Pour comparer le travail des trois écoles, le dessin de la miniature anglaise, à son meilleur, est peut-être le plus gracieux; le français est le plus propre et le plus précis; le flamand, y compris celui de l’ouest de l’Allemagne, est moins raffiné et dans des lignes plus dures et plus fortes. Quant aux couleurs, l’artiste anglais affecte des teintes un peu plus claires que celles des autres écoles: on observe une partialité pour le vert clair, pour le gris-bleu et pour le lac. L’artiste français aimait les nuances plus profondes, en particulier l’outremer. Le Flamand et l’Allemand peignaient, en règle générale, dans des couleurs moins pures et inclinés à la lourdeur. Une caractéristique notable dans les manuscrits français est l’or rouge ou cuivré utilisé dans leurs illuminations, en contraste fort avec le métal plus pâle de l’Angleterre et des Pays-Bas.

Il est remarquable comment l’art de la miniature tout au long du 13ème siècle maintient sa haute qualité à la fois dans le dessin et la couleur sans aucun changement très frappant. Tout au long du siècle, la Bible et le Psautier étaient en faveur; et naturellement les mêmes sujets et les mêmes scènes ont traversé la période et ont été répétés par l’artiste après l’artiste; et le caractère même de ces livres sacrés tendrait à restreindre l’innovation. Mais vers la fin de la période, des œuvres aussi séculaires que les romans gagnaient en popularité et offraient un champ plus large à l’invention de l’artiste illustrateur. Par conséquent, avec l’ouverture du 14ème siècle survient un changement de style palpable. Nous passons à des lignes plus fluides; non pas aux traits et aux courbes audacieuses du XIIe siècle, mais à un style gracieux, délicat et élastique qui produisait les belles figures ondoyantes de l’époque. En fait la miniature commence maintenant à se libérer du rôle de membre intégral du schéma décoratif de l’illumination et à se développer dans l’image, en fonction de son propre mérite artistique pour la position qu’elle doit occuper dans le futur. Ceci est illustré par la place plus importante que la miniature assume maintenant, et par son indépendance croissante de la bordure décorative et initiale.

Mais, en même temps, tandis que la miniature du XIVe siècle s’efforce de se dissocier du reste des détails enluminés du manuscrit, elle s’épanouit en décoration. Outre la plus grande élasticité du dessin figuré, il y a un développement parallèle dans les conceptions des arrière-plans. Les couches deviennent plus élaborées et plus brillantes; la beauté de l’or bruni est renforcée par les motifs pointillés qui sont souvent travaillés sur elle; les voûtes gothiques et d’autres éléments architecturaux qu’il est devenu la pratique d’introduire naturellement suivi le développement de l’architecture de la période. En un mot, la grande expansion du sentiment artistique dans la décoration du meilleur type, si importante dans l’œuvre supérieure du XIVe siècle, est également remarquable dans la miniature enluminée.

Au début du siècle, le dessin anglais est très gracieux, les figures se pliant avec un mouvement ondulant qui, si elles n’étaient pas si simples, serait une affectation. Les deux dans les spécimens de contour, lavés avec la couleur transparente, et dans le plein. exemples peints, le meilleur travail anglais de cette époque est inégalé. L’art français conserve encore sa précision soignée, les couleurs plus vives que celles de l’Angleterre et les visages délicatement indiqués sans trop de modélisme. Les productions des Pays-Bas, conservant le dessin plus lourd, semblent grossières à côté des œuvres des autres écoles. L’art miniature allemand de cette période ne tient pas non plus une position élevée, étant généralement mécanique et d’un caractère rustique. Au fur et à mesure que le temps avance, la miniature française monopolise presque le champ, excellant dans l’éclat de la couleur, mais perdant beaucoup de sa pureté du dessin, bien que le niveau général reste élevé. L’école anglaise rétrograde graduellement et, sans doute à cause des causes politiques et des guerres avec la France, elle semble n’avoir produit aucune œuvre de grande valeur. Ce n’est que vers la fin du XIVe siècle qu’il y a un renouveau.

