Le minimalisme décrit les mouvements dans diverses formes d’art et de design, en particulier l’art visuel et la musique, où le travail vise à exposer l’essence, l’essentiel ou l’identité d’un sujet en éliminant toutes les formes, caractéristiques ou concepts non essentiels. Comme un mouvement spécifique dans les arts, il est identifié avec les développements dans l’art occidental après la Seconde Guerre mondiale, plus fortement avec les arts visuels américains dans les années 1960 et au début des années 1970. Ad Reinhardt, Tony Smith, Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Larry Bell, Anne Truitt, Yves Klein et Frank Stella figurent parmi les artistes de premier plan associés à ce mouvement. Les artistes eux-mêmes ont parfois réagi contre l’étiquette en raison de l’implication négative du travail étant simpliste. Le minimalisme est souvent interprété comme une réaction contre l’expressionnisme abstrait et comme un pont vers les pratiques artistiques postminimales.

Art minimal, minimalisme dans l’art visuel
Le minimalisme dans l’art visuel, généralement appelé «art minimal», art littéraire et ABC Art a émergé à New York au début des années 1960. Au départ, l’art minimal est apparu à New York dans les années 60, alors que les artistes nouveaux et plus anciens se dirigeaient vers l’abstraction géométrique; explorer par la peinture dans les cas de Frank Stella, de Kenneth Noland, d’Al Held, d’Ellsworth Kelly, de Robert Ryman et d’autres; et sculpture dans les œuvres de divers artistes, y compris David Smith, Anthony Caro, Tony Smith, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd et d’autres. La sculpture de Judd a été présentée en 1964 à la Green Gallery de Manhattan ainsi que les premières œuvres lumineuses fluorescentes de Flavin, tandis que d’autres grandes galeries de Manhattan comme la Leo Castelli Gallery et la Pace Gallery ont commencé à présenter des artistes axés sur l’abstraction géométrique. En outre, deux expositions muséales importantes et influentes ont été organisées du 27 avril au 12 juin 1966 au Musée juif de New York, organisées par le conservateur de la peinture et de la sculpture du musée, Kynaston McShine. La peinture systémique, au musée Solomon R. Guggenheim, organisée par Lawrence Alloway en 1966, qui présentait l’abstraction géométrique dans le monde de l’art américain via la toile façonnée, le champ de couleurs et la peinture Hard-edge. À la suite de ces expositions et de quelques autres, le mouvement artistique appelé art minimal a vu le jour.

Histoire
Jean Metzinger, à la suite du Succès de scandale créé à partir de la représentation cubiste au Salon des Indépendants de 1911, dans un entretien avec Cyril Berger paru dans le Paris-Journal du 29 mai 1911, déclarait:

Nous, les cubistes, n’avons fait que notre devoir en créant un nouveau rythme au profit de l’humanité. D’autres viendront après nous qui feront la même chose. Que vont-ils trouver? C’est le formidable secret du futur. Qui sait si un jour, un grand peintre, regardant avec mépris le jeu souvent brutal des soi-disant coloristes et ramenant les sept couleurs à l’unité blanche primordiale qui les englobe toutes, ne montrera pas des toiles complètement blanches, avec rien, absolument rien dessus . (Jean Metzinger, 29 mai 1911)

La prédiction audacieuse de Metzinger (alors) que les artistes mèneraient l’abstraction à sa conclusion logique en abandonnant entièrement la matière figurative et en revenant à ce que Metzinger appelle «l’unité blanche primordiale», une «toile complètement blanche» serait réalisée deux ans plus tard. L’auteur d’un manifeste satirique, peut-être Francis Picabia, dans une publication intitulée Evolution de l’art: Vers l’amorphisme, dans Les Hommes du Jour (3 mai 1913), a peut-être eu la vision de Metzinger quand l’auteur a justifié le blanc de l’amorphisme les toiles en affirmant que «la lumière nous suffit». Avec la perspective, écrit l’historien de l’art Jeffery S. Weiss, «Vers Amorphisme peut être un charabia, mais il suffisait aussi d’un langage fondateur pour anticiper les implications réductivistes extrêmes de la non-objectivité».