Ce renouveau a été attribué à une connexion avec l’école florissante de Prague, une école qui dans le schéma de coloriage suggère une influence méridionale suivant le mariage de Richard II avec Anne de Bohême en 1382. Le nouveau style de la peinture miniature anglaise se distingue par richesse de la couleur, et par la modélisation soigneuse des visages, ce qui se compare favorablement au traitement plus léger des artistes français contemporains. Une attention similaire aux caractéristiques caractérise également l’école nord flamande ou hollandaise à cette période et au début du 15ème siècle; et il peut donc être considéré comme un attribut de l’art germanique distingué du style français.

La promesse du nouveau développement de la peinture miniature anglaise ne devait cependant pas être réalisée. Dans le premier quart du XVe siècle, des exemples de grand mérite ont été produits, mais à l’arrêt dans le dessin et enchaînés par la convention médiévale. L’art indigène s’est pratiquement terminé vers le milieu du siècle, au moment même où la meilleure appréciation de la nature démolissait la vieille représentation conventionnelle du paysage dans l’art européen et transformait la miniature en image moderne. Quelle que fût la peinture miniature qui devait être produite en Angleterre après cette époque, elle devait être l’œuvre d’artistes étrangers ou d’artistes imitant un style étranger. L’état du pays pendant les Guerres des Roses explique suffisamment l’abandon de l’art. Ainsi, l’histoire de la miniature au XVe siècle doit être recherchée dans les manuscrits des écoles continentales.

Nous devons d’abord considérer le nord de la France et les Pays-Bas. À sa sortie du 14e siècle et au XVe siècle, la miniature des deux écoles commence à montrer une plus grande liberté de composition; et il y a encore une tendance à viser plutôt à l’effet général par la coloration que la netteté dans le dessin. Cela a été encouragé par le champ plus large ouvert au miniaturiste. Des livres de toutes sortes étaient illustrés, et les livres sacrés, les Bibles et les Psautiers et les livres liturgiques n’étaient plus les manuscrits principaux, sinon les seuls, qui étaient illuminés. Et pourtant, il y avait une classe de manuscrit qui avait la plus grande importance et qui était en même temps liturgique. C’était le Horae, ou Livre d’Heures, livres de dévotion à usage individuel, qui se multipliaient en grand nombre et contenaient quelques-uns des plus beaux travaux des miniaturistes. La décoration de ces petits volumes s’échappait en grande partie des contraintes conventionnelles que leur caractère religieux pouvait leur imposer. De plus, la demande de manuscrits enluminés avait déjà établi un commerce régulier; et leur production n’était pas confinée, comme autrefois, au cloître. Les artistes manuscrits enluminés séculaires notables incluent Master Honoré de l’école de Paraisan.

Au début du siècle, le vieux traitement conventionnel du paysage tenait toujours; le fond en couches et dorés ne s’est pas non plus épuisé. En effet, dans certains des meilleurs spécimens français de l’époque, les motifs en couches sont plus brillants que jamais. Mais le paysage naturel du second quart du siècle s’affirme avec plus de netteté, mais avec des failles en perspective. Ce n’est que lorsqu’une autre génération est apparue qu’il y a eu une véritable appréciation de l’horizon et de l’effet atmosphérique.

Les miniatures des écoles française et flamande sont assez parallèles pendant un certain temps, mais après le milieu du siècle les caractéristiques nationales deviennent plus marquées et divergentes. La miniature française a commencé à se détériorer, bien que de très beaux exemples aient été produits par les artistes les plus doués de l’école. Le dessin était plus insouciant, et la peinture tendait à la dureté sans profondeur, que l’artiste cherchait à soulager par un excès d’ombres dorées.

L’école flamande dans la dernière partie du 15ème siècle a atteint sa plus haute excellence. La miniature flamande a affecté la douceur extrême et la profondeur de la couleur; aussi un soin toujours croissant dans le traitement des détails, des draperies, de l’expression des traits: le visage flamand de la Vierge, par exemple, au front plein et haut, ne peut jamais se tromper. Dans les meilleures miniatures flamandes de l’époque, l’artiste réussit à présenter une merveilleuse douceur et une lueur de couleur; La haute qualité ne cessa pas avec le 15ème siècle, car de nombreux spécimens excellents restent encore pour attester la faveur dans laquelle il a été détenu pendant quelques décennies de plus.