La peinture monochrome a été initiée lors de la première exposition des Arts Incohérents en 1882 à Paris, avec une peinture noire du poète Paul Bilhaud intitulée «Combat de Nègres dans un tunnel». Dans les expositions suivantes des Arts Incohérents (également dans les années 1880), l’écrivain Alphonse Allais proposa sept autres peintures monochromes, telles que «Première communion de jeunes filles anémiques dans la neige». « , blanc), ou » Récolte de la tomate par des cardinaux apoplectiques au bord de la Mer Rouge « ( » Récolte de tomates par des cardinaux apoplectiques sur la rive de la mer Rouge « , rouge). Cependant, ce type d’activité ressemble davantage au Dada du 20ème siècle, ou Neo-Dada, et particulièrement aux travaux du groupe Fluxus des années 1960, qu’à la peinture monochrome du 20ème siècle depuis Malevich.

Au sens large et général, on trouve des racines européennes du minimalisme dans les abstractions géométriques des peintres associés au Bauhaus, dans les œuvres de Kazimir Malevich, Piet Mondrian et d’autres artistes associés au mouvement De Stijl, et au mouvement constructiviste russe, et dans le travail du sculpteur roumain Constantin Brâncuşi. L’art minimal est également inspiré en partie par les peintures de Barnett Newman, Ad Reinhardt, Josef Albers, et les œuvres d’artistes aussi divers que Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Giorgio Morandi et d’autres. Le minimalisme était aussi une réaction contre la subjectivité picturale de l’expressionnisme abstrait qui dominait à New York School dans les années 1940 et 1950.

Le large éventail de possibilités (y compris l’impossibilité) d’interprétation des peintures monochromes est sans doute pourquoi le monochrome est si attachant à tant d’artistes, de critiques et d’écrivains. Bien que le monochrome ne soit jamais devenu dominant et que peu d’artistes s’y soient engagés exclusivement, il n’a jamais disparu. Il réapparaît comme si un spectre hantant le haut modernisme, ou comme symbole de celui-ci, apparaissait en période de bouleversements esthétiques et sociopolitiques.

Minimalisme de la peinture
Les peintres minimalistes sont inspirés par deux grandes figures tutélaires: Malevich et Ad Reinhardt. Le premier, premier, est un grand représentant du Suprématisme, un mouvement né en Russie en 1915 qui promeut la peinture «pure» et abstraite. Malevich dit que la peinture doit se libérer de toute représentation symbolique ou figurative et devenir non-subjective. En 1915, il crée la fameuse Black Square sur fond blanc, qui fait table rase de l’ancienne tradition picturale héritée de la Renaissance et déclare sa mort. Dans cette ligne, Ad Reinhardt a fait tout au long des années 1960 et jusqu’à sa mort, des peintures monochromes en séries qui font prévaloir le vide et le néant.

Travaillant à une redéfinition de l’art, et de la peinture en particulier, Frank Stella poursuit l’élan d’Ad Reinhardt en évoluant vers l’abstraction géométrique. Il crée des tableaux-objets aux formes originales, montrant des lignes droites, concentriques ou diagonales, régulières et homogènes, qui doivent plus à la largeur de la brosse utilisée qu’à la main de l’artiste. Il refuse l’interprétation dans l’art: ce qu’il veut, c’est dépersonnaliser l’œuvre d’art pour finir avec les figures de génie torturées à l’ego surdimensionné au Jackson Pollock. « Ma peinture est basée sur le fait que seulement ce qui peut être vu là-bas », dit Stella.

Les peintres minimalistes veulent limiter toute trace de facture picturale ou d’intervention de la main du peintre. En outre, les œuvres minimalistes se composent généralement de deux ou trois couleurs et de formes de base: rondes, carrées, droites, etc. La simplicité est primordiale et il n’y a pas de représentation subjective derrière le minimalisme; il est dépourvu de tout symbolisme et tente de jouer uniquement sur des formes et des couleurs évitant l’émotion au sens littéral du terme: un art dépourvu de sentiments.