Dans les remarques qui précèdent, ce qui a été dit en ce qui concerne le traitement soigneux des détails s’applique encore plus aux miniatures exécutées en grisaille, dans lesquelles l’absence de couleur invitait à accentuer encore plus ce traitement. C’est peut-être ce qui se remarque le plus dans les miniatures en grisaille de la Flandre du Nord, qui suggèrent souvent, en particulier dans les fortes lignes angulaires des draperies, un rapport avec l’art du graveur sur bois.

La miniature flamande n’a cependant pas la faveur de l’Europe occidentale sans rivale. Ce rival avait surgi dans le sud et s’était perfectionné en même temps que la miniature des Pays-Bas au XVe siècle. C’était la miniature italienne, qui passait par les mêmes étapes que les miniatures de l’Angleterre et de la France et des Pays-Bas. L’intercommunication entre les pays d’Europe était trop bien établie pour qu’il en soit autrement. Dans les manuscrits italiens du type normal, l’influence de l’art byzantin est très manifeste aux XIIIe et XIVe siècles. Le vieux système de peinture des teintes de chair sur du vert olive ou un pigment similaire, qui reste exposé sur les traits des traits, obtenant ainsi un teint basané, continua à être pratiqué sous une forme plus ou moins modifiée jusqu’au XVe siècle. En règle générale, les pigments utilisés sont plus opaques que ceux utilisés dans les écoles du Nord; et l’artiste se fiait plus à la couleur seule pour obtenir l’effet désiré qu’au mélange de couleur et d’or qui donnait de si brillants résultats dans les motifs de la France. Le vif écarlate des miniaturistes italiens est particulièrement le leur. La figure est moins réaliste que l’art contemporain des manuscrits anglais et français, la forme humaine étant souvent épaisse. En général, la miniature italienne, avant sa grande expansion au 14ème siècle, est loin derrière les miniatures du nord. Mais avec le 15ème siècle, sous l’influence de la Renaissance, il a avancé dans le front

Le style italien a été suivi dans les manuscrits de Provence aux 14ème et 15ème siècles. Il a eu son effet, aussi, sur l’école du nord de la France, par laquelle il a été également influencé à son tour. Dans les manuscrits du sud de l’Allemagne, il est également en évidence. Mais les principes qui ont été examinés comme guidant le développement de la miniature dans les écoles les plus importantes s’appliquent également à tous. Comme la miniature de l’école flamande, la miniature italienne était encore travaillée dans une certaine mesure avec succès, sous le patronage spécial, même au 16ème siècle; mais avec le déplacement rapide du manuscrit par le livre imprimé, l’occupation du miniaturiste se termina.

Perse
Reza Abbasi (1565-1635), considéré comme l’un des peintres perses les plus renommés de tous les temps, spécialisé dans la miniature persane, avec une préférence pour les sujets naturalistes. Aujourd’hui, ses œuvres survivantes se trouvent dans de nombreux musées importants du monde occidental, tels que le Smithsonian, le Louvre et le Metropolitan Museum of Art.

Miniatures mogholes
La peinture moghole s’est développée pendant la période de l’empire moghol (16ème – 18ème siècles) et a été généralement confinée aux miniatures soit comme illustrations de livre ou comme travaux simples pour être conservés dans des albums. Il est issu de la tradition de la peinture miniature persane introduite en Inde par Mir Sayyid Ali et Abd al-Samad au milieu du 16ème siècle. Il s’est vite éloigné de ses origines safavides; Avec l’influence des artistes hindous, les couleurs sont devenues plus lumineuses et les compositions plus naturalistes. Le sujet était principalement laïc, principalement composé d’illustrations d’œuvres de littérature ou d’histoire, de portraits de membres de la cour et d’études de la nature. À son apogée, le style de peinture moghole représentait un mariage élégant de l’art perse, européen et hindi.