Minimalisme en sculpture
Les artistes minimalistes utilisent des structures élémentaires simples, faites de matériaux simples et souvent laissés bruts (cuivre poli, acier), et des formes propres, constituées d’éléments sous lesquels la forme se dissout: pavement en carreaux de métal (Carl Andre), grand plié ou tôles roulées (Richard Serra), répétition de formes / volumes similaires (Donald Judd), morceaux de feutre lacérés et déformés par l’action de la seule gravité (Robert Morris), compositions linéaires en tubes de néon blanc ou coloré (Dan Flavin) , les barres creuses à section carrée forgées dans les courbes et contre les courbes (Albert Hirsch) sont des exemples caractéristiques d’œuvres minimalistes. Le choix des volumes géométriques simples doit être appréhendé immédiatement pour ce qu’ils sont (sans artifice). Les couleurs, les matériaux individuels permettent de produire des objets qui n’ont pas d’histoire émotionnelle et donc le contenu de la sculpture n’est autre que la sculpture elle-même, c’est une représentation minimale car elle est limitée à l’essentiel.

En outre, le minimalisme préconise une fusion des genres artistiques. Par exemple, la promenade de Richard Serra au Grand Palais en 2008 a invité le spectateur, comme son titre l’indique, à se déplacer autour du bâtiment autour des cinq plaques d’acier. Ces balades ont été « ponctuées » par la musique, notamment celle de Philip Glass comme le souligne Olivier Mongin dans le magazine Esprit.

Minimalisme en musique
La musique minimaliste est un courant de la musique contemporaine apparue dans les années 1960 aux États-Unis. Ses représentants les plus célèbres sont: Steve Reich, Michael Nyman, John Adams, Philip Glass, Terry Riley, Le Monte Young, Arvo Pärt … Le terme minimaliste est généralement considéré comme inapproprié pour cette musique, qui est aussi appelée « répétitive » parce qu’il est en partie basé sur un principe de répétition. Elle a diverses influences, le sérialisme, l’avant-garde musicale américaine autour de John Cage, ainsi que le jazz et la musique non-occidentale.

Le terme de musique minimaliste englobe un large éventail de styles, et est parfois confondu avec la musique postmoderne. Les premières œuvres minimalistes utilisent en fait un matériau plutôt clairsemé, avec l’utilisation de drones dans La Monte Young, ou des techniques de répétition, par décalage de phase chez Steve Reich, ou par addition / soustraction de motifs chez Philip Glass. Les œuvres ultérieures, cependant, s’écartent de plus en plus d’une utilisation « minimale » du matériel musical, en particulier chez John Adams.

Minimalisme dans le design
Le design minimaliste actuel s’inscrit dans l’approche adoptée au début du xx e siècle par le Bauhaus; en particulier par des architectes et des designers comme Ludwig Mies van der Rohe et Marcel Breuer. Certaines créations d’avant-guerre comme la chaise Zig-zag de Gerrit Rietveld peuvent également être qualifiées de «minimales».

Le travail de sculpteurs tels que Frank Stella ou Donald Judd a eu une influence sur des designers comme Shiro Kuramata. Donald Judd a également conçu des meubles.

Parmi les designers que l’on peut qualifier de minimalistes: Jasper Morrison, Jean-Marie Massaud, Ronan & Erwan Bouroullec ou Shiro Kuramata avec ses créations quasi immatérielles.

Renouveau monochrome
En France, entre 1947 et 1948, Yves Klein conçoit sa Symphonie Monotone (1949, officiellement The Monotone-Silence Symphony) composée d’un seul accord soutenu de 20 minutes suivi d’un silence de 20 minutes – un précédent pour la musique de drone de La Monte Young et 4’33 « de John Cage. Bien que Klein ait peint des monochromes dès 1949 et qu’il y ait tenu la première exposition privée de cette œuvre en 1950, sa première exposition publique fut la publication du livre de l’artiste Yves: Peintures en novembre 1954.

L’artiste et critique Thomas Lawson notait dans son essai de 1981 « Last Exit: Painting » Artforum, octobre 40-47, que le minimalisme ne rejetait pas les affirmations de Clement Greenberg sur la réduction de la peinture moderniste à la surface et aux matériaux. Selon Lawson, le minimalisme en était le résultat, même si le terme «minimalisme» n’était généralement pas adopté par les artistes qui lui étaient associés, et de nombreux praticiens de l’art désignés minimalistes par les critiques ne l’identifiaient pas comme un mouvement en tant que tel. Clément Greenberg lui-même s’est également opposé à cette affirmation; dans son post-scriptum de 1978 à son essai Modernist Painting, il a désavoué cette interprétation incorrecte de ce qu’il a dit; Greenberg a écrit:

Il y a eu d’autres constructions de ce que j’ai écrit qui vont dans l’absurdité: que je considère la platitude et l’inclinaison de la platitude non seulement comme les conditions limites de l’art pictural, mais comme critères de qualité esthétique dans l’art pictural; que plus une œuvre avance l’autodéfinition d’un art, mieux ce travail doit être. Le philosophe ou l’historien de l’art qui peut m’imaginer – ou n’importe qui – parvenir à des jugements esthétiques de cette manière se lit d’une manière choquante plus sur lui-même que sur mon article.