Exposition d’art miniature
Pour les artistes contemporains et les collectionneurs intéressés à visiter ou à participer à des expositions d’art miniature, il existe plusieurs expositions de ce type. Voici une liste de miniatures sélectionnées représentatives des œuvres d’art miniatures présentées à travers le monde aujourd’hui:

Exposition internationale annuelle de Miniature Art Society of Florida chaque année en janvier à Dunedin, Floride, États-Unis (Les œuvres doivent être de moins de 25 pouces carrés pour les peintures, de moins de 8 pouces pour toutes les sculptures et réalisées avec attention aux détails. pour les très petits sujets, mais en général, les objets représentés doivent être plus petits que 1/6 de leur taille d’origine.)

Sulfur Springs Valley International Miniature et Small Works Art Show chaque Février, Willcox, AZ États-Unis (Les peintures doivent être de moins de 20 pouces carrés et les objets doivent être 1/6 de leur taille d’origine ou moins.)

Galerie d’art de bord de mer Exposition miniature annuelle de beaux-arts tous les mois de mai, Nags Head, NC, États-Unis (Les peintures doivent mesurer 42 pouces carrés ou moins de l’extérieur des cadres et ne doivent pas dépasser 6 pouces. cette compétition.)

Exposition miniature internationale annuelle à la galerie Parklane tous les mois de mai, Kirkland (États-Unis) (Les entrées doivent mesurer moins de 25 pouces carrés pour les peintures, moins de 4 pouces pour les sculptures et être réalisées avec minutie. pour les très petits sujets, mais en général, les objets représentés doivent être plus petits que 1/6 de leur taille d’origine.)

L’Art de l’Exposition Miniature Invitation Annuelle Miniature à la Snow Goose Gallery chaque Mai, Bethlehem, PA USA (Les entrées doivent être de moins de 25 pouces carrés pour les peintures et créées avec attention aux détails. , mais en général les articles représentés doivent être plus petits que 1/6 de leur taille d’origine.)

Heartland Art Guild International Miniatures Peintures & Sculptures Art Show chaque Juillet, Miami County Historical Museum à Paola, KS USA (Les entrées doivent être moins de 25 pouces carrés pour les peintures, moins de 6 pouces dans toutes les dimensions pour les sculptures, et créé avec attention Les éléments représentés doivent être plus petits que 1/6 de leur taille d’origine.)

Exposition annuelle des portes des Rocheuses, Aurora History Museum, tous les mois d’octobre Aurora, CO USA (Les règles miniatures traditionnelles ne s’appliquent pas, le seul critère étant que les images aient une taille de 36 pouces carrés ou moins).

Miniature and More Invitational Show, Albuquerque Art Museum, tous les mois d’octobre, Albuquerque, NM USA (Les peintures sont limitées à un maximum de 324 pouces carrés (hauteur x largeur) ou toute proportion de hauteur et de largeur Pour la sculpture, la taille limite est de 15-20 pouces ou moins dans n’importe quelle dimension – hauteur, largeur ou longueur.

Exposition annuelle d’art miniature du Conseil des arts au Capitol Theatre Centre, tous les mois de novembre, Chambersburg, PA, USA (Les peintures doivent mesurer 24 pouces carrés ou moins, les sculptures ne peuvent dépasser 5 pouces dans toutes les dimensions. compétition.)

Miniatures Peintres Sculpteurs Graves Society of Washington DC Exposition annuelle Miniatures tous les mois de novembre, Bethesda, MD USA (Les images de peintures doivent mesurer 25 pouces carrés ou moins.) Les sculptures ne doivent pas dépasser 6 pouces dans toutes les dimensions. l’attention aux détails et la règle 1/6 pour les objets qui ne sont pas trop petits pour représenter 1/6 de leur taille.)

Exposition annuelle d’art miniature nord-américain à la galerie d’art de Fells Point, Baltimore, MD, USA (Les peintures doivent mesurer 24 pouces carrés ou moins, les sculptures ne doivent pas dépasser 8 pouces dans toutes les dimensions. l’attention aux détails et la règle 1/6 pour les objets qui ne sont pas trop petits pour représenter 1/6 de leur taille.)