Contrairement aux expressionnistes abstraits plus subjectifs de la décennie précédente, à l’exception de Barnett Newman et Ad Reinhardt; les minimalistes ont également été influencés par les compositeurs John Cage et LaMonte Young, le poète William Carlos Williams et l’architecte paysagiste Frederick Law Olmsted. Ils ont très explicitement déclaré que leur art ne portait pas sur l’expression de soi, contrairement à la philosophie plus subjective de la décennie précédente concernant l’art qui était «objectif». En général, les caractéristiques du minimalisme comprenaient des formes géométriques, souvent cubiques, purgées de beaucoup de métaphores, l’égalité des parties, la répétition, les surfaces neutres et les matériaux industriels.

Robert Morris, un théoricien influent et artiste, a écrit un essai en trois parties, « Notes sur Sculpture 1-3 », initialement publié à travers trois numéros d’Artforum en 1966. Dans ces essais, Morris a tenté de définir un cadre conceptuel et des éléments formels et celui qui embrasserait les pratiques de ses contemporains. Ces essais ont accordé une grande attention à l’idée de la gestalt – « parties … liées ensemble de telle sorte qu’elles créent une résistance maximale à la séparation perceptuelle. » Morris décrivit plus tard un art représenté par une «propagation latérale marquée et aucune unité régularisée ou intervalle symétrique …» dans «Notes on Sculpture: Beyond Objects», initialement publié dans Artforum, 1969, continuant à dire que «l’indétermination de l’arrangement des pièces est un aspect littéral de l’existence physique de la chose.  » Le changement général de théorie dont cet essai est une expression suggère les transitions dans ce qui sera plus tard appelé postminimalisme. L’un des premiers artistes spécifiquement associés au minimalisme fut le peintre Frank Stella, dont les premières peintures à «fines rayures» furent incluses dans le spectacle de 1959, Americans, organisé par Dorothy Miller au Museum of Modern Art de New York.

La largeur des bandes dans les peintures à fines rayures de Frank Stellas a été déterminée par les dimensions du bois utilisé pour les civières, visible comme la profondeur de la peinture vue de côté, utilisée pour construire le châssis de soutien sur lequel la toile était tendue. Les décisions concernant les structures sur la face avant de la toile n’étaient donc pas entièrement subjectives, mais pré-conditionnées par une caractéristique «donnée» de la construction physique du support. Dans le catalogue du spectacle, Carl André a noté: «L’art exclut l’inutile: Frank Stella a jugé nécessaire de peindre des rayures, il n’y a rien d’autre dans sa peinture. Ces œuvres réductrices contrastaient fortement avec les tableaux remplis d’énergie et apparemment hautement subjectifs et chargés d’émotion de Willem de Kooning ou de Franz Kline et, en termes de précédent parmi la précédente génération d’expressionnistes abstraits, se penchaient davantage vers le moins gestuel, souvent sombre , peintures sur le terrain de couleur de Barnett Newman et Mark Rothko. Bien que Stella ait reçu une attention immédiate du spectacle du MoMA, des artistes comme Kenneth Noland, Gene Davis, Robert Motherwell et Robert Ryman avaient également commencé à explorer les formats de bandes, monochromatiques et hard-edge de la fin des années 50 jusqu’aux années 1960.

En raison d’une tendance dans l’art minimal à exclure le pictural, l’illusionniste et le fictif en faveur du littéral, il y avait un mouvement qui s’éloignait des préoccupations picturales et artistiques. Donald Judd a commencé en tant que peintre, et a fini en tant que créateur d’objets. Son essai fondateur, «Specific Objects» (publié dans Arts Yearbook, 1965), était une pierre de touche de la théorie pour la formation de l’esthétique minimaliste. Dans cet essai, Judd a trouvé un point de départ pour un nouveau territoire pour l’art américain et un rejet simultané des valeurs artistiques résiduelles héritées de l’Europe. Il a souligné la preuve de ce développement dans les œuvres d’un éventail d’artistes actifs à New York à l’époque, y compris Jasper Johns, Dan Flavin et Lee Bontecou. D’importance «préliminaire» pour Judd était l’œuvre de George Earl Ortman, qui avait concrétisé et distillé les formes de la peinture dans des géométries émoussées, résistantes, philosophiquement chargées. Ces objets spécifiques habitaient un espace qui n’était pas confortablement classable en tant que peinture ou sculpture. Que l’identité catégorique de ces objets fût elle-même remise en cause et qu’ils évitaient de s’associer facilement à des conventions bien connues et trop familières, cela faisait partie de leur valeur pour Judd.

Ce mouvement a été fortement critiqué par les critiques d’art formalistes modernistes et les historiens. Certains critiques pensaient que l’art minimal représentait une incompréhension de la dialectique moderne de la peinture et de la sculpture telle que définie par le critique Clement Greenberg, sans doute le critique américain dominant de la peinture dans la période précédant les années 1960. La critique la plus remarquable du minimalisme a été produite par Michael Fried, un critique formaliste, qui s’est opposé au travail sur la base de sa «théâtralité». Dans Art and Objecthood (publié dans Artforum en juin 1967), il a déclaré que l’œuvre d’art minimale, en particulier la sculpture minimale, reposait sur un engagement dans la physicalité du spectateur. Il a soutenu qu’un travail comme celui de Robert Morris transformait l’acte de regarder en un type de spectacle, dans lequel l’artifice de l’observation de l’acte et la participation du spectateur à l’œuvre étaient dévoilés. Fried a vu ce déplacement de l’expérience du spectateur d’un engagement esthétique à l’intérieur, à un événement en dehors de l’œuvre d’art comme un échec de l’art minimal. L’essai de Fried a été immédiatement contesté par l’artiste postminimaliste et de la terre Robert Smithson dans une lettre à l’éditeur dans le numéro d’octobre d’Artforum. Smithson a déclaré ce qui suit: « Ce que Fried craint le plus, c’est la conscience de ce qu’il fait – à savoir être lui-même théâtral. »

En plus de Robert Morris, Frank Stella, Carl Andre, Robert Ryman et Donald Judd, Robert Mangold, Larry Bell, Dan Flavin, Ronald Bladen, Ronald Bladen, Agnès Martin, Paul Baog, Paul Mogensen, Ronald Mangold Davis, Charles Hinman, David Novros, Brice Marden, Blinky Palerme, John McCracken, Ad Reinhardt, Fred Sandback, Richard Serra, Tony Smith, Patricia Johanson et Anne Truitt.

Ad Reinhardt, en fait un artiste de la génération de l’expressionnisme abstrait, mais dont les peintures réductrices presque entièrement noires semblaient anticiper le minimalisme, avait ceci à dire sur la valeur d’une approche réductive de l’art:

Plus il y a de choses, plus l’œuvre d’art est occupée, pire c’est. Plus est moins. Moins est plus. L’œil est une menace pour la vue. La mise à nu de soi-même est obscène. L’art commence par se débarrasser de la nature.

La remarque de Reinhardt aborde et contredit directement le point de vue de Hans Hofmann sur la nature comme source de ses propres peintures expressionnistes abstraites. Dans un échange célèbre entre Hofmann et Jackson Pollock raconté par Lee Krasner dans une interview avec Dorothy Strickler (1964-11-02) pour la Smithsonian Institution Archives of American Art. Dans les mots de Krasner,

«Quand j’ai amené Hofmann pour rencontrer Pollock et voir son travail avant que nous déménagions ici, la réaction de Hofmann était – une des questions qu’il a posées à Jackson était: travaillez-vous de la nature? Il n’y avait pas encore de vie ou de mannequin autour de Jackson? La réponse fut, je suis la nature, et la réponse d’Hofmann fut, Ah, mais si vous travaillez par cœur, vous vous répéterez, ce à quoi Jackson ne répondit pas du tout. La rencontre entre Pollock et Hofmann eut lieu en 1942